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Obras de teatro listas para montar, estudiar o interpretar — acceso digital inmediato.

  • "El Tribunal Del Honor" - Daniel Caldera (1877.)

    “El Tribunal Del Honor” – Daniel Caldera (1877.)

    $3.490

    En el corazón político y emocional del Chile de 1836, un drama de pasiones encendidas y deberes implacables se despliega. "El Tribunal del Honor", obra maestra del romanticismo decimonónico chileno, entrelaza amor, celos, traición y justicia en un hogar marcado por el deber patriótico y las pasiones soterradas.

    María, esposa ejemplar y alma sensible, guarda un pasado que resurge con la llegada de un comandante militar que alguna vez fue el amor de su juventud. Mientras tanto, Dolores, su joven y rebelde sobrina, lucha por un amor prohibido en una sociedad donde la reputación lo es todo.

    En este contexto, los muros del hogar se convierten en trincheras emocionales: los personajes se ven obligados a elegir entre lo que desean y lo que se espera de ellos. Don Juan, militar y esposo, representa el honor institucional, mientras que María encarna la lucha íntima entre el deber y los sentimientos. El pasado no ha muerto, y su sombra amenaza con trastocar todas las certezas.

    Una obra intensa y emotiva, donde los silencios pesan tanto como las palabras, y donde el juicio final no ocurre en tribunales civiles, sino en los recovecos del alma. Una joya olvidada del teatro chileno del siglo XIX, ideal para montajes clásicos con alta carga actoral y emocional.

    Es considerada uno de los primeros dramas costumbristas del teatro chileno. Uno de los grandes montajes del siglo XIX.

  • "La Quintrala" - Domingo Antonio Izquierdo (1886.)

    “La Quintrala” – Domingo Antonio Izquierdo (1886.)

    $3.490

    En la Santiago colonial de 1635, las campanas repican, pero no llaman solo a misa: anuncian intrigas, conspiraciones y pasiones peligrosas. En medio de esta ciudad dividida, una figura domina los rumores y las miradas: Catalina de los Ríos y Lisperguer, conocida como La Quintrala. Dueña de una belleza hipnótica y un carácter indomable, Catalina no conoce límites cuando se trata de defender su poder o saciar su sed de venganza.

    El Obispo Salcedo y la Real Audiencia se enfrentan en una lucha política y moral que tiene un nombre común en boca de todos: Catalina. Un sermón público contra su reputación la enciende y la lleva a planear una represalia implacable. Su objetivo será Blanca, la inocente y confiada sobrina del obispo, a quien logra engañar con la promesa de un reencuentro amoroso.

    Paralelamente, Fernando, joven apasionado e hijo de Bravo de Navieda, se ve atrapado entre su amor por Catalina y su lealtad hacia su padre, quien aspira a convertirse en corregidor. Entre las sombras se revela una antigua promesa de venganza por un crimen pasado, y una cruz perdida que podría condenar a su portador.

    Mientras los oidores, el obispo y los partidarios de Catalina mueven sus piezas como en un tablero de ajedrez, las tensiones aumentan. La casa de La Quintrala se convierte en escenario de conspiraciones, secretos y amenazas, donde cada puerta oculta un peligro y cada palabra puede sellar un destino. La pregunta es inevitable: ¿Quién prevalecerá, la justicia o la voluntad indomable de Catalina?

  • "Bailahuen" - German Luco Cruchaga (1928.)

    “Bailahuen” – German Luco Cruchaga (1928.)

    $3.490

    En un rincón olvidado de la cordillera chilena, donde el viento manda y la ley no alcanza, Bailahuén despliega una historia cruda, musical y profundamente humana. Un rancho aislado reúne a cuatreros, cantores, mujeres cansadas y hombres marcados por el tiempo. Allí, Don Erasmo, huaso viejo y duro, cree sostener el orden con su experiencia y su cuchillo. Pero el orden es frágil cuando entra en escena Perejil, un joven errante, pobre y hambriento de futuro.

    Clarita, joven y viva, atrapada en una relación desigual, ve en Perejil una salida. No una promesa romántica, sino una posibilidad de escape. Entre cantos populares, rancheras y guitarras, el deseo empieza a circular, y con él, el miedo. Porque en ese mundo, amar es traicionar, y sobrevivir exige silencio.

    La obra se mueve entre lo festivo y lo trágico. La música no alivia: encubre. El humor campesino no suaviza: hiere. Cada diálogo arrastra siglos de cultura oral, machismo, pobreza y códigos de honor no escritos. El mito del “bailahuén”, planta que supuestamente devuelve el vigor perdido, atraviesa la obra como símbolo: todos buscan una segunda oportunidad que no existe.

    Bailahuén es una obra de frontera: entre Chile y Argentina, entre ley y delito, entre amor y posesión. Germán Luco Cruchaga construye un sainete que ríe con los dientes apretados y canta mientras se afila el cuchillo. Nada es ingenuo. Todo tiene costo.

    Una pieza esencial del teatro chileno, tan vigente hoy como en 1928.

  • "La Viuda De Apablaza" - German Luco Cruchaga (1928.)

    “La Viuda De Apablaza” – German Luco Cruchaga (1928.)

    $3.490

    En una hacienda del sur profundo, una mujer gobierna con mano firme lo que la vida le dejó: tierras, trabajadores y un pasado que no se resigna a morir. La llegada de una joven desde la ciudad altera el equilibrio invisible de la casa y despierta pasiones largamente contenidas.

    Entre cosechas, trabajo duro y noches sin tranca, se cruzan amores desiguales, deseos no dichos y una lucha silenciosa por el control afectivo y moral del territorio. Nadie está libre: ni el hombre que aprende a amar, ni la mujer que teme perder su lugar, ni quienes observan y callan.

    La obra retrata con crudeza poética el mundo rural chileno, donde el poder no siempre grita y el amor no siempre libera. Una tragicomedia intensa, cargada de humor campesino, erotismo contenido y conflictos humanos universales, donde cada gesto cotidiano esconde una decisión que puede cambiarlo todo

  • "Casimiro Vico, Primer Actor" - Armando Moock (1937.)

    “Casimiro Vico, Primer Actor” – Armando Moock (1937.)

    $3.490

    En un modesto taller de sastrería de Santiago, entre tijeras gastadas, telas descoloridas y sueños que no cotizan en el mercado, vive Casimiro Vico, un hombre bueno, excesivamente bueno. Sastre de oficio, artista de vocación, Casimiro cree —con fe casi infantil— que el teatro ennoblece, salva y redime.

    Cuando una compañía teatral aparece prometiéndole gloria, aplausos y un nuevo destino, Casimiro acepta sin medir consecuencias. Junto a su esposa Carmen —práctica, sensible y dueña de una voz que sorprende a todos— abandona la seguridad del trabajo para lanzarse a una gira incierta. Él quiere ser actor. Ella, sin buscarlo, empieza a serlo de verdad.

    Pero el teatro no es solo telón y ovaciones. Es ensayo interminable, egos heridos, contratos difusos, hambre, trenes que no esperan y estaciones donde nadie escucha. A medida que el viaje avanza, la ilusión se agrieta. Casimiro no es el gran actor que imaginó, pero sigue siendo el hombre generoso que sostiene a todos. Carmen, en cambio, crece, se afirma, y ve con claridad lo que su marido se niega a aceptar.

    Casimiro Vico, Primer Actor es una obra profundamente humana, divertida y dolorosa, que retrata el mundo teatral desde adentro: sus miserias, su ternura y su brutal honestidad. Una tragicomedia donde el sueño artístico se enfrenta a la realidad social, y donde el verdadero heroísmo no está en el aplauso, sino en la dignidad de quien se atreve a creer.

  • "Isabel Sandobal, Modas" - Armando Moock (1915.)

    “Isabel Sandobal, Modas” – Armando Moock (1915.)

    $3.490
    Una modista viuda levanta su taller en el corazón de Santiago. Entre maniquíes, telas y máquinas de coser, Isabel Sandoval mantiene viva una casa que se tambalea entre la pobreza y el decoro. Sus hijas cosen, su hijo menor instala motores, y el mayor —el “poeta”— sueña con una vida mejor, tan alta que termina olvidando el suelo que lo sostiene.
    Armando Moock, con una pluma ágil y compasiva, retrata un hogar donde la risa y la miseria conviven. Don Alejo, amigo viejo y filósofo sin fortuna, aporta ironía y ternura; su presencia ilumina la trama como una lámpara en un cuarto oscuro. En ese espacio mínimo, el público asiste al desfile de los grandes temas del Chile urbano de comienzos del siglo XX: la educación como promesa, el trabajo femenino como resistencia, la hipocresía social, el amor no correspondido y el precio de la vanidad.
    El tono de comedia no es liviano: bajo el humor, late la herida del clasismo. Cada diálogo es un duelo entre la apariencia y la verdad, entre la ilusión y la dignidad.
    “Isabel Sandoval, Modas” es una joya de la dramaturgia chilena temprana: una comedia de costumbres con alma de tragedia doméstica. Nos recuerda que, detrás de cada vestido elegante, hay manos que cosen con amor y lágrimas invisibles que no manchan la tela, pero sí la historia.
  • "La Serpiente" - Armando Moock (1920.)

    “La Serpiente” – Armando Moock (1920.)

    $3.490
    Una mujer fuera de la ley. Un hombre que se cree dueño de su voluntad. Una sociedad que castiga lo que desea. Ambientada en el Buenos Aires moderno de 1920, La Serpiente es una comedia de alta temperatura moral, donde las pasiones se entrelazan con la inteligencia y la ironía. Luciana, una mujer separada y amante de un escritor famoso, encarna la rebeldía de una época que empezaba a cuestionar los límites entre el amor, la moral y la libertad. Pedro, el intelectual que la ama, pretende dominar su propia naturaleza a través de la razón, pero termina devorado por aquello que niega: el deseo. Entre conversaciones elegantes, cafés, perfumes, cigarrillos y teorías sobre la “voluntad”, los personajes se enfrentan a un espejo social que los desnuda. Detrás de la comedia late una tragedia sutil: la lucha entre el instinto y la conciencia, entre la apariencia y la verdad. La obra se sostiene en un diálogo ágil, moderno, cargado de humor irónico y observación psicológica. Su mirada sobre la mujer emancipada y el feminismo naciente la convierte en una pieza sorprendentemente vigente. “La Serpiente” es una joya del teatro chileno‑rioplatense que retrata con inteligencia el drama del amor moderno, donde nadie queda ileso y todos muerden o son mordidos.
  • "Ubu Rey" - Alfred Jarry (1896.)

    “Ubu Rey” – Alfred Jarry (1896.)

    $3.490

    “Ubú Rey” es una de las obras fundacionales del teatro moderno, un estallido de sátira y provocación que rompió con todas las convenciones teatrales de fines del siglo XIX. Alfred Jarry coloca en escena a un personaje grotesco y desmesurado: el Padre Ubu, un ex capitán de dragones que, manipulado por su esposa, decide asesinar al rey y adueñarse del trono de Polonia.

    Desde el inicio, los diálogos rebosan de vulgaridad, insultos e incoherencias que transforman la tragedia clásica de la ambición en un carnaval absurdo. La avaricia y brutalidad del nuevo monarca no conocen límites: crea impuestos ridículos, devora banquetes interminables, manda ejecutar a nobles y magistrados sin juicio, y reduce el Estado a un botín personal. Su lenguaje escatológico y sus delirios de grandeza revelan la caricatura del poder en su forma más grotesca.

    Frente a esta tiranía surge la figura del joven príncipe Bougrelas, heredero legítimo, que sobrevive a la masacre y recibe de sus antepasados la misión de vengar a los suyos. A su alrededor, el pueblo sufre hambre, saqueos y abusos, mientras las potencias extranjeras —particularmente Rusia— aprovechan el caos para intervenir. Entre conspiraciones, persecuciones y batallas absurdas, la obra despliega un torrente de humor negro y violencia caricaturesca.

    Más que una sátira política puntual, “Ubú Rey” es una metáfora universal sobre la estupidez y la corrupción del poder. Jarry convierte el teatro en un espacio de irreverencia, donde lo grotesco revela las verdades más incómodas. Una pieza que aún hoy resuena por su ferocidad y su capacidad de incomodar y divertir a la vez.

  • "Un Enemigo Del Pueblo" - Henrik Ibsen (1882.)

    “Un Enemigo Del Pueblo” – Henrik Ibsen (1882.)

    $3.490

    En un pintoresco pueblo costero de Noruega, las aguas termales son la promesa de progreso, salud y prosperidad. La ciudad entera ha apostado su desarrollo económico a la fama de su balneario, considerado un verdadero tesoro natural. Todo parece ir viento en popa… hasta que un inesperado hallazgo pone en jaque la reputación del pueblo y enfrenta la verdad científica con los intereses de poder.

    “Un enemigo del pueblo”, de Henrik Ibsen, es una obra que arde con la vigencia de un conflicto eterno: ¿qué sucede cuando decir la verdad pone en riesgo el bienestar económico de muchos? ¿Quién defiende lo correcto cuando el precio es el aislamiento total?

    El doctor Stockmann, protagonista de esta historia, es un hombre convencido de su deber moral y científico. Pero su descubrimiento lo lleva a enfrentarse no solo con las autoridades, sino con la prensa, la comunidad y hasta su propio entorno familiar. Lo que comienza como una cruzada por la salud pública se transforma en una tormenta social que desnuda las tensiones entre el individuo y la masa, entre la ética y el pragmatismo, entre la libertad de expresión y la autocensura colectiva.

    Esta obra maestra del teatro moderno, escrita en 1882 pero más actual que nunca, invita a reflexionar sobre el valor de la verdad, el rol de la prensa, el miedo al cambio y el costo de sostener una voz disidente. Ideal para montajes contemporáneos con fuerza política y emocional, Un enemigo del pueblo es un retrato feroz de la sociedad en lucha con su conciencia.

  • "Casa De Muñecas" - Henrik Ibsen (1879.)

    “Casa De Muñecas” – Henrik Ibsen (1879.)

    $3.490

    En una elegante casa noruega, Nora Helmer parece tenerlo todo: una familia amorosa, una vida cómoda y la promesa de una nueva estabilidad económica. Sin embargo, bajo esa aparente perfección, se oculta un secreto que desafía las normas sociales, las leyes y los límites del amor conyugal.

    Casa de muñecas, obra cumbre del realismo moderno, nos introduce en un mundo de apariencias, manipulaciones y sacrificios silenciosos. Nora, tierna y vivaz, ha cometido una falta en nombre del amor, pero ese acto de devoción amenaza con volverse en su contra cuando su pasado llama a la puerta en forma de chantaje. A medida que los días festivos se acercan y la felicidad conyugal se ve amenazada, las grietas en la estructura del matrimonio se hacen cada vez más visibles.

    Henrik Ibsen nos entrega una historia intensa, donde las pequeñas acciones adquieren una magnitud devastadora, y donde la verdadera revolución ocurre en el alma de una mujer que se atreve a pensar por sí misma. Esta obra no solo retrata el rol de la mujer en la sociedad del siglo XIX, sino que lo cuestiona radicalmente, dejando en el espectador una inquietud que traspasa el tiempo.

    Una joya del teatro universal que conmueve, incomoda y transforma.

  • “El Ombligo De Los Limbos” – Antonin Artaud (1925.)

    “El Ombligo De Los Limbos” – Antonin Artaud (1925.)

    $3.490

    No hay historia aquí.
    Hay un cuerpo ardiendo.

    El Ombligo de los Limbos es el grito de Antonin Artaud cuando el pensamiento deja de obedecer, cuando el lenguaje se vuelve insuficiente y el cuerpo toma la palabra. Este libro no se lee: se atraviesa.

    Artaud escribe desde el borde. Desde la enfermedad, la angustia, la lucidez extrema. Cada texto es una descarga: cartas furiosas, descripciones físicas insoportables, ataques contra la ley, la medicina, la literatura, la moral y el falso orden del espíritu. Nada busca consuelo. Nada quiere explicarse.

    Aquí el pensamiento se quiebra, se vitrifica, se congela. El cuerpo aparece como campo de fuerzas: vientre, nervios, cráneo, sangre, piel. La angustia no es un estado psicológico: es una materia activa, un fenómeno físico, una violencia real que corta el cordón de la vida.

    El libro avanza como un ritual sin escenario fijo. Artaud se expone entero: denuncia el engaño del lenguaje, la traición de las palabras, la hipocresía de los intelectuales, la brutalidad de un mundo que pretende clasificar lo que no puede ser clasificado.

    Este no es un texto para ser entendido. Es un texto para despertar. Para incomodar. Para recordar que el teatro, como la escritura, no nace de la forma, sino de una necesidad vital.

    El Ombligo de los Limbos es el lugar donde el espíritu pierde su máscara y el cuerpo habla sin permiso.

  • “La Gaviota” – Anton Chejov (1896.)

    “La Gaviota” – Anton Chejov (1896.)

    $3.490

    En una hacienda rusa, a orillas de un lago, un grupo de personajes busca darle sentido a su existencia a través del arte y el amor.
    Konstantin Treplev, un joven dramaturgo inconforme, sueña con revolucionar el teatro, pero su madre, la célebre actriz Irina Arkádina, rechaza sus intentos con frialdad y desdén. La llegada de Nina Zarechnaya, una joven llena de ilusión que anhela ser actriz, enciende las pasiones: Konstantin la ama intensamente, pero ella se siente atraída por el famoso escritor Boris Trigorin, amante de Arkádina.

    La calma del campo se convierte en un hervidero de emociones: amores no correspondidos, celos, rivalidades artísticas y sueños imposibles. La obra dentro de la obra, escrita por Konstantin y representada por Nina, es interrumpida y ridiculizada, reflejando el choque entre las viejas y nuevas formas de arte.

    A lo largo de los actos, los personajes revelan sus fragilidades: la inseguridad del artista joven, la vanidad de la actriz consagrada, la seducción del éxito literario y la vulnerabilidad de una muchacha que persigue un destino más grande que ella misma.
    El símbolo de la gaviota, abatida en un momento crucial, se convierte en metáfora de los ideales sacrificados, de la pureza quebrada y de la lucha del ser humano por encontrar su lugar.

    Sin necesidad de grandes gestos heroicos, Chéjov muestra que la verdadera intensidad está en lo cotidiano: en las palabras no dichas, en los silencios cargados de tensión, en la melancolía de un amor imposible.
    La Gaviota es un retrato magistral de la fragilidad de los sueños y de la eterna tensión entre la vida que deseamos y la que nos toca vivir.

  • “Tres Hermanas” – Anton Chejov (1901.)

    “Tres Hermanas” – Anton Chejov (1901.)

    $3.490

    “Las tres hermanas” de Antón Chéjov es un drama conmovedor que explora la vida de Olga, Mascha e Irina, atrapadas en una pequeña ciudad provinciana tras haber crecido en Moscú. Con una mezcla única de melancolía y lucidez, la obra revela cómo los grandes anhelos pueden ahogarse en la rutina y cómo, aun así, el ser humano insiste en soñar.

    El hogar de los Prózorov se convierte en un microcosmos de ilusiones rotas, pasiones reprimidas y discursos brillantes sobre el futuro. Mientras Olga carga con el sacrificio docente, Mascha se debate entre un matrimonio sin amor y un amor imposible, e Irina busca en el trabajo la dignidad perdida. A su alrededor orbitan figuras que intensifican el conflicto: el soñador barón Tusenbach, el cínico Solionii, el entrañable doctor Chebutikin, el idealista Verschinin y el mediocre Andrei, cuyo matrimonio con Natascha desintegra la unidad familiar.

    Chéjov combina situaciones cotidianas con reflexiones filosóficas: ¿tiene la vida un sentido en el presente o solo en un futuro distante? El espectador presencia cenas, charlas y silencios que, más que grandes giros, muestran el peso de lo no dicho y la inexorable decadencia del tiempo.

    Sin ofrecer finales felices, la obra cautiva por su humanidad: personajes que aman, sueñan y fracasan, pero que nunca dejan de esperar. Un clásico del teatro universal que emociona por su vigencia: la incapacidad de encontrar plenitud en lo inmediato y la obstinada esperanza en un mañana mejor.

  • “Tio Vania” – Anton Chejov (1898.)

    “Tio Vania” – Anton Chejov (1898.)

    $3.490
    En una apartada hacienda rusa, el tiempo parece haberse detenido entre tazas de té, cuentas de la finca y silencios pesados. Allí viven Sonia, trabajadora e invisible, y su tío Vania, un hombre consumido por el desencanto de haber entregado su vida a un ideal que se desmorona. La llegada del profesor Serebriakov —padre de Sonia y cuñado de Vania— junto a su joven esposa Elena, lo altera todo.
    Lo que parecía rutina se convierte en un hervidero de emociones: el amor secreto de Vania por Elena, la pasión silenciosa de Sonia por el doctor Astrov, y el tedio de una mujer joven atrapada en un matrimonio con un anciano enfermo. En este cruce de miradas y confesiones, brota lo más humano: deseo, celos, frustración, rencor y sueños incumplidos.
    Astrov, médico idealista y agotado, habla con fervor de salvar bosques y del futuro de la humanidad, pero en su vida íntima también se asoman la soledad y la desesperanza. Entre conversaciones sobre la vejez, la belleza, la fidelidad y el sinsentido de existir, los personajes se confrontan a la certeza de haber malgastado sus vidas.
    Tío Vania no es un drama de grandes gestas, sino de pequeñas derrotas, donde lo no dicho pesa más que las palabras y donde el anhelo de amor y reconocimiento se estrella contra la realidad. Una obra conmovedora y profundamente actual que revela, con ironía y ternura, cómo el tiempo nos escapa mientras buscamos la felicidad en lugares imposibles.
  • "Terror Y Miseria Del Tercer Reich“ – Bertolt Brecht (1938.)

    “Terror Y Miseria Del Tercer Reich“ – Bertolt Brecht (1938.)

    $3.490

    Un país donde hablar es peligroso.
    Donde el silencio también delata.

    Terror y miseria del Tercer Reich no cuenta una sola historia: las descompone todas. Bertolt Brecht disecciona la Alemania nazi como si fuera un cuerpo enfermo, mostrando cómo el miedo se filtra en los hogares, en los tribunales, en el amor y en el trabajo. No hace falta estar en un campo de concentración para estar preso: basta con vivir allí.

    Cada escena es un espejo incómodo. Una pareja que duda de lo que puede decirse. Un juez que intenta hacer justicia en un sistema que ya la ha corrompido. Un obrero marcado sin saberlo. Un soldado que obedece sin pensar. Personas comunes enfrentadas a decisiones pequeñas que tienen consecuencias irreversibles.

    Aquí no hay héroes. Hay sobrevivientes.
    Y tampoco hay monstruos míticos: el horror viste uniforme, delantal o toga.

    Brecht construye una obra fragmentaria, precisa y feroz, donde el terror no grita: susurra. Donde la violencia no siempre golpea, pero observa. La obra revela cómo un régimen totalitario se sostiene no solo por la fuerza, sino por la complicidad, el miedo y la costumbre.

    Montable de forma flexible, actual y profundamente política, Terror y miseria del Tercer Reich es una advertencia que atraviesa el tiempo. No habla solo de Alemania. Habla de cualquier sociedad que acepta el silencio como norma y la obediencia como virtud.

    Una obra incómoda. Necesaria.
    Un espejo que aún no deja de devolvernos la mirada.

  • “Pato Salvaje“ – Henrik Ibsen (1888.)

    “Pato Salvaje“ – Henrik Ibsen (1888.)

    $3.490

    En una ciudad noruega, la vida de la familia Ekdal parece sencilla: un modesto estudio fotográfico, un hogar cálido y un abuelo excéntrico que vive entre recuerdos de caza y animales en un desván. Allí, entre palomas y un pato salvaje herido, crece Hedvig, una adolescente dulce, soñadora y con problemas de vista, cuyo mundo gira en torno al amor de su padre, Hjalmar.

    Pero la llegada de Gregers Werle, un viejo amigo, rompe la calma. Movido por un ideal de sinceridad absoluta, Gregers cree que la verdad es siempre liberadora y decide revelar secretos ocultos. Entre ellos, un pasado que une peligrosamente a Hjalmar con su benefactor, el poderoso cónsul Werle, y con Gina, la esposa de Hjalmar, cuyo vínculo con el cónsul es más íntimo de lo que aparenta.

    Lo que Gregers ve como una misión moral, se convierte en una amenaza para la estabilidad de un hogar sostenido por delicadas ilusiones. Mientras las sospechas crecen y la confianza se rompe, Hedvig se enfrenta a la prueba más grande de su vida: demostrar hasta dónde está dispuesta a llegar por amor.

    El Pato Salvaje es un retrato implacable de cómo la verdad, cuando se impone sin compasión, puede ser más destructiva que la mentira. Henrik Ibsen construye una trama intensa, cargada de simbolismo, donde cada personaje debe decidir si es mejor vivir en la luz de la realidad o en la penumbra de la ilusión.

  • “Señorita Julia” – August Strindberg (1889.)

    “Señorita Julia” – August Strindberg (1889.)

    $3.490

    La Señorita Julia es uno de los retratos más intensos y provocadores de la modernidad teatral. Estrenada en 1889 y considerada la obra maestra de August Strindberg, se desarrolla durante la mágica noche de San Juan, donde los límites sociales parecen desdibujarse bajo el influjo de la fiesta, la música y el deseo.

    Julia, joven aristócrata de espíritu turbulento, se siente atrapada entre las imposiciones de su linaje y el peso de su educación contradictoria. En medio de una crisis sentimental, decide desafiar las normas bailando con los criados. Su encuentro con Juan, el criado de su padre, despierta una atracción peligrosa que oscila entre la seducción y la confrontación. Juan, resentido por su origen humilde pero hábil para manipular, ve en Julia tanto una oportunidad de ascenso como un campo de batalla donde medir fuerzas.

    Cristina, la cocinera y testigo silenciosa, encarna la estabilidad práctica y resignada frente a los juegos de poder y deseo que dominan a los otros dos.

    En este duelo íntimo y claustrofóbico, Strindberg desnuda las contradicciones de la sociedad de su tiempo: la lucha de clases, la emancipación femenina, la sexualidad reprimida y el choque entre instinto y moral. Con un lenguaje crudo y escenas cargadas de tensión erótica y violencia verbal, La Señorita Julia cuestiona las jerarquías sociales y los roles de género con una fuerza que aún hoy sacude al espectador.

    Un clásico imprescindible, intenso y perturbador, que expone la fragilidad del poder cuando se enfrenta al deseo.

  • “Bodas De Sangre” – Federico García Lorca (1933.)

    “Bodas De Sangre” – Federico García Lorca (1933.)

    $3.490

    En una tierra seca donde el sol quema más que el odio, una boda intenta florecer sobre un suelo empapado de muerte antigua. Bodas de sangre es la historia de un amor que no acepta jaulas, de una pasión que sobrevive al tiempo, al matrimonio y a la ley de los hombres.

    Una madre marcada por la violencia sueña con continuidad, con nietos, con paz. Un hijo obediente acepta el mandato del mundo. Una novia calla, pero su sangre recuerda. Y en la sombra, un hombre a caballo escucha el llamado de lo prohibido.

    La obra avanza como un latido contenido. Cada canción, cada silencio, cada objeto cotidiano —el cuchillo, el azahar, el caballo— se carga de presagio. La fiesta se convierte en ritual, el rito en amenaza. Lo que debía unir, separa. Lo que debía dar vida, conduce a la muerte.

    Federico García Lorca construye aquí una tragedia donde los personajes no eligen libremente: son elegidos por su deseo. La naturaleza observa, la luna alumbra lo que la sociedad oculta, y la sangre reclama su precio.

    Bodas de sangre no es solo una historia de amor imposible: es un canto oscuro sobre el instinto, el honor y la imposibilidad de escapar de lo que somos. Una obra de belleza feroz, donde la poesía corta como cuchillo.

     
  • “Hauspostille” – Bertolt Brecht (1927.)

    “Hauspostille” – Bertolt Brecht (1927.)

    $3.490

    Este libro parece pequeño, pero pesa como una piedra en el zapato de la historia.

    Hauspostille se presenta como un devocionario, pero no hay dios que salve ni cielo que absuelva. Brecht canta al cuerpo que se pudre, al obrero que tira de la cuerda, al poeta que ya no cobra, a la muchacha ahogada que el mundo olvida. Cada poema es una lámpara cruda: alumbra sin embellecer.

    Aquí la poesía no sirve para escapar, sino para mirar de frente. El amor aparece como memoria frágil, la moral como una construcción interesada, la patria como una madre manchada de sangre. Brecht no acusa desde un púlpito: expone, enumera, muestra. Deja que el lector saque conclusiones… si se atreve.

    Las canciones funcionan como martillazos suaves y constantes. Un comerciante que no sabe qué es el arroz, sólo su precio. Un marinero que entiende la economía mejor que cualquier ministro. Un obrero que pregunta quién levantó las ciudades que otros firman. Un poeta que recuerda que la duda no es debilidad, sino método.

    No hay sentimentalismo. Hay ternura seca. No hay esperanza fácil. Hay posibilidad, que es más peligrosa. Brecht escribe para quienes viven en tiempos sombríos y aun así cantan, no por optimismo, sino por necesidad.

    Hauspostille no busca agradar: busca activar. Es un libro que se lee con los ojos y con el cuerpo. Un libro que no pide fe, sino atención. Un libro que no promete salvación, pero ofrece algo más raro: claridad. Y a veces, eso basta para empezar a cambiarlo todo.

  • "La Casa De Bernarda Alba" - Federico Garcia Lorca (1945.)

    “La Casa De Bernarda Alba” – Federico Garcia Lorca (1945.)

    $3.490

    Una casa blanca. Muros gruesos. Calor inmóvil.
    Y dentro, cinco mujeres condenadas a mirar la vida pasar desde detrás de las paredes.

    La casa de Bernarda Alba no es solo un hogar: es una prisión levantada en nombre del honor, la tradición y el miedo al juicio ajeno. Tras la muerte del patriarca, Bernarda impone un luto feroz que asfixia cualquier impulso vital. En ese encierro forzado, las hijas cosen, callan, espían, desean. El tiempo se espesa. El calor quema. El silencio duele.

    La llegada de un pretendiente invisible —Pepe el Romano— desata una tormenta interna. No importa tanto el hombre como lo que representa: la posibilidad de escapar, de amar, de vivir el cuerpo. Cada hija reacciona desde su herida: resignación, ironía, miedo, rencor o desafío abierto. La tensión crece como una cuerda demasiado estirada.

    Lorca escribe un drama sin adornos, seco y brutal, donde la palabra es cuchillo y el silencio, sentencia. Las mujeres hablan del deseo como pecado, del matrimonio como destino, de la libertad como una amenaza. Y en medio, una madre que confunde autoridad con crueldad, orden con represión.

    Esta obra es un retrato implacable de una sociedad que sofoca a las mujeres, pero también una tragedia íntima sobre el deseo negado y la violencia que nace de su represión. Cada escena avanza hacia un punto sin retorno. El espectador lo siente: algo va a romperse.

    Y cuando sucede, ya es demasiado tarde.

  • “Pueblecito” – Armando Moock (1918.)

    “Pueblecito” – Armando Moock (1918.)

    $3.490
    En un rincón polvoriento de Chile, donde el verano se detiene sobre las tejas y los relojes parecen rezar, dos hermanas suspiran por una vida que no llega. Entre la Virgen del salón y el olor a dulce de frutilla, el tedio se vuelve personaje y las palabras se hacen ecos del alma.
    Pero un día, la llegada de Marta —hermana que viene de la ciudad— hace vibrar los muros de la casa. Trae consigo el brillo del progreso, la palabra libre, la nostalgia moderna. Su presencia despierta pasiones dormidas, deseos prohibidos y reflexiones sobre lo que significa “vivir” realmente.
    “Pueblecito” es una tragicomedia íntima sobre el deseo de huir y el miedo a hacerlo, sobre los sueños que envejecen al sol de la provincia y las almas que, aún sin moverse, viajan hacia dentro. Es el retrato de un Chile que empieza a despertar, y de las mujeres que, por primera vez, se atreven a mirar más allá del cerro.
  • “Yerma” – Federico Garcia Lorca (1934.)

    “Yerma” – Federico Garcia Lorca (1934.)

    $3.490

    Yerma vive rodeada de vida… excepto en su propio cuerpo. En una tierra donde el agua corre, los animales paren y las mujeres se llenan de hijos, ella permanece seca, ardiendo por dentro. Casada con Juan, un hombre correcto pero sin fuego, Yerma descubre que el matrimonio puede ser una tumba silenciosa cuando no hay deseo compartido.

    Cada escena profundiza su angustia. Las canciones populares, las lavanderas, las vecinas, incluso los niños que no son suyos, le recuerdan lo que no tiene. La sociedad no la acompaña: la vigila, la juzga, la empuja al silencio. Para todos, la esterilidad es culpa; para Yerma, es condena.

    Víctor aparece como una sombra luminosa: representa la vida que no eligió, el temblor que nunca pudo habitar. Pero Yerma no traiciona su honra. Su lucha no es por placer, sino por sentido.

    Cuando la razón ya no basta, Yerma recurre a lo ancestral, a la palabra antigua, al rito. No por ignorancia, sino porque el mundo moderno y moralista la ha dejado sin respuestas.

    Yerma no es una historia sobre maternidad frustrada. Es una tragedia sobre el choque entre deseo vital y estructura social, entre cuerpo y norma, entre lo que arde y lo que se reprime. Una mujer empujada al límite, obligada a mirar de frente la verdad más insoportable: que hay destinos que se secan no por falta de amor, sino por falta de libertad.

    Lorca elabora estas tragedias basándose en una conjugación de mito, poesía y sustancia real, tratando de retratar a una mujer a su vez oprimida y segura de sí misma.
  • “Doña Rosita, La Soltera O El Lenguaje De Las Flores” – Federico Garcia Lorca (1935.)

    “Doña Rosita, La Soltera O El Lenguaje De Las Flores” – Federico Garcia Lorca (1935.)

    $3.490

    Rosita espera.
    Y mientras espera, el mundo envejece.

    En una casa-jardín de Granada, rodeada de flores que hablan en símbolos secretos, una joven vive sostenida por una promesa de amor. Él se ha ido lejos, al otro lado del océano, pero ha jurado volver. Rosita cree. Espera. Bordea su vida alrededor de ese juramento.

    Doña Rosita la soltera es la crónica poética de una espera interminable. Federico García Lorca construye una tragedia sin sangre ni gritos, donde el verdadero verdugo es el tiempo. A través de escenas llenas de música, canciones, conversaciones cotidianas y un exquisito simbolismo floral, la obra muestra cómo la juventud se marchita lentamente bajo el peso de una ilusión sostenida por años.

    La casa se transforma, los vestidos cambian de moda, los personajes envejecen. Granada avanza hacia la modernidad. Rosita permanece. Cada carta es una esperanza, cada silencio una herida. La sociedad observa, juzga y murmura, mientras ella sigue creyendo que amar es esperar.

    Lorca no escribe una historia de amor convencional, sino una denuncia profunda: la de las mujeres condenadas a la pasividad, al sacrificio silencioso, a vivir para una promesa ajena. Rosita no muere, pero algo en ella se apaga para siempre.

    Una obra delicada y cruel, luminosa y devastadora, donde las flores dicen lo que las palabras no se atreven a pronunciar.

  • “El Público” – Federico Garcia Lorca (1933.)

    “El Público” – Federico Garcia Lorca (1933.)

    $3.490

    El Público es una obra incendiaria. Un viaje onírico, violento y profundamente poético al corazón del deseo humano y del teatro mismo. Federico García Lorca rompe aquí con toda forma tradicional y nos lanza a un escenario donde las máscaras no protegen: asfixian.

    Un Director de teatro es confrontado por su público y por antiguos amantes que le exigen verdad. No verdad moral, sino verdad corporal, sexual, vital. ¿Es posible un teatro que no oculte el deseo? ¿Puede el arte sobrevivir sin disfrazarse para agradar?

    La obra avanza como un sueño febril: ruinas romanas, caballos que hablan, emperadores crueles, figuras que se transforman, Julieta despertando de su sepulcro para reclamar un amor que no sea eterno ni puro, sino real. Todo se mezcla: eros y violencia, ternura y humillación, poesía y blasfemia.

    Lorca construye un teatro imposible para su tiempo, donde la homosexualidad no es subtexto sino núcleo, donde el cuerpo es palabra, y donde el público deja de ser espectador pasivo para convertirse en juez y verdugo.

    El Público no busca comprensión inmediata. Busca incomodar, herir, revelar. Es una obra para espacios no convencionales, para intérpretes valientes y para espectadores dispuestos a perder certezas. Un teatro que no se mira: se atraviesa.

  • “Mariana Pineda” – Federico Garcia Lorca (1923.)

    “Mariana Pineda” – Federico Garcia Lorca (1923.)

    $3.490

    En una Granada que late entre sombras y murmullos, una mujer borda a escondidas una bandera. No es un adorno, no es un juego: es la bandera prohibida de la Libertad. Y el hilo rojo que atraviesa la tela es el mismo que le atraviesa el corazón.

    Mariana Pineda, viuda, joven, noble, se convierte sin querer en el alma de una conspiración que amenaza al régimen absolutista. Mientras Pedrosa, el implacable alcalde del crimen, la ronda como un cuervo y la vigila día y noche, Mariana arriesga su vida por el hombre que ama: Pedro de Sotomayor, fugitivo, perseguido, símbolo de rebeldía. Entre ambos, un muchacho de dieciocho años, Fernando, la ama con el fervor de quien nunca ha amado antes, pero no puede alcanzarla.

    La casa de Mariana se vuelve refugio, escondite y trinchera; allí se toman decisiones que pueden cambiar España. Afuera llueve, adentro arde la revolución. Cuando todo parece perdido, Mariana mantiene la frente alta: no delata, no retrocede, no negocia con su dignidad. Y cuando llega el momento final, camina hacia la muerte con la misma elegancia con que bordó su bandera.

    “Mariana Pineda” es una tragicomedia poética, histórica y profundamente humana. Un retrato de una mujer que elige morir libre antes que vivir arrodillada. Un texto donde Lorca convierte la política en poesía, el amor en destino y la rebelión en un acto sagrado.

  • “La Zapatera Prodigiosa” – Federico Garcia Lorca (1930.)

    “La Zapatera Prodigiosa” – Federico Garcia Lorca (1930.)

    $3.490

    En un pueblo donde todos miran y nadie escucha, una mujer joven arde como una llama imposible de apagar. La Zapatera es pasión, rebeldía y deseo de vivir en un mundo que exige silencio y obediencia. Casada con un hombre mucho mayor que ella, la convivencia se convierte en un campo de batalla donde chocan el fuego juvenil y la prudencia envejecida.

    El pueblo observa, murmura, juzga. Las vecinas acechan tras las ventanas, las beatas cuchichean, los hombres rondan, el poder moral y político vigila. La Zapatera responde con ironía, con furia, con ternura inesperada. Su carácter es su defensa. Su lengua, su escudo.

    Cuando el Zapatero desaparece, el abandono se transforma en condena pública. Sola, la Zapatera enfrenta el peso de la mirada colectiva, las coplas crueles, la difamación, el deseo ajeno y la autoridad abusiva. Sin embargo, lejos de quebrarse, emerge una mujer distinta: firme, consciente, digna.

    Lorca construye una farsa luminosa y cruel donde el amor no es posesión, el matrimonio no es dominio y la moral del pueblo se revela hipócrita. Entre canciones, símbolos, humor popular y poesía, la obra late con una energía profundamente contemporánea: la lucha por ser uno mismo frente al ruido de los otros.

    La zapatera prodigiosa es un canto a la identidad, al deseo contenido y a la resistencia femenina. Una obra que ríe, duele y arde al mismo tiempo.

  • “Amor De Don Perlimplín Con Belisa En Su Jardín” – Federico Garcia Lorca (1933.)

    “Amor De Don Perlimplín Con Belisa En Su Jardín” – Federico Garcia Lorca (1933.)

    $3.490

    Un hombre que nunca ha amado.
    Una mujer que ama demasiado.
    Entre ambos, un jardín donde el deseo se vuelve peligroso.

    Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín es una aleluya erótica, cruel y luminosa, donde Federico García Lorca disecciona el amor como si fuera un cuerpo vivo. Don Perlimplín, viejo, tímido y encerrado en su mundo intelectual, es empujado al matrimonio con Belisa, una joven cuya belleza desborda los márgenes de la moral, del pudor y del lenguaje.

    Desde la noche de bodas, el choque es inevitable: mientras Perlimplín descubre el amor como una herida tardía, Belisa vive el deseo como una necesidad física inagotable. Cinco presencias masculinas cruzan la casa y el jardín, sombras del mundo exterior que revelan una verdad brutal: el amor no siempre nace donde se promete.

    Pero esta no es una historia de celos ni de venganza. Es una obra sobre la inteligencia del amor, sobre su capacidad de transformarse, incluso a costa de uno mismo. Perlimplín no lucha contra Belisa: la observa, la comprende y decide llevar el amor a su forma más extrema.

    Entre duendes que comentan la acción, balcones abiertos, pájaros de papel, canciones nocturnas y símbolos constantes, Lorca construye una fábula donde el deseo y el sacrificio caminan juntos. El jardín no es solo un espacio físico: es el escenario del despertar, de la imaginación, de la verdad.

    Esta obra corta, intensa y profundamente poética propone una pregunta inquietante:
    ¿qué vale más, el cuerpo amado o el alma despertada?

    Una tragedia íntima, sensual y filosófica, donde el amor no salva… pero ilumina.

  • “Así Que Pasen Cinco Años” – Federico Garcia Lorca (1931.)

    “Así Que Pasen Cinco Años” – Federico Garcia Lorca (1931.)

    $3.490

    Hay hombres que creen que el amor puede guardarse intacto como una joya.
    Hay hombres que piensan que esperar es una forma de fidelidad.
    Y hay hombres que descubren, demasiado tarde, que el tiempo no espera a nadie.

    Así que pasen cinco años es un viaje poético, feroz y profundamente humano al corazón del deseo aplazado. Federico García Lorca construye aquí una de sus obras más audaces: un teatro donde los relojes no miden horas, sino pérdidas; donde los personajes no envejecen, se vacían; donde el amor que no se vive se transforma en espectro.

    El Joven decide posponer su boda durante cinco años para “hacerlo bien”. Pero mientras espera, el mundo late, la carne arde, la vida ocurre. La mujer amada no se congela en un recuerdo: cambia, despierta, elige. Y cuando él vuelve a extender los brazos, ya no hay nadie dentro del sueño.

    Por escena desfilan figuras inolvidables: un Viejo que habla desde el mañana, amigos que encarnan la infancia y la urgencia, una mujer que ama sin ser vista, un niño muerto que no quiere ser enterrado, y un maniquí vestido de novia que canta por lo que nunca fue.

    Esta no es una historia de celos ni de traición.
    Es una tragedia más profunda: la del hombre que confunde el amor con la espera.

    Lorca nos lanza una advertencia poética y brutal:
    el tiempo no se guarda, se vive.

     
  • "El Incendio" - August Strindberg (1907.)

    “El Incendio” – August Strindberg (1907.)

    $3.490

    La obra transcurre en un barrio pobre de Estocolmo, frente a una casa incendiada donde los restos de tapices y muebles quemados aún humean. El siniestro, ocurrido la noche anterior, sirve como catalizador de las tensiones sociales y morales que habitan entre los vecinos: el albañil, el jardinero, la vieja, la tabernera y un policía que investiga el origen del fuego. Las sospechas se entrecruzan con chismes y resentimientos antiguos.

    Poco después aparece Rudolf Valström, tintorero y propietario de la casa, seguido de Arvid Valström, su hermano perdido durante treinta años. Entre ambos se desata un duelo verbal y filosófico sobre la familia, la culpa y el destino. El incendio funciona como espejo del pasado: las ruinas exponen secretos familiares, corrupción, infidelidades y una antigua red de contrabando que su familia escondía entre los muros de la tintorería.

    La segunda parte transcurre entre los escombros. Arvid se enfrenta con otros personajes —el estudiante sospechoso, el picapedrero que busca venganza, el pintor resentido— y va descubriendo que el incendio no fue un accidente sino una purga simbólica: el fuego reveló la hipocresía, el pecado y la falsedad de toda una generación.
    La obra cierra con la joven pareja Alfred y Mathilde, que observan las ruinas soñando con huir del barrio. Son la única promesa de renovación entre tanta decadencia. El fuego, destructor y purificador, deja abierta la pregunta: ¿puede una familia, una ciudad o un alma renacer de sus propias cenizas?

  • “Seis Personajes En Busca De Autor” – Luigi Pirandello (1925.)

    “Seis Personajes En Busca De Autor” – Luigi Pirandello (1925.)

    $3.490

    Una compañía teatral se prepara para ensayar. El escenario está en calma, hasta que aparecen… ellos. Seis figuras vestidas de luto, con la mirada cargada de algo que no pertenece al teatro ni a la vida cotidiana. No vienen a actuar. Vienen a exigir que su historia sea contada.

    “Somos más reales que ustedes”, aseguran. Traen consigo una tragedia que no pidió permiso para existir: un padre atormentado por un momento de debilidad, una hijastra que ansía su revancha, una madre hecha de dolor silencioso, un hijo tan frío como distante, y dos niños cuya presencia apenas alcanza a pronunciarse antes de convertirse en destino. No hay guion. No hay autor. Solo urgencia viva.

    El Director y los actores, incrédulos, aceptan escucharlos… y el teatro deja de ser ficción para convertirse en campo de batalla entre lo representado y lo vivido. ¿Puede el escenario contener la verdad desnuda? ¿Qué ocurre cuando los personajes exigen que su sufrimiento no se actúe, sino que se reviva?

    Pirandello rompe las reglas: la obra sucede mientras la obra intenta suceder. No hay límites. Solo una pregunta que reverbera en cada espectador: ¿Somos el papel que creemos representar o el personaje que intentamos ocultar?

    Un drama feroz, inteligente y profundamente humano. Una obra maestra que sacude la conciencia y revela la fragilidad de toda máscara. El teatro, después de verla, nunca vuelve a ser el mismo.

  • “Cada Cual A Su Manera” – Luigi Pirandello (1924.)

    “Cada Cual A Su Manera” – Luigi Pirandello (1924.)

    $3.490

    Cada Cual a Su Manera es una joya pirandelliana donde la comedia se transforma poco a poco en un abismo de dudas. Es una obra que tendrá a tu espectador suspendido, entre la risa y el escalofrío, sin saber exactamente en qué terreno está pisando.

    En el centro está Delia Morello, una mujer perseguida por su pasado, intoxicada por rumores, deseada y despreciada a la vez. No es una femme fatale clásica: es un misterio vivo, una herida que camina. La sociedad la ha convertido en un espectáculo, pero Pirandello la convierte en un espejo brutal de nuestras contradicciones.

    Un joven noble, Doro Palegari, queda atrapado en la telaraña de habladurías, prejuicios y pasiones que rodean a Delia. Al tratar de entenderla —o defenderla— se descubre enfrentado a sí mismo. Sus ideas cambian como el viento, revelando las fisuras íntimas que todos preferimos ocultar. Cada palabra dicha por él, por los invitados, por su madre o por su amigo Diego, se convierte en un hilo que tira de toda la estructura moral del teatro y de la sociedad.

    Pero esta no es sólo una obra sobre escándalos amorosos. Es una obra sobre algo más hondo:
    la imposibilidad de saber quiénes somos realmente cuando todos opinan sobre nosotros.

    La genialidad de Pirandello estalla al romper la frontera entre escena y público. La ficción invade la realidad. La realidad se cuela en la ficción. Los espectadores se convierten en personajes, y los personajes irrumpen como si fueran personas vivas, desordenándolo todo.

    Cada Cual a Su Manera es una obra que fascina a quien busca teatro inteligente, audaz, inquietante y profundamente humano. Perfecta para montajes contemporáneos, donde el teatro mismo es cuestionado, reconstruido y devorado por la verdad que intenta ocultar.

  • “Esta Noche Se Improvisa” – Luigi Pirandello (1930.)

    “Esta Noche Se Improvisa” – Luigi Pirandello (1930.)

    $3.490

    Imagine asistir al teatro… y descubrir que la obra ya comenzó incluso antes de que se levante el telón. Una voz interrumpe, los actores discuten, el público se convierte en parte del espectáculo. Lo que parecía ficción se desmorona como una máscara. Eso es Esta Noche Se Improvisa: una experiencia teatral donde la historia no sólo se representa—se vive.

    La función gira en torno a la familia La Croce, una casa abierta a jóvenes oficiales, gobernada por una madre altiva y un padre silbador, con cuatro hijas luminosas que despiertan deseo, sospecha y pasión. Entre ellas, una destaca por su fragilidad y fuego contenido. La llegada de un aviador desencadena una tormenta emocional que enfrenta a los personajes con los celos, la reputación y la imposibilidad de huir del pasado.

    Pero nada sucede como debería. Los actores se rebelan contra las órdenes del director, los personajes luchan por existir más allá del guion, y las escenas brotan desde la urgencia del alma. La obra se reinventa cuadro a cuadro, como si el teatro respirara, como si cada emoción marcara nueva dirección.

    Pirandello convierte al espectador en cómplice de esta cicatriz abierta entre arte y vida. Una tragicomedia moderna, visceral, explosiva. Una obra donde improvisar es descubrir la verdad… y donde la verdad puede ser insoportable. Esta noche no se actúa. Esta noche se expone el corazón.

  • “Las Reglas Del Juego” – Luigi Pirandello (1918.)

    “Las Reglas Del Juego” – Luigi Pirandello (1918.)

    $3.490
    Entre el cinismo y la desesperación, Silia Gala busca aire en una vida que la ahoga. Su marido, León, ha renunciado a los sentimientos para refugiarse en una fría filosofía que lo vuelve intocable. En cambio, su amante Guido intenta comprenderla y rescatarla, sin advertir que también está cayendo en el tablero que ella mueve con manos temblorosas.
    Pirandello construye un duelo invisible entre razón y deseo, entre cuerpo y mente. El matrimonio convertido en teatro, la pasión en experimento, la libertad en una jaula de cristal.
    “Las Reglas del Juego” es una comedia amarga y cruel donde nadie ama de verdad: todos representan un papel. Cada personaje —la mujer que se asfixia, el marido que analiza, el amante que se pierde— cumple su parte en un juego que solo el intelecto de León comprende hasta el final.
    Es una obra de precisión filosófica y dramatismo punzante: elegante, cínica y profundamente moderna. Detrás de la ironía, late una pregunta eterna: ¿quién juega y quién es jugado?
  • “El Placer De La Honradez” – Luigi Pirandello (1917.)

    “El Placer De La Honradez” – Luigi Pirandello (1917.)

    $3.490

    “El Placer de la Honradez” es una de las piezas más agudas de Luigi Pirandello, un espejo brutal de la moral burguesa. La historia comienza con una familia en crisis: Águeda, hija de una dama respetable, espera un hijo del marqués Fabio Colli, hombre casado y de alma atormentada. Para evitar el escándalo, Mauricio Setti propone un matrimonio falso con un tal Ángel Baldovino, un filósofo empobrecido, escéptico y sardónico.

    Pero Baldovino no es un oportunista. Es un hombre que, hundido en el desengaño, ha decidido convertir la honradez en su religión. Acepta el matrimonio sólo para reivindicar su dignidad perdida, con la promesa de no tocar el dinero ni la mujer. Sin embargo, su pureza es de hierro: impone una ética tan severa que la farsa se convierte en una cárcel moral.

    A lo largo de la obra, Baldovino pasa de ser un personaje marginal a una fuerza invisible que domina a todos. No es un santo, ni un héroe; es un hombre que, al no poder ser feliz, decide ser justo hasta el extremo. Su honestidad es contagiosa, pero también destructiva: desarma la hipocresía, humilla al marqués, y condena a Águeda y a su madre a vivir bajo una ley sin amor.

    Pirandello, con su característico juego de máscaras, nos obliga a preguntarnos: ¿es la honradez una virtud o una forma más de soberbia? ¿Puede existir la verdad en un mundo hecho de apariencias? En Baldovino, el autor encarna la amarga ironía de quien encuentra placer en ser incorruptible, incluso cuando eso destruye todo lo demás.

  • “El Imbécil” – Luigi Pirandello (1927.)

    “El Imbécil” – Luigi Pirandello (1927.)

    $3.490

    En una ciudad que se cree el centro del universo, un joven moribundo entra en escena como quien cruza un umbral invisible. Luca Fazio no grita, no milita, no discute: observa. Y al observar, revela. En el despacho sucio de un periódico político, los hombres vociferan consignas, celebran la violencia, opinan sobre la muerte ajena como si fuera una columna editorial más. Todo parece normal. Todo está podrido.

    Luca viene de Roma. Viene de la enfermedad. Viene del límite. No busca compasión ni redención. Busca coherencia. Mientras los otros hablan de patria, de honor y de enemigos, él recuerda que el cuerpo duele, que el aire falta, que la vida se agota. Y que cuando uno está cansado de vivir, no debería ser usado como herramienta por los que aún juegan a la política.

    La obra se convierte entonces en un duelo asimétrico: no entre dos ideologías, sino entre la retórica vacía y la verdad desnuda. Luca enfrenta a Paroni sin discursos grandilocuentes, sin proclamas. Lo enfrenta con lógica, con ironía, con una calma aterradora. El poder cambia de manos sin un solo disparo.

    Pirandello construye aquí una tragedia seca, casi quirúrgica, donde la violencia mayor no es física sino moral. Nadie queda a salvo: ni el político, ni el periodista, ni el espectador. Porque la pregunta final no es quién tiene razón, sino quién se atreve a mirar su propia miseria sin convertirla en bandera.

  • “El Hombre, La Bestia Y La Virtud” – Luigi Pirandello (1919.)

    “El Hombre, La Bestia Y La Virtud” – Luigi Pirandello (1919.)

    $3.490
    Una mujer virtuosa, un profesor apasionado y un marido animal son los vértices de esta tragicomedia feroz sobre la hipocresía de la moral.
    La señora Perella, símbolo del pudor y la obediencia, esconde un secreto: está embarazada de su profesor de latín, el nervioso y brillante Paolino. Su marido, un capitán brutal y ausente, lleva años negándole el lecho conyugal. El regreso repentino del capitán desata el pánico.
    Paolino, atrapado entre el amor y la desesperación, idea un plan absurdo y genial: hacer que el capitán vuelva a “cumplir sus deberes” conyugales para cubrir la falta de su esposa. Con la ayuda de un médico y un farmacéutico, manipula a todos en una cadena de mentiras que se enreda con comicidad y tensión.
    Entre risas y crueldades, Pirandello desnuda una sociedad que finge virtud mientras se pudre de deseo.
    El público asiste a una danza de apariencias donde la virtud debe disfrazarse de pecado para sobrevivir, el pecado de virtud para justificarse y el hombre racional se ve obligado a despertar la bestia para salvar el honor.
  • "Como Antes, Mejor Que Antes" - Luigi Pirandello (1920.)

    “Como Antes, Mejor Que Antes” – Luigi Pirandello (1920.)

    $3.490
    Una mujer renace de entre los muertos en una villa del norte de Italia. Fulvia, marcada por el escándalo y la culpa, vuelve a cruzarse con su marido —el hombre que la salvó con bisturí— y con su amante —el que la arrastró al abismo.
    Pirandello construye una tormenta de pasiones dentro de una vieja pensión donde la razón y el deseo se confunden.
    Entre los murmullos de los criados y las sombras del lago de Como, tres almas se enfrentan al espejo del tiempo: ¿puede el amor sobrevivir después de la humillación?
    Como antes, mejor que antes es una tragedia íntima donde cada personaje busca una segunda oportunidad en un mundo que ya no perdona.
  • "La Sonata De Los Espectros" - August Strindberg (1907.)

    “La Sonata De Los Espectros” – August Strindberg (1907.)

    $3.490

    Una casa luminosa en apariencia. Una familia respetable. Una mañana de domingo en que el aire brilla como vidrio.
    Pero bajo esa luz impecable habitan los espectros de la culpa, los crímenes no confesados, las pasiones que se pudren bajo el mármol.

    El estudiante Arkenholz, un joven inocente con el don de ver lo invisible, se cruza con un anciano en silla de ruedas —Hummel, el tejedor de destinos— y es arrastrado a un mundo donde la realidad es un teatro de sombras. Cada puerta que se abre revela un secreto. Cada rostro amable oculta una ruina moral. El Coronel no es noble, su esposa es una momia viva, su hija un alma pura entre fantasmas. El viejo Hummel intenta ejercer de juez de esa casa de ilusiones, pero sus propios pecados lo condenan.

    La obra se convierte en una misa profana: los personajes comen, conversan y se acusan mientras el reloj de la muerte marca su hora final.
    El estudiante y la joven quedan al borde de la redención, pero la pureza no sobrevive intacta entre los muertos.

    “La Sonata de los Espectros” es una sinfonía de revelaciones morales, una ópera sin música donde el horror cotidiano se mezcla con la poesía. Strindberg convierte lo doméstico en lo demoníaco: una radiografía del alma humana en su contradicción más pura —la necesidad de aparentar santidad para esconder la podredumbre.

  • “Vestir Al Desnudo” – Luigi Pirandello (1922.)

    “Vestir Al Desnudo” – Luigi Pirandello (1922.)

    $3.490

    Ersilia Drei regresa a Roma convertida en una sombra: despedida, abandonada y cargando una culpa que no le pertenece. Su intento fallido de suicidio estremece la ciudad y sacude la rutina de varios hombres que, sin quererlo, quedan atrapados en su tragedia. Un periodista transforma su historia en noticia; un cónsul teme por su reputación; un antiguo amante recupera la cordura demasiado tarde; y un escritor, seducido por la belleza de su desamparo, decide “salvarla” para convertirla en el alma de su nueva novela.

    Pero Ersilia, aún rota, no está segura de quién es realmente:
    ¿la víctima que todos observan?
    ¿la mujer que intenta recomenzar?
    ¿la protagonista de una historia ajena?

    Entre culpas, amenazas, confesiones y verdades contradictorias, Vestir al Desnudo expone el juego cruel entre la vida privada y la imagen pública, entre el deseo de ser amada y el miedo de ser usada. Pirandello construye una obra intensa, íntima y humana, donde cada personaje intenta “vestir” a Ersilia con una versión distinta de sí misma.

    Una tragicomedia emocional, íntima, vertiginosa: una mujer que busca existir más allá de las heridas que otros le escribieron.

  • “Como Tú Me Deseas” – Luigi Pirandello (1930.)

    “Como Tú Me Deseas” – Luigi Pirandello (1930.)

    $3.490

    Una mujer sin nombre, sin pasado y casi sin cuerpo propio vive atrapada en una noche perpetua. Baila, bebe, provoca, huye. En Berlín la llaman Elma, pero nadie sabe realmente quién es. Ni siquiera ella. A su alrededor, los hombres se aferran a su figura como a un espejo que devuelve lo peor de sí mismos.

    Cuando un fotógrafo irrumpe afirmando que esa mujer es en realidad Lucía Pieri, una esposa desaparecida durante la guerra, el mundo se resquebraja. ¿Puede una identidad regresar después de haber sido declarada muerta? ¿Puede alguien volver a ser quien fue cuando su cuerpo ha sobrevivido a lo indecible?

    Pirandello construye aquí una obra ferozmente contemporánea: una mujer disputada por miradas masculinas, por documentos legales, por recuerdos ajenos. Nadie le pregunta quién quiere ser. Todos quieren decidirlo por ella. El amante la desea sin pasado; el marido la espera intacta; la sociedad exige una versión aceptable.

    Entre Berlín y una villa italiana, entre la noche y la luz, Como Tú Me Deseas expone el horror de tener que “representarse” a uno mismo para poder existir. El amor se vuelve posesión, la memoria una trampa, la identidad un disfraz necesario.

    No es una historia de reconocimiento, sino de fractura. No habla de volver a casa, sino de descubrir que ya no existe. Y en ese vacío, Pirandello coloca una pregunta que sigue ardiendo hoy:
    ¿Quién tiene derecho a decirnos quiénes somos?

  • "Así Es, Si Así Te Parece" - Luigi Pirandello (1917.)

    “Así Es, Si Así Te Parece” – Luigi Pirandello (1917.)

    $3.490

    Una pequeña ciudad se convierte en un laboratorio de la verdad. Allí llega un funcionario taciturno, el señor Ponza, acompañado de su suegra, la dulce y reservada señora Frola. Nadie entiende por qué viven separados, ni por qué ella apenas puede ver a su hija desde una cuerda y una cesta colgando del patio. Las conjeturas corren como fuego entre los vecinos: ¿será celoso, cruel, violento? ¿O habrá algo más oscuro detrás?

    Mientras los curiosos se multiplican, el filósofo burlón Laudisi se ríe de todos: “¿Qué sabéis de los demás, si ni de vosotros mismos sabéis quiénes sois?”
    El consejero Agazzi, símbolo del orden y la autoridad, decide intervenir. Llama al Prefecto, exige explicaciones. Pero la verdad, cuando aparece, se multiplica en contradicciones.

    La señora Frola asegura que su yerno es un hombre bueno y que su hija vive feliz, aunque la vea solo desde el patio. Ponza, en cambio, afirma que la vieja ha perdido la razón: la hija murió, y su esposa actual es otra mujer. Ambas versiones son coherentes… e imposibles a la vez.

    Pirandello transforma el chisme en una metáfora del conocimiento humano: la verdad es un espejo roto, y cada fragmento devuelve un rostro distinto. Entre la cordura y la locura, entre la piedad y el egoísmo, la obra invita a mirar la realidad desde su grieta más profunda: la del juicio social.
    En la frontera entre el teatro y la filosofía, Así es (si así te parece) es una parábola sobre la imposibilidad de saber quién tiene razón… o si la razón existe.

  • "Todo Sea Para Bien" - Luigi Pirandello (1920.)

    “Todo Sea Para Bien” – Luigi Pirandello (1920.)

    $3.490

    “Todo sea para bien” es una obra donde las apariencias sociales, la moral y el sacrificio se enfrentan en una casa romana cargada de secretos.
    Martino Lori, un consejero de Estado, ha vivido dieciséis años de aparente rectitud, refugiado en el recuerdo de su difunta esposa. Su vida, ordenada y digna, se tambalea el día en que su hija, Palma, se casa con un marqués y la sombra del pasado regresa.
    La inesperada visita de La Barbetti, abuela de la novia, y de su hijo Carletto, desencadena una serie de revelaciones que ponen a prueba la aparente pureza moral de todos los personajes. En medio de la celebración nupcial, el pasado emerge con fuerza: antiguas culpas, adulterios y silencios convenientes que se disfrazan de virtud.

    En la superficie, la obra parece una comedia de modales —con visitas inoportunas y enredos familiares—, pero pronto se convierte en una tragedia íntima sobre el autoengaño y el sacrificio moral.
    Pirandello retrata con precisión quirúrgica cómo los personajes justifican sus mentiras en nombre del “bien común”. El título se vuelve una ironía: “todo sea para bien” significa, en realidad, “todo sea para que nada se rompa”.
    Martino Lori se erige como símbolo del hombre moralmente vencido por la verdad: un ser que elige vivir en la mentira para no destruir la ilusión de pureza de los otros.
    Una obra intensa, moderna y profundamente humana, donde la virtud se convierte en máscara y el amor en renuncia. Perfecta para el teatro psicológico o el realismo dramático contemporáneo.

  • “La Razón De Los Demás” – Luigi Pirandello (1915.)

    “La Razón De Los Demás” – Luigi Pirandello (1915.)

    $3.490

    En una Roma silenciosa, donde el peso de la moral aplasta a los corazones, una mujer enfrenta su destino sin gritar. Livia Arciani, esposa fiel y elegante, descubre que su vida, tejida de deber y apariencia, se deshace en el instante en que su marido —Leonardo, periodista fracasado— cae en brazos de otra mujer, Elena Orgera, tan desesperada y humana como ella.

    Pero Pirandello no ofrece una historia de celos; ofrece un espejo. Porque en este drama nadie tiene toda la culpa, ni toda la razón. Livia calla, Leonardo sufre, Elena ama, el padre moralista juzga. Todos viven prisioneros del mismo verdugo invisible: la mirada de los demás.

    La obra transcurre entre oficinas llenas de humo y habitaciones en penumbra, donde las palabras pesan más que los actos. Es un combate entre la verdad íntima y la verdad social, entre lo que uno siente y lo que debe aparentar.
    El clímax llega cuando Leonardo, buscando redimirse, le arrebata la hija a Elena, creyendo que devolverla a su hogar con Livia es una forma de reparar el daño. Pero ese gesto, más que redimirlo, condena a todos al silencio definitivo.

    En la escena final, Livia queda sola, sosteniendo el pequeño sombrerito de su hija, mirando hacia el vacío —o hacia nosotros— con esa serenidad terrible de quien ya ha entendido que vivir es soportar el juicio ajeno.
    Pirandello convierte un triángulo amoroso en una tragedia moral donde la verdad se fragmenta y el perdón nunca llega.

    “No hay pecado más cruel que querer tener razón en un mundo que vive de las apariencias.”

  • “El Injerto” – Luigi Pirandello (1919.)

    “El Injerto” – Luigi Pirandello (1919.)

    $3.490

    En Roma, una mujer sale a pintar y no vuelve. Cuando regresa, herida y silenciosa, su casa entera se hunde en el estupor. No hay culpable, no hay explicación: sólo el cuerpo de Laura Banti, desgarrado y vivo. Su marido, Giorgio, la ama, pero ese amor tropieza con el horror. Él quisiera protegerla, pero también huir de ella. Ambos quedan atrapados entre el deseo, la compasión y la culpa: tres fuerzas que se devoran entre sí.

    Pirandello convierte este suceso íntimo en un laboratorio del alma. Cada gesto, cada palabra, es un experimento sobre la naturaleza del amor cuando la pureza se ha roto. En la segunda mitad, el jardín se vuelve un espejo del cuerpo y del destino: un viejo jardinero explica cómo se injerta una planta “a ojo cerrado”, y esa lección sencilla se transforma en una revelación. ¿Puede la vida acoger en sí algo ajeno y hacerlo propio? ¿Puede el amor nutrir lo que no eligió?

    El injerto no habla de crimen, sino de lo que ocurre después: de la lenta metamorfosis del alma, del terror de amar otra vez. Es una obra donde la belleza y la monstruosidad se abrazan, donde la savia del arte y del cuerpo buscan renacer juntas.
    Pirandello nos deja con una pregunta que todavía sangra: ¿qué es más fuerte, la ofensa o el amor que sobrevive a ella?

  • “Enrique IV” – Luigi Pirandello (1922.)

    “Enrique IV” – Luigi Pirandello (1922.)

    $3.490

    En un salón detenido en el tiempo, un hombre vive rodeado de fantasmas vestidos de época. Se hace llamar Enrique IV. Dicen que en una cabalgata, disfrazado de emperador, cayó del caballo y perdió la razón. Pero los años pasan, y cuando lo visitan su antiguo amor, su hija y un psiquiatra, todos descubren que su locura es más lúcida que su cordura.

    Pirandello convierte la máscara en verdad y la razón en farsa. Enrique IV no es sólo un loco: es el único que se atreve a vivir dentro de su ilusión, porque afuera la realidad es aún más falsa.

    Una tragicomedia brillante, cruel y conmovedora sobre la identidad, el tiempo y la imposibilidad de ser uno mismo en un mundo que sólo nos permite representar papeles.

  • "Diana Y Tuda" - Luigi Pirandello (1926.)

    “Diana Y Tuda” – Luigi Pirandello (1926.)

    $3.490

    En Diana y Tuda, Luigi Pirandello coloca al espectador frente a una tensión silenciosa y perturbadora: la lucha entre la vida que se mueve y la forma que quiere eternizarla. La obra se sitúa en el mundo del arte, pero no lo celebra; lo desnuda. Aquí, crear no es un acto inocente, sino una operación peligrosa, casi violenta.

    Tuda es una joven modelo en plena vitalidad. Su cuerpo no es solo bello: está vivo, responde, se cansa, protesta. Frente a ella se alza Sirio Dossi, escultor obsesionado con alcanzar una obra definitiva, una forma absoluta que no envejezca ni tiemble. Para lograrlo, necesita algo más que talento: necesita apropiarse del cuerpo vivo de Tuda y someterlo a la inmovilidad de la estatua. No busca a la mujer; busca la forma que puede extraer de ella.

    La referencia a Diana cazadora no es decorativa. Diana encarna la autonomía, la acción, la independencia del cuerpo femenino. Pero en la obra, esa postura heroica es impuesta, sostenida a la fuerza durante horas, hasta que el gesto deja de ser poder y se convierte en sacrificio. Tuda posa como una diosa, pero lo hace como humana: con dolor, cansancio y conciencia.

    Pirandello introduce entonces una pregunta inquietante: ¿qué precio paga la vida cuando el arte exige perfección? ¿Qué ocurre cuando el cuerpo deja de pertenecerse y pasa a ser material? Tuda no es ingenua ni pasiva. Comprende lo que sucede, lo observa con ironía y lucidez, y aun así queda atrapada en una red donde el amor, la admiración artística y la ambición se confunden peligrosamente.

    Diana y Tuda no es solo una obra sobre artistas y modelos. Es una reflexión profunda sobre el poder, la posesión y el conflicto entre lo efímero y lo eterno. Cada gesto detenido, cada silencio, cada postura sostenida revela una verdad incómoda: cuando la vida se convierte en forma, algo esencial comienza a perderse. Y esa pérdida, aunque aún no se nombre, se siente desde el primer instante.

     
  • “El Sueño” – August Strindberg (1901.)

    “El Sueño” – August Strindberg (1901.)

    $3.490
    En El sueño, August Strindberg nos invita a entrar en un teatro donde la lógica habitual se rompe: los muros crecen como flores, las puertas nunca se abren y los personajes se multiplican como reflejos en un espejo roto. La hija del dios Indra desciende a la tierra para observar cómo viven los hombres. Lo que encuentra no es una vida gloriosa ni heroica, sino un tejido de pequeñas penas y grandes sacrificios.
    Desde los patios humildes hasta los bufetes de abogados, desde la ópera hasta las aulas universitarias, todos se quejan: la portera espera treinta años a un amor que nunca regresa, el oficial oscila entre la gloria militar y la humillación doméstica, los doctores se coronan de laureles pero en vano, y las madres crían a sus hijos entre enfermedad y resignación.
    La obra nos arrastra como un sueño febril: escenas que cambian sin previo aviso, tiempos que se doblan, personajes que se deshacen y reaparecen. Entre diálogos llenos de ironía, lamentos repetidos y símbolos cotidianos convertidos en visiones —un chal que guarda las penas de treinta años, un periódico que arde, una col que se convierte en metáfora de la pobreza—, Strindberg construye un espejo onírico de la existencia.
    Más que contar una historia lineal, El sueño nos sumerge en una experiencia: la de sentir, junto a Agnes, la compasión por los mortales y la constante tensión entre el deseo de libertad y el peso de las cadenas invisibles de la vida.
  • “Pedro El Afortunado” – August Strindberg (1883.)

    “Pedro El Afortunado” – August Strindberg (1883.)

    $3.490

    Imagina pasar toda tu vida encerrado en un campanario, mirando el mundo desde lejos. Así vive Pedro, un joven de dieciséis años que jamás ha pisado una calle ni tocado un árbol. Su padre, el viejo sacristán, cree protegerlo del “pecado” y de los peligros del mundo. Pero en la víspera de Navidad, un duende travieso y el Hada Pirulada rompen esa jaula invisible y le entregan un regalo capaz de cambiarlo todo: un anillo mágico que concede cualquier deseo, con una sola condición: no hacer daño a nadie.

    Con el corazón latiendo por la promesa de aventuras, Pedro cruza la torre y se lanza a descubrir lo que siempre soñó: el bosque, las fiestas, el amor, la riqueza. En el camino conoce a Lisa, una joven que le salva de la nieve y le enseña que las apariencias engañan. Seducido por la idea de vivir como un rico, Pedro pide oro, banquetes y lujos… pero pronto descubre que la abundancia viene acompañada de impuestos asfixiantes, abogados, pleitos, políticos charlatanes y falsos amigos que desaparecen en cuanto llegan las dificultades.

    Entre sátiras a la burocracia, críticas al poder y retratos mordaces de la vanidad humana, Pedro se enfrenta a la pregunta que todos evitan: ¿es posible ser feliz en un mundo donde cada interés tiene un precio? Con humor, ironía y una galería de personajes inolvidables, El Viaje de Pedro el Afortunado es una fábula mordaz y profundamente actual sobre el paso de la ingenuidad a la madurez, y sobre cómo el verdadero viaje puede que no sea hacia fuera, sino hacia adentro.

  • "Un Hombre Es Un Hombre" – Bertolt Brecht (1931.)

    “Un Hombre Es Un Hombre” – Bertolt Brecht (1931.)

    $3.490

    Un hombre sale a comprar un pescado. Nada más inofensivo. Nada más humano.
    Pero en el mundo de Un hombre es un hombre, eso basta para perderlo todo.

    Bertolt Brecht construye una fábula feroz y lúcida sobre cómo un individuo común puede ser transformado —pieza por pieza— en otra cosa. No por maldad, no por ideología, sino por conveniencia. Por necesidad ajena. Por no saber decir que no.

    Galy Gay no quiere poder, ni gloria, ni violencia. Quiere volver a casa. Sin embargo, el ejército no necesita deseos: necesita cuerpos. Y cuando un cuerpo falta, otro sirve. Da lo mismo quién sea.

    A través de situaciones grotescas, canciones, negocios absurdos y una violencia tratada con humor cruel, la obra muestra cómo la identidad no es un núcleo sagrado, sino una construcción frágil. El uniforme pesa más que el nombre. El grupo más que la memoria. La utilidad más que la verdad.

    Brecht no acusa a un villano individual. Apunta al mecanismo. Al engranaje que convierte personas en funciones. Soldados en reemplazos. Hombres en hombres intercambiables.

    El tono oscila entre lo cómico y lo inquietante. Se ríe el espectador, pero se ríe tarde. Porque entiende que lo que ocurre en escena no es excepcional: es perfectamente razonable dentro de un sistema que premia la obediencia y castiga la singularidad.

    Un hombre es un hombre no pregunta quién es Galy Gay.
    Pregunta algo más incómodo:
    ¿Cuánto de ti puede cambiar antes de que sigas llamándote tú?

  • “Saverio, El Cruel” – Roberto Arlt (1936.)

    “Saverio, El Cruel” – Roberto Arlt (1936.)

    $3.490

    Un vendedor de manteca sin prestigio, sin poder y sin voz es invitado a participar de una broma elegante. Le ofrecen un uniforme, un título, una ficción. Le piden que actúe.
    Saverio acepta.

    Lo que comienza como un juego de salón —una farsa terapéutica diseñada por jóvenes cultos y ociosos— se convierte lentamente en una pesadilla lúcida. Saverio descubre algo que nunca había tenido: autoridad. Y con ella, una identidad nueva, peligrosa, embriagadora.

    Roberto Arlt construye en Saverio el cruel una comedia que ríe con los dientes apretados. Cada escena avanza como una cuerda tensada entre lo grotesco y lo siniestro. El lenguaje del poder, la retórica política, el militarismo caricaturesco y la hipocresía burguesa se mezclan en un escenario donde nadie es inocente.

    La obra no se burla solo del dictador: se burla —y acusa— a quienes lo inventan por diversión, a quienes lo estimulan por curiosidad, a quienes lo aplauden por miedo o conveniencia. Saverio no es un monstruo excepcional: es un hombre común al que se le entrega, por un instante, el derecho a mandar.

    Teatro dentro del teatro, farsa dentro del horror, Saverio el cruel es una pieza visionaria, incómoda y vigente. Una comedia que anticipa el siglo XX… y no ha dejado de hablarnos.

  • “Uno Nunca Sabe” – Bernard Shaw (1897.)

    “Uno Nunca Sabe” – Bernard Shaw (1897.)

    $3.490

    En un balneario de Devon, una familia peculiar sacude la rutina de un joven dentista sin experiencia. Los gemelos Philip y Dolly, de humor chispeante, arrastran al Dr. Valentine a su casa, donde lo esperan su madre —una feminista intelectual— y su hermana mayor, Gloria, tan altiva como atractiva. Valentine, desprevenido, se enamora a primera vista de Gloria, iniciando un juego de ingenio, orgullo y deseo.

    La comedia da un giro inesperado cuando aparece Crampton, un severo caballero de 57 años, propietario de la pensión… y padre ausente de los Clandon. Tras años de silencio, los hijos se enfrentan a un dilema doloroso: ¿deben aceptar la figura del padre que su madre borró de sus vidas?

    Entre discusiones jurídicas, cenas incómodas y confesiones sentimentales, Shaw despliega su arte: diálogos rápidos, sátira sobre el matrimonio, el rol de la mujer y la hipocresía social. El camarero Walter, con ecuanimidad socrática, observa y sentencia con un “uno nunca sabe” que da título a la obra: nada es seguro en los vínculos humanos.

    Sin resolver completamente el conflicto —porque la vida nunca lo hace—, la pieza deja al espectador entre risas y reflexiones: ¿son posibles el amor y la familia en un mundo dividido entre tradición y modernidad?

  • “Trecientos Millones” – Roberto Arlt (1932.)

    “Trecientos Millones” – Roberto Arlt (1932.)

    $3.490

    Una sirvienta no duerme. Mientras la ciudad respira de noche, ella imagina. Y al imaginar, crea mundos.

    Trescientos millones es la historia de una mujer pobre que, sin moverse de su cuarto, viaja más lejos que nadie. Un héroe de novela le anuncia una herencia fabulosa. Con ese dinero imaginario compra amor, estatus, viajes, poder. Se convierte en señora sin dejar de ser criada. Manda sin dejar de obedecer. Ama sin ser amada.

    Los personajes que la rodean no son personas: son fantasmas del deseo. Un galán cansado de seducir, un capitán ceremonial, amigas elegantes, una muerte burlona. Todos dependen de su imaginación. Todos empiezan a sentir miedo.

    Porque soñar no es inocente.

    Arlt construye una obra donde la fantasía no es escape sino trampa. El dinero no redime. El amor romántico no salva. El ascenso social es una máscara que se cae sola.

    Con humor cruel, erotismo incómodo y una ternura devastadora, la obra muestra cómo una mujer sin nada puede ser, por un instante, dueña de todo… y cómo ese todo puede resultar insoportable.

    Trescientos millones no habla de riqueza: habla del hambre.
    No habla de locura: habla de lucidez.
    No habla de sueños: habla del precio de soñar cuando el mundo no te deja vivir.

     
  • “Acreedores” – August Strindberg (1888.)

    “Acreedores” – August Strindberg (1888.)

    $3.490

    En un elegante balneario sueco, un pintor frustrado y convaleciente encuentra en un desconocido la compañía que su soledad reclamaba. Pronto, esa amistad se convierte en una conversación íntima y reveladora que va desenterrando secretos, inseguridades y heridas ocultas. Entre reflexiones sobre el amor, el arte y la libertad, el “amigo” cuestiona cada certeza del artista: ¿es su esposa tan fiel y devota como él cree?, ¿o su encanto y talento son armas para absorber y dominar?

    Cuando Tekla, la carismática y seductora esposa, regresa de un misterioso paseo, la tensión se palpa en cada gesto y palabra. Entre bromas, reproches y juegos de seducción, una batalla invisible comienza a librarse: la de la confianza contra la sospecha, el amor contra el orgullo.

    "Acreedores" es un duelo verbal magistral en el que cada frase es una daga y cada sonrisa puede ser una trampa. August Strindberg disecciona con precisión quirúrgica las dinámicas de poder en el amor, las heridas del ego y las pasiones que hierven bajo la superficie. Una obra que atrapa por su intensidad psicológica y que demuestra que, en las relaciones, las deudas emocionales pueden ser más peligrosas que las económicas.

  • “Una Votación Popular – Roman Vial (1869.)

    “Una Votación Popular – Roman Vial (1869.)

    $3.490

    "Una votación popular" es una mordaz y divertida comedia política escrita por Román Vial en 1869, cuya vigencia sorprende hasta hoy. Ambientada en una encrucijada de Valparaíso durante una agitada jornada electoral, la obra nos sumerge en un mundo donde los ideales chocan con la realidad cruda del clientelismo, el soborno y la ambición disfrazada de patriotismo.

    El comandante Carrión, férreo defensor del gobierno, dirige una campaña desesperada por asegurar votos, mientras su subalterno, el honesto sargento Beltrán, intenta mantenerse fiel a sus principios. Entre ellos circula el entrañable y contradictorio Poblete, un cabo pícaro, borracho y manipulable, que representa al ciudadano común arrastrado por las promesas vacías y los "condoritos" (monedas de oro) de la política.

    Con diálogos vivaces, humor popular y situaciones hilarantes que no escatiman en ironía, la obra expone el frágil equilibrio entre deber cívico y conveniencia personal. A través de una sola escena continua, con gran dinámica y múltiples personajes cruzando el escenario, se construye una sátira aguda sobre el Chile decimonónico que, sin perder la risa, desnuda las grietas de su democracia incipiente.

    Ideal para montajes que buscan entretener y reflexionar, "Una votación popular" ofrece un espejo en clave de farsa sobre nuestras prácticas políticas y el eterno dilema entre la conciencia y el bolsillo.

  • "Alo! Alo! El Telefono" - Román Vial (1919.)

    “Alo! Alo! El Telefono” – Román Vial (1919.)

    $3.490

    Valparaíso, 1919. Un teléfono recién instalado se convierte en el nuevo protagonista de una casa burguesa en decadencia. Don Ildefonso, un caballero maduro con ínfulas de galán, coquetea con su sirvienta Concepción, mientras su esposa, doña Lastenia, duerme el sueño de los celos. Entre llamadas cruzadas, besos mal interpretados y rumores de bodega, el aparato eléctrico se transforma en un espejo indiscreto donde todos quedan al descubierto.

    En esta comedia chispeante, Román Vial anticipa con humor las trampas de la comunicación moderna: el deseo disfrazado de conversación, el poder de la voz y el eterno enredo entre lo dicho y lo escuchado. “¡Alo! ¡Alo! ¡El Teléfono!” es una joya breve, ácida y deliciosa, donde el progreso hace su primera llamada... y nadie sabe colgar a tiempo.

  • “Choche Y Bachicha” – Román Vial (1870.)

    “Choche Y Bachicha” – Román Vial (1870.)

    $3.490

    "Choche y Bachicha", escrita por Román Vial en 1870, es una deliciosa comedia costumbrista ambientada en Valparaíso que mezcla enredos amorosos, críticas sociales y un humor desbordante. En el corazón de esta obra está una cena de cumpleaños que se transforma en un caos absoluto: botellas vacías, malentendidos lingüísticos, piropos inoportunos, una criada coqueta, un italiano apasionado y un inglés que apenas entiende el castellano.

    Todo comienza como una tranquila velada de celebración. Leandra y Rosa, jóvenes anfitrionas, se esmeran en preparar una cena perfecta, mientras la fiel criada Lucía se encarga de la cocina y de sus propios asuntos sentimentales. Pero la irrupción de un “incendio”, seguido por una avalancha de vecinos, bomberos, soldados y acusaciones infundadas, lo transforma todo en una hilarante tormenta de malentendidos.

    Con diálogos ágiles, personajes pintorescos y situaciones absurdas, esta obra retrata con ironía la vida urbana chilena de la época, los prejuicios sociales, el racismo cotidiano y los abusos de poder. Choche y Bachicha es una pieza perfecta para el público actual: ágil, divertida y con una galería de personajes inolvidables que podrían haber salido de cualquier comedia moderna. Una joya del teatro chileno clásico que merece revivir en escena.

  • “Asistencia Perfecta” – Leandro Marcos González (2016.)

    “Asistencia Perfecta” – Leandro Marcos González (2016.)

    $3.490

    ¿Qué harías si la NASA te eligiera para una misión espacial… siendo trabajadora social en Buenos Aires?

    Asistencia Perfecta es una comedia dramática intensa, delirante y profundamente humana que nos presenta a Dalya y Sara, dos mujeres comunes que, sin esperarlo, son seleccionadas para representar a su país en una expedición al espacio. ¿La razón? Nadie la sabe con certeza, ni siquiera ellas. Pero el desafío las pone cara a cara con todo lo que han sido, lo que soñaron ser… y lo que aún no se atreven a sentir.

    Con una estética minimalista y un humor cargado de ironía, la obra nos arrastra por diálogos veloces, escenas absurdas y momentos de confesión desgarradora entre vinos, globos terráqueos, pruebas de resistencia, simulacros de levante y reflexiones filosóficas sobre el conocimiento, la amistad y la sinceridad brutal.

    A medio camino entre el realismo sucio y la ciencia ficción cotidiana, esta pieza teatral no sólo nos hace reír con carcajadas cómplices, sino también emocionarnos con la fragilidad de dos mujeres que se animan a soñar… y a fallar. La misión espacial se vuelve una excusa para hablar del amor, del abandono, de los cuerpos, de las heridas no cerradas y de las etiquetas sociales que cargamos como trajes espaciales demasiado ajustados.

    Ideal para elencos femeninos que buscan roles potentes, actuales y cargados de humor e intensidad emocional. Un viaje interior disfrazado de viaje galáctico. ¿Estás lista para despegar?

  • “El Tesoro Del Bosque De Olivillo” – Enzo Ferrari (2017.)

    “El Tesoro Del Bosque De Olivillo” – Enzo Ferrari (2017.)

    $3.490

    “El tesoro del bosque de olivillo” es una emocionante y conmovedora obra de teatro infantil que nos sumerge en una aventura mágica llena de humor, crítica social y amor por la naturaleza.

    Lili, una niña inquieta y generosa, entra al bosque siguiendo un mapa que promete llevarla a un tesoro escondido. Pero lo que encuentra es mucho más valioso que el oro: conoce a Kona, un excéntrico y entrañable guardián del bosque, cuya visión del mundo –alejada del egoísmo humano– lo convierte en un héroe muy especial. Juntos aprenden el valor de la amistad, el respeto al medio ambiente y la importancia de defender lo que realmente importa.

    Sin embargo, no todo es alegría. La codiciosa Evelyn Angelini, una empresaria dispuesta a destruir la flora y fauna con tal de enriquecerse, amenaza con arrasar el bosque si nadie la detiene. Lo que sigue es una carrera contra el tiempo, llena de canciones, situaciones absurdamente graciosas, reflexiones profundas y momentos tiernos que conectan con el corazón del público.

    Ideal para grandes y pequeños, esta obra no solo entretiene, sino que invita a reflexionar sobre el consumismo, la desconexión con la naturaleza y el poder transformador de la empatía. Un cuento ecológico moderno que termina recordándonos que el tesoro más grande no está enterrado: vive en los árboles, los animales… y en las personas que cuidan de ellos.

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