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Obras de teatro listas para montar, estudiar o interpretar — acceso digital inmediato.

  • ¿Qué pasaría si un hombre sabio, en la cima de su conocimiento, sintiera que nada de lo aprendido puede llenar su alma? ¿Y si, en ese abismo de frustración, apareciera el mismísimo diablo ofreciéndole el universo a cambio de su alma?

    Fausto, obra monumental de Goethe, es el retrato de una humanidad hambrienta de sentido, placer y trascendencia. El doctor Fausto, erudito consumido por la desesperación, se siente traicionado por los límites de la ciencia y la religión. En su desesperación, invoca a los poderes oscuros y sella un pacto con Mefistófeles, espíritu burlón y astuto que le promete todo lo que desee: conocimiento sin límites, placeres mundanos, juventud, amor. Pero hay una condición: si alguna vez dice "¡Detente, instante, eres tan bello!", su alma pertenecerá al infierno.

    La obra nos lleva desde lo filosófico hasta lo trágicamente humano: Fausto recobra la juventud y se enamora de la inocente Gretchen, a quien arrastra a la ruina. Muerte, culpa, fe y redención se entrelazan en un descenso que es tanto espiritual como emocional. Gretchen, víctima y símbolo, atraviesa el dolor más desgarrador, pero es también quien resplandece con mayor luz al final.

    Fausto no es solo una historia de pacto con el diablo. Es una meditación sobre el deseo, la ambición, la pérdida y el precio de la experiencia. Cada escena revela algo profundo: la dualidad humana, el poder destructivo del ego, pero también la posibilidad de redención.

    Un clásico eterno que nos desafía a mirar hacia adentro.

  • En un Santiago lluvioso de los años sesenta, una casa elegante esconde un campo de batalla íntimo.
    Una joven prostituta entra por error —o por destino— al living de una familia que vive de las apariencias. Lo que comienza como una solución práctica se convierte en una grieta irreparable.

    Nancy, vital, irónica y brutalmente honesta, acepta reemplazar a una empleada doméstica. Allí conoce a Lola, una mujer olvidada, antigua cupletista, madre incómoda, memoria viva de un pasado que nadie quiere recordar. Entre tragos, canciones y confesiones, ambas descubren que comparten algo más profundo que la marginalidad: la lucha por no desaparecer.

    Mientras tanto, Paula, dueña de casa, construyó su identidad negando sus orígenes. Su obsesión por el estatus la ha llevado a encerrar a su madre y a vaciar de sentido su propio matrimonio. Carlos Alberto, su marido, sobrevive refugiado en el billar y en recuerdos de un tiempo donde soñó ser otra cosa.

    La obra cruza con humor ácido y crudeza temas incómodos: la prostitución visible y la invisible, la hipocresía de clase, la maternidad fallida, la memoria artística como amenaza, y la violencia simbólica del “buen vivir”.

    Rivano no juzga: expone.
    Y lo hace con una lengua viva, popular, musical, ferozmente chilena.

    ¿Dónde estará la Jeannette? no busca respuestas fáciles.
    Golpea donde duele.
    Y obliga a mirar de frente aquello que se esconde bajo el mantel bien planchado.

  • Una familia se muda a la casa de sus sueños.
    Pero algo no entra con ellos.

    Un hombre que lo consiguió todo… menos paz.
    Una mujer que perdió más de lo que ganó.
    Un hijo que no cree en el sacrificio.
    Una hija que aún quiere creer.

    Entre cajas, recuerdos y muebles nuevos, se desata una batalla invisible:
    la del origen contra la ambición, la memoria contra el progreso.

    Él construyó su mundo desde la nada—recogiendo lo que otros desechan, viendo valor donde nadie lo ve.
    Pero ahora que tiene dinero, espacio, status… descubre que lo más difícil no es subir.

    Es sostenerse sin romperlo todo.

    Con humor ácido, lenguaje directo y una crudeza profundamente chilena, esta obra revela el precio del ascenso social:
    la familia se convierte en campo de batalla,
    el amor en reproche,
    y el éxito… en una forma silenciosa de soledad.

    Porque no basta con cambiar de casa.
    Hay cosas que no se mudan.

    Y otras… que nunca te sueltan.

  • En una pieza mal iluminada del centro de Santiago, tres vidas chocan como cuchillos sin funda.
    El rucio de los cuchillos nos sumerge en el corazón del bajo mundo chileno de los años sesenta, donde la supervivencia no es una metáfora, sino una rutina.

    Vinizio, recién salido de la cárcel, arrastra un pasado manchado de sangre y un miedo paralizante a volver a caer. La calle lo reconoce, la policía lo persigue y el futuro parece una puerta cerrada. La Guille, prostituta independiente, irónica y ferozmente lúcida, ha aprendido a negociar con la vida sin pedir permiso: vende su cuerpo, pero protege con uñas y dientes su dignidad. El Tolo, su cafiche, vive obsesionado con el poder, el respeto y la posesión, atrapado entre el amor, los celos y la violencia.

    Entre mates, tangos, discusiones y recuerdos, emerge una idea improbable: participar en un concurso de baile. El Teatro Caupolicán se convierte en un sueño frágil, casi absurdo, pero cargado de esperanza. Bailar no es solo moverse: es desafiar al destino, vengarse del desprecio, intentar, aunque sea por una noche, ser otro.

    Luis Rivano escribe con crudeza y poesía popular una obra donde el humor convive con la tragedia, donde los personajes hablan como la calle y piensan como filósofos heridos. El rucio de los cuchillos no juzga: observa. No idealiza: expone. Y en ese gesto honesto, brutal y tierno, nos obliga a mirar de frente una humanidad que rara vez quiere ser vista.

  • En una casa estrecha del barrio Franklin, detrás del ruido del matadero y del olor persistente a carne fresca, una familia sobrevive aferrada a lo único que conoce: el trabajo duro, la sangre en las manos y el silencio heredado.

    Los Matarifes es una radiografía descarnada de la clase obrera chilena, donde el amor familiar convive con la violencia cotidiana, y donde el futuro parece estar escrito antes de nacer. Belisario, el padre, defiende el oficio como una ley ancestral. David, el hijo mayor, carga con la responsabilidad de sostener la casa, pagando con su propia vida los sueños que nunca pudo tener. Roberto, el menor, se rebela sin rumbo: no quiere estudiar, no quiere matar animales, no quiere repetir el destino que lo espera.

    Entre ellos, Teresita sostiene la casa como una columna invisible, postergando su propia felicidad, mientras Carlitos sueña con un amor sencillo que el entorno vuelve casi imposible. En paralelo, una relación amorosa fuera del barrio expone con violencia las fracturas de clase, el machismo, los celos y la culpa de quien intenta escapar de su origen.

    Con un lenguaje directo, popular y profundamente humano, Luis Rivano construye una obra donde cada diálogo sangra realidad. Los Matarifes no juzga: muestra. Y al mostrar, obliga al espectador a mirarse en el reflejo incómodo de una sociedad que devora a los suyos como animales de faena.

  • Tres hombres encerrados. Ninguna condena clara. Ninguna culpa demostrada.
    Solo la sospecha.

    En una celda fría y sucia, mientras una radio suena a ratos desde el pasillo, se cruzan tres mundos que rara vez se miran de frente. Un delincuente profesional que conoce el sistema mejor que nadie. Un trabajador honrado que cree que el esfuerzo lo salva de todo. Y un muchacho que acaba de cometer su primer error.

    El encierro los obliga a hablar. A provocarse. A defenderse. A confesarse.
    Las risas esconden miedo. El humor es un escudo. La violencia siempre está a punto de estallar.

    Por sospecha no es solo una obra sobre presos: es una radiografía brutal de una sociedad donde la justicia no es igual para todos, donde la pobreza se castiga antes que el delito y donde el poder se ejerce desde la impunidad. Luis Rivano construye un texto ferozmente humano, cargado de oralidad chilena, ironía popular y una lucidez política que golpea sin pedir permiso.

    En ese pequeño calabozo caben la historia reciente del país, el miedo heredado, la tortura silenciada, la corrupción cotidiana y una pregunta que atraviesa toda la obra:
    ¿quién es realmente culpable?

    Con una estructura simple y un lenguaje directo, la obra avanza como una pelea verbal, un duelo ideológico y emocional donde nadie sale ileso. El tiempo se estira, la espera asfixia y la sospecha se vuelve una forma de condena.

    Una obra intensa, incómoda y necesaria. Teatro social en estado puro.

  • En el interior de un teatro venido a menos, mientras se ensaya una nueva revista musical, Sexy Boom desnuda —con humor feroz y humanidad cruda— la trastienda del espectáculo chileno de los años ochenta.

    Tres bailarinas y su coreógrafo sobreviven entre lentejuelas, música nostálgica y órdenes gritadas. Ensayan, se provocan, se confiesan y se hieren. Aquí el camarín es ring, confesionario y trinchera. El cuerpo es herramienta de trabajo, moneda de cambio y campo de batalla. El arte, una excusa frágil para no hundirse.

    Lalo, el coreógrafo, sueña con el reconocimiento que nunca llegó. Se burla del sistema mientras lo obedece. Las bailarinas cargan historias de hambre, abuso, ambición y deseo de dignidad. Fabiola exige respeto; Rebeca se aferra al pasado glorioso; Soledad, la más joven, comienza a entender que la injusticia no se resuelve sola.

    Entre números musicales, discusiones violentas y risas obscenas, emerge una pregunta incómoda:
    ¿hasta dónde se puede ceder para seguir trabajando?

    Sexy Boom es una comedia amarga, una sátira social y un retrato feroz del poder, la precariedad y la resistencia femenina. Una obra que hace reír mientras aprieta la garganta. El espectáculo continúa, sí… pero el precio es alto.

  • En una vieja casona de Santiago, mientras suena un tango gastado por la repetición, conviven personajes que se resisten a desaparecer.

    Una ex vedette que no acepta el final de su carrera.
    Un jubilado municipal que ama con una fidelidad desesperada.
    Una mujer de clase alta acorralada por la ruina.
    Un poeta joven que cree que el arte aún puede salvarlo todo.
    Un vigilante obsesionado con el orden.
    Y un amante que huye antes de enfrentar la verdad.

    Te llamabas Rosicler es una comedia amarga, profundamente humana, donde el humor convive con la crueldad y la ternura con la humillación. Luis Rivano retrata una sociedad en tránsito, donde los sueños de grandeza chocan contra la precariedad cotidiana, y donde el pasado pesa más que el futuro.

    La obra se despliega entre discusiones feroces, momentos de delirio poético y escenas de una lucidez brutal. El tango no es solo música: es memoria, es identidad, es una forma de resistir al olvido. Cada personaje lucha por no ser expulsado del escenario de la vida, aunque el mundo —y la ciudad— ya no los necesite.

    Una pieza coral, intensa y tragicómica, que habla de la caída de los ídolos, del amor como refugio y condena, y de un país que comienza a borrar sus propias casas para construir algo nuevo… sin saber muy bien qué.

  • En una casa gastada por el tiempo, donde la luz apenas entra y la vida se sostiene con lo justo, un hombre decide desaparecer sin irse.

    Hugo fue artista. Fue aplauso, maquillaje, escenario. Hoy es sombra. Vive encerrado, escuchando una y otra vez los viejos discos de Al Jolson, como si en esa voz quebrada aún latiera lo que fue… o lo que nunca terminó de ser.

    Su madre, Mamy Chabela, no cree en fantasmas. Cree en la olla, en la feria, en sobrevivir. Lo empuja, lo sacude, lo enfrenta: hay trabajo esperando allá afuera. Un hombre insiste en la puerta. Pero Hugo no abre.

    Porque abrir la puerta es volver.
    Y volver significa recordar.

    En ese espacio íntimo, áspero y profundamente humano, emerge una historia que no se cuenta: se desgarra.
    La de Rossie.
    Una niña de la calle convertida en bailarina, en compañía, en necesidad.
    Un vínculo que no cabe en ninguna etiqueta, pero que dejó una marca imposible de borrar.

    Entre recuerdos, reproches y momentos de humor brutalmente honesto, la obra revela un mundo olvidado: el teatro de revista, sus luces pobres, sus cuerpos expuestos, sus sueños baratos… y sus heridas reales.

    Aquí no hay héroes.
    Solo gente que hizo lo que pudo.

    Y mientras la música sigue sonando en la penumbra, una pregunta queda suspendida:
    ¿Qué pasa cuando lo único que te sostiene… ya terminó?

  • En un departamento elegante, lleno de libros, música clásica y discursos refinados, irrumpe un hombre que huele a calle, a grasa y a vida real. Un gásfiter en sociedad es una comedia afilada como cuchillo que desnuda las tensiones de clase, cultura y poder en el Chile urbano de los años setenta… tensiones que siguen respirando hoy.

    Angélica Luz, académica brillante y mujer emancipada, decide educar al maestro que llegó a arreglar su baño. Cree que el arte puede redimirlo, elevarlo, transformarlo. Él, Onofre, acepta el juego: aprende, escucha, lee… pero nunca deja de ser quien es. Observa, se burla, absorbe y devuelve la cultura filtrada por su experiencia popular, desmontando sin pedir permiso la solemnidad intelectual.

    Entre ambos aparece Carlos, el exmarido: bancario, clasista, inseguro, símbolo del “caballero” que defiende la tradición sin comprenderla. Su presencia vuelve el experimento peligroso, revelando que la lucha no es solo cultural, sino también sexual, económica y simbólica.

    Rivano construye una obra hilarante y cruel, donde el lenguaje es un campo de batalla y el humor un arma política. Nadie queda limpio. Nadie es héroe. La cultura se muestra como lo que muchas veces es: un privilegio que se disfraza de generosidad.

    Una obra profundamente chilena, incómoda, divertida y ferozmente lúcida, que pone al espectador frente a una pregunta sin respuesta fácil:
    ¿Quién educa a quién… y para qué?

  • En un balneario de Devon, una familia peculiar sacude la rutina de un joven dentista sin experiencia. Los gemelos Philip y Dolly, de humor chispeante, arrastran al Dr. Valentine a su casa, donde lo esperan su madre —una feminista intelectual— y su hermana mayor, Gloria, tan altiva como atractiva. Valentine, desprevenido, se enamora a primera vista de Gloria, iniciando un juego de ingenio, orgullo y deseo.

    La comedia da un giro inesperado cuando aparece Crampton, un severo caballero de 57 años, propietario de la pensión… y padre ausente de los Clandon. Tras años de silencio, los hijos se enfrentan a un dilema doloroso: ¿deben aceptar la figura del padre que su madre borró de sus vidas?

    Entre discusiones jurídicas, cenas incómodas y confesiones sentimentales, Shaw despliega su arte: diálogos rápidos, sátira sobre el matrimonio, el rol de la mujer y la hipocresía social. El camarero Walter, con ecuanimidad socrática, observa y sentencia con un “uno nunca sabe” que da título a la obra: nada es seguro en los vínculos humanos.

    Sin resolver completamente el conflicto —porque la vida nunca lo hace—, la pieza deja al espectador entre risas y reflexiones: ¿son posibles el amor y la familia en un mundo dividido entre tradición y modernidad?

  • Como En Casa es una obra en tres actos que narra la vida de Ángela, una madre soltera y trabajadora del área sanitaria, y su hijo Alejandro, un joven con síndrome de Down. La historia se despliega desde una mirada profundamente humana, resaltando las injusticias sociales, la discriminación y la lucha diaria por dignidad. Ángela relata con amor y humor su experiencia criando a Alejandro en soledad tras el abandono del padre. La vida cotidiana se entrelaza con la crisis sanitaria del COVID-19, revelando las desigualdades del sistema de salud y vivienda, culminando trágicamente con la muerte de Ángela.

    Tras esta pérdida, Alejandro es apoyado por la entrañable señora Edelmira y su familia, quienes contrastan con la frialdad y el desprecio de la familia materna. Alejandro se descubre como un talentoso cocinero, y con ayuda de su profesora Sandra, se embarca en un camino emprendedor. La historia cobra fuerza cuando su negocio comienza a prosperar, enfrentando un intento de estafa por parte de un primo oportunista. Gracias al apoyo de su nueva familia y amigos, Alejandro triunfa, logra justicia y expande su restaurante “Como En Casa” a nivel nacional, consolidándose como un ejemplo de inclusión, esfuerzo y esperanza.

  • ¿Puede una noche sellar el destino de un hombre para toda la eternidad?

    En una Salamanca envuelta por la niebla del alma, Don Félix de Montemar —galán, jugador, duelista, y seductor sin escrúpulos— camina con paso seguro por las calles del pecado y el olvido. Ha conquistado a Elvira Pastrana, ha jugado con su corazón, y la ha dejado rota. Pero el amor, cuando es verdadero, no se extingue: florece o maldice. Y Elvira... no ha olvidado.

    La Estudiantina es un relato poético, vibrante y estremecedor. Una adaptación contemporánea del clásico romántico de Espronceda, escrita por Amparo Romero, que mantiene la esencia trágica de la obra original y la actualiza con un lenguaje escénico potente, cinematográfico y simbólico. El espectador es arrastrado por las calles nocturnas de una ciudad dormida, por jardines en los que la locura florece, por tabernas donde la muerte apuesta con los vivos, y por cementerios donde las puertas no solo se abren… también esperan.

    Narrada desde la voz grave y lírica de un Guardia Civil, esta pieza nos enfrenta con la sombra de nuestros actos, con el precio del desprecio, y con la certeza de que todo amor traicionado deja huellas… incluso más allá de la vida. Elvira no busca venganza: solo espera. Don Félix no teme al duelo, pero ignora que su verdadero enemigo no está afuera… sino en su propia conciencia.

    Una obra perfecta para quienes aman la belleza del verso, el misterio de lo sobrenatural y las historias de amor que no mueren: se transforman.

  • Una madre que dice amar, pero mata de hambre; un hijo que busca calor y solo halla hielo; una hija atrapada entre la pureza y la corrupción; un yerno que desea tanto poder como placer.
    El Pelícano es una disección despiadada del mito familiar. August Strindberg, en una de sus obras más sombrías y simbólicas, desnuda el hogar burgués hasta revelar lo que late detrás del amor filial: la hipocresía, la avaricia y el deseo incestuoso.
    Elisa, la madre, encarna al falso pelícano: aquel que, en lugar de alimentarse con su sangre, roba la sustancia vital de sus hijos. Su casa está fría no por falta de carbón, sino por la ausencia del alma. En torno a ella giran Federico, estudiante y soñador roto; Gerda, esposa inocente y ciega; Axel, el yerno que representa la degradación del deseo y la ambición; y Margarita, testigo lúcida de la miseria doméstica.
    A medida que el viento sopla y las velas se apagan, los hijos despiertan del largo sueño de la obediencia. El descubrimiento de una carta póstuma del padre desvela el crimen moral: fueron criados con engaño, desnutridos en cuerpo y espíritu.
    Entre el fuego y la confesión final, Strindberg levanta una parábola sobre la degeneración del amor maternal cuando se convierte en dominio. El Pelícano no es solo un drama familiar, sino un rito de combustión: el alma de una casa incendiada por la verdad.
  • Una sirvienta no duerme. Mientras la ciudad respira de noche, ella imagina. Y al imaginar, crea mundos.

    Trescientos millones es la historia de una mujer pobre que, sin moverse de su cuarto, viaja más lejos que nadie. Un héroe de novela le anuncia una herencia fabulosa. Con ese dinero imaginario compra amor, estatus, viajes, poder. Se convierte en señora sin dejar de ser criada. Manda sin dejar de obedecer. Ama sin ser amada.

    Los personajes que la rodean no son personas: son fantasmas del deseo. Un galán cansado de seducir, un capitán ceremonial, amigas elegantes, una muerte burlona. Todos dependen de su imaginación. Todos empiezan a sentir miedo.

    Porque soñar no es inocente.

    Arlt construye una obra donde la fantasía no es escape sino trampa. El dinero no redime. El amor romántico no salva. El ascenso social es una máscara que se cae sola.

    Con humor cruel, erotismo incómodo y una ternura devastadora, la obra muestra cómo una mujer sin nada puede ser, por un instante, dueña de todo… y cómo ese todo puede resultar insoportable.

    Trescientos millones no habla de riqueza: habla del hambre.
    No habla de locura: habla de lucidez.
    No habla de sueños: habla del precio de soñar cuando el mundo no te deja vivir.

     
  • En un elegante balneario sueco, un pintor frustrado y convaleciente encuentra en un desconocido la compañía que su soledad reclamaba. Pronto, esa amistad se convierte en una conversación íntima y reveladora que va desenterrando secretos, inseguridades y heridas ocultas. Entre reflexiones sobre el amor, el arte y la libertad, el “amigo” cuestiona cada certeza del artista: ¿es su esposa tan fiel y devota como él cree?, ¿o su encanto y talento son armas para absorber y dominar?

    Cuando Tekla, la carismática y seductora esposa, regresa de un misterioso paseo, la tensión se palpa en cada gesto y palabra. Entre bromas, reproches y juegos de seducción, una batalla invisible comienza a librarse: la de la confianza contra la sospecha, el amor contra el orgullo.

    "Acreedores" es un duelo verbal magistral en el que cada frase es una daga y cada sonrisa puede ser una trampa. August Strindberg disecciona con precisión quirúrgica las dinámicas de poder en el amor, las heridas del ego y las pasiones que hierven bajo la superficie. Una obra que atrapa por su intensidad psicológica y que demuestra que, en las relaciones, las deudas emocionales pueden ser más peligrosas que las económicas.

  • ¿Qué harías si un día despiertas rodeado de lujos y poder… y te dicen que eres príncipe? ¿Y si al día siguiente te dicen que todo fue un sueño?

    La vida es sueño es una joya filosófica disfrazada de drama palaciego. Pedro Calderón de la Barca nos conduce por las montañas de Polonia hasta las entrañas de un palacio donde lo real y lo onírico se entrelazan.

    Segismundo, prisionero desde su nacimiento por una profecía fatal, es liberado por su padre, el rey Basilio, quien decide ponerlo a prueba: si su destino es ser tirano, lo sabrán al darle poder. Pero el joven, criado entre cadenas, responde con violencia. Vuelve entonces a la oscuridad, sin saber si lo vivido fue verdad o ilusión. ¿Puede cambiar el destino? ¿Es el ser humano libre o está encadenado por las estrellas? ¿Qué nos hace humanos: el nacimiento o nuestras decisiones?

    Esta obra es un espejo de nuestras dudas existenciales: ¿cuánto de lo que vivimos es real? ¿Cuánta de nuestra libertad es ilusión? Entre intrigas, duelos, amores y traiciones, Calderón plantea una de las preguntas más profundas de la historia del teatro: si todo es sueño… ¿no deberíamos actuar como si estuviésemos soñando con virtud?

  • La Celestina es una de las obras maestras del teatro y la literatura universal. En una ciudad que nunca duerme, donde los criados conspiran, las pasiones arden en silencio y los secretos se deslizan entre las sombras, un joven noble queda completamente embelesado por la belleza de una dama inalcanzable. Su amor es puro, pero también impetuoso y desbordado, tan ardiente que lo arrastra a tomar decisiones desesperadas.

    Para alcanzar su deseo, recurrirá a la figura más ambigua y fascinante de la obra: una vieja alcahueta, experta en hechizos, cosméticos, trucos y manipulaciones, que moverá los hilos de todos a su alrededor como una marionetista invisible. Pero en este juego de pasiones no hay inocentes. Todos —nobles, criados, rameras y brujas— están marcados por la ambición, el deseo, el resentimiento o la codicia.

    ¿Qué es el amor cuando está contaminado por la manipulación? ¿Puede la pasión sobrevivir a los celos, los intereses y la traición? La Celestina es mucho más que una historia de amor: es un retrato demoledor del alma humana, un texto vibrante lleno de ironía, crítica social y lucidez. Una obra que no envejece, porque en sus páginas resuenan, una y otra vez, las preguntas más profundas sobre el amor, el poder, la juventud y la muerte.

  • En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.

    El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.

    Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?

    Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.

  • Mahagonny nace en el desierto como una promesa indecente: una ciudad donde no existen prohibiciones, donde el placer reemplaza a la ley y el dinero dicta la moral. Allí llegan hombres agotados de trabajar, mujeres que aprendieron a sobrevivir vendiendo afecto, y fundadores que entienden el negocio del deseo mejor que nadie.

    Pero cuando todo está permitido, surge una pregunta incómoda: ¿qué significa ser feliz?
    Uno de los recién llegados, un leñador llamado Jim Mahoney, comienza a sospechar que el verdadero peligro no es la miseria, sino el vacío. Su voz rompe la calma artificial de la ciudad y empuja a Mahagonny a mirarse al espejo.

    Brecht construye una sátira feroz: canciones luminosas para hablar de la muerte, humor para desnudar la injusticia, placer para exhibir la crueldad del sistema. Mahagonny no es una ciudad imaginaria: es una advertencia.

    Una obra incómoda, musical y brutalmente actual.

  • "Una votación popular" es una mordaz y divertida comedia política escrita por Román Vial en 1869, cuya vigencia sorprende hasta hoy. Ambientada en una encrucijada de Valparaíso durante una agitada jornada electoral, la obra nos sumerge en un mundo donde los ideales chocan con la realidad cruda del clientelismo, el soborno y la ambición disfrazada de patriotismo.

    El comandante Carrión, férreo defensor del gobierno, dirige una campaña desesperada por asegurar votos, mientras su subalterno, el honesto sargento Beltrán, intenta mantenerse fiel a sus principios. Entre ellos circula el entrañable y contradictorio Poblete, un cabo pícaro, borracho y manipulable, que representa al ciudadano común arrastrado por las promesas vacías y los "condoritos" (monedas de oro) de la política.

    Con diálogos vivaces, humor popular y situaciones hilarantes que no escatiman en ironía, la obra expone el frágil equilibrio entre deber cívico y conveniencia personal. A través de una sola escena continua, con gran dinámica y múltiples personajes cruzando el escenario, se construye una sátira aguda sobre el Chile decimonónico que, sin perder la risa, desnuda las grietas de su democracia incipiente.

    Ideal para montajes que buscan entretener y reflexionar, "Una votación popular" ofrece un espejo en clave de farsa sobre nuestras prácticas políticas y el eterno dilema entre la conciencia y el bolsillo.

  • En una casa modesta de Santiago, un hombre correcto se enfrenta al ruido ensordecedor del poder.

    Esteban Uribe ha vivido creyendo que la ley basta. Que cumplirla es suficiente para caminar erguido, para dormir tranquilo, para mirar a su hijo a los ojos. Pero cuando el Estado le exige que utilice esa misma ley como arma de censura, su mundo comienza a resquebrajarse.

    Un diario incómodo debe ser silenciado. No por delitos comprobados, sino por pensar distinto. La orden es clara, la presión implacable. Esteban se niega. Y entonces los perros comienzan a ladrar.

    Llamadas anónimas, insultos públicos, sospechas, golpes que no siempre dejan marcas visibles. La violencia se filtra en la casa, en la mesa familiar, en la mirada del hijo que empieza a preguntarse si la honestidad no es, en el fondo, una forma elegante de derrota.

    Entre un ministro cínico, un empresario sin escrúpulos y una sociedad que prefiere el silencio cómodo, Esteban resiste. No como héroe épico, sino como hombre común que se aferra a sus principios mientras todo alrededor le exige que los abandone.

    Deja que los perros ladren es un drama político íntimo, ferozmente vigente, que desnuda el costo real de la integridad en un mundo donde la ley puede torcerse y la moral se negocia.
    Una obra sobre el precio de decir no.
    Y sobre lo solos que quedamos cuando lo decimos.

  • Un grupo de estudiantes se toma una universidad. Cantan, celebran, levantan consignas. Todo parece histórico. Todo parece urgente. Pero cuando las puertas se cierran y la euforia baja, comienza la verdadera obra.

    Nos tomamos la universidad no retrata la épica del movimiento estudiantil desde afuera, sino su corazón contradictorio desde adentro. Ocho jóvenes —distintos entre sí, desiguales en fuerza, convicción y deseo— quedan atrapados en un edificio vacío, sosteniendo una toma que se va deshilachando a medida que aparecen el cansancio, la burocracia, las jerarquías y la duda.

    Aquí no hay héroes puros. Hay dirigentes que aprenden a mandar, rebeldes que exigen acción, intelectuales desencantados, observadores irónicos, artistas frágiles, mujeres empujadas a los márgenes y otras que se niegan a desaparecer. La revolución convive con el tedio. El discurso con el silencio. La esperanza con la sospecha.

    El gesto central —la construcción de un monigote que representa a la autoridad— se transforma en un ritual inquietante: el símbolo reemplaza a la acción, el rito suplanta al cambio real. ¿Qué se quema cuando se quema un monigote? ¿La autoridad… o la propia fe?

    Escrita en 1969, esta obra sigue siendo brutalmente actual. Vodanovic disecciona con lucidez y humor negro los mecanismos del poder, incluso dentro de los movimientos que dicen combatirlo. Una pieza coral, política y profundamente humana, donde la juventud descubre que tomarse un edificio es fácil; lo difícil es sostener un ideal sin traicionarse.

  • Un hombre regresa del exilio creyendo que vuelve a casa.
    Pero la casa ya no existe.

    En una buhardilla suspendida sobre una ciudad transformada por el progreso y el olvido, El Gordo y el Flaco enfrenta a dos amigos marcados por una juventud revolucionaria y un presente irreconciliable. Andrés vuelve cargando memoria, culpa y sueños intactos. Esteban se quedó, se adaptó, triunfó. Ambos creen tener razón. Ambos saben que algo se perdió para siempre.

    La obra se despliega como un duelo verbal intenso, lúcido y profundamente humano. No hay héroes ni villanos: hay elecciones. El dinero, la familia, el miedo, la comodidad, la lealtad, el amor y la vergüenza circulan en cada escena como corrientes subterráneas.

    La llegada de una mujer perseguida por razones políticas reactiva la urgencia del pasado y obliga a los personajes a definirse. ¿Hasta dónde llega la responsabilidad moral? ¿Qué precio tiene la coherencia? ¿Es posible seguir creyendo cuando todo alrededor invita a olvidar?

    Sergio Vodanovic construye un drama íntimo y político, atravesado por humor amargo, recuerdos compartidos y canciones que funcionan como fantasmas del tiempo perdido. La buhardilla se transforma en un campo de batalla simbólico donde se enfrentan la memoria y la amnesia colectiva.

    El Gordo y el Flaco no habla solo del pasado chileno: habla de todos aquellos que alguna vez soñaron con cambiar el mundo y despertaron en uno que ya no reconocen.

  • En Viña, Sergio Vodanovic convierte la playa —ese espacio de descanso, exhibición y aparente igualdad— en un escenario implacable donde las clases sociales quedan al descubierto. Bajo el sol, en traje de baño, nadie está realmente desnudo: el poder, el dinero y la costumbre siguen marcando quién manda, quién obedece y quién mira.

    Este volumen reúne tres comedias breves e independientes, unidas por una misma mirada crítica y un humor fino, incómodo, profundamente chileno. Con diálogos precisos y situaciones cotidianas llevadas al límite, Vodanovic revela cómo el orden social puede tambalear por un gesto mínimo: un cambio de ropa, una espera forzada, una conversación que ya no puede evitarse.

    En El delantal blanco, un juego aparentemente inocente en la playa expone la fragilidad de las jerarquías y demuestra que el poder depende más de la mirada ajena que de la verdad.
    En La gente como nosotros, una panne nocturna reúne a dos mundos opuestos y deja al descubierto la miseria íntima que atraviesa tanto a quienes compran como a quienes se venden.
    En Las exiliadas, el miedo al otro y la nostalgia del privilegio perdido se transforman en encierro mental, revelando el costo humano de vivir aferrado a un pasado que ya no existe.

    Viña es una obra ágil, mordaz y vigente. Un tríptico teatral donde la risa nunca es cómoda y donde cada escena invita al espectador a reconocerse —o a incomodarse— en el reflejo de una sociedad que sigue creyendo que el lugar que ocupa le pertenece.

  • Un pueblo olvidado.
    Una guerra sin balas.
    Y un enemigo que no dispara… pero devora.

    En lo alto de la montaña, donde antes reinaban las termas y el descanso, ahora solo queda el eco de los vehículos militares y el vacío en los estómagos. No hay armas. No hay héroes. Solo hombres comunes enfrentados a una decisión imposible: resistir… o sobrevivir.

    Cuando todo parece perdido, surge una idea tan incómoda como inevitable.

    No lucharán con fusiles.
    Lucharán con deseo.

    La vieja posada del pueblo se transformará en un cabaret improvisado. Música, cuerpos, sonrisas… una ilusión de placer en medio de la guerra. Los soldados vendrán. Comerán. Beberán. Y quizás, en la intimidad, hablen más de la cuenta.

    Pero cada paso hacia esa estrategia abre una herida.

    ¿Qué vale más: la dignidad o la supervivencia?
    ¿Qué se sacrifica primero: el cuerpo… o la moral?
    ¿Dónde termina el patriotismo y comienza la conveniencia?

    Mientras las esposas “respetables” se convierten en artistas, mientras el hambre dicta nuevas reglas y mientras la guerra se vuelve absurda, el pueblo entero entra en un juego peligroso donde nadie saldrá intacto.

    Porque aquí no hay héroes puros.

    Solo personas.

    Y en tiempos de guerra… eso basta para romperse.

  • Una mujer contra el poder absoluto. Antígona, hija de Edipo, se alza sola en defensa de lo justo, desafiando el mandato de un rey que prohíbe enterrar a su hermano. En una ciudad quebrada por la guerra y el dolor, la joven se convierte en símbolo de coraje, enfrentando la muerte con la frente en alto y el corazón fiel a las leyes no escritas que protegen la dignidad humana.

    Sófocles nos entrega una de las tragedias más intensas y conmovedoras de la literatura universal, donde el conflicto entre el deber moral y la ley política alcanza un clímax desgarrador. Antígona no es solo una heroína trágica, es la encarnación de la voz que se atreve a decir “no”, incluso cuando todo está en su contra.

    Ideal para montajes potentes, con un personaje femenino central de gran fuerza dramática, Antígona interpela tanto al público como a los actores, y nos recuerda que el amor, la justicia y la valentía pueden brillar incluso en los momentos más oscuros.

  • ¿Qué harías si pudieras tener dos empleos, dos sueldos… y el doble de comida?
    Truffaldino, un sirviente pícaro y eternamente hambriento, encuentra la oportunidad perfecta cuando decide trabajar en secreto para dos amos distintos en la misma ciudad. Pero lo que parece una idea brillante, pronto se convierte en una montaña rusa de enredos, mentiras y malentendidos hilarantes.

    Mientras tanto, en la elegante y caótica Venecia, una joven disfrazada de su hermano muerto busca el amor perdido y el dinero que le pertenece, sin imaginar que su amado está más cerca de lo que cree… ni que comparten al mismo criado. Promesas rotas, matrimonios frustrados, secretos escondidos bajo ropas ajenas y cartas cruzadas van dando forma a una comedia brillante y vertiginosa.

    Carlo Goldoni despliega aquí todo su ingenio y maestría del teatro popular italiano para ofrecernos una obra donde el disfraz, el deseo y el absurdo se entrelazan magistralmente. "El Sirviente De Dos Amos" tambien conocida como "Servidor De Dos patrones" es una fiesta de equívocos y carcajadas, ideal para actores versátiles y público de buen humor.

  • Ambientada en la Venecia del siglo XVII, Volpone es una sátira aguda de la codicia humana. La historia gira en torno a Volpone, un adinerado noble sin herederos que finge estar moribundo para aprovecharse de sus pretendidos herederos. Junto a su astuto sirviente Mosca, Volpone manipula a tres codiciosos: Voltore, un abogado; Corbaccio, un viejo avaro; y Corvino, un mercader celoso, quienes le colman de regalos con la esperanza de ser nombrados en su testamento.

    Mosca se convierte en el maestro de ceremonias de estas farsas, sacando provecho de todos. El plan se complica cuando Corvino ofrece a su esposa, Celia, para entretener a Volpone, con la esperanza de asegurar la herencia. Volpone, cegado por la lujuria, acepta, lo que termina desencadenando una serie de eventos legales y enredos judiciales que revelan las maquinaciones de todos los personajes.

    La sátira alcanza su punto máximo cuando Volpone decide hacerse pasar por muerto para observar las reacciones de los herederos. Sin embargo, Mosca se extralimita en su ambición, y finalmente ambos son descubiertos. La justicia veneciana interviene, castigando severamente a todos los implicados, especialmente a los más corruptos y codiciosos.

  • Valparaíso, 1919. Un teléfono recién instalado se convierte en el nuevo protagonista de una casa burguesa en decadencia. Don Ildefonso, un caballero maduro con ínfulas de galán, coquetea con su sirvienta Concepción, mientras su esposa, doña Lastenia, duerme el sueño de los celos. Entre llamadas cruzadas, besos mal interpretados y rumores de bodega, el aparato eléctrico se transforma en un espejo indiscreto donde todos quedan al descubierto.

    En esta comedia chispeante, Román Vial anticipa con humor las trampas de la comunicación moderna: el deseo disfrazado de conversación, el poder de la voz y el eterno enredo entre lo dicho y lo escuchado. “¡Alo! ¡Alo! ¡El Teléfono!” es una joya breve, ácida y deliciosa, donde el progreso hace su primera llamada... y nadie sabe colgar a tiempo.

  • En los verdes campos de Galicia, el amor florece entre un humilde labrador y una joven de extraordinaria belleza y virtud. El mejor alcalde, el rey, una de las obras más potentes de Lope de Vega, nos transporta a un mundo donde los sentimientos más nobles son puestos a prueba por la injusticia y el abuso de poder.

    Sancho, un campesino íntegro, se enamora de Elvira, una mujer que no solo deslumbra por su apariencia sino también por su dignidad. Con la bendición de su familia y del poderoso Don Tello, todo parece indicar que tendrán un futuro feliz. Sin embargo, cuando el deseo, la vanidad y el poder se interponen, el destino de los enamorados pende de un hilo. Lo que sigue es una historia de traición, valentía, dolor y esperanza, donde la voz del pueblo lucha por ser oída y donde la figura del rey se revela como el símbolo último de justicia.

    Con un lenguaje vibrante y personajes memorables, esta obra aborda temas eternos: el honor, el abuso de poder, la lealtad y la esperanza en la justicia. Ideal para públicos contemporáneos que valoran las narrativas de empoderamiento y justicia social. Una pieza imprescindible para comprender el genio teatral de Lope de Vega y la complejidad de la España del Siglo de Oro.

  • Cuatro cuerpos. Una casa. Y un pasado que no se apaga… solo arde más lento.

    El descanso de las velas nos arrastra a un espacio donde la memoria no es recuerdo: es condena. Dos hermanas, dos hermanos, unidos por la sangre, el deseo y una red de secretos que nunca debieron sobrevivir.

    Aquí nadie está sano. Nadie está libre.

    Amelia enciende velas como quien invoca algo que ya no responde. Sofía vive encerrada, pero su verdadera prisión es el deseo que no logra saciar. Eduardo evita, esquiva, se deshace en excusas mientras el cuerpo lo traiciona. Roberto carga con la guerra, con la muerte, con una idea de amor que no alcanza.

    Las relaciones se cruzan, se contaminan, se rompen: infidelidades, juegos de poder, provocaciones sexuales, dependencia emocional. Pero lo que realmente habita en esta casa no es el escándalo… es el vacío.

    Un vacío que viene de lejos.

    Infancias violentadas. Cuerpos usados. Lenguas obligadas a callar. Historias que nadie quiso escuchar y que ahora regresan deformadas, convertidas en ritual, en juego, en locura.

    Cada escena es un fragmento de algo mayor: una verdad imposible de mirar de frente.

    Y mientras preparan una cena familiar —como si la normalidad fuera posible— la tensión crece, el lenguaje se quiebra y los límites desaparecen.

    Porque en esta casa no se conversa:
    se sobrevive.
    se repite.
    se devora.

    Una obra cruda, incómoda y profundamente humana que expone lo que ocurre cuando el dolor no encuentra salida.

    Las velas no iluminan.
    Las velas observan.

  • En una celda impecable, donde solo queda el marco de una puerta, un padre y un hijo se encuentran cada día. Uno está preso por crímenes cometidos en la oscuridad de una dictadura; el otro, atrapado por la sangre que lo une a su origen.

    “Peligro, peligro de mí”, de Flavia Radrigán, es una obra descarnada, feroz y profundamente humana. A través de un juego verbal afilado y cruel, padre e hijo enfrentan sus culpas, sus amores distorsionados y las marcas de una violencia que no termina en los cuerpos, sino que se extiende al alma y a la memoria.

    Julián, el hijo, es mucho más que un visitante: es escriba, confidente y verdugo emocional. Marcial, el padre, se aferra a su monstruosidad como si fuera lo último que le queda. Juntos bailan, se insultan, se abrazan y reviven una historia de atrocidades en la que ambos fueron cómplices, víctimas y testigos.

    Esta obra estremecedora nos enfrenta a preguntas que duelen: ¿Puede un hijo seguir amando a quien lo destruyó? ¿Se heredan las culpas? ¿Dónde termina la obediencia y comienza la redención?

    Con un lenguaje brutalmente poético y escenas cargadas de simbolismo, “Peligro, peligro de mí” nos obliga a mirar de frente lo más oscuro de nuestra historia reciente y de nuestras relaciones más íntimas.

  • En un departamento cualquiera, donde el silencio pesa más que los muebles, tres hombres conviven… después de haber muerto.

    No se ven en los espejos.
    No pueden tocar todo.
    No pueden irse.

    Pero pueden recordar.

    “Los Cucos” es una tragicomedia inquietante y profundamente humana que nos sumerge en la vida cotidiana de tres presencias atrapadas entre el mundo de los vivos y algo que aún no comprenden. Con reglas absurdas, humor filoso y diálogos cargados de memoria, la obra transforma lo sobrenatural en algo íntimo, casi doméstico.

    Caito es el más joven. Inquieto. Incómodo. Algo en él no encaja.
    Ulises arrastra un amor que lo mató.
    Rolo observa, entiende… y calla lo necesario.

    Todo fluye hasta que el cuerpo de Caito comienza a desaparecer.

    No es enfermedad.
    No es castigo.
    Es otra cosa.

    Mientras la realidad se fisura, los recuerdos emergen como golpes: la violencia, los errores, los nombres mal dichos… y las vidas que se pierden por ellos.

    “Los Cucos” no trata de fantasmas.
    Trata de lo que queda cuando nadie dice tu nombre correcto.
    De lo que pasa cuando la memoria falla.
    Y del momento exacto en que alguien, en algún lugar… te recuerda como realmente fuiste.

    Y entonces… algo se abre.

  • En el corazón de Londres, mientras la ciudad huye de la peste, una casa abandonada se transforma en el escenario de una de las estafas más hilarantes y mordaces del teatro clásico. El Alquimista, comedia maestra de Ben Jonson, nos sumerge en un universo donde la codicia humana se disfraza de fe, ciencia o amor, y donde nadie —ni nobles, ni clérigos, ni comerciantes— escapa a la sátira feroz de sus ambiciosos deseos.

    Con una mezcla explosiva de ciencia falsa, charlatanería y teatro dentro del teatro, tres personajes toman el control: el astuto sirviente Cara, el delirante "doctor" Sutil y la camaleónica Dol Común. Juntos manipulan a crédulos ciudadanos prometiéndoles oro, juventud eterna, poder sobre las masas o la gracia divina... todo, por supuesto, a cambio de jugosas sumas de dinero.

    Cada nuevo visitante trae consigo una caricatura social: el caballero que quiere ser inmortal, el puritano que quiere multiplicar su congregación, el escribano que desea trampear al destino. En este carnaval de ilusiones, la palabra es alquimia y la mentira, un arte elevado.

    Pero cuando el juego se vuelve inestable y el amo de casa amenaza con volver, la tensión se mezcla con el caos. ¿Podrá el trío seguir tejiendo su farsa o todo se desmoronará en una cómica explosión de verdades incómodas?

    El Alquimista es una crítica aguda, una carcajada contra la avaricia, y un espejo cómico donde cada espectador se ve reflejado. Una joya teatral donde la comedia es tan corrosiva como el ácido alquímico.

  • ¿Qué harías si un desconocido entra a tu bar una noche de tormenta y comienza a contarte todo lo que creías que nadie sabía sobre vos? ¿Y si, además, sabe lo que soñás, lo que escondés, lo que temés?

    Ambrotos Bar es una obra de humor ácido, inteligente y profundamente humana. Una conversación entre dos hombres: uno aparentemente común, dueño de un bar de barrio; el otro, un enigmático visitante que parece conocer demasiado y que lentamente va quebrando todas las certezas del anfitrión. Lo que empieza como un encuentro casual, va tomando el ritmo de un duelo verbal donde se enfrentan dos visiones del mundo: la de quien quiere prolongar la vida a toda costa, y la de quien parece tener la eternidad en sus manos.

    Con diálogos ágiles, sarcasmo, momentos de ternura y una atmósfera cargada de preguntas existenciales, esta pieza nos sumerge en un universo donde nada es lo que parece. Entre anécdotas, teorías delirantes y confesiones personales, el espectador se ve envuelto en una reflexión hilarante y profunda sobre el miedo a morir, el deseo de perdurar, y las ironías de la condición humana. Ideal para el público que busca reír, conmoverse y cuestionar todo lo que cree saber sobre el tiempo y la vida.

  • "El Cíclope" es una obra satírica de Eurípides, basada en el famoso episodio de la Odisea de Homero, donde Ulises y sus hombres son capturados por el Cíclope Polifemo en su cueva. En la obra, Ulises, conocido por su astucia, debe ingeniárselas para escapar del monstruo caníbal que desprecia a los dioses y las costumbres humanas. Con humor y sagacidad, Ulises emborracha al Cíclope y, junto con sus hombres, lo ciega con una estaca ardiente, logrando finalmente escapar. Aunque el tema es serio, Eurípides lo transforma en una sátira, mezclando el drama con elementos cómicos, como la aparición de Sileno y un coro de sátiros, lo que da un tono irónico y juguetón a la narrativa.
  • ¿Qué pasa cuando el amor nace donde nadie lo espera? ¿Qué hacemos con lo diferente, cuando lo diferente ama, desea y se expresa?

    En una casa donde cada rincón tiene un secreto, donde el arte convive con los tarareos y las tijeras de peluquería con castillos de naipes, vive una familia disfuncional sostenida por el miedo y el sacrificio. Mirna, madre soltera y peluquera, se desvive por sus hijos mellizos: Abel, frustrado y enamorado de la joven ayudante; y David, un artista autista que ve el mundo a través de la pintura y los sonidos.

    Lucia, la joven empleada que estudia sociología, será la chispa que encienda el incendio. Se acerca a David con una ternura que desarma, lo acaricia sin tocarlo, lo ama sin reglas, y lo escucha sin pedirle que cambie. Lo que para ella es humanidad, para Mirna es peligro. Lo que para Abel es traición, para David es poesía.

    La Jirafa es una obra conmovedora, irónica y profundamente humana sobre la maternidad, la diferencia, la discapacidad, el deseo, y los límites del cuidado. Con diálogos agudos, escenas cargadas de tensión y una sensibilidad poco común, la obra nos obliga a preguntarnos: ¿a quién hay que proteger realmente? ¿Quién decide lo que está bien? ¿Y qué pasa cuando el más vulnerable se convierte en el más lúcido?

    Un texto actual, provocador, tierno y doloroso, que nos enfrenta a nuestras propias contradicciones y prejuicios.

  • "Choche y Bachicha", escrita por Román Vial en 1870, es una deliciosa comedia costumbrista ambientada en Valparaíso que mezcla enredos amorosos, críticas sociales y un humor desbordante. En el corazón de esta obra está una cena de cumpleaños que se transforma en un caos absoluto: botellas vacías, malentendidos lingüísticos, piropos inoportunos, una criada coqueta, un italiano apasionado y un inglés que apenas entiende el castellano.

    Todo comienza como una tranquila velada de celebración. Leandra y Rosa, jóvenes anfitrionas, se esmeran en preparar una cena perfecta, mientras la fiel criada Lucía se encarga de la cocina y de sus propios asuntos sentimentales. Pero la irrupción de un “incendio”, seguido por una avalancha de vecinos, bomberos, soldados y acusaciones infundadas, lo transforma todo en una hilarante tormenta de malentendidos.

    Con diálogos ágiles, personajes pintorescos y situaciones absurdas, esta obra retrata con ironía la vida urbana chilena de la época, los prejuicios sociales, el racismo cotidiano y los abusos de poder. Choche y Bachicha es una pieza perfecta para el público actual: ágil, divertida y con una galería de personajes inolvidables que podrían haber salido de cualquier comedia moderna. Una joya del teatro chileno clásico que merece revivir en escena.

  • En Ante Sobre Tras, Leandro Marcos González nos sumerge en una noche atrapada entre el deber, el deseo y la decadencia. En una oficina gris, un oficial de policía cita a su exesposa con un motivo trivial: entregarle un sobre extraviado. Pero detrás de este gesto se esconde una necesidad desesperada de contacto, de control, de no perder el último lazo con una vida que se le deshace entre los dedos.

    A medida que la conversación avanza, se despliega una intrincada red de celos, hipocresías, resentimientos y vigilancias dignas de una novela negra. El hombre, afectado por hoplofobia —fobia a las armas de fuego— se debate entre la vulnerabilidad y el abuso de poder, mientras la mujer revela una lucidez punzante que lo desnuda emocionalmente. Él la sigue, la espía, detiene a su nuevo amante, manipula a sus subordinados, e intenta hacer pasar sus acciones como actos de amor. Ella, con una mezcla de ironía y dolor, lo enfrenta, lo desafía, lo confronta.

    La tensión no da tregua. En esta obra íntima y feroz, los roles se invierten una y otra vez: el débil se vuelve opresor, el victimario se convierte en víctima. Con diálogos afilados y un ritmo vertiginoso, Ante Sobre Tras es un duelo actoral potente donde cada palabra dispara un conflicto.

    Perfecta para actores y actrices que buscan intensidad dramática, ambigüedad moral y una historia de amor… pero del tipo que deja cicatrices.

  • ¿Qué harías si la NASA te eligiera para una misión espacial… siendo trabajadora social en Buenos Aires?

    Asistencia Perfecta es una comedia dramática intensa, delirante y profundamente humana que nos presenta a Dalya y Sara, dos mujeres comunes que, sin esperarlo, son seleccionadas para representar a su país en una expedición al espacio. ¿La razón? Nadie la sabe con certeza, ni siquiera ellas. Pero el desafío las pone cara a cara con todo lo que han sido, lo que soñaron ser… y lo que aún no se atreven a sentir.

    Con una estética minimalista y un humor cargado de ironía, la obra nos arrastra por diálogos veloces, escenas absurdas y momentos de confesión desgarradora entre vinos, globos terráqueos, pruebas de resistencia, simulacros de levante y reflexiones filosóficas sobre el conocimiento, la amistad y la sinceridad brutal.

    A medio camino entre el realismo sucio y la ciencia ficción cotidiana, esta pieza teatral no sólo nos hace reír con carcajadas cómplices, sino también emocionarnos con la fragilidad de dos mujeres que se animan a soñar… y a fallar. La misión espacial se vuelve una excusa para hablar del amor, del abandono, de los cuerpos, de las heridas no cerradas y de las etiquetas sociales que cargamos como trajes espaciales demasiado ajustados.

    Ideal para elencos femeninos que buscan roles potentes, actuales y cargados de humor e intensidad emocional. Un viaje interior disfrazado de viaje galáctico. ¿Estás lista para despegar?

  • Cuatro mujeres. Cuatro vidas entrelazadas por el paso del tiempo, los achaques de la edad y una amistad a prueba de pastillas, secretos y licor sudafricano. Bichocanasto —también conocida como La Reunión— es una obra tan desopilante como humana, que convierte una simple tarde de juego en una montaña rusa de emociones, verdades a medias y confesiones tan crudas como hilarantes.

    Rene, Nidia, Amanda y Olga se reúnen en casa para tomar el té, intercambiar anécdotas, quejarse de sus nueras y recordar viejos amores. Pero lo que comienza como un encuentro cotidiano se transforma poco a poco en una tragicomedia vibrante, donde la muerte irrumpe con una ironía brutal y la vejez se vive con rabia, ternura, lucidez y mucho humor ácido.

    Entre canciones de radio, jugadas de cartas inventadas, reflexiones existenciales y la embriaguez que mezcla licor con ansiolíticos, estas mujeres desafían el lugar que la sociedad les impone. No son abuelas dóciles ni viudas silenciosas: son sobrevivientes que encuentran en el delirio colectivo una forma de sostenerse ante el absurdo de lo cotidiano.

    Con diálogos brillantes, humor negro y una visión aguda sobre el rol de la mujer mayor en la familia y en la cultura, Bichocanasto es una obra inolvidable que hace reír, pensar y emocionarse, todo al mismo tiempo. Ideal para ser disfrutada por públicos adultos que buscan una experiencia teatral ácida, empática y profundamente contemporánea.

  • En un rincón olvidado del mundo —un bar cualquiera— dos hombres se encuentran.
    Uno cree haberlo sido todo.
    El otro cree no haber sido nada.

    Entre un batido verde y una hoja en blanco, lo absurdo comienza a filtrarse: conversaciones incómodas, risas fuera de lugar, verdades que se escapan sin permiso. Él dice ser famoso. El otro, su fan. Pero algo no encaja.

    ¿Qué pasa cuando la fama se convierte en un eco?
    ¿Qué queda cuando el aplauso se apaga?

    “DÉTOX” es una tragicomedia afilada, íntima y feroz que desarma la idea de éxito, identidad y reconocimiento. A través de un diálogo brillante, cargado de ironía y humanidad, la obra revela el lado más crudo de quienes viven bajo la mirada ajena… y de quienes necesitan mirar.

    Lo que comienza como una situación ridícula —un hombre que no encuentra el baño— se transforma en un duelo emocional donde las máscaras caen una a una.

    Aquí no hay héroes.
    No hay villanos.
    Solo dos hombres intentando recordar quiénes fueron… y si aún queda algo por salvar.

    Y en medio de todo, una pregunta arde:

    ¿Quién necesita más al otro… el ídolo o quien lo idolatra?

  • En Hipólito, Eurípides nos sumerge en un devastador drama sobre el deseo prohibido, el orgullo divino y la destructiva fuerza de la mentira. Fedra, esposa del rey Teseo, es consumida por una pasión ilícita hacia su virtuoso hijastro, Hipólito, joven dedicado a la pureza y ferviente seguidor de Artemis, diosa de la caza y la castidad. Cuando Hipólito rechaza indignado sus sentimientos, Fedra, desesperada por la vergüenza y el rechazo, toma una fatídica decisión: se suicida, dejando atrás una carta que acusa falsamente a Hipólito de seducirla. Engañado por la mentira, Teseo condena brutalmente a su inocente hijo, invocando una maldición mortal que desata una terrible cadena de sucesos. Esta apasionante tragedia explora la complejidad moral, los peligros del orgullo y la crueldad del destino manipulado por los dioses. Con personajes profundamente humanos y conflictos intensos, Hipólito es una obra desgarradora que retrata con crudeza la fragilidad humana ante fuerzas incontrolables. Ideal para aquellos que buscan drama clásico con resonancia eterna.

  • En una ciudad donde los médicos discuten en latín más por apariencia que por ciencia, una joven noble ha caído víctima de una extraña dolencia: cambia de humor en segundos, no come, no duerme, y ni el vino ni la sopa logran animarla. Su padre, un hombre desesperado, recurre a todo tipo de doctores: desde el que receta agua del pozo como medicina milagrosa, hasta el que cobra un duro por cada cuarto de hora de visita, sin siquiera haber visto a la paciente.

    Pero detrás del diagnóstico más alocado se esconde una verdad profunda: a veces el cuerpo no enferma por falta de medicina, sino por exceso de emociones. El Buen Médico es una comedia brillante de Carlo Goldoni que se ríe con inteligencia del mundo de la medicina, de los diagnósticos rimbombantes, y de los padres que quieren controlar el destino de sus hijas.

    ¿Puede un corazón enamorado fingir la muerte si no es correspondido? ¿Cuántos latines y pócimas hacen falta para sanar un alma herida? Goldoni responde con humor, sátira y mucha humanidad en esta deliciosa pieza teatral que hace reflexionar mientras hace reír.

    Ideal para montajes que busquen un humor fino, con crítica social y personajes memorables. ¡Una joya del teatro clásico que sigue vigente hasta hoy!

  • En la noche de su cumpleaños número dieciséis, Úrsula prepara una pequeña celebración en casa junto al hombre que la crió: Leopoldo Martínez, famoso locutor radial conocido en todo Chile como “La Voz de la Verdad”. Carismático, exitoso, admirado por miles, Leo parece el padre perfecto. Pero tras las sonrisas, los regalos y la torta de cumpleaños, algo oscuro se esconde entre ambos.

    Lo que comienza como una velada íntima y aparentemente inocente pronto se transforma en un peligroso juego psicológico donde cada palabra pesa, cada mirada oculta una intención y cada copa acerca más a los personajes al abismo. Mientras el whisky corre y las máscaras comienzan a caer, viejas heridas resurgen, secretos enterrados emergen a la superficie y una verdad insoportable amenaza con destruirlo todo.

    Úrsula ya no es una niña. Esta noche ha decidido enfrentar el pasado, arrancar las vendas de antiguas cicatrices y obligar a Leo a mirar de frente aquello de lo que ha escapado durante años. Pero cuando el amor, la culpa, la obsesión y la venganza chocan bajo un mismo techo, la celebración se convierte en una pesadilla de la que nadie saldrá ileso.

    “Dulces 16” es un intenso thriller teatral cargado de tensión, manipulación emocional y giros devastadores, donde la línea entre víctima y victimario se vuelve difusa, y donde las verdades más dolorosas no siempre son las que se dicen… sino las que se callan.

    Una obra oscura, provocadora y profundamente humana sobre la culpa, el trauma, la obsesión y los monstruos que nacen cuando el amor se mezcla con el dolor.

    e mezcla con el dolor.

  • En un comedor donde nada parece salirse del guion, cinco personajes numerados viven la rutina de un almuerzo estructurado al extremo. Un libro —el "Manual de Comportamiento"— se convierte en la nueva biblia del grupo, dictando cada gesto, cada palabra, cada masticada. Pero ¿qué pasa cuando una simple pregunta sobre Dios rompe con el protocolo y desata el caos? ¿Qué ocurre cuando uno de los comensales decide salirse del molde, quitarse la ropa, pintarse de azul y bailar?

    El Almuerzo Infectado es una comedia absurda cargada de sátira y metáfora, que desafía las normas establecidas con humor ácido y escenas delirantes. A través de personajes sin nombre, la obra retrata con crudeza lo que implica vivir bajo reglas impuestas, temer al castigo y ceder al adoctrinamiento disfrazado de cortesía.

    Un manual, un plato de comida, una campanita, una servidumbre cuestionadora y el sótano: elementos que se mezclan para construir una obra incómoda, irreverente y lúcida. Perfecta para montajes provocadores, escuelas teatrales o espacios alternativos, esta obra invita a preguntarse: ¿es más peligroso cuestionar o obedecer?

    Ideal para 5 intérpretes, esta pieza es un espejo absurdo del orden social y una fiesta para actores que buscan personajes cargados de contraste, subtexto y juego escénico.

  • “El tesoro del bosque de olivillo” es una emocionante y conmovedora obra de teatro infantil que nos sumerge en una aventura mágica llena de humor, crítica social y amor por la naturaleza.

    Lili, una niña inquieta y generosa, entra al bosque siguiendo un mapa que promete llevarla a un tesoro escondido. Pero lo que encuentra es mucho más valioso que el oro: conoce a Kona, un excéntrico y entrañable guardián del bosque, cuya visión del mundo –alejada del egoísmo humano– lo convierte en un héroe muy especial. Juntos aprenden el valor de la amistad, el respeto al medio ambiente y la importancia de defender lo que realmente importa.

    Sin embargo, no todo es alegría. La codiciosa Evelyn Angelini, una empresaria dispuesta a destruir la flora y fauna con tal de enriquecerse, amenaza con arrasar el bosque si nadie la detiene. Lo que sigue es una carrera contra el tiempo, llena de canciones, situaciones absurdamente graciosas, reflexiones profundas y momentos tiernos que conectan con el corazón del público.

    Ideal para grandes y pequeños, esta obra no solo entretiene, sino que invita a reflexionar sobre el consumismo, la desconexión con la naturaleza y el poder transformador de la empatía. Un cuento ecológico moderno que termina recordándonos que el tesoro más grande no está enterrado: vive en los árboles, los animales… y en las personas que cuidan de ellos.

  • "La extraordinaria aventura de Tate en la selva" es una encantadora obra de teatro infantil que mezcla humor, emoción y enseñanzas profundas. Con una narrativa ágil y llena de canciones, seguimos a Tate, una niña decidida a vivir una experiencia única, pero que, por desobedecer a sus padres, se ve atrapada en medio de la selva con su globo aerostático atorado en lo alto de un árbol.

    En su camino por encontrar ayuda, Tate conocerá a sorprendentes animales: un camaleón carismático y vanidoso, un mono lleno de energía y lecciones ecológicas, un león incomprendido con un gran corazón y una jirafa maternal con un pasado doloroso. Cada uno de estos personajes no solo ofrece ayuda, sino también sabiduría sobre la importancia de la obediencia, el respeto, la empatía, el cuidado del medioambiente y la amistad.

    La obra está llena de momentos hilarantes, como el mono resbalando con su propia cáscara, y otros profundamente conmovedores, como la historia del hijo perdido de la jirafa. Las canciones originales enriquecen la historia, conectando a los personajes con el público y haciendo de esta pieza un espectáculo interactivo y memorable.

    Diseñada para entretener y educar, esta aventura teatral es ideal para montajes escolares, compañías de teatro infantil y actividades pedagógicas. “La extraordinaria aventura de Tate en la selva” invita a niños y adultos a reflexionar sobre nuestras acciones, el valor de la familia y la necesidad urgente de proteger nuestro planeta. Una experiencia teatral que encantará corazones y dejará una valiosa huella.

  • En un modesto taller de instrumentos, el excéntrico Doctor Luther vive rodeado de herramientas, partituras y una enorme pasión por la música. Su compañero más fiel no es un ser humano, sino un serrucho que, de tanto sonar, parece tener alma. Pero lo que para algunos sería locura, para Luther es rutina… hasta que aparece “Le Trio”, el afamado conjunto musical europeo, con un insólito problema: sus instrumentos ya no obedecen.

    Lo que parecía una simple reparación se convierte en un viaje profundamente musical y filosófico, donde guitarras melodramáticas, violines aristocráticos y acordeones fiesteros se niegan a tocar juntos. En esta obra ingeniosa, los instrumentos no solo hablan, ¡también opinan, protestan y sueñan!

    A través del humor, el absurdo y diálogos brillantes, El Doctor Luther nos invita a repensar el sentido de la armonía: ¿pueden convivir lo popular con lo clásico? ¿Puede haber belleza en la diferencia? ¿Y si el verdadero arte fuera justamente eso: la mezcla de lo inesperado?

    Ideal para público familiar, amantes del teatro de títeres, músicos, y quienes buscan una comedia entrañable con tintes filosóficos. Esta obra no solo entretiene: deja una melodía en el corazón que invita a reflexionar sobre la diversidad, la cooperación y la magia de la música compartida.

  • En una Roma nocturna, sofocante y corrupta, una familia noble vive bajo el dominio de un padre monstruoso. El conde Cenci no cree en Dios ni en la moral: cree en su derecho absoluto a destruir. Amparado por la Iglesia y el poder, transforma el hogar en un campo de tortura donde el amor filial se pudre y la obediencia se vuelve terror.

    Beatriz, su hija, es joven, inteligente y profundamente sensible. En ella se concentra toda la violencia que no puede nombrarse. Lo que la rodea no es solo abuso: es una cosmovisión donde el mal se ejerce como principio. Su madrastra Lucrecia intenta protegerla, pero la costumbre del miedo pesa más que la rebelión. Bernardo, el hermano menor, observa y absorbe el horror, aprendiendo demasiado pronto que la inocencia no protege.

    La Iglesia escucha, pero no actúa. La justicia existe solo como palabra vacía. Orsino, sacerdote y amante frustrado, propone una salida silenciosa: eliminar al tirano. No por compasión, sino por conveniencia. Así, la familia, rota y acorralada, se convierte en conspiración.

    Los Cenci no ofrece alivio ni consuelo. Es una obra sobre el cuerpo profanado, la autoridad pervertida y la imposibilidad de la pureza en un mundo enfermo. Artaud no narra un crimen: lo hace estallar en escena. Cada palabra, cada gesto, es un golpe contra el espectador. Aquí, el teatro deja de representar para convertirse en rito, grito y condena.

  • Tres personas suben a un ascensor.
    Solo una tenía un plan.

    En el corazón de una empresa fría y vertical, donde el éxito se firma sin mirar y las sonrisas son parte del uniforme, un hombre invisible ha sido elegido “Empleado del Mes”… todos los meses. Sin mérito. Sin razón. Sin ser visto.

    Alejo Rivademar observa. Calla. Piensa. Y espera.

    Cuando el ascensor se detiene, el tiempo también lo hace. Encerrados sin señal, sin salida clara, lo que comienza como una incomodidad cotidiana se transforma en una radiografía brutal del mundo moderno: el poder heredado, la sumisión elegante, el resentimiento silencioso.

    Pero Alejo no está atrapado.

    Está ejecutando.

    Con una calma inquietante, convierte la conversación en disección. Habla de filosofía, de teorías absurdas, del caos… y desliza una idea peligrosa: ¿y si el mundo pudiera arreglarse eliminando a unos pocos?

    Romina duda. Patricio se burla.
    Demasiado tarde.

    El aire pesa. El cuerpo cede. Las palabras se vuelven veneno antes que el veneno mismo.

    “EL EMPLEADO DEL MES” no es solo una obra: es un descenso elegante hacia lo inevitable. Un thriller psicológico donde el verdadero encierro no es el ascensor… sino el sistema que lo construyó.

    Y donde el más invisible…
    es el más peligroso.

  • Una niña encantadora. Un lobo elegante. Un bosque lleno de mariposas, flores… y trampas.

    Esta versión teatral de Caperucita Roja transforma el clásico cuento en una experiencia escénica mágica, divertida y profunda. Con diálogos ingeniosos, humor que cruza generaciones y escenas llenas de belleza visual, esta adaptación captura la atención tanto de los pequeños como de los adultos que los acompañan.

    Mientras Caperucita baila y recolecta flores para su abuela enferma, el público es testigo —gracias a un simpático cazador vigilante— de cómo los peligros pueden esconderse detrás de una sonrisa… o de un sendero luminoso. El lobo, galante y persuasivo, no engaña con la fuerza sino con palabras dulces, y la niña, distraída por mariposas, aprende que incluso las bellezas más inocentes pueden alejarla del camino.

    Con un final feliz y una escena de rescate inolvidable, esta obra es tanto una advertencia sutil como una celebración del ingenio, el humor y el poder del cuidado.

    Ideal para toda la familia. Un cuento de siempre… contado como nunca.

    Esta adaptación teatral de Caperucita Roja combina la crudeza del original de Perrault con el heroísmo del relato de los Hermanos Grimm, creando una puesta en escena llena de magia, humor y enseñanza. Caperucita es dulce y encantadora, pero su distracción la pone en peligro. El Lobo es elegante y persuasivo, mientras que el Cazador, siempre vigilante, representa la conciencia que observa desde las sombras. Mariposas mágicas, bosques encantados y una moraleja que se renueva hacen de esta obra un clásico reinventado para públicos de todas las edades.

  • Mirandolina es dueña de una posada en la que no solo se sirven platos calientes… también se calientan los ánimos. Con su belleza y aguda inteligencia, esta mujer ha logrado mantenerse libre e independiente en un mundo dominado por hombres que la pretenden, la subestiman… o ambas cosas a la vez.

    En esta historia chispeante, tres hombres representan tres formas distintas de arrogancia masculina: el Marqués que cree que su nobleza vale más que el dinero; el Conde que piensa que con regalos todo se compra; y el Caballero de Ripafratta, que ha hecho de su odio a las mujeres una bandera personal.

    Pero Mirandolina no se deja avasallar. Cuando el Caballero la desprecia con altanería, ella decide devolverle la lección: conquistarlo sin entregar nada, solo usando el arma más peligrosa que posee… su inteligencia. ¿El resultado? El misógino termina convertido en un enamorado desesperado.

    Mientras tanto, otras dos falsas damas nobiliarias intentan aprovecharse del juego… y se estrellan contra su propia torpeza. Todos pierden el control. Todos, menos Mirandolina.

    Esta obra, escrita por Carlo Goldoni en 1753, sigue siendo actual por su retrato irónico de las relaciones entre géneros, clases y apariencias. La posadera es una comedia elegante, aguda y entretenida, ideal para públicos que disfrutan del buen teatro clásico… y del triunfo de una mujer que elige con libertad.

  • En un lujoso colegio de señoritas, donde la disciplina y la apariencia lo son todo, una inesperada acusación estremece la rutina estudiantil. Adela, una joven brillante y de noble carácter, es señalada por el robo de unos pendientes. ¿La culpable? Según Emilia, la arrogante hija de familia aristocrática, no hay duda: fue Adela. Sin embargo, no todo es lo que parece.

    Mauricia, leal compañera, defiende la verdad contra viento y marea. Mientras tanto, la pequeña Josefina, aterrada, guarda un secreto más grande de lo que su corta edad puede soportar. En medio del drama adolescente y la opresión social, aparece una figura insólita: una anciana enigmática, conocida solo como “La Hechicera”. ¿Bruja o sabia? Nadie lo sabe con certeza, pero todos en la ciudad reconocen su sabiduría ancestral.

    Con una gata negra como aliada y una mente aguda como cuchilla, la anciana pondrá a prueba la conciencia de las jóvenes en una escena oscura, literal y simbólicamente. En la penumbra, una por una deberán tocar a la gata… pero la culpable intentará escabullirse del destino.

    “La Hechicera” es una comedia infantil con aroma de misterio, un cuento moral disfrazado de teatro escolar, donde la envidia, la lealtad, la astucia y la redención se dan cita en escena. Ideal para montajes escolares o infantiles con contenido, humor y un mensaje claro: la verdad siempre encuentra la forma de brillar, incluso en la oscuridad.

  • santaImaginá un mundo donde los sueños no se sueñan: se fabrican. Así arranca El mejor sueño de todos los tiempos, una aventura teatral rebosante de imaginación, ternura y humor.

    Nonino, un entrañable ex fabricante de sueños, nos introduce en los Estados del Sueño, un universo paralelo en donde el trabajo de soñar es cosa seria. Sus hijas, Lila y Blanca, heredan el oficio: una se encarga de los sueños bellos, la otra, de las pesadillas. Todo funciona como un perfecto engranaje... hasta que Blanca se rebela. ¿Qué pasa cuando quien fabrica pesadillas quiere empezar a soñar en colores?

    Lo que sigue es una travesía fantástica. Lila, decidida a encontrar a su hermana, se lanza en una odisea que cruza distintos mundos dentro del mismo sueño. Se encontrará con una cazadora de ruidos, un portero emocional, un cazador excéntrico y elementos escurridizos como ratones rojos, tortugas mensajeras o globos que estallan sueños.

    Con diálogos chispeantes, personajes inolvidables y escenas cargadas de magia, esta obra nos habla de lo invisible: de los vínculos, del valor de elegir un camino propio y de cómo construir en lugar de solo soñar. Ideal para toda la familia, mezcla poesía, comedia y ternura en partes iguales.

    El mejor sueño de todos los tiempos no es solo una historia, es una experiencia sensorial que evoca lo que todos necesitamos: un buen sueño que nos despierte a lo mejor de nosotros mismos.

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