Consultas al +56 9 7621 0280 |Contacto@Dramascara.cl

Biblioteca

Obras de teatro listas para montar, estudiar o interpretar — acceso digital inmediato.

  • "Don Juan O El Festin De Piedra" - Molière (1665.)

    “Don Juan O El Festin De Piedra” – Molière (1665.)

    $1.490

    ¿Qué pasaría si el mayor seductor del mundo no creyera en nada… ni siquiera en el infierno?

    Don Juan, joven aristócrata, brillante, elegante e irresistible, ha hecho del amor un deporte y del engaño una forma de vida. No hay mujer que no pueda conquistar ni promesa que no rompa. Ya sea una dama de alta alcurnia, una campesina inocente o una novicia arrancada del convento, Don Juan no conoce límites. Lo acompaña siempre Sganarelle, su criado, tan cobarde como moralista, quien intenta inútilmente frenar la caída de su amo hacia el abismo.

    A través de esta comedia profundamente crítica, Molière presenta a un personaje audaz, irreverente y moderno, que pone en jaque las instituciones del matrimonio, la religión y la moral de su época. Don Juan no solo es un seductor, sino también un iconoclasta: desprecia a Dios, ridiculiza a los médicos, se disfraza para escapar de sus enemigos y miente sin pestañear. Su retórica es tan poderosa que incluso hace dudar a quienes lo condenan.

    Pero el mundo que Don Juan ha despreciado no se queda callado. Las mujeres traicionadas, los hombres humillados, los dioses burlados… todos piden justicia. En esta obra llena de ritmo, humor y tensiones filosóficas, lo cómico y lo trágico se entrelazan hasta alcanzar un desenlace memorable.

    Ideal para compañías que deseen explorar la seducción del poder, la fragilidad de la verdad y la eterna lucha entre el placer y la conciencia.

  • "Tartufo, El Impostor" - Molière (1669.)

    “Tartufo, El Impostor” – Molière (1669.)

    $1.490

    ¿Qué pasaría si en tu casa se instalara un extraño, vestido de virtud, y poco a poco empezara a controlar tus decisiones, tus afectos y tu familia? Esa es la pregunta que plantea Tartufo, una de las comedias más emblemáticas y afiladas de Molière.

    En una casa burguesa del París del siglo XVII, Tartufo se presenta como un humilde y piadoso devoto. Con rezos fingidos y palabras llenas de falsa moral, se gana la confianza ciega del patriarca Orgon, quien lo eleva a un lugar de poder dentro del hogar. Mientras los demás miembros de la familia —incluida su perspicaz esposa Elmira y la astuta sirvienta Dorina— intentan abrirle los ojos, Orgon solo ve en Tartufo a un guía espiritual enviado por el cielo.

    Pero las intenciones de Tartufo van mucho más allá de la piedad. ¿Qué esconde bajo su túnica este hipócrita virtuoso? ¿Hasta dónde puede llegar la ceguera de alguien obsesionado con las apariencias religiosas? Tartufo mezcla sátira, enredos amorosos y un retrato feroz de la hipocresía institucional, en una comedia tan hilarante como provocadora.

    Ideal para lectores que disfrutan del humor punzante, las tramas bien urdidas y las obras que aún hoy nos interpelan con preguntas incómodas sobre fe, poder y engaño.

  • "El Medico A Palos" - Molière (1666.)

    “El Medico A Palos” – Molière (1666.)

    $1.490

    El médico a palos es una hilarante comedia de enredos que se burla sin piedad de la ignorancia disfrazada de sabiduría. Todo comienza cuando Bartolo, un leñador tosco y holgazán, es brutalmente engañado por su propia esposa para vengarse de los golpes y malos tratos que ha recibido. ¿Su castigo? Ser forzado a hacerse pasar por un médico... ¡a golpes!

    Desde ese momento, Bartolo se convierte, muy a su pesar, en el "doctor milagroso" que debe sanar a una joven noble que ha perdido el habla misteriosamente. Pero nada es lo que parece. La joven, Doña Paula, oculta un secreto: su enfermedad es fingida y su corazón está enredado en una historia de amor prohibido.

    Con personajes vivos, diálogos chispeantes y situaciones absurdas que bordean lo surreal, esta obra de Molière critica las apariencias, la falsa autoridad, y los matrimonios impuestos. El público se deleita viendo cómo un rústico se convierte en sabio, los criados manipulan a los amos, y el amor encuentra caminos insospechados para florecer.

    Una joya del teatro clásico, perfecta para públicos modernos que disfrutan del humor físico, la sátira social y los desenlaces inesperados. Si alguna vez pensaste que el conocimiento se puede "dar a palos", esta obra lo lleva al extremo... y te hará reír a carcajadas.

  • “Las Preciosas Ridiculas” – Molière (1659.)

    “Las Preciosas Ridiculas” – Molière (1659.)

    $1.490

    En el corazón de París, donde la elegancia y el ingenio parecen dictar el valor de las personas, dos jóvenes provincianas, Madelón y Cathos, buscan algo más que simples maridos: anhelan vivir dentro de las páginas de una novela romántica. Educadas en la pomposidad de la literatura preciosista, desprecian todo lo que huela a lo cotidiano, incluso a los hombres reales que les ofrecen un matrimonio honesto.

    Pero cuando el amor propio de dos pretendientes despreciados se une con el espíritu burlón del teatro, comienza un juego de apariencias que pronto envolverá a todos. Criados que se hacen pasar por nobles, galanterías absurdas, plumas que valen oro y versos improvisados... todo en un torbellino de afectación y ridiculez que explota en carcajadas y reflexiones sobre la falsa nobleza, el amor y la identidad.

    Las preciosas ridículas es una joya del teatro clásico que retrata con finísimo humor la obsesión por el estatus, la imitación de las élites y el vacío detrás del exceso de forma sin contenido. Una sátira aguda que, más allá de su época, sigue cuestionando nuestras máscaras sociales. Perfecta para quienes aman el humor inteligente, los giros teatrales y los personajes que se creen más de lo que son.

  • “Las Mujeres Sabias” – Molière (1672.)

    “Las Mujeres Sabias” – Molière (1672.)

    $1.490

    En el corazón del París burgués del siglo XVII, una familia se convierte en el campo de batalla entre el amor sincero y la arrogancia disfrazada de sabiduría. Las Mujeres Sabias es una comedia vibrante y afilada donde Molière saca a relucir su genio satírico con una precisión quirúrgica.

    Enriqueta, joven de espíritu libre y enamorada de Clitandro, debe enfrentarse a la voluntad de su madre Filaminta, su hermana Armanda y su tía Belisa: mujeres que veneran el conocimiento a tal punto que han caído bajo el hechizo de Trissotin, un supuesto hombre de letras tan pretencioso como ridículo. La tensión crece cuando el sentido común, el amor verdadero y la voz de la razón —representados por Enriqueta, Crisalio y Aristo— se enfrentan a la tiranía del falso saber y la pedantería.

    Con diálogos agudos y personajes inolvidables, esta obra es un espejo burlesco de aquellos que confunden erudición con sabiduría, y que prefieren la forma sobre el fondo. Un clásico imperdible, ideal para poner en escena el eterno debate entre apariencia y verdad, entre la razón y la moda intelectual.

    ¿Te atreves a desenmascarar a los falsos sabios?

  • “La Escuela De Los Maridos” – Molière (1661.)

    “La Escuela De Los Maridos” – Molière (1661.)

    $1.490

    La escuela de los maridos es una deliciosa comedia satírica donde Molière se burla del autoritarismo masculino y celebra la inteligencia femenina. Ambientada en la plazuela de los Afligidos en Madrid, la historia gira en torno a dos hermanos —Don Gregorio y Don Manuel— que han criado a sus jóvenes pupilas con filosofías opuestas: uno desde el encierro y el control; el otro, desde la confianza y la libertad.

    Rosita, la pupila de Gregorio, es la protagonista de una intriga en la que demuestra que ni el más estricto encierro puede detener la voluntad de una mujer decidida a ser libre. Con el ingenio como su mejor arma, Rosita enfrenta la vigilancia de su viejo tutor y crea un plan que no solo le permite burlar su control, sino también tomar las riendas de su vida y su corazón.

    Mientras tanto, su hermana Leonor, educada con libertad, apoya con sororidad las decisiones de Rosa y defiende el derecho de las mujeres a ser tratadas con dignidad y confianza. Los criados, cómicamente deslenguados, completan un retrato social de la época que, aunque cómico, pone el dedo en la llaga de una cultura profundamente desigual.

    Perfecta para estudiantes, compañías teatrales y lectores ávidos de clásicos con perspectiva actual, esta obra es un espejo de nuestras contradicciones y una joya del humor crítico.

  • “El Misántropo, El Atrabiliario Enamorado” – Molière (1666.)

    “El Misántropo, El Atrabiliario Enamorado” – Molière (1666.)

    $1.490

    "El Misántropo" es una de las comedias más mordaces de Molière. En esta obra, seguimos los pasos de Alceste, un hombre que detesta la hipocresía de la sociedad cortesana, pero que, irónicamente, cae preso de un amor imposible por Celimena, una mujer ingeniosa y seductora que representa todo lo que él desprecia.

    Mientras Alceste defiende con fiereza su franqueza y su desprecio por las adulaciones, los demás personajes se deslizan cómodamente por un mundo hecho de apariencias, sonrisas fingidas y ambiciones cortesanas. La escena parisina se convierte en un tablero de ajedrez donde cada palabra y cada gesto son parte de un juego más profundo: el del poder, la atracción y el autoengaño.

    Molière construye aquí un retrato implacable de la sociedad del siglo XVII que sigue siendo ferozmente actual. ¿Qué pasa cuando uno decide decir siempre la verdad en un mundo construido sobre mentiras? ¿Es la honestidad una virtud o una condena? Esta obra, tan divertida como punzante, invita al espectador a cuestionarse si es posible amar sin perderse, o si el amor también exige una cuota de fingimiento.

    Una comedia deliciosa y filosófica, donde cada diálogo es una estocada, y cada risa, un espejo.

  • “Edipo, El Tirano“ – Sófocles (429 A.C.)

    “Edipo, El Tirano“ – Sófocles (429 A.C.)

    $1.490

    Imagina una ciudad en ruinas, azotada por una peste implacable, cuyo destino depende de una verdad enterrada en el pasado. En el corazón de Tebas, el sabio y valiente Edipo, célebre por haber salvado a la ciudad del enigma de la Esfinge, se enfrenta a su mayor desafío: descubrir quién asesinó al rey Layo. Pero lo que empieza como una cruzada por la justicia se convierte en un descenso vertiginoso hacia lo más oscuro del alma humana.

    Edipo, el Tirano es una de las tragedias más intensas y perfectas del teatro universal. Con ritmo implacable, Sófocles teje una historia donde la búsqueda de la verdad se transforma en una trampa mortal. Las profecías, el orgullo, el amor y la culpa se entrelazan hasta un final desgarrador.

    Una obra que te hará reflexionar sobre los límites del conocimiento y el poder devastador del destino. Ideal para quienes buscan emociones profundas, tensión dramática y personajes inolvidables. Cada escena es un golpe certero al alma.

  • “Edipo En Colono“ – Sófocles (401 A.C.)

    “Edipo En Colono“ – Sófocles (401 A.C.)

    $1.490
    En "Edipo en Colono", la tragedia de Sófocles, el ex-rey de Tebas, Edipo, busca refugio en la ciudad de Colono después de haber sido desterrado por sus crímenes involuntarios. A medida que avanza la trama, Edipo, ciego y marcado por su trágico destino, enfrenta el dolor de su pasado mientras intenta encontrar un lugar donde morir en paz. En esta nueva ciudad, se encuentra con la figura de Antígona, su fiel hija, quien le ofrece consuelo y apoyo en sus momentos de desesperación. La obra aborda temas profundos como el destino, la identidad y la redención, explorando la lucha interna de Edipo entre su culpabilidad y su deseo de absolución. En su encuentro con los habitantes de Colono y su protector, el dios, se despliega un drama emocional que revela las complejidades de la naturaleza humana y el sufrimiento que conlleva la búsqueda de la verdad. La atmósfera se vuelve cada vez más tensa a medida que Edipo confronta las sombras de su pasado y la realidad de su sufrimiento, culminando en un poderoso mensaje sobre la resiliencia y el deseo de redención. Esta obra maestra no solo es un testimonio del destino, sino también una reflexión sobre la condición humana.
  • “Medea“ – Eurípides (401 A.C.)

    “Medea“ – Eurípides (401 A.C.)

    $1.490
    La tragedia "Medea" de Eurípides relata la historia de una mujer poderosa que enfrenta la traición y el dolor de forma implacable. Medea, quien ha abandonado su tierra y familia por amor a Jasón, se encuentra destrozada cuando él la abandona para casarse con la hija del rey de Corinto. Esta traición despierta en ella una furia insaciable que la lleva a tomar medidas drásticas en su búsqueda de justicia y venganza. La obra explora temas universales como la venganza, el sacrificio y la lucha por la dignidad en un contexto de opresión patriarcal. Eurípides presenta a Medea como una figura trágica y poderosa, una mujer que desafía los límites de la moral y enfrenta el dolor de forma devastadora. "Medea" sigue siendo una obra relevante, mostrando hasta dónde puede llevarnos el amor traicionado y la desesperación en un mundo donde la justicia se vuelve personal y extrema.
  • “Lisístrata" – Aristófanes (411 A. C.)

    “Lisístrata” – Aristófanes (411 A. C.)

    $1.490
    "Lisístrata", escrita por Aristófanes en el 411 a.C., es una de las comedias más conocidas del teatro clásico griego y destaca por su temática feminista y política. La obra narra cómo Lisístrata, una mujer ateniense cansada de la guerra entre Atenas y Esparta, convoca a las mujeres de ambas ciudades para llevar a cabo una huelga sexual con el objetivo de forzar a los hombres a firmar la paz. Lisístrata y sus aliadas juran abstenerse de tener relaciones sexuales con sus esposos hasta que cesen las hostilidades. Con la esperanza de poner fin a la guerra, las mujeres se atrincheran en la Acrópolis de Atenas, donde se guarda el tesoro de la ciudad, mientras los hombres intentan, en vano, seducirlas y recuperar el control. A lo largo de la obra, Aristófanes utiliza el humor, los dobles sentidos y las situaciones absurdas para criticar la irracionalidad de la guerra, el machismo de la sociedad griega y la falta de sentido común en la política. Lisístrata es presentada como una mujer valiente e inteligente, capaz de organizar una revuelta pacífica y de hacer que tanto atenienses como espartanos se sienten a negociar. "Lisístrata" es una obra que, a pesar de su antigüedad, sigue siendo relevante por su mensaje de paz, la crítica social y su enfoque en el poder de las mujeres en una sociedad dominada por los hombres.
  • “Las Asambleístas” – Aristófanes (392 A. C.)

    “Las Asambleístas” – Aristófanes (392 A. C.)

    $1.490
    "Las Asambleístas", escrita por Aristófanes en el 392 a.C., es una comedia satírica que se centra en la política y las cuestiones sociales de la Atenas clásica. La obra sigue a Praxágora, una mujer ateniense que, desilusionada por la incompetencia de los hombres para gobernar la ciudad, lidera a un grupo de mujeres que se disfrazan de hombres para asistir a la Asamblea y tomar el control del gobierno. Praxágora propone un plan radical: establecer una sociedad donde todo sea compartido, incluyendo la propiedad privada, los alimentos y hasta las parejas. Las mujeres, argumenta, serían mejores gobernantes porque ya manejan eficazmente los asuntos domésticos y saben cómo mantener el orden y la economía. A medida que la obra avanza, las mujeres logran que su plan sea aprobado, y Atenas pasa a un régimen comunal donde las desigualdades se eliminan y la riqueza y el amor se distribuyen equitativamente entre todos los ciudadanos. La obra está llena de humor, con personajes que representan estereotipos exagerados de hombres y mujeres, y que ridiculizan tanto a la política ateniense como a los roles de género. "Las Asambleístas" es una crítica aguda y cómica a la corrupción, la avaricia y la disparidad social, pero también una reflexión sobre el poder y los derechos de las mujeres en una sociedad dominada por hombres.
  • “La Paz” – Aristófanes (421 A. C)

    “La Paz” – Aristófanes (421 A. C)

    $1.490
    La Paz es una comedia escrita por Aristófanes en el 421 a.C., durante la Guerra del Peloponeso. La obra sigue la historia de Trigeo, un viñador ateniense cansado del conflicto bélico que decide viajar al Olimpo montado en un gigantesco escarabajo volador para pedirle a Zeus que detenga la guerra. Sin embargo, al llegar, descubre que los dioses han abandonado el Olimpo, dejando a Polemo (la personificación de la Guerra) a cargo, quien ha encerrado a la diosa Paz en una cueva. Trigeo, con la ayuda de otros personajes, incluyendo al dios Hermes y un coro de griegos de diferentes ciudades, se embarca en la tarea de liberar a la Paz. La obra critica las divisiones internas y el deseo de guerra que han plagado a los griegos, mientras celebra el valor de la paz, la abundancia y la vida sencilla en el campo. Finalmente, Trigeo logra liberar a la Paz y regresa triunfante, acompañado de las diosas Opora (de las cosechas) y Teoría (de las festividades), para reintegrar la vida pacífica y la prosperidad en Atenas.
  • “Las Aves” – Aristófanes (414 A. C.)

    “Las Aves” – Aristófanes (414 A. C.)

    $1.490
    "Las Aves", escrita en el 414 a.C., es una de las comedias más imaginativas de Aristófanes. La historia sigue a dos ciudadanos atenienses, Pistetero y Evelpides, quienes, cansados de los problemas de su ciudad, deciden buscar un lugar más pacífico. Guiados por pájaros, encuentran a la abubilla, un antiguo rey transformado en ave, y juntos planean fundar una nueva ciudad en el cielo, llamada Nefelococigia (Ciudad de las Nubes y los Pájaros). La idea es simple pero audaz: construir una ciudad aérea que controle el paso entre los dioses y los mortales, forzando a los dioses a negociar la paz con los humanos a cambio de su libertad de movimiento. Con la ayuda de las aves, Pistetero y Evelpides logran construir la ciudad, y pronto, tanto los dioses como los humanos deben rendirse a su poder. Al final, Pistetero obtiene no solo la dominación de los cielos, sino también la mano de la hermosa Realeza, consolidando su control absoluto. La obra es una sátira de la política y la sociedad ateniense, mezclada con fantasía y humor. A través de la historia, Aristófanes critica las aspiraciones de poder y riqueza, representando a las aves como símbolos de libertad y escapismo frente a la corrupción y los conflictos humanos.
  • “Las Avispas” – Aristófanes (422 A.C.)

    “Las Avispas” – Aristófanes (422 A.C.)

    $1.490
    En "Las Avispas", Aristófanes nos sumerge en una sátira mordaz sobre la obsesión por los juicios en la antigua Atenas. La obra sigue a Filocleón, un anciano cuya adicción a juzgar lo ha llevado a la locura. Su hijo, Bdelicleón, desesperado por ponerle fin a esta afición, intenta de todo para mantenerlo en casa. A medida que se desarrollan hilarantes y absurdos intentos de escape, la obra despliega una crítica mordaz al sistema judicial y a los demagogos que manipulaban a la ciudadanía. El coro de avispas añade humor y agudeza a esta comedia que no solo busca entretener, sino también cuestionar la corrupción y los excesos de su tiempo. Una obra imprescindible para los amantes del teatro clásico y la comedia satírica.
  • “Las Nubes” – Aristófanes (423 A.C.)

    “Las Nubes” – Aristófanes (423 A.C.)

    $1.490

    En una Atenas llena de deudas y discursos, Las Nubes de Aristófanes nos presenta a Estrepsíades, un viejo granjero arruinado por los lujos de su hijo. En su desesperación, decide enfrentarse a lo impensable: entrar a estudiar con el filósofo más extravagante de la ciudad, un Sócrates flotante y aficionado al pensamiento aéreo. En esta escuela, no se enseña a vivir con virtud, sino a convencer con palabras, aunque el argumento sea un sinsentido.

    Acompañado por un coro de sensuales Nubes danzantes y discursos que caminan, Aristófanes nos sumerge en un mundo donde la lógica se dobla, la moral es opcional y lo absurdo se vuelve cotidiano. ¿Es posible aprender a salirse con la suya simplemente hablando bien? ¿Qué ocurre cuando el conocimiento pierde el rumbo y se usa solo para justificar lo injustificable?

    Con una mezcla hilarante de crítica social, filosofía parodiada y humor desbordante, Las Nubes es una obra que sigue vigente en cualquier época en que las palabras puedan más que los hechos. Ideal para quienes disfrutan de la sátira inteligente y el teatro que hace pensar mientras hace reír.

  • “Las Ranas” – Aristófanes (405 A. C.)

    “Las Ranas” – Aristófanes (405 A. C.)

    $1.490
    "Las Ranas", escrita por Aristófanes, es una comedia clásica que se adentra en el mundo del teatro y la literatura de la antigua Grecia, mientras aborda temas de política, cultura y el papel de la tragedia en la sociedad. La obra comienza con el dios del vino y la fiesta, Dionisio, quien desciende al inframundo en busca de un dramaturgo talentoso que pueda revivir la gloria del teatro griego. A lo largo de su travesía, Dionisio se encuentra con varios personajes extravagantes, incluido Caronte, el barquero, y un coro de ranas que aportan un toque cómico y absurdo a la trama. La interacción entre Dionisio y los muertos en el inframundo genera situaciones hilarantes y críticas sobre el estado del arte dramático de su época. El clímax de la obra ocurre cuando Dionisio debe decidir entre dos famosos dramaturgos, Esquilo y Eurípides, en un concurso de poesía y tragedia. A través de este conflicto, Aristófanes no solo ofrece una sátira de la política y la cultura de su tiempo, sino que también reflexiona sobre la importancia de la tragedia en la vida de los griegos, haciendo de "Las Ranas" una obra divertida y provocativa que invita a la reflexión.
  • "Fuenteovejuna" - Lope De Vega (1619.)

    “Fuenteovejuna” – Lope De Vega (1619.)

    $1.490

    Fuenteovejuna es una de las obras más poderosas del Siglo de Oro español, donde el amor, el honor y la justicia se entrelazan con una intensidad sobrecogedora. En una villa campesina sometida a la tiranía de un noble corrupto, las voces silenciadas de las mujeres y los hombres comunes comienzan a alzarse. Laurencia, una joven labradora decidida y valiente, se convierte en símbolo de resistencia al enfrentarse al abuso de poder con una dignidad imbatible.

    Frondoso, su enamorado, desafía el peligro para protegerla, mientras que el pueblo entero enfrenta un dilema moral: ¿cómo resistir a la injusticia sin perder la propia humanidad? En un contexto político donde los Reyes Católicos buscan afianzar su poder, Fuenteovejuna narra con tensión creciente la historia de un pueblo que, acorralado, decide actuar con un solo corazón y una sola voz.

    Con momentos de lirismo, comedia popular y emoción desgarradora, esta obra maestra de Lope de Vega no solo conmueve, sino que nos hace reflexionar sobre el poder del pueblo unido frente a la opresión. Un clásico que habla de hoy con la fuerza de siempre.

  • “Las Tesmoforias” – Aristófanes (411 A.C.)

    “Las Tesmoforias” – Aristófanes (411 A.C.)

    $1.490
    "Las Tesmoforias" es una comedia escrita por Aristófanes en el año 411 a.C., en la cual el autor explora, con su característico humor satírico, la relación entre el dramaturgo Eurípides y las mujeres de Atenas. La obra se centra en las celebraciones de las Tesmoforias, un festival religioso exclusivo para mujeres en honor a las diosas Deméter y Perséfone. La historia comienza cuando las mujeres, enfadadas por la forma en que Eurípides las retrata en sus tragedias, deciden condenarlo durante el festival. Eurípides, al enterarse de esto, envía a su suegro Mnesíloco, disfrazado de mujer, para infiltrarse en la asamblea femenina y defenderlo. Sin embargo, la misión de Mnesíloco fracasa cuando es descubierto y desenmascarado por las mujeres, quienes lo atrapan y humillan. A lo largo de la obra, se suceden situaciones cómicas y absurdas mientras Eurípides intenta rescatar a su suegro utilizando parodias de sus propias tragedias. La obra es una crítica a la hipocresía social y a la percepción de las mujeres en la Atenas clásica, pero también una burla al propio Eurípides y a la seriedad de sus obras. Aristófanes utiliza personajes caricaturescos y diálogos ingeniosos para ridiculizar tanto a hombres como a mujeres, presentando una visión satírica y mordaz de la sociedad ateniense.
  • “Los Arcanienses” – Aristófanes (425 A.C.)

    “Los Arcanienses” – Aristófanes (425 A.C.)

    $1.490

    En medio de una Atenas desgarrada por la guerra, un solo hombre se atreve a desafiar la locura colectiva. Los Acarnienses es una comedia audaz, divertida y profundamente política que se ríe de los poderosos, de la burocracia, de los generales fanfarrones y hasta de los poetas trágicos. Diceópolis, harto de discursos vacíos y guerras interminables, decide pactar una paz... pero no para todos: ¡solo para él, su familia y su felicidad!

    Con diálogos hilarantes, disfraces ridículos, personajes disfrazados de cerdos, miseria teatral al estilo Eurípides y un desfile de políticos corruptos, Aristófanes construye una sátira feroz que nos recuerda que la paz, la risa y el deseo valen más que cualquier gloria militar.

    Ideal para quienes aman la comedia crítica, el humor irreverente y las obras teatrales con mensaje social. Los Acarnienses es un clásico atemporal que sigue siendo tan pertinente como en la antigua Grecia.

  • "En plena Noche" - Antonin Artaud (1948.)

    “En plena Noche” – Antonin Artaud (1948.)

    $1.490

    En plena noche, cuando los movimientos se quiebran y las máscaras caen, Antonin Artaud irrumpe con una voz imposible de domesticar.

    El bluff surrealista no es una obra cómoda ni conciliadora. Es un grito escrito desde la fractura, una acusación directa contra un surrealismo que —según Artaud— traicionó su esencia al someterse a ideologías, partidos y consignas. Aquí no hay escenas tradicionales ni personajes múltiples: hay una conciencia en combustión, enfrentada al mundo, al arte y a la idea misma de revolución.

    Artaud desmonta la noción de cambio social como espectáculo externo y propone algo más inquietante: una revolución que comienza y termina en el interior del alma. El texto se mueve entre la lucidez y la rabia, entre la mística y el desprecio, cuestionando toda acción que no nazca de una transformación espiritual real.

    Este monólogo-manifiesto es una experiencia escénica intensa, ideal para montajes minimalistas, performáticos o rituales. Una obra que interpela directamente al espectador, lo incomoda, lo provoca y lo obliga a preguntarse qué significa, realmente, ser libre.

    No es un texto para agradar.
    Es un texto para despertar.

  • “Los Caballeros” – Aristófanes (424 A.C.)

    “Los Caballeros” – Aristófanes (424 A.C.)

    $1.490
    ¿Puede un simple vendedor de chorizos convertirse en el salvador de una ciudad? En esta genial comedia de Aristófanes, lo imposible se vuelve posible. Los Caballeros nos lleva a un Atenas gobernado por la corrupción y la demagogia, donde un populista sin escrúpulos manipula al pueblo con falsas promesas y oráculos amañados. Pero la solución no viene de los sabios, ni de los héroes, sino de un personaje aún más descarado, salido del mercado: un choricero sin educación pero lleno de picardía y agallas. Esta obra, cargada de sarcasmo y brillantes diálogos, es un golpe directo a la política hipócrita de todos los tiempos. Con un coro de caballeros que representa a los ciudadanos decentes y una serie de escenas desbordantes de humor e ironía, Aristófanes nos invita a reír y reflexionar. Ideal para quienes aman el teatro con carácter, audacia y crítica social. Los Caballeros no ha perdido vigencia: sigue hablando, con risas filosas, de los vicios del poder y de cómo el pueblo, a veces, se deja seducir por el más gritón, y no por el más sabio.
  • “Pluto” – Aristófanes (380 A.C.)

    “Pluto” – Aristófanes (380 A.C.)

    $1.490
    "Pluto", una comedia clásica escrita por Aristófanes en el año 380 a.C., presenta una crítica satírica a la distribución de la riqueza y el comportamiento humano frente a ella. La historia se centra en Cremilo, un campesino que, preocupado por la pobreza que lo rodea, consulta al oráculo de Delfos para saber si debe educar a su hijo en la maldad para garantizar su éxito. El oráculo le aconseja seguir al primer hombre que encuentre, que resulta ser Pluto, el dios de la riqueza, quien está ciego. A lo largo de la obra, Cremilo y su esclavo Carión intentan devolverle la vista a Pluto para que solo distribuya riquezas entre los justos, dejando a los malvados en la miseria. En su camino, se encuentran con personajes como la Pobreza, que defiende su rol en la sociedad, argumentando que sin ella no habría trabajo ni esfuerzo. Sin embargo, Cremilo persiste en su misión, convencido de que la justicia y la prosperidad deben prevalecer. La obra explora temas como la justicia social, la riqueza, la moralidad y la corrupción, siempre con el característico humor mordaz de Aristófanes. A través de diálogos ingeniosos y situaciones absurdas, "Pluto" refleja las tensiones económicas y sociales de la Atenas antigua, pero con una vigencia que resuena en cualquier época.
  • “Prometeo Encadenado” – Esquilo (467 A.C.)

    “Prometeo Encadenado” – Esquilo (467 A.C.)

    $1.490

    En los confines del mundo, sobre una roca solitaria azotada por los elementos, un dios sufre el peso del castigo eterno. Prometeo Encadenado, obra maestra de Esquilo, nos transporta a una época donde la tiranía divina se impone sin piedad y la desobediencia se paga con tormento.

    Prometeo, un titán noble y rebelde, es encadenado por haber desafiado a Zeus en nombre de la humanidad. Con coraje, entrega a los mortales un regalo sagrado: el fuego, símbolo del conocimiento y del progreso. Su acto de compasión lo convierte en enemigo del nuevo orden olímpico. A través de su martirio, se despliega una red de visitas simbólicas: el coro de Oceánides que empatiza con su dolor, Océano que le aconseja la prudencia, Io —la mujer-vaca errante—, víctima de otro castigo divino, que cruza su destino con el del Titán, y Hermes, el vocero del poder, que exige sumisión.

    Prometeo Encadenado no es solo un lamento divino; es una feroz denuncia contra la injusticia, una defensa de la inteligencia, la libertad y la dignidad. En medio de la desesperanza, resuena la promesa de redención futura y la certeza de que incluso el poder más alto puede temblar.

    Esta tragedia es una joya del teatro griego, cargada de símbolos, emociones y cuestionamientos existenciales que siguen siendo profundamente actuales. Perfecta para lectores, estudiantes y artistas que buscan una obra con fuerza ética, belleza poética y hondura filosófica.

  • “Las Suplicantes” – Esquilo (455 A.C.)

    “Las Suplicantes” – Esquilo (455 A.C.)

    $1.490

    Un grupo de mujeres valientes llega a las costas de Grecia buscando refugio. Son las hijas de Dánao, descendientes de una estirpe divina que huye del horror de un matrimonio impuesto. Frente al altar de los dioses, con ramas de súplica en las manos, alzan sus voces implorando justicia. La obra Las Suplicantes, escrita por Esquilo, nos invita a un viaje cargado de simbolismo, resistencia y conflicto político. Aquí, el drama no solo está en la huida, sino en la difícil elección entre la compasión y el peligro que enfrentan quienes dan acogida.

    Esta obra es una poderosa exploración de la voluntad femenina frente a la opresión, el rol de la ley divina y la justicia humana, y las tensiones entre la piedad y el poder. Con imágenes impactantes, diálogos profundos y una atmósfera que oscila entre lo sagrado y lo político, Esquilo construye un escenario que resuena hasta hoy con temas universales: migración, dignidad, y el derecho a decidir sobre el propio cuerpo. Las Suplicantes es más que un texto antiguo; es una llamada a la conciencia, una tragedia que incomoda, inspira y conmueve.

  • “Los Siete Contra Tebas” – Esquilo (467 A.C.)

    “Los Siete Contra Tebas” – Esquilo (467 A.C.)

    $1.490

    En una Tebas sitiada y dividida por la sangre y el poder, la tragedia estalla como el trueno de un dios ofendido. Los Siete Contra Tebas, de Esquilo, es un canto oscuro y grandioso sobre la herencia maldita de Edipo y el destino inevitable que persigue a sus hijos. Cuando siete poderosos capitanes argivos se lanzan contra las puertas de la ciudad, Eteocles, el rey tebano, se erige como líder firme y resuelto, dispuesto a defender hasta el último muro. Cada guerrero enemigo es más temible que el anterior, y entre ellos está Polinices, su propio hermano, quien regresa del exilio para reclamar lo que cree suyo por derecho: el trono de Tebas.

    Entre súplicas religiosas, visiones proféticas y los lamentos de un coro de mujeres tebanas, se desata el drama. Eteocles no solo lucha contra los invasores, sino también contra su destino, el peso de las maldiciones paternas y la sombra de una casa en ruinas. La obra no es solo un relato bélico, es un poema trágico sobre el orgullo, el deber, la familia rota y la justicia de los dioses, que rara vez coincide con la de los hombres.

    Al final, la ciudad se salva, pero el precio es alto: la muerte fraterna que sella el sino de la casa de Layo. Esta obra poderosa es un retrato de la guerra como herencia y condena, donde los verdaderos enemigos no siempre están fuera de los muros.

  • “Los Persas” – Esquilo (472 A.C.)

    “Los Persas” – Esquilo (472 A.C.)

    $1.490

    Los Persas de Esquilo es una obra única dentro del teatro clásico griego: en lugar de retratar mitos, dramatiza un hecho histórico reciente desde la perspectiva de los vencidos. Ambientada en la ciudad de Susa, capital del imperio persa, la tragedia nos sitúa tras la expedición militar del rey Jerjes contra Grecia, con una atmósfera cargada de ansiedad, presagios y presentimientos.

    Desde la voz colectiva del Coro de ancianos, hasta la solemne figura de Atosa, madre del rey, la obra despliega una red de emociones: orgullo, temor, desconsuelo y fatalismo. Cuando un mensajero irrumpe con noticias del frente, el esplendor imperial persa comienza a desmoronarse. A través de una narración vívida y brutal, Esquilo retrata el colapso de una potencia ante la resistencia helénica, sin necesidad de mostrar el campo de batalla: lo que estremece es la resonancia del desastre en quienes lo esperan en casa.

    Con la aparición espectral de Darío, símbolo del pasado glorioso, la tragedia adquiere un tono casi profético. ¿Cuál es el precio de la soberbia? ¿Qué ocurre cuando un imperio desafía a los dioses y sobrestima su poder? En un cierre conmovedor, Los Persas nos invita a reflexionar sobre la fragilidad del poder, el respeto a los límites humanos y la dignidad ante la derrota. Una obra profundamente conmovedora, vigente y poderosa en su mensaje.

  • “Las Euménides” – Esquilo (458 A.C.)

    “Las Euménides” – Esquilo (458 A.C.)

    $1.490
    Las Euménides es una obra magistral de Esquilo que nos lleva desde las sombras del crimen familiar hasta la luz del orden civil. Es la historia de un hijo atrapado entre la culpa y el mandato divino, perseguido por antiguas diosas sedientas de venganza. En medio del conflicto, la sabiduría de Atenea propone una nueva forma de resolver el dolor: el juicio justo. En este drama cargado de tensión, lo sobrenatural y lo humano chocan con fuerza poética. Las Erinis, terribles figuras del castigo ancestral, emergen desde las profundidades para exigir justicia, mientras los nuevos dioses proponen una solución basada en la razón. ¿Qué pesa más: la sangre derramada o la palabra del dios? Con una estructura poderosa, una visión mitológica profunda y una lección que resuena hasta nuestros días, Las Euménides nos invita a presenciar el nacimiento simbólico de la democracia y del derecho como lo conocemos. Una obra fundamental para amantes del teatro clásico, educadores, estudiantes y lectores que buscan una historia intensa y reveladora sobre los orígenes de la justicia humana.
  • “Las Coéforas” – Esquilo (458 A.C.)

    “Las Coéforas” – Esquilo (458 A.C.)

    $1.490

    Una tragedia intensa y desgarradora donde la justicia y la sangre se entrelazan sin escapatoria. Las Coéforas nos introduce en el corazón del mito de Orestes, el joven príncipe exiliado que regresa al hogar con una misión divina: vengar a su padre asesinado. Acompañado por Pílades y guiado por el oráculo de Apolo, Orestes se enfrenta al más devastador de los dilemas: cumplir su deber como hijo matando a su propia madre.

    A través de un lenguaje lírico y profundo, Esquilo nos muestra los efectos corrosivos de la venganza y la carga generacional de la culpa. El reencuentro entre Electra y Orestes es una joya de la dramaturgia clásica, donde el amor fraterno y el deseo de justicia arden con fuerza. El coro, compuesto por esclavas que sufren el destino de la casa real, añade una dimensión de humanidad y temor colectivo.

    Pero la victoria no es sin precio. Al ejecutar su venganza, Orestes se convierte en blanco de las Erinias, diosas infernales que castigan el crimen de matricidio. Así, esta obra pone en tensión la ley de los hombres y la ley de los dioses, abriendo paso al dilema ético que culminará en Las Euménides. Ideal para quienes buscan dramaturgia con peso, conflicto moral y una puesta en escena cargada de simbolismo.

  • “Agamenón” – Esquilo (458 A.C.)

    “Agamenón” – Esquilo (458 A.C.)

    $1.490

    Agamenón de Esquilo es una obra monumental que da inicio a una de las trilogías más poderosas del teatro antiguo: La Orestíada. En ella, el retorno glorioso del rey de los aqueos tras la caída de Troya se convierte en el preludio de una tragedia familiar teñida de sangre, venganza y maldiciones ancestrales. La casa de los Atridas, marcada por antiguos crímenes, vuelve a ser el escenario de un asesinato brutal.

    Clitemnestra, una de las figuras femeninas más complejas y desafiantes del teatro clásico, toma el control del destino familiar y político, urdiendo un plan mortal contra su esposo. La acompaña Casandra, profetisa condenada a ver el futuro sin poder evitarlo, quien anticipa su trágico final en un mundo donde el dolor, la traición y los crímenes rituales se entrelazan con la política y lo divino.

    Esta tragedia es una joya dramática que explora los límites del poder, la justicia y la culpa, enfrentando a sus personajes con decisiones imposibles. Es ideal para montajes intensos, con personajes fuertes, monólogos memorables y un trasfondo mitológico que sigue resonando en la actualidad.

  • "El Mercader De Venecia” – William Shakespeare (1605.)

    “El Mercader De Venecia” – William Shakespeare (1605.)

    $1.490

    Una libra de carne. Una deuda impagable. Una mujer, tres cofres y un corazón decidido.
    El Mercader de Venecia, obra maestra de William Shakespeare, nos lleva al corazón de una ciudad donde el comercio no solo mueve riquezas... también mueve pasiones, venganzas y traiciones.

    Antonio, noble mercader, arriesga todo por amor... pero no el suyo. Lo hace por su querido amigo Bassanio, quien desea conquistar a Porcia, una heredera brillante y determinada, cuyo matrimonio depende de una antigua prueba de sabiduría: elegir correctamente entre tres cofres. Para ayudarlo, Antonio firma un contrato con Shylock, un prestamista judío despreciado por la sociedad veneciana, quien acepta prestarle el dinero con una cláusula macabra: si no paga a tiempo, deberá entregarle una libra exacta de su carne.

    En paralelo, Jessica, la hija de Shylock, se fuga con un cristiano, llevándose parte del oro de su padre. Los destinos se entrelazan mientras el amor, el racismo, el honor, la ley y la religión chocan de manera explosiva. En medio de todo, Porcia demostrará que es mucho más que un premio: se disfraza, desafía la ley y toma el control del juicio más famoso de la literatura.

    Esta comedia con tintes oscuros es un brillante juego de máscaras donde nadie es del todo justo, ni del todo villano. ¿Qué vale más: la ley o la misericordia? ¿Quién es el verdadero "otro" en una sociedad que margina al diferente?

    Con momentos que van del humor al drama intenso, El mercader de Venecia es una obra provocadora y conmovedora que sigue despertando preguntas esenciales sobre el amor, la justicia y el perdón.

  • "Electra" - Eurípides (415 A.C.)

    “Electra” – Eurípides (415 A.C.)

    $1.490

    En las áridas tierras que bordean Argos, una mujer vive en la sombra del esplendor perdido. Electra, hija de reyes, carga con la herida abierta del asesinato de su padre y el exilio de su hermano. Mientras los usurpadores gobiernan con impunidad, ella resiste en silencio, abrazando su dolor y su dignidad.

    Eurípides nos ofrece en esta versión de Electra una mirada íntima, humana y desgarradora sobre la justicia, la memoria y el deseo de redención. A diferencia de otras tragedias, esta obra se centra en la fragilidad de los personajes y en los dilemas éticos de la venganza. ¿Es justa la justicia cuando hiere a quien la aplica? ¿Puede una hija matar por amor a su padre?

    Con una puesta en escena sencilla y conmovedora —una cabaña, un río, un sacrificio—, Electra despliega grandes pasiones: odio, esperanza, miedo y compasión. Una obra intensa y reflexiva, perfecta para compañías que buscan textos clásicos con fuerte carga emocional, diálogos filosóficos y una heroína inolvidable.

  • “El Paseo De Buster Keaton” – Federico Garcia Lorca (1925.)

    “El Paseo De Buster Keaton” – Federico Garcia Lorca (1925.)

    $1.490

    “El Paseo de Buster Keaton” es una joya surrealista donde la ternura y la crueldad se tocan con la punta de los dedos. Aquí, Federico García Lorca transforma al icónico actor del cine mudo en un viajero perdido entre juncos, bicicletas imposibles y animales que hablan. No hay realismo: hay poesía viva, imágenes que respiran, símbolos que atraviesan el alma.

    Buster inicia su paseo con un gesto brutal —matar a sus hijos con un puñal de madera— que no busca dolor, sino declarar que el mundo que viene no pertenece a la lógica humana. Desde ese instante, el espectador entra en una dimensión donde lo absurdo gobierna, pero lo hace con una belleza inquietante.

    El protagonista pedalea por un paisaje que se encoge, se estira y cambia como un sueño. Sus ojos infinitos —feos y bellos al mismo tiempo— ven lo que nadie más ve: pájaros que dialogan, bicicletas sin dimensiones, ciudades de papel, serafines pálidos, señoritas que tocan piano mientras montan en bicicleta, y un otoño que cae del cielo como un conjuro.

    Dos figuras femeninas surgen en su travesía:
    La Americana, mujer de celuloide, que pide objetos mágicos que él no posee.
    La Joven, mitad ruiseñor, que se desmaya al oír su nombre, revelando la potencia melancólica del personaje.

    El final llega como un susurro, con policías apareciendo en el horizonte, dejando sensación de fábula inacabada, como si la vida de Keaton fuera un recorrido sin fin entre inocencia y tragedia.

    Es una obra breve, intensa, visual y profundamente poética. Una pieza para quienes aman el teatro como arte de imágenes, sensaciones y símbolos.

  • “La Doncella, El Marinero Y El Estudiante” – Federico Garcia Lorca (1928.)

    “La Doncella, El Marinero Y El Estudiante” – Federico Garcia Lorca (1928.)

    $1.490

    En un balcón que mira al mar —ese territorio donde todo parte y nada vuelve igual— una joven borda letras en su ropa como quien ensaya destinos posibles. No tiene nombre único, no quiere tenerlo. Es la Doncella, y su cuerpo, su lenguaje y su deseo están abiertos como el alfabeto completo.

    A su alrededor, el mundo presiona. La tradición, encarnada en una anciana vendedora y una madre vigilante, observa con desconfianza esa libertad que no pide permiso. Desde el puerto emergen dos fuerzas opuestas: el Marinero, hijo del viaje, del cuerpo y de la acción; y el Estudiante, criatura nocturna, fugitivo del tiempo, habitante de la idea y la palabra.

    Ambos desean. Ambos prometen. Ambos arrastran su propia fragilidad. Ella escucha, pregunta, duda. El lenguaje se vuelve música, metáfora, carne. El mar canta. La luna gira. Las letras pesan.

    Federico García Lorca construye aquí una pieza breve, intensa y simbólica, donde el deseo femenino no es objeto sino motor, y donde la elección no es un simple dilema amoroso, sino una pregunta existencial: ¿vivir es anclarse o lanzarse?

    Esta obra es poesía encarnada en escena. Es teatro que respira, que arde, que incomoda. Ideal para montajes íntimos, simbólicos, contemporáneos, donde el cuerpo, la voz y la imagen dialogan sin concesiones.

    No hay moraleja. Hay vértigo.

  • “La Niña Que Riega La Albahaca Y El Príncipe Preguntón” – Federico Garcia Lorca (1923.)

    “La Niña Que Riega La Albahaca Y El Príncipe Preguntón” – Federico Garcia Lorca (1923.)

    $1.490

    En un rincón humilde de un pueblo andaluz vive Irene, una niña que riega una simple maceta de albahaca como si fuera un pequeño universo secreto. Del otro lado de la calle, encerrado entre lujos y protocolos, un joven Príncipe contempla el mundo con una mezcla de aburrimiento y curiosidad infantil. Dos miradas que jamás deberían cruzarse, y sin embargo se rozan un amanecer cualquiera, cuando ambos se asoman a sus ventanas.

    El Príncipe, fascinado por la frescura de Irene, le pregunta por las hojas de su planta; ella, entre canción y timidez, le responde con un acertijo tan antiguo como el amor: “¿Cuántas estrellitas tiene el cielo?”. Ese juego inocente desata en él una inquietud desconocida, tierna y torpe. El muchacho, acostumbrado a que todo se le resuelva, descubre que hay preguntas que ninguna corona puede contestar.

    Desde entonces, cada mañana el Príncipe busca a Irene: disfrazado de vendedor de uvas, inventando diálogos, atrapado entre su inocencia y su deseo de impresionarla. Ella, divertida, desconcertada, dulce y punzante a la vez, lo confunde a cada paso con su forma de mirar el mundo. Entre canciones, bromas y lágrimas cómicas, ambos se van acercando sin darse cuenta a ese punto exacto donde la infancia empieza a transformarse.

    Pero el amor, incluso en los cuentos, tiene espinas: un malentendido, una vergüenza, un silencio a tiempo, y el corazón del Príncipe cae en una melancolía que contagia todo el palacio. Los Sabios se alarman, los Pajes se desesperan y la corte entera busca una cura para un mal que, quizá, solo pueda resolverse con un gesto inesperado.

    Un cuento que mezcla humor, poesía y tradición popular, donde lo pequeño ilumina lo grande, y donde el amor se revela como un duende escondido en los rincones más sencillos del alma.

  • “El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

    “El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

    $1.490

    En una pradera encantada, donde los insectos viven una vida apacible y casi humana, un joven soñador se atreve a amar lo imposible.

    "El maleficio de la mariposa", la primera obra escénica de Federico García Lorca, es una exquisita fábula poética que transforma lo ínfimo —cucarachas, gusanos, alacranes y mariposas— en portadores de las pasiones humanas más profundas. A través del lirismo de sus versos y la ternura absurda de sus personajes, la obra nos presenta al pequeño Curianito el Nene, un insecto poeta que, desoyendo las normas de su comunidad, se enamora perdidamente de una mariposa herida que ha caído desde lo alto de un ciprés.

    Mientras su madre y los insectos del pueblo intentan emparejarlo con Silvia, una curiana acomodada, él solo sueña con el amor puro y trágico que representa esa criatura alada. Su anhelo es tan grande como su inocencia, y su rebeldía lo conduce a una conclusión inevitable: la belleza ideal no pertenece a este mundo. El amor, cuando apunta al cielo, puede convertirse en maldición.

    En esta obra, la sátira se mezcla con la tragedia, y la belleza de los símbolos naturales se entrelaza con el humor más negro. ¿Qué sucede cuando el amor se vuelve inalcanzable? ¿Qué precio pagamos por perseguir un ideal?

    "El maleficio de la mariposa" es un canto a la poesía, una crítica a la sociedad conformista y un retrato temprano del estilo único que haría de Lorca un ícono del teatro universal.

  • “Los Títeres De Cachiporra” – Federico Garcia Lorca (1922.)

    “Los Títeres De Cachiporra” – Federico Garcia Lorca (1922.)

    $1.490

    Bajo la luna andaluza, entre guitarras, porrazos y coplas, estalla el teatro más libre y rebelde: “Los títeres de cachiporra”. Federico García Lorca da vida a un espectáculo irreverente y chispeante donde los títeres no solo hablan... ¡gritan, aman, sufren y se rebelan!

    En el centro de la historia está Rosita, una muchacha llena de poesía y fuerza, que sueña con casarse por amor, no por conveniencia. Su corazón pertenece a Cocoliche, un joven sensible que le canta versos bajo la ventana. Pero su destino se tuerce cuando aparece el grotesco y autoritario Don Cristobita, un burgués con porra en mano y billetes en el bolsillo. Entre serenatas, peleas tabernarias, espectros amorosos y zapateros cómplices, la historia avanza como un torbellino de risas y tragedia.

    Es una obra para reír a carcajadas y luego quedarse pensando. Porque tras los títeres hay verdades humanas: el deseo de libertad, la lucha contra el poder, el anhelo del amor verdadero. Lorca mezcla lo popular y lo lírico, lo infantil y lo violento, lo absurdo y lo mágico, para entregarnos una obra única, visualmente potente y emocionalmente aguda.

    Ideal para quienes buscan teatro popular con alma de poeta.

  • “Caperucita Roja” – Perrault / Grimm (1812.)

    “Caperucita Roja” – Perrault / Grimm (1812.)

    $1.490

    Una niña encantadora. Un lobo elegante. Un bosque lleno de mariposas, flores… y trampas.

    Esta versión teatral de Caperucita Roja transforma el clásico cuento en una experiencia escénica mágica, divertida y profunda. Con diálogos ingeniosos, humor que cruza generaciones y escenas llenas de belleza visual, esta adaptación captura la atención tanto de los pequeños como de los adultos que los acompañan.

    Mientras Caperucita baila y recolecta flores para su abuela enferma, el público es testigo —gracias a un simpático cazador vigilante— de cómo los peligros pueden esconderse detrás de una sonrisa… o de un sendero luminoso. El lobo, galante y persuasivo, no engaña con la fuerza sino con palabras dulces, y la niña, distraída por mariposas, aprende que incluso las bellezas más inocentes pueden alejarla del camino.

    Con un final feliz y una escena de rescate inolvidable, esta obra es tanto una advertencia sutil como una celebración del ingenio, el humor y el poder del cuidado.

    Ideal para toda la familia. Un cuento de siempre… contado como nunca.

    Esta adaptación teatral de Caperucita Roja combina la crudeza del original de Perrault con el heroísmo del relato de los Hermanos Grimm, creando una puesta en escena llena de magia, humor y enseñanza. Caperucita es dulce y encantadora, pero su distracción la pone en peligro. El Lobo es elegante y persuasivo, mientras que el Cazador, siempre vigilante, representa la conciencia que observa desde las sombras. Mariposas mágicas, bosques encantados y una moraleja que se renueva hacen de esta obra un clásico reinventado para públicos de todas las edades.

  • “La Hechicera” – G. Núñez De Prado (1916.)

    “La Hechicera” – G. Núñez De Prado (1916.)

    $1.490

    En un lujoso colegio de señoritas, donde la disciplina y la apariencia lo son todo, una inesperada acusación estremece la rutina estudiantil. Adela, una joven brillante y de noble carácter, es señalada por el robo de unos pendientes. ¿La culpable? Según Emilia, la arrogante hija de familia aristocrática, no hay duda: fue Adela. Sin embargo, no todo es lo que parece.

    Mauricia, leal compañera, defiende la verdad contra viento y marea. Mientras tanto, la pequeña Josefina, aterrada, guarda un secreto más grande de lo que su corta edad puede soportar. En medio del drama adolescente y la opresión social, aparece una figura insólita: una anciana enigmática, conocida solo como “La Hechicera”. ¿Bruja o sabia? Nadie lo sabe con certeza, pero todos en la ciudad reconocen su sabiduría ancestral.

    Con una gata negra como aliada y una mente aguda como cuchilla, la anciana pondrá a prueba la conciencia de las jóvenes en una escena oscura, literal y simbólicamente. En la penumbra, una por una deberán tocar a la gata… pero la culpable intentará escabullirse del destino.

    “La Hechicera” es una comedia infantil con aroma de misterio, un cuento moral disfrazado de teatro escolar, donde la envidia, la lealtad, la astucia y la redención se dan cita en escena. Ideal para montajes escolares o infantiles con contenido, humor y un mensaje claro: la verdad siempre encuentra la forma de brillar, incluso en la oscuridad.

  • 30% ¡Off!
    "La Camila, Patriota De Sud-America" - Camilo Henriquez (1817.)

    “La Camila, Patriota De Sud-America” – Camilo Henriquez (1817.)

    El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

    En el corazón del Amazonas, entre selvas misteriosas y árboles centenarios, se refugia una familia quiteña que ha escapado de la cruenta represión española tras la revolución. La Camila o la patriota de Sud-América nos sumerge en una historia vibrante y profundamente emotiva, donde el amor, el honor y la lucha por la libertad se entrelazan en medio del exilio y la esperanza.

    Camila, una joven mujer fuerte, inteligente y apasionada, es el alma de esta historia. Su corazón guarda el recuerdo de un amor perdido y su espíritu encarna los ideales de una patria aún por conquistar. Junto a sus padres, se encuentra con una sociedad indígena que busca construir una república basada en la razón, la educación y la igualdad. Pero los fantasmas del pasado, las heridas de la traición y el miedo al poder colonial español amenazan con destruirlo todo.

    Inspirada en los ideales de la Ilustración y escrita por uno de los padres del pensamiento chileno, Camilo Henríquez, esta obra no es solo un drama, sino una declaración política, una alegoría de América en su lucha por la emancipación. A través de diálogos intensos y escenas conmovedoras, la obra expone con crudeza los dilemas morales y sociales de una época convulsionada, y eleva el papel de la mujer como símbolo de integridad y resistencia.

    Ideal para montajes contemporáneos con enfoque histórico, La Camila es una joya del teatro latinoamericano del siglo XIX que sigue resonando con fuerza en nuestro presente.

     
  • 30% ¡Off!
    "Ernesto" - Rafael Minvielle (1842.)

    “Ernesto” – Rafael Minvielle (1842.)

    El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

    Valencia, 1833. Un carruaje se detiene en las puertas de la ciudad. Ernesto de Guzmán regresa a su tierra tras años de exilio en América. Pero no vuelve como cualquier hijo pródigo. Vuelve marcado por el fuego de las guerras de independencia, por un amor jurado y por una conciencia que lo llevó a luchar contra las mismas banderas que lo vieron nacer.

    En el corazón de este drama palpitante se enfrentan la pasión de Ernesto y Camila —primos unidos desde la infancia por promesas sagradas— contra el orgullo de una familia que no perdona. Don Pedro, símbolo vivo de la vieja España, no puede aceptar que su sobrino, un Guzmán de linaje, haya blandido su espada por la libertad americana. Para él, la traición no tiene justificación, y la conciencia individual no puede desafiar al deber militar.

    Ernesto es un grito desgarrado en una España dividida entre el honor y el progreso, la lealtad y la libertad. Con diálogos encendidos, personajes entrañables y un trasfondo histórico vibrante, esta obra nos invita a reflexionar sobre la fidelidad, el sacrificio y las cadenas invisibles que la sociedad impone al corazón humano.

    Una historia intensa, romántica y trágica que se despliega como una batalla entre lo que uno es, lo que uno cree... y lo que la sociedad le permite ser.

  • 30% ¡Off!
    "Los Amores Del Poeta" - Don Carlos Bello (1842.)

    “Los Amores Del Poeta” – Don Carlos Bello (1842.)

    El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

    Amor, poesía y muerte en un triángulo letal.

    Los amores del poeta es un drama decimonónico lleno de pasión, ideales y sacrificios. En el centro de esta historia se encuentra Eugenio de Gressey, un poeta romántico al borde de la muerte, cuya única salvación parece ser el amor puro de Matilde de Monville. Ella, una viuda perseguida por un pasado trágico, guarda un secreto que vincula la sangre con el amor, la culpa con el honor.

    El coronel Fiercour, sombra implacable del pasado, reclama a Matilde como suya y está dispuesto a aniquilar a cualquiera que desafíe su obsesión. Entre confesiones líricas y amenazas veladas, el amor se convierte en campo de batalla. La obra plantea una lucha entre la palabra y la espada, entre el alma sensible del artista y la brutalidad del guerrero, entre el deseo de amar y la presión de una sociedad patriarcal que convierte a la mujer en botín.

    Con diálogos intensos, monólogos cargados de sensibilidad romántica y una estructura dramática envolvente, esta obra plantea interrogantes sobre el sentido de la vida, la libertad, el amor verdadero y la posibilidad del heroísmo moral en un mundo profundamente desigual.

    ¿Puede el amor redimir la violencia? ¿O está condenado a ser arrastrado por ella?

  • "El Cuento del Tio" - Juan Rafael Allende (1904.)

    “El Cuento del Tio” – Juan Rafael Allende (1904.)

    $3.000

    En el Chile del futuro imaginado por el siglo XIX —¡el año 2000!—, el ingenuo Inocencio Peñafiel llega al corazón del poder con una caja misteriosa bajo el brazo. Cree que contiene una fortuna, pero al entrar al Ministerio de Hacienda, se encontrará con algo más peligroso que la pobreza: la burocracia y la codicia.

    Entre plumas, sellos y decretos interminables, tres funcionarios —el solemne Ministro, el servil Oficial de Pluma y el calculador Oficial de Partes— rodean al ingenuo visitante con una mezcla de curiosidad y avaricia. ¿Qué habrá en la caja? ¿O acaso lo que brilla es el reflejo del engaño?

    Con humor punzante y una ironía brillante, Juan Rafael Allende convierte la oficina pública en un escenario de comedia política y farsa social, donde el poder, la corrupción y la inocencia se cruzan en un juego absurdo de apariencias.

    Una obra tan hilarante como lúcida, que anticipa un futuro ridículamente parecido a nuestro presente.
    💡 “El Cuento del Tío” es una radiografía de la eterna trampa entre el ingenuo que cree y el poderoso que se aprovecha.

  • "Rucacahuiñ" - Aurelio Díaz Meza (1912.)

    “Rucacahuiñ” – Aurelio Díaz Meza (1912.)

    $3.000

    Rucacahuiñ es una zarzuela chilena escrita en 1912 que nos transporta a los paisajes indómitos de la Araucanía, donde conviven tensiones coloniales, identidades cruzadas y una dignidad indígena que resiste. Entre montañas y rucas, emerge la historia de Juana Castañeda: una mujer chilena criada desde niña por mapuches tras ser rescatada en un asalto militar. Con el tiempo, se convierte en la esposa del cacique Puelpán y madre de sus hijos, simbolizando la unión entre dos mundos.

    La obra comienza como un encuentro casual entre comerciantes y viajeros, pero rápidamente revela los engranajes de un conflicto más profundo: la codicia del colono Miguel Rojas, quien no solo comercia con los bienes indígenas, sino que también codicia a Juana. Su plan para conquistarla desata una cadena de tensiones, resistencias y afectos cruzados que alcanzan su punto más alto durante el rucacahuiñ, la gran fiesta mapuche que da nombre a la obra.

    Con diálogos vibrantes, pasajes en mapudungun, humor popular y canto, la zarzuela fusiona comedia costumbrista, drama social y lirismo poético. Filuñamco, el sirviente astuto y narrador oral, se roba las risas del público mientras teje con sabiduría los relatos del pasado. Chávez, el mozo simplón y pícaro, sirve de espejo de la transformación cultural. La música de Alberto García Guerrero aporta emoción y ritualidad, acompañando cada escena con canto y ritmo.

    Rucacahuiñ no es solo una obra; es un testimonio de identidad, resistencia y humanidad. Una celebración dramática de la memoria viva del pueblo mapuche.

  • "Captura Y Fusilamiento De Dubois" - Anónimo (1907.)

    “Captura Y Fusilamiento De Dubois” – Anónimo (1907.)

    $3.000
    En las sombras del Chile de comienzos del siglo XX, un hombre llamado Emilio Dubois se convierte en el símbolo de un país desgarrado entre la miseria y la moral.
    Este drama, inspirado en hechos reales, recorre su descenso desde el crimen hasta la redención imposible. Lo vemos asesinar, ocultarse entre cuecas y borrachos, burlar la policía y enfrentarse al destino con la calma de quien ya lo ha perdido todo.
    Pero en la cárcel, Dubois se revela humano: ama, se casa, reza, reniega de los curas y pide solo una cosa antes del fusilamiento: que su mujer y su hijo sean protegidos por el país que lo condena.
    “Captura y Fusilamiento de Dubois” es más que una historia policial: es un espejo de la sociedad chilena de su tiempo.
    Su último grito —“¡Justicia, pero para todos!”— resuena más allá del cadalso, exigiendo igualdad ante la ley en un país que aún hoy parece no haberla alcanzado.
    Una tragedia moderna con corazón obrero y voz de denuncia.  
  • “Jardín De Cerezos” – Anton Chejov (1904.)

    “Jardín De Cerezos” – Anton Chejov (1904.)

    $3.000
    En los albores del siglo XX, cuando el mundo antiguo se derrumba y el nuevo aún no se asienta, una familia rusa vive su última primavera entre los cerezos que florecen por costumbre y los sueños que ya no germinan.
    Liubov Ranevskaia vuelve del extranjero con la ilusión de revivir su hogar, pero su jardín —blanco como un recuerdo que se niega a morir— está hipotecado. Lopajin, un comerciante que antes fue siervo, le ofrece salvar la finca si acepta talar los árboles y parcelar la tierra. La propuesta es práctica, pero hiere el alma de quienes viven aferrados al pasado.
    Entre las risas de los criados, los discursos absurdos de Gaev y las miradas calladas de Varia y Ania, se siente la fragilidad de un mundo que no sabe cómo cambiar. “El jardín de los cerezos” no es solo una historia sobre una herencia perdida; es una elegía sobre el paso del tiempo, la ruina de las clases y la obstinación del corazón humano. Una comedia suave que huele a despedida, a primavera que no volverá.
  • “La Vida Que Te Di” – Luigi Pirandello (1923.)

    “La Vida Que Te Di” – Luigi Pirandello (1923.)

    $3.000

    En una villa silenciosa de la Toscana, el tiempo parece haberse detenido. Allí vive Doña Ana Luna, una madre que ha consagrado su vida entera al recuerdo y la espera de un hijo que se marchó hace siete años. Cuando él finalmente regresa, no vuelve para abrazarla, sino para morir entre paredes desnudas y ecos que parecen hablar con voz propia. Pero Ana no acepta esa muerte. No puede. Para ella, el que yace sobre la cama no es su hijo, sino un cuerpo vacío: el verdadero vive todavía en la vida íntima que ella le dio.

    Esta obra —una de las más intensas de Luigi Pirandello— explora el amor en su forma más extrema: el amor que crea realidad, que desafía al tiempo y que se aferra al recuerdo como si fuera una roca en medio del naufragio. A través de diálogos afilados y silencios que pesan más que las palabras, el público se adentra en un mundo donde la razón vacila, la memoria se vuelve un refugio y la verdad se quiebra como un espejo.

    La llegada inesperada de una joven extranjera, desesperada por reencontrarse con el hombre que amó, abre una fisura aún más profunda en la vida de Ana. Ambas fueron amadas por él, ambas lo esperan, ambas lo sienten aún vivo. La villa se convierte entonces en un lugar donde lo ausente respira, donde las habitaciones parecen guardar secretos y donde cada gesto revela una lucha interna entre aceptar la realidad o sostener el sueño que mantiene el alma en pie.

    La vida que te di es un viaje emocional intenso, lleno de poesía, dolor y una hermosura oscura. Una obra pensada para estremecer, para invitar al espectador a preguntarse: ¿cuánta vida damos a quienes amamos? ¿Y cuánto de nosotros muere cuando ellos se van?

  • “El Pelícano” – August Strindberg (1907.)

    “El Pelícano” – August Strindberg (1907.)

    $3.000
    Una madre que dice amar, pero mata de hambre; un hijo que busca calor y solo halla hielo; una hija atrapada entre la pureza y la corrupción; un yerno que desea tanto poder como placer.
    El Pelícano es una disección despiadada del mito familiar. August Strindberg, en una de sus obras más sombrías y simbólicas, desnuda el hogar burgués hasta revelar lo que late detrás del amor filial: la hipocresía, la avaricia y el deseo incestuoso.
    Elisa, la madre, encarna al falso pelícano: aquel que, en lugar de alimentarse con su sangre, roba la sustancia vital de sus hijos. Su casa está fría no por falta de carbón, sino por la ausencia del alma. En torno a ella giran Federico, estudiante y soñador roto; Gerda, esposa inocente y ciega; Axel, el yerno que representa la degradación del deseo y la ambición; y Margarita, testigo lúcida de la miseria doméstica.
    A medida que el viento sopla y las velas se apagan, los hijos despiertan del largo sueño de la obediencia. El descubrimiento de una carta póstuma del padre desvela el crimen moral: fueron criados con engaño, desnutridos en cuerpo y espíritu.
    Entre el fuego y la confesión final, Strindberg levanta una parábola sobre la degeneración del amor maternal cuando se convierte en dominio. El Pelícano no es solo un drama familiar, sino un rito de combustión: el alma de una casa incendiada por la verdad.
  • “El Buen Médico” – Carlo Goldoni (1761.)

    “El Buen Médico” – Carlo Goldoni (1761.)

    $3.000

    En una ciudad donde los médicos discuten en latín más por apariencia que por ciencia, una joven noble ha caído víctima de una extraña dolencia: cambia de humor en segundos, no come, no duerme, y ni el vino ni la sopa logran animarla. Su padre, un hombre desesperado, recurre a todo tipo de doctores: desde el que receta agua del pozo como medicina milagrosa, hasta el que cobra un duro por cada cuarto de hora de visita, sin siquiera haber visto a la paciente.

    Pero detrás del diagnóstico más alocado se esconde una verdad profunda: a veces el cuerpo no enferma por falta de medicina, sino por exceso de emociones. El Buen Médico es una comedia brillante de Carlo Goldoni que se ríe con inteligencia del mundo de la medicina, de los diagnósticos rimbombantes, y de los padres que quieren controlar el destino de sus hijas.

    ¿Puede un corazón enamorado fingir la muerte si no es correspondido? ¿Cuántos latines y pócimas hacen falta para sanar un alma herida? Goldoni responde con humor, sátira y mucha humanidad en esta deliciosa pieza teatral que hace reflexionar mientras hace reír.

    Ideal para montajes que busquen un humor fino, con crítica social y personajes memorables. ¡Una joya del teatro clásico que sigue vigente hasta hoy!

  • "Cuando Venga El Amor" - Armando Moock (1920.)

    “Cuando Venga El Amor” – Armando Moock (1920.)

    $3.490

    En una casa bañada por el sol y las convenciones, una joven debe casarse sin saber por qué. “Cuando venga el amor” es la historia de una inocencia que se despierta tarde, cuando el velo del deber se rompe y asoma la verdad.
    Margot, educada para complacer, descubre en la víspera de su boda que su corazón está vacío. Rafael, su prometido, busca en ella un amor que no existe y, al hallarse ante la sinceridad de su renuncia, elige liberarla.
    Entre conversaciones frívolas, risas y costumbres burguesas, el texto avanza hacia un duelo íntimo entre la razón y el sentimiento, donde la palabra se convierte en bisturí.
    Moock, con lenguaje delicado y moderno, escribe un retrato de la mujer que empieza a pensarse a sí misma, capaz de decir “no” sin odio ni culpa. Una joya del teatro chileno del 1920 que sigue resonando con su pregunta esencial: ¿Qué haremos cuando por fin venga el amor?

  • "Juana de Napoles" - Salvador Sanfuentes (1860.)

    “Juana de Napoles” – Salvador Sanfuentes (1860.)

    $3.490

    Nápoles, siglo XIV. Una corte decadente se deslumbra con banquetes y torneos mientras el reino se desangra entre bandos rivales. En ese escenario irrumpe Andrés de Hungría, un príncipe criado en la rudeza del norte que llega portando una bula papal: será coronado Rey antes de tiempo. Su ideal es simple y temerario: extirpar la corrupción, aligerar los impuestos y rescatar el honor de la corona.
    Pero la gloria tiene un precio. Su esposa, la joven Juana, está acostumbrada a que los aduladores conviertan cada capricho en ley. A su lado conspiran la seductora Catalina de Bizancio—tía y tutora—y el apuesto Luis de Tarento, un primo cuyo encanto amenaza la estabilidad del trono. Para completar el laberinto moral, Andrés confía el gobierno al incorruptible Nicolás Acciayoli, sin prever que su devoción por la virtuosa Francisca—la hija del ministro—encenderá rumores, celos y traiciones.

    Entre decretos severos, bailes fastuosos y carteles infamantes que se clavan de noche en los muros del palacio, la tensión escala vertiginosamente. El ejército duda, el pueblo murmura y la Iglesia observa. Cada acto ofrece un duelo distinto: deber contra pasión, patria contra sangre, verdad contra apariencias.
    Bajo el fulgor mediterráneo, Juana de Nápoles disecciona los engranajes del poder: la manipulación política, la violencia de género en la realeza, y la fragilidad de los lazos familiares cuando la ambición los tensa hasta el límite. Con versos vibrantes y escenas de alta intriga, la obra nos invita a preguntar: ¿Qué ocurre cuando el reformador se convierte en objetivo y el amor se usa como moneda para comprar coronas?
    Prepárese el espectador: en este drama histórico nadie sale ileso de la corte napolitana.

  • La Independencia De Chile - Jose Antonio Torres (1856.)

    La Independencia De Chile – Jose Antonio Torres (1856.)

    $3.490

    “La Independencia de Chile” es un drama vibrante que nos transporta al corazón palpitante de la lucha por la libertad. Escrita en verso y situada en 1818, tras la devastadora derrota en Cancha Rayada, la obra nos revela un país tambaleante entre la desesperanza y la esperanza, donde el coraje de unos pocos definirá el destino de toda una nación.

    En el palacio de Santiago, el Director interino Luis de la Cruz se enfrenta al caos político, al miedo del pueblo y a las traiciones que amenazan desde dentro. Mientras la sombra del ejército español se cierne sobre la ciudad, los corazones de los patriotas se mantienen firmes, decididos a no rendirse. En medio del conflicto surge una historia íntima y poderosa: Clementina, hija de un sospechoso simpatizante realista, se debate entre el amor filial y su pasión patriótica. Su amor secreto por Alberto, un joven capitán patriota, encarna la fuerza redentora del amor y la juventud en tiempos de guerra.

    Con una mezcla de heroísmo, conspiración, fervor nacional y poesía, esta obra no solo celebra la victoria militar, sino también el espíritu inquebrantable del pueblo chileno. La tensión política, las intrigas en los salones del poder, los estallidos de coraje en el campo de batalla y los dilemas morales de los personajes hacen de esta pieza un retrato conmovedor de la libertad conquistada.

    Un espectáculo que emociona y enaltece, ideal para públicos escolares, conmemoraciones patrióticas o cualquier montaje que desee revivir con intensidad teatral uno de los momentos fundacionales de la historia de Chile.

  • "La Conjuración De Almagro" - Guillermo Blest Gana (1858.)

    “La Conjuración De Almagro” – Guillermo Blest Gana (1858.)

    $3.490

    ¿Qué ocurre cuando la espada que conquistó un imperio se ve arrinconada por la ambición de los poderosos?

    En el corazón del Perú colonial, entre intrigas palaciegas, pasión contenida y sed de justicia, La conjuración de Almagro nos transporta a un momento crítico de la historia: la lucha entre la memoria de un mariscal caído y el poder absoluto de Francisco Pizarro. Diego de Almagro, joven e idealista, carga con el legado de su padre asesinado y el peso de una patria que no le reconoce. Rodeado por soldados leales pero empobrecidos, es impulsado por Juan de Rada a liderar una rebelión que podría cambiar el destino del virreinato.

    Entre la pasión inocente de Beatriz y los enredos políticos de la astuta Francisca Pizarro, se entreteje un drama de amores imposibles, traiciones, y coraje. La obra levanta una pregunta vibrante: ¿es posible la justicia cuando el oro y el poder dictan las reglas?

    Guillermo Blest Gana firma aquí un drama cargado de intensidad moral, donde la dignidad se enfrenta al cálculo, y la historia late con fuerza en cada verso. Un espejo trágico de nuestra América, tan viva como herida.

  • "La Mujer/Hombre" - Román Vial (1875.)

    “La Mujer/Hombre” – Román Vial (1875.)

    $3.490

    En el bullicioso Valparaíso del siglo XIX, un misterioso joven llamado Florentino ha ascendido con esfuerzo y talento en una prestigiosa casa comercial. Admirado por su integridad y discreción, su presencia inquieta tanto a sus compañeros como a sus superiores, especialmente cuando empieza a despertar afectos y sospechas por igual.

    Pero Florentino guarda un secreto que podría hacerlo caer en desgracia en una sociedad gobernada por prejuicios y normas implacables. A su lado está su hermana Luisa, una mujer lúcida y apasionada que sueña con amar libremente, y que al mismo tiempo se ve atrapada por los límites que le impone su género. Cuando el amor, la envidia y la traición comienzan a enredar a todos los personajes, lo que está en juego ya no es solo una reputación, sino la posibilidad de vivir con dignidad y libertad.

    “La Mujer-Hombre” es una obra sorprendentemente moderna, audaz en su crítica al patriarcado y emocionante en su retrato de las pasiones humanas. Una historia de sacrificio, identidad y valentía, donde los papeles tradicionales se invierten y las máscaras sociales comienzan a caer. ¿Puede una mujer fingir ser hombre sin traicionarse a sí misma? ¿Hasta dónde es capaz de llegar por amor o justicia? Descúbrelo en esta emocionante y conmovedora pieza del teatro chileno del siglo XIX.

  • "Cada Oveja Con Su Pareja" - Daniel Barros Grez (1879.)

    “Cada Oveja Con Su Pareja” – Daniel Barros Grez (1879.)

    $3.490

    "Cada Oveja con su Pareja" es una deliciosa comedia chilena del siglo XIX, escrita por Daniel Barros Grez, que celebra el amor inesperado, los enredos familiares y las pasiones ocultas. Ambientada en una tradicional casa santiaguina, la obra se despliega en un solo acto cargado de ironía, romanticismo y un encantador costumbrismo.

    Don Cayetano, un caballero de campo que ha vivido años en soledad, decide buscar esposa para llenar el vacío de su hacienda. En su viaje a Santiago, se reencuentra con Doña Bernarda, una viuda vivaz y su encantadora hija Lucía, con quienes compartió momentos memorables en los baños de Cauquenes. Lo que comienza como una conversación amistosa termina revelando intenciones amorosas, promesas de felicidad hogareña y confesiones que cruzan generaciones.

    La obra juega con los equívocos y los deseos silenciosos de sus personajes: madres e hijas, tíos y sobrinos, todos entrelazados en una red de afectos no dichos, pero profundamente sentidos. La tensión se construye con gracia, a través de diálogos chispeantes y escenas que equilibran lo romántico y lo cómico. ¿Quién ama a quién? ¿Es posible que dos generaciones estén enamoradas de la misma familia?

    "Cada Oveja con su Pareja" es una obra ingeniosa y luminosa, ideal para públicos que buscan reír, emocionarse y reconocerse en los eternos enredos del corazón.

  • "Como En Santiago" - Daniel Barros Grez (1875.)

    “Como En Santiago” – Daniel Barros Grez (1875.)

    $3.490

    "Como en Santiago" es una comedia de costumbres tan vigente como mordaz. Ambientada en un tranquilo pueblo chileno del siglo XIX, nos adentra en el mundo de una familia que, empeñada en aparentar lo que no es, cae en los enredos del amor, el arribismo y la ignorancia ilustrada.

    Doña Ruperta, matriarca voluntariosa, vive obsesionada con transformar su hogar en una imitación perfecta de la capital. Su hija Dorotea, criada en ese delirio de grandeza, sueña con galanes refinados, vestidos parisinos y matrimonios a la velocidad del vapor santiaguino. Todo parece ir sobre ruedas hasta que aparece Faustino Quintalegre, un diputado capitalino cuya labia encantadora desata el caos.

    En una sola noche, Dorotea abandona a su prometido provincial, Silverio, y apuesta todo a Faustino, un hombre que la halaga pero oculta intenciones más convenientes que románticas. Entre tanto, Inés —la sobrina huérfana y olvidada— observa en silencio y desde la sombra, cargando con un amor que no puede confesar y una dignidad que eclipsa a todos los personajes.

    Con diálogos filosos, personajes ridículos y situaciones hilarantes, esta obra retrata con agudeza la imitación absurda de los hábitos urbanos, el clasismo encubierto en la vida provinciana y el eterno conflicto entre apariencia y autenticidad. Una joya del teatro chileno decimonónico que todavía hace reír —y pensar— sobre quiénes somos y a quiénes queremos parecer.

  • "El Casi Casamiento" - Daniel Barros Grez (1881.)

    “El Casi Casamiento” – Daniel Barros Grez (1881.)

    $3.490

    Una viuda rica, un poeta sin rumbo, un oportunista arruinado y una joven disfrazada de anciana... ¿Qué puede salir mal?
    En el Santiago de 1881, la vida social gira en torno al dinero, la apariencia y las apariencias aún más ridículas. En este contexto, Don Catalino Gacetilla, filósofo del bolsillo vacío, ve en Doña Columbina, una excéntrica viuda de "alma joven", la solución a todos sus males económicos. Lo que para él es una estrategia de supervivencia, para ella es un torbellino romántico digno de versos y promesas.

    Mientras tanto, su amigo Tristán, joven romántico y derrotado por el desamor, piensa lanzarse al río por una decepción amorosa, pero termina cenando mosto y recitando poesía... también por una decepción amorosa. En un giro de comedia absurda, la sobrina de Columbina, Rosita, debe disfrazarse de vieja para no opacar la belleza "resplandeciente" de su tía ante Catalino.

    Con diálogos chispeantes, crítica mordaz y personajes caricaturescos, "El casi casamiento" desenmascara los matrimonios por conveniencia, la vejez negada y el amor disfrazado de interés. Esta comedia costumbrista chilena, de humor corrosivo y ritmo ágil, pone en escena una sátira atemporal sobre las apariencias, el dinero y la risa como último refugio frente al ridículo humano.

    Ideal para montajes escénicos dinámicos, lecturas dramatizadas o adaptaciones contemporáneas que deseen explorar el lado más cómico del patetismo burgués.

    A lo largo de la obra, los personajes se ven atrapados en situaciones cómicas y emocionales, tejiendo una red de conflictos amorosos y financieros. Sin embargo, a medida que avanza la trama, se resuelven los enredos y se alcanza una conclusión satisfactoria para todos. Una obra llena de humor y romance, que captura la esencia de una época pasada y la complejidad de las relaciones humanas. Una historia que muestra que, a pesar de los obstáculos, el amor verdadero siempre encuentra su camino.
  • "La Iglesia y El Estado" - Daniel Barros Grez (1883.)

    “La Iglesia y El Estado” – Daniel Barros Grez (1883.)

    $3.490

    La obra se desarrolla frente al pórtico de una catedral gótica y presenta un conflicto alegórico que satiriza la relación entre el poder civil (Estado), el poder religioso (Iglesia) y la Libertad.
    Satanás, como narrador-manipulador, planea impedir el matrimonio entre Estado y Libertad, temiendo que esta unión limite su influencia. Para lograrlo, llama a sus sirvientes Fanatismo, Intolerancia y Cojuelo, quienes, mediante engaños y provocaciones, intentan desacreditar a Libertad.

    Cojuelo administra “dosis de opio” metafóricas para alterar la conducta de la joven, provocando que Estado la vea como una persona inestable, impulsiva y poco fiable. Ante este espectáculo, Estado comienza a dudar del casamiento.

    Satanás aprovecha la ocasión para convencer a Estado de que su verdadero destino es unirse con Iglesia. Primero intenta persuadir a Iglesia resaltando supuestas amenazas a la fe y al orden religioso: la decadencia de las costumbres, la pérdida de privilegios eclesiásticos y el avance de ideas liberales. Iglesia, aunque inicialmente rechaza la propuesta, acaba reconsiderándola al leer (sin saberlo) un libro manipulado por Satanás.

    Finalmente, Iglesia y Estado se comprometen públicamente, intercambiando promesas de apoyo mutuo: él defenderá a la religión con su fuerza militar y ella respaldará al gobierno con su autoridad moral y espiritual. El pueblo, influenciado por Fanatismo e Intolerancia, aprueba la unión, olvidando su anterior entusiasmo por Libertad.
    La obra concluye con la unión simbólica de Iglesia y Estado, mientras Libertad queda desplazada y Satanás celebra su victoria, anticipando que la mezcla de intereses mundanos y religiosos generará conflictos que seguirán alimentando su poder.

  • "Manuel Rodriguez" - Carlos Walker Martinez (1865.)

    “Manuel Rodriguez” – Carlos Walker Martinez (1865.)

    $3.490

    Manuel Rodríguez es una apasionante obra de teatro histórico que nos transporta al convulso Santiago de 1817, donde el miedo, la esperanza y el fervor revolucionario laten al compás de la lucha por la independencia. En el centro de la trama se encuentra Manuel Rodríguez, el carismático guerrillero que, oculto entre disfraces y estrategias audaces, desafía al poder colonial representado por el temible Vicente San Bruno. La tensión estalla cuando San Bruno, además de perseguir patriotas, intenta forzar el amor de Elvira, una joven que encarna la dignidad femenina y la resistencia. Su padre Ignacio, símbolo del viejo mundo que aún conserva honor y coraje, y Enrique, su joven prometido, acompañan a Rodríguez en esta gesta donde la libertad es la meta suprema.

    La obra ofrece intensas escenas de acción, duelos verbales, conspiraciones secretas y momentos de profundo dramatismo humano. Los personajes están delineados con fuerza poética y convicción política, ofreciendo al público una mirada íntima a los ideales que forjaron una nación. Una pieza imprescindible para quienes buscan redescubrir, desde el teatro, el alma de la independencia chilena.

  • "La República de Jauja" - Juan Rafael Allende (1889.)

    “La República de Jauja” – Juan Rafael Allende (1889.)

    $3.490

    En el año 2000, la próspera —y ficticia— República de Jauja celebra elecciones que prometen un nuevo amanecer para sus ciudadanos. Camaleón II, carismático y astuto, sube al poder con el apoyo de El Pueblo, La Democracia, El Trabajo y La Industria, jurando acabar con la injusticia y la corrupción. Sin embargo, pronto descubrirán que las palabras dulces pueden esconder los mismos viejos vicios.

    En este país de nombres alegóricos, las máscaras caen rápido: la Aristocracia maniobra para colocar a toda su parentela en cargos rentados; Don Simón Creso, banquero y flamante Ministro de Hacienda, protege sus propios intereses; Bertoldo Cara de Palo, vocero oficial, reparte favores a cambio de lealtad; y La Prensa “tragaldabas” convierte mentiras en titulares.

    Entre escenas cómicas y diálogos punzantes, El Pueblo sigue esperando las promesas cumplidas: trabajo digno, industria nacional protegida y justicia equitativa. Pero el nuevo gobierno parece más interesado en fiestas, cargos para amigos y nuevos impuestos que en cambiar la vida de quienes lo eligieron. Las metáforas políticas se entrelazan con el humor satírico y las exageraciones teatrales, dibujando un retrato universal de los abusos de poder y la resignación ciudadana.

    La República de Jauja es una sátira brillante de Juan Rafael Allende que, pese a ambientarse en un “futuro” ficticio, se siente inquietantemente actual. Con personajes que representan fuerzas sociales, virtudes y defectos colectivos, la obra desnuda las alianzas entre política, riqueza y religión, recordándonos que la verdadera Jauja —la tierra de la abundancia— sigue siendo, para la mayoría, un espejismo.

¡Biblioteca de Dramaturgia Internacional!

Crea una cuenta vendedor para publicar: Aqui.

¡Publica Tus Obras de Teatro!

Ofrecemos un espacio virtual donde podremos promocionar y vender tus obras. Comunicate con nosotros.

Go to Top