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Obras de teatro listas para montar, estudiar o interpretar — acceso digital inmediato.

  • “Las Copas De La Ira” – Ramon Griffero (1999.)

    “Las Copas De La Ira” – Ramon Griffero (1999.)

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    Una voz atraviesa los siglos. No grita… advierte.

    Desde los templos del antiguo Egipto hasta los cerros de Chile contemporáneo, Las Copas de la Ira despliega un viaje brutal por la historia humana, donde cada época revela la misma herida: la incapacidad de escuchar.

    Un faraón que teme a su propio linaje.
    Un niño que presencia mensajes divinos que anuncian el fin.
    Un marginal que transforma la violencia en destino.
    Un oficial que convierte el horror en rutina.

    Y por sobre todos, un profeta que ha vivido mil vidas… y que sigue hablando, aunque nadie quiera oír.

    Esta obra no ofrece consuelo. No promete redención fácil. Es un espejo oscuro donde la humanidad se reconoce —o decide no hacerlo.

    Con una estructura fragmentada, poética y profundamente política, Ramón Griffero construye una pieza que no narra una historia lineal, sino una acumulación de advertencias. Cada escena es un golpe. Cada personaje, una señal.

    Aquí no hay héroes.
    Solo testigos del derrumbe.

    Y tú, espectador…
    ¿Escucharás esta vez?

  • “Río Abajo” – Ramon Griffero (1995.)

    “Río Abajo” – Ramon Griffero (1995.)

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    Un edificio. Un río. Y vidas que se deslizan lentamente hacia el abismo.

    “Río Abajo” no es solo una obra: es una herida abierta. Un retrato crudo, poético y brutal de una generación atrapada entre la memoria, la pobreza y el deseo de escapar.

    Aquí no hay héroes. Hay sobrevivientes.

    Waldo observa el mundo desde la orilla del río, como si entendiera algo que los demás no. Lorena sueña con amor mientras carga un pasado que la persigue en silencio. Marcia arde en la necesidad de ser vista, de ser elegida, de no desaparecer. Cristián busca ternura en un entorno que castiga la diferencia.

    Y mientras tanto, el edificio late: cuerpos que se cruzan, noches que se confunden, música que anestesia… hasta que la violencia se vuelve inevitable.

    El narcotráfico seduce, la marginalidad aprieta, los vínculos se rompen. Cada personaje toma decisiones que parecen pequeñas… pero que los empujan, sin darse cuenta, hacia un destino común.

    “Río Abajo” es una experiencia sensorial y emocional: un montaje coral donde lo íntimo y lo político se funden. Una obra donde el pasado no está muerto, y el futuro… ya está ocurriendo.

    Porque algunos ríos no llevan agua.

    Llevan vidas.

  • “Sebastopol (Desert Times.)” – Ramon Griffero (1997.)

    “Sebastopol (Desert Times.)” – Ramon Griffero (1997.)

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    En medio del desierto más árido del mundo, donde la vida parece un error, se levanta Sebastopol: una ciudad creada por el hombre… y sostenida por el sufrimiento.

    Allí, bajo un sol que no perdona, conviven dos realidades que nunca se tocan realmente. Arriba, la élite extranjera celebra el progreso: té, música, discursos de civilización. Abajo, los obreros se consumen entre vapor, polvo y hambre, soñando con un futuro que parece imposible.

    Luis llega desde el sur con esperanza. Cree que podrá trabajar, ahorrar, volver. Pero la pampa no devuelve nada. Solo transforma.

    Mary Jo, en cambio, parece no pertenecer a ningún tiempo. Habla de ciudades que aún no existen, de televisores, de un futuro que nadie más ve. Dice que no se llama así. Dice que está atrapada.

    Entre ellos nace algo frágil: una conexión que desafía el tiempo, el sistema… y la cordura.

    Mientras tanto, la tensión crece. Los obreros comienzan a organizarse. Exigen lo básico: dignidad, justicia, humanidad. Pero en Sebastopol, pedir es un acto peligroso.

    El sistema no dialoga. Castiga.

    La pampa escucha todo. El viento arrastra voces. El pasado se mezcla con el futuro.

    Y cuando la violencia llega, no deja espacio para la duda: aquí el progreso tiene un precio… y alguien siempre paga.

    Sebastopol es un viaje al corazón de la explotación, pero también al origen de la rebeldía. Una obra donde el tiempo se rompe, el amor es incierto… y la memoria nunca se extingue.

  • “La Gorda” – Ramon Griffero (1994.)

    “La Gorda” – Ramon Griffero (1994.)

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    Hay veranos que queman la piel… y otros que queman por dentro.

    En un pequeño departamento frente al mar, una mujer observa. No habla mucho, no se expone, no seduce. Mira. Espera. Imagina.

    Abajo, en la playa, el mundo sucede: cuerpos jóvenes, risas, deseo inmediato. Su amiga vive ese mundo sin pudor, devorando noches, hombres y experiencias como si el tiempo no existiera. Pero ella no. Ella habita otro territorio: el del anhelo.

    Cada día, desde su silla, contempla al salvavidas. Fuerte, distante, casi mítico. Él no sabe que existe… pero ella ya ha construido una historia entera entre ambos. Una historia donde él la ve, la elige, la salva.

    Porque a veces amar no es tocar. Es imaginar hasta que duele.

    Entre silencios, fantasías y pequeñas osadías, esta mujer se enfrenta a su mayor enemigo: la certeza de no ser mirada. Y entonces decide hacer algo que lo cambia todo… o al menos, eso cree.

    “La Gorda” es un retrato crudo y delicado sobre el deseo no correspondido, la invisibilidad social y la necesidad brutal de ser amado. Una obra donde lo más importante no ocurre afuera… sino dentro.

    Y ahí es donde realmente arde.

  • “Las Aseadoras De Opera” – Ramon Griffero (1994.)

    “Las Aseadoras De Opera” – Ramon Griffero (1994.)

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    Tres mujeres limpian un teatro vacío. Pero no limpian polvo… limpian lo que queda de sus vidas.

    En el escenario donde otros brillan, ellas barren restos de belleza ajena. Sin embargo, algo se filtra: la ficción comienza a poseerlas. Una canta, otra sueña, otra recuerda lo que nunca fue. Por un instante, dejan de ser invisibles.

    Pero la noche las espera.

    Al salir, la calle no es un tránsito… es una emboscada. Un joven aparece, seduce, promete música, risas, un escape mínimo. La Maritza —fuego sin miedo— acepta. La otra —mirada profunda, casi profética— duda. Pero va. Porque algo le dice que no puede dejarla sola.

    El departamento es una trampa vestida de normalidad.

    Las palabras se vuelven viscosas. Las miradas, hambre. El deseo muta en violencia.

    Entonces ocurre lo inevitable.

    Un cuerpo es invadido. El alma, en cambio, se eleva.

    Y cuando todo parece perdido, cuando la noche revela su verdadera forma —cruel, grotesca, animal—, una de ellas deja de ser víctima.

    Toma un cuchillo. Pero no es un cuchillo.

    Es justicia.
    Es furia.
    Es fe.

    Y lo que sigue no es venganza… es un acto de salvación.

    Las Aseadoras de Ópera no es solo una obra. Es un grito.
    Un choque entre lo sagrado y lo sucio.
    Entre lo que somos… y lo que el mundo intenta romper.

  • “Tus Deseos En Fragmentos” – Ramon Griffero (2003.)

    “Tus Deseos En Fragmentos” – Ramon Griffero (2003.)

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    Un cuerpo habla. Pero no es uno.
    Son muchos. Son todos.

    TUS DESEOS EN FRAGMENTOS no cuenta una historia: la desarma.

    Un hombre —o lo que queda de él— recorre su mente como si fuera un museo en ruinas. Salas abiertas, recuerdos sin orden, amantes que se confunden, cuerpos que se buscan y se pierden antes de tocarse realmente.

    Aquí el amor no es promesa: es intento.
    El deseo no es plenitud: es urgencia.
    La identidad no es fija: es un reflejo que cambia según quién mira.

    Entre encuentros sexuales fugaces, fantasías no cumplidas, violencia íntima y memorias que sangran, emergen preguntas incómodas:
    ¿A quién amamos realmente?
    ¿A quién imaginamos?
    ¿Quiénes somos cuando nadie nos ve?

    Las escenas se cruzan como sueños: un chat erótico, una despedida que nunca ocurre, un viaje que no fue, un cuerpo que cae, una historia que se repite. Todo sucede al mismo tiempo. Todo se rompe.

    Y en el fondo… una certeza silenciosa:
    la vida no se vive completa… se vive en fragmentos.

    Una obra cruda, poética y brutalmente contemporánea que convierte el escenario en un espejo incómodo donde el espectador no observa… se reconoce.

  • "Viva La República" - Ramon Griffero (1998.)

    “Viva La República” – Ramon Griffero (1998.)

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    Una tierra dormida.
    Unos hombres que deciden despertarla.

    “Viva la República” no es solo una obra histórica: es una explosión de ideas, cuerpos y sueños en medio de una colonia que no sabe que está a punto de quebrarse.

    Desde Europa llegan palabras peligrosas: libertad, igualdad, razón. Pero al tocar América, esas palabras cambian. Se ensucian con barro, con sangre, con deseo.

    Tres hombres —un soñador, un ambicioso y un estratega— se atreven a imaginar lo imposible: una república en un mundo donde todo pertenece al rey. No tienen ejército. No tienen poder. Solo tienen una idea… y eso basta para encender el fuego.

    A su alrededor, mujeres que sienten antes de entender. Que observan cómo el mundo tiembla. Que tejen, aman, temen… mientras algo invisible se acerca.

    Pero toda revolución tiene su sombra.

    La traición no llega con estruendo. Llega suave. Cercana. Inevitable.

    Y entonces… todo cae.

    O quizás no.

    Porque en esta obra, la historia no termina: se repite, se mezcla, se sueña. Los muertos siguen hablando. Las ideas no se hunden. Flotan.

    “Viva la República” es teatro vivo, poético y brutal.
    Una obra que no cuenta el pasado… lo hace estallar en el presente.

  • "Chile Bi-200" - Ramon Griffero (2009.)

    “Chile Bi-200” – Ramon Griffero (2009.)

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    La puesta en escena, que cuenta con el apoyo del Fondart Bicentenario, entrecruza canto y bailes, colores y texturas para representar distintos pasajes de nuestro patrimonio teatral, con diez actores en escena que dan vida a más de cuarenta personajes. “Camila, la patrióta de Sud-América”, de Camilo Henríquez (1810), “La Independencia de Chile”, de José Antonio Torres (1840), “La batalla de Tarapacá”, de Carlos Segundo Lathrop (1880), y “La República de Jauja”, de Juan Rafael Allende (1900) son las obras escogidas como punto de partida para este festivo montaje. Algunas de ellas fueron publicadas en una antología de dramaturgia que encargara el presidente Montt con motivo del centenario de la República, pero ninguna ha vuelto a presentarse después de su estreno en alguno de los teatros nacientes de nuestra ciudad.
  • "Fin De La Eclipse" - Ramon Griffero (2007.)

    “Fin De La Eclipse” – Ramon Griffero (2007.)

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    Un cuerpo desnudo.
    Un traje dibujado sobre la piel.
    Una voz que ordena: “entra en escena y olvida que estás vivo.”

    Fin del eclipse no es una historia… es un viaje al interior de todas las historias que nos han construido.

    En un escenario que muta como un sueño febril, personajes atraviesan guerras, conquistas, amores imposibles, revoluciones y tragedias íntimas. Un hombre es muchos hombres: conquistador, amante, soldado, actor. Una mujer es todas las mujeres: musa, autora, verdugo, memoria.

    Las escenas se rompen, se repiten, se contradicen.
    Un actor ensaya mientras otro muere.
    Un amante susurra mientras un imperio cae.
    Un disparo en el cielo hiere a Dios… o quizás a la conciencia.

    Aquí no hay tiempo lineal, ni verdad única.
    Hay cuerpos que desean, que matan, que recuerdan.
    Hay palabras que crean realidades… y las destruyen.

    Entre el humor ácido, la crudeza política y la poesía descarnada, la obra desnuda una pregunta brutal:

    👉 ¿Somos dueños de nuestra historia… o simples actores repitiendo un guion que no comprendemos?

    “Fin del eclipse” es una experiencia escénica intensa, fragmentada y profundamente contemporánea, donde cada espectador deberá reconstruir su propio sentido… o aceptar perderse en la oscuridad.

  • "Fotosintesis-Por-No O La Roza" - Ramon Griffero (1988.)

    “Fotosintesis-Por-No O La Roza” – Ramon Griffero (1988.)

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    En un país suspendido frente a las cámaras, a minutos de un anuncio histórico, algo falta. No es un discurso. No es una orden. Es la Roza.

    Fotosíntesis por “No” la Roza es una obra feroz y visionaria que cruza política, sexualidad, religión y medios de comunicación en una puesta en escena fragmentada y simultánea. Mientras un General ensaya su victoria televisiva, la transmisión se contamina. Un joven quiere ser estrella mirando pornografía. Una mujer sangra y recuerda. Otra gana la lotería y predica la pureza. Un ángel no logra bajar a la tierra. Un niño corre con un objeto que nadie puede recuperar.

    La obra no explica: expone. Los cuerpos hablan antes que las ideas. La televisión se vuelve altar. El sexo, mercancía. La flor, herida. Todo ocurre al mismo tiempo, como un país que no logra ordenar su memoria.

    Ramón Griffero construye un teatro de imágenes, de choque, de poesía violenta, donde la dictadura no se nombra: se filtra. La Roza irrumpe en la pantalla, en el cuerpo, en la historia, desarmando el lenguaje oficial y obligando al espectador a mirar aquello que fue ocultado.

    Una obra indispensable del teatro chileno contemporáneo. Incómoda. Bellísima. Radical. Un ritual escénico donde la vida insiste incluso bajo las bombas.

  • "La Iguana De Alessandra" - Ramon Griffero (2018.)

    “La Iguana De Alessandra” – Ramon Griffero (2018.)

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    Una mujer que recuerda haber sido muchas. Una filósofa veneciana exiliada, madre, amante, guerrillera, amiga de iguanas y disidente de todos los sistemas. La iguana de Alessandra, de Ramón Griffero, es una travesía sensorial y poética por distintos territorios geográficos, históricos y emocionales.

    Desde el esplendor melancólico de una Venecia asediada por la guerra, hasta los valles chilenos y los confines revolucionarios de China y Siria, esta obra nos sumerge en un viaje onírico donde el tiempo se pliega y se expande. A través de Alessandra, viajamos con los astros y las lagartijas, con los refugiados y las niñas filósofas, con amantes imposibles y guerrilleros rotos.

    Griffero nos entrega una pieza de teatro político y poético donde conviven las grandes preguntas del siglo XX con el humor, el dolor, la identidad, el deseo, la familia, el género y la revolución. Cada escena es una postal de resistencia frente al olvido. Una obra coral, exuberante y radical, donde lo real se funde con lo mítico y lo íntimo con lo universal.

    Ideal para montajes experimentales, con gran despliegue visual, música, danza, multiescena y voces múltiples. Un canto a la vida en medio del naufragio. Una iguana que sobrevive al fuego, a la nieve y al exilio, para recordarnos que en toda herida también germina una flor.

  • El Diseño Teatral - Iluminación, Vestuario y Escenografía (2013.)

    El Diseño Teatral – Iluminación, Vestuario y Escenografía (2013.)

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    Ópera, teatro, danza, circo, música, performances, espectáculos en vivo… Las artes escénicas pueden adquirir diversas y muy variadas formas y detrás de cada una de ellas se encuentran los técnicos y diseñadores de las artes escénicas, un grupo humano clave en el desarrollo cultural del país y cuya experiencia, muchas veces aprendida en la práctica y a través de maestros, pasa desapercibida para el espectador. Diseñadores, iluminadores, escenógrafos, vestuaristas, tramoyas, sonidistas, artesanos y tantos otros dan vida a un espectáculo en que cada elemento que aparece en escena es producto de su experiencia, creatividad y saberes que, dentro de un proceso y un lenguaje común, permiten crear una experiencia única e irrepetible. Valorizar, ejemplificar y dar cuenta de su labor, es el principal objetivo de la colección Herramientas para los Técnicos en Artes Escénicas, realizada por el Consejo de la Cultura y las Artes de la Región Metropolitana en conjunto con la Agrupación de Diseñadores, Técnicos y Realizadores Escénicos (ADTRES). Así, para fortalecer las capacidades y competencias de los técnicos de las artes escénicas y establecer un lenguaje común que permita elevar los estándares de un sector altamente dinámico, se abordan como temas de esta colección: el diseño de las áreas creativas; las regulaciones vigentes para la protección social y seguridad de los trabajadores y la habilidades necesarias para despeñarse en este oficio.
  • “La Isla Desierta” – Roberto Arlt (1937.)

    “La Isla Desierta” – Roberto Arlt (1937.)

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    Una oficina blanca, aséptica, elevada sobre la ciudad como un acuario humano. Máquinas que no descansan, cuerpos inclinados, almas en pausa. La isla desierta es una burlería feroz donde el enemigo no grita: calcula, suma y corrige.

    Un ventanal lo cambia todo. Más allá del vidrio, los barcos parten hacia tierras desconocidas. Dentro, los empleados envejecen sin haber vivido. La rutina comienza a resquebrajarse cuando Manuel, agotado por cuarenta años de oficina, se atreve a decir lo indecible: no puede más. La melancolía del puerto despierta preguntas peligrosas. ¿Por qué no viajamos? ¿Por qué aceptamos esta vida?

    Entonces aparece Cipriano, el ordenanza. Mulato, provocador, excesivo. Su cuerpo tatuado y sus relatos de islas, mares y rituales ancestrales introducen el delirio. La oficina se contagia de imágenes sensuales, de libertad, de una vida sin relojes ni jefes. El espacio racional se vuelve ceremonial. El deseo circula. El orden tiembla.

    Manuel se desnuda moralmente: confiesa haber sido cómplice del sistema. Pero esa verdad lo transforma. Ya no es un empleado más: es un hombre que quiere vivir. La idea de una isla desierta —real o imaginaria— se convierte en promesa colectiva.

    Arlt construye una sátira amarga y luminosa sobre el trabajo alienado, la cobardía cotidiana y la violencia silenciosa del sistema moderno. La isla desierta no propone una escapatoria ingenua, sino una pregunta urgente: ¿qué hicimos con nuestra vida mientras mirábamos pasar los barcos?

  • "Prueba De Amor" - Roberto Arlt (1947.)

    “Prueba De Amor” – Roberto Arlt (1947.)

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    Un hombre duda. No del amor en abstracto, sino del amor cuando roza el dinero, el prestigio y la seguridad. Prueba de amor es una bomba teatral de un solo acto donde Roberto Arlt expone, sin anestesia, la hipocresía sentimental de la sociedad burguesa.

    En un departamento frío y ordenado, dos seres se enfrentan como en un laboratorio moral. Él, joven y rico, brillante y cruel. Ella, lúcida, contenida, atravesada por una inteligencia que no siempre la protege. La conversación, al principio elegante, se vuelve progresivamente violenta: el amor es diseccionado como si fuera un fraude financiero.

    La obra avanza como una partida de ajedrez psicológico, donde cada frase es una trampa y cada silencio, una amenaza. Arlt convierte el espacio íntimo —un baño, una bañera— en escenario de una ceremonia brutal donde se confunden amor, dinero, fe y humillación.

    Con una escritura filosa, irónica y ferozmente moderna, Prueba de amor cuestiona la idea misma de prueba, de confianza y de verdad emocional. No hay héroes ni villanos claros: solo seres humanos atrapados en un sistema que convierte el amor en transacción y la fe en espectáculo.

    Breve, intensa y devastadora, esta obra sigue incomodando porque apunta directo al centro: allí donde amar y creer ya no son lo mismo.

  • “El Castigo Sin Venganza” – Lope De Vega (1631.)

    “El Castigo Sin Venganza” – Lope De Vega (1631.)

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    Una tragedia vibrante de pasiones desbordadas, poder absoluto y secretos que arden en silencio.

    Castigo sin venganza es una de las obras más audaces de Lope de Vega. Ambientada en la corte de Ferrara, nos introduce en un mundo donde las apariencias lo son todo y el honor pesa más que la vida misma. Allí, el poderoso conde Don Fernando contrae matrimonio con la joven y noble Cásandra, sin imaginar que el verdadero drama no vendrá de sus enemigos, sino desde el corazón de su propia casa.

    Cásandra, atrapada en un matrimonio por conveniencia, comienza a experimentar una pasión tan inesperada como peligrosa: el hijo del conde, Federico, es tan gallardo como prohibido. ¿Puede el deseo resistirse cuando la virtud se convierte en una prisión? ¿Hasta dónde puede llegar la justicia para encubrir la deshonra?

    Con una prosa ágil y poética, Lope de Vega construye una historia que atrapa desde el primer momento y que nos confronta con los dilemas morales más profundos: ¿quién merece el castigo? ¿Qué es peor: el crimen o el silencio que lo rodea?

    Castigo sin venganza no es solo una obra de época: es una tragedia moderna sobre los peligros del poder, el peso del honor y la imposibilidad del amor cuando las reglas las dicta el miedo. Ideal para lectores que buscan emociones intensas, conflictos éticos y un final que deja sin aliento.

  • “El Burgués Gentil Hombre” – Molière (1670.)

    “El Burgués Gentil Hombre” – Molière (1670.)

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    ¿Puede el dinero comprar la nobleza? En esta desopilante comedia de Molière, seguimos la historia de Monsieur Jourdain, un burgués millonario que sueña con ser noble… y está dispuesto a todo para lograrlo, incluso hacer el ridículo. En su afán, contrata maestros que lo llenan de frases cultas y pasos de baile, se viste con ropas estrafalarias y hasta aprende a pronunciar la letra “U” con elegancia. Lo que no sabe es que todos, desde el conde Dorante hasta el sastre, lo están utilizando.

    El Burgués Gentil Hombre es una sátira brillante sobre la hipocresía social, la obsesión por el estatus y el poder de la apariencia. Una obra cómica que no pierde vigencia: el deseo de pertenecer a una clase superior, el miedo al ridículo, el amor enfrentado a las convenciones, todo se entrecruza en una historia llena de humor y picardía.

    Ideal para públicos que disfrutan del teatro con crítica social y carcajadas inteligentes, esta obra ofrece múltiples niveles de lectura: desde la comedia más burlesca hasta una reflexión mordaz sobre la sociedad y sus ídolos falsos.

  • “La Vida Es Sueño” – Pedro Calderón De La Barca (1635.)

    “La Vida Es Sueño” – Pedro Calderón De La Barca (1635.)

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    ¿Qué harías si un día despiertas rodeado de lujos y poder… y te dicen que eres príncipe? ¿Y si al día siguiente te dicen que todo fue un sueño?

    La vida es sueño es una joya filosófica disfrazada de drama palaciego. Pedro Calderón de la Barca nos conduce por las montañas de Polonia hasta las entrañas de un palacio donde lo real y lo onírico se entrelazan.

    Segismundo, prisionero desde su nacimiento por una profecía fatal, es liberado por su padre, el rey Basilio, quien decide ponerlo a prueba: si su destino es ser tirano, lo sabrán al darle poder. Pero el joven, criado entre cadenas, responde con violencia. Vuelve entonces a la oscuridad, sin saber si lo vivido fue verdad o ilusión. ¿Puede cambiar el destino? ¿Es el ser humano libre o está encadenado por las estrellas? ¿Qué nos hace humanos: el nacimiento o nuestras decisiones?

    Esta obra es un espejo de nuestras dudas existenciales: ¿cuánto de lo que vivimos es real? ¿Cuánta de nuestra libertad es ilusión? Entre intrigas, duelos, amores y traiciones, Calderón plantea una de las preguntas más profundas de la historia del teatro: si todo es sueño… ¿no deberíamos actuar como si estuviésemos soñando con virtud?

  • “La Celestina” – Fernando De Rojas (1500.)

    “La Celestina” – Fernando De Rojas (1500.)

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    La Celestina es una de las obras maestras del teatro y la literatura universal. En una ciudad que nunca duerme, donde los criados conspiran, las pasiones arden en silencio y los secretos se deslizan entre las sombras, un joven noble queda completamente embelesado por la belleza de una dama inalcanzable. Su amor es puro, pero también impetuoso y desbordado, tan ardiente que lo arrastra a tomar decisiones desesperadas.

    Para alcanzar su deseo, recurrirá a la figura más ambigua y fascinante de la obra: una vieja alcahueta, experta en hechizos, cosméticos, trucos y manipulaciones, que moverá los hilos de todos a su alrededor como una marionetista invisible. Pero en este juego de pasiones no hay inocentes. Todos —nobles, criados, rameras y brujas— están marcados por la ambición, el deseo, el resentimiento o la codicia.

    ¿Qué es el amor cuando está contaminado por la manipulación? ¿Puede la pasión sobrevivir a los celos, los intereses y la traición? La Celestina es mucho más que una historia de amor: es un retrato demoledor del alma humana, un texto vibrante lleno de ironía, crítica social y lucidez. Una obra que no envejece, porque en sus páginas resuenan, una y otra vez, las preguntas más profundas sobre el amor, el poder, la juventud y la muerte.

  • “Dialogo Entre El Amor Y Un Viejo” – Fernando De Rojas (1511.)

    “Dialogo Entre El Amor Y Un Viejo” – Fernando De Rojas (1511.)

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    En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.

    El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.

    Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?

    Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.

  • “Antigona“ – Sófocles (441 A.C.)

    “Antigona“ – Sófocles (441 A.C.)

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    Una mujer contra el poder absoluto. Antígona, hija de Edipo, se alza sola en defensa de lo justo, desafiando el mandato de un rey que prohíbe enterrar a su hermano. En una ciudad quebrada por la guerra y el dolor, la joven se convierte en símbolo de coraje, enfrentando la muerte con la frente en alto y el corazón fiel a las leyes no escritas que protegen la dignidad humana.

    Sófocles nos entrega una de las tragedias más intensas y conmovedoras de la literatura universal, donde el conflicto entre el deber moral y la ley política alcanza un clímax desgarrador. Antígona no es solo una heroína trágica, es la encarnación de la voz que se atreve a decir “no”, incluso cuando todo está en su contra.

    Ideal para montajes potentes, con un personaje femenino central de gran fuerza dramática, Antígona interpela tanto al público como a los actores, y nos recuerda que el amor, la justicia y la valentía pueden brillar incluso en los momentos más oscuros.

  • Volpone, El Zorro – Ben Johnson (1606.)

    Volpone, El Zorro – Ben Johnson (1606.)

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    Ambientada en la Venecia del siglo XVII, Volpone es una sátira aguda de la codicia humana. La historia gira en torno a Volpone, un adinerado noble sin herederos que finge estar moribundo para aprovecharse de sus pretendidos herederos. Junto a su astuto sirviente Mosca, Volpone manipula a tres codiciosos: Voltore, un abogado; Corbaccio, un viejo avaro; y Corvino, un mercader celoso, quienes le colman de regalos con la esperanza de ser nombrados en su testamento.

    Mosca se convierte en el maestro de ceremonias de estas farsas, sacando provecho de todos. El plan se complica cuando Corvino ofrece a su esposa, Celia, para entretener a Volpone, con la esperanza de asegurar la herencia. Volpone, cegado por la lujuria, acepta, lo que termina desencadenando una serie de eventos legales y enredos judiciales que revelan las maquinaciones de todos los personajes.

    La sátira alcanza su punto máximo cuando Volpone decide hacerse pasar por muerto para observar las reacciones de los herederos. Sin embargo, Mosca se extralimita en su ambición, y finalmente ambos son descubiertos. La justicia veneciana interviene, castigando severamente a todos los implicados, especialmente a los más corruptos y codiciosos.

  • "El Mejor Alcalde, El Rey" - Lope De Vega (1620.)

    “El Mejor Alcalde, El Rey” – Lope De Vega (1620.)

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    En los verdes campos de Galicia, el amor florece entre un humilde labrador y una joven de extraordinaria belleza y virtud. El mejor alcalde, el rey, una de las obras más potentes de Lope de Vega, nos transporta a un mundo donde los sentimientos más nobles son puestos a prueba por la injusticia y el abuso de poder.

    Sancho, un campesino íntegro, se enamora de Elvira, una mujer que no solo deslumbra por su apariencia sino también por su dignidad. Con la bendición de su familia y del poderoso Don Tello, todo parece indicar que tendrán un futuro feliz. Sin embargo, cuando el deseo, la vanidad y el poder se interponen, el destino de los enamorados pende de un hilo. Lo que sigue es una historia de traición, valentía, dolor y esperanza, donde la voz del pueblo lucha por ser oída y donde la figura del rey se revela como el símbolo último de justicia.

    Con un lenguaje vibrante y personajes memorables, esta obra aborda temas eternos: el honor, el abuso de poder, la lealtad y la esperanza en la justicia. Ideal para públicos contemporáneos que valoran las narrativas de empoderamiento y justicia social. Una pieza imprescindible para comprender el genio teatral de Lope de Vega y la complejidad de la España del Siglo de Oro.

  • El Alquimista – Ben Johnson (1610.)

    El Alquimista – Ben Johnson (1610.)

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    En el corazón de Londres, mientras la ciudad huye de la peste, una casa abandonada se transforma en el escenario de una de las estafas más hilarantes y mordaces del teatro clásico. El Alquimista, comedia maestra de Ben Jonson, nos sumerge en un universo donde la codicia humana se disfraza de fe, ciencia o amor, y donde nadie —ni nobles, ni clérigos, ni comerciantes— escapa a la sátira feroz de sus ambiciosos deseos.

    Con una mezcla explosiva de ciencia falsa, charlatanería y teatro dentro del teatro, tres personajes toman el control: el astuto sirviente Cara, el delirante "doctor" Sutil y la camaleónica Dol Común. Juntos manipulan a crédulos ciudadanos prometiéndoles oro, juventud eterna, poder sobre las masas o la gracia divina... todo, por supuesto, a cambio de jugosas sumas de dinero.

    Cada nuevo visitante trae consigo una caricatura social: el caballero que quiere ser inmortal, el puritano que quiere multiplicar su congregación, el escribano que desea trampear al destino. En este carnaval de ilusiones, la palabra es alquimia y la mentira, un arte elevado.

    Pero cuando el juego se vuelve inestable y el amo de casa amenaza con volver, la tensión se mezcla con el caos. ¿Podrá el trío seguir tejiendo su farsa o todo se desmoronará en una cómica explosión de verdades incómodas?

    El Alquimista es una crítica aguda, una carcajada contra la avaricia, y un espejo cómico donde cada espectador se ve reflejado. Una joya teatral donde la comedia es tan corrosiva como el ácido alquímico.

  • “El Cíclope“ – Eurípides (408 A.C.)

    “El Cíclope“ – Eurípides (408 A.C.)

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    "El Cíclope" es una obra satírica de Eurípides, basada en el famoso episodio de la Odisea de Homero, donde Ulises y sus hombres son capturados por el Cíclope Polifemo en su cueva. En la obra, Ulises, conocido por su astucia, debe ingeniárselas para escapar del monstruo caníbal que desprecia a los dioses y las costumbres humanas. Con humor y sagacidad, Ulises emborracha al Cíclope y, junto con sus hombres, lo ciega con una estaca ardiente, logrando finalmente escapar. Aunque el tema es serio, Eurípides lo transforma en una sátira, mezclando el drama con elementos cómicos, como la aparición de Sileno y un coro de sátiros, lo que da un tono irónico y juguetón a la narrativa.
  • “Hipólito“ – Eurípides (428 A.C.)

    “Hipólito“ – Eurípides (428 A.C.)

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    En Hipólito, Eurípides nos sumerge en un devastador drama sobre el deseo prohibido, el orgullo divino y la destructiva fuerza de la mentira. Fedra, esposa del rey Teseo, es consumida por una pasión ilícita hacia su virtuoso hijastro, Hipólito, joven dedicado a la pureza y ferviente seguidor de Artemis, diosa de la caza y la castidad. Cuando Hipólito rechaza indignado sus sentimientos, Fedra, desesperada por la vergüenza y el rechazo, toma una fatídica decisión: se suicida, dejando atrás una carta que acusa falsamente a Hipólito de seducirla. Engañado por la mentira, Teseo condena brutalmente a su inocente hijo, invocando una maldición mortal que desata una terrible cadena de sucesos. Esta apasionante tragedia explora la complejidad moral, los peligros del orgullo y la crueldad del destino manipulado por los dioses. Con personajes profundamente humanos y conflictos intensos, Hipólito es una obra desgarradora que retrata con crudeza la fragilidad humana ante fuerzas incontrolables. Ideal para aquellos que buscan drama clásico con resonancia eterna.

  • “Sobre El Daño Que Hace El Tabaco” – Anton Chejov (1886.)

    “Sobre El Daño Que Hace El Tabaco” – Anton Chejov (1886.)

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    Un hombre común sube a un escenario con la misión de dictar una conferencia “científica” sobre los efectos nocivos del tabaco. El público lo observa con expectación, pero lo que comienza como una charla torpe pronto se transforma en una confesión desgarradora.
    Iván Ivánovich Niujin, obligado por su autoritaria esposa, revela sin quererlo la tragedia de su propia vida: treinta y tres años de matrimonio infeliz, siete hijas que no pueden casarse, la pobreza moral de un hogar sin amor y la asfixia de quien ha perdido toda dignidad.
    Entre guiños nerviosos, divagaciones absurdas y un humor involuntario que hace reír y doler al mismo tiempo, Niujin intenta mantener la compostura, pero cada frase lo hunde más en la verdad que pretende ocultar: la de un hombre vencido.
    Cuando finalmente arremete contra su vieja levita —símbolo de su prisión doméstica— y sueña con escapar hacia la luna, Chéjov nos regala uno de los momentos más intensos y humanos del teatro universal.
    “Sobre el daño que hace el tabaco” es una joya del monólogo contemporáneo: sencilla en apariencia, profunda en su psicología, y capaz de llevar al actor a una travesía entre la risa y el llanto.
    Ideal para intérpretes que buscan un texto de lucimiento técnico y emocional, esta obra es una invitación a desnudar el alma en escena.
  • "El Ensayo de La Comedia" - Daniel Barros Grez (1889.)

    “El Ensayo de La Comedia” – Daniel Barros Grez (1889.)

    $1.490

    En el caos luminoso del teatro, donde la ficción y la realidad se entrelazan sin aviso, un ensayo se convierte en un espectáculo en sí mismo.

    "El Ensayo de la Comedia" nos traslada al corazón palpitante de una compañía dramática que intenta preparar una obra a días de su estreno. Bajo la dirección del sufrido Ambrosio, actores extravagantes, egos teatrales y amores contrariados se entrecruzan entre bastidores, donde nada parece salir como estaba planeado.

    La poderosa Rita, actriz veterana con aires de diva, impone sus caprichos, mientras su hija Serafina busca su libertad emocional en los brazos del apasionado Rafael. Entre celos, amenazas de abandono, improvisaciones absurdas, y discursos sobre el arte y las musas, la comedia se dispara hacia niveles insospechados. Las interrupciones del ensayo se vuelven el alma de la historia: amores frustrados, locuras simuladas y falsas apariciones que desafían cualquier lógica.

    Con humor agudo, crítica social disfrazada de risa y una estructura que desarma la propia idea de “ensayo”, esta pieza es una joya del teatro chileno decimonónico. Una comedia sobre hacer comedia, donde todos actúan… incluso cuando creen no estar actuando.

  • "El Vividor" - Daniel Barros Grez (1885.)

    “El Vividor” – Daniel Barros Grez (1885.)

    $1.490
    En pleno Santiago del siglo XIX, las calles hierven en un día de elecciones. En un salón ricamente amueblado, Don Victorio, senador y político pragmático, recibe a Augusto Meneses, joven aspirante a diputado, representante perfecto del “vividor” que sabe navegar las aguas del poder sin mojarse. Augusto no viene solo a hablar de política: quiere pedir la mano de Elvira, la hija de Victorio, convencido de que su encanto, posición y futura fortuna lo convierten en un partido irresistible.
    Pero no cuenta con que el corazón de Elvira late por otro: Benito Muñoz, liberal idealista, valiente y contrario al oportunismo que Augusto exhibe con orgullo. Mientras la ciudad se agita con disturbios electorales, los enredos familiares estallan. Doña Rosa, madre protectora, choca con su marido sobre quién merece la mano de su hija. La tensión sube cuando Benito y Ricardo, hijo de Victorio, acaban presos por defender a un ciudadano de la brutalidad policial, y Augusto, temiendo por su carrera, se rehúsa a ayudar.
    Con diálogos ágiles, ironía política y un retrato mordaz de las costumbres electorales de la época, “El Vividor” enfrenta dos visiones de la vida: la prudencia calculadora del que vive bien a costa de todo, y la valentía del que defiende sus principios sin medir el costo. Una sátira política que, más de un siglo después, sigue sonando dolorosamente actual.
  • "Maria Cenicienta" - Amelia Solar de Claro (1898.)

    “Maria Cenicienta” – Amelia Solar de Claro (1898.)

    $1.490

    Una Cenicienta con alma de poeta y corazón de reina.

    María Cenicienta es una joya olvidada del teatro chileno escrita en 1898 por Amelia Solar de Claro, una versión conmovedora y elevada del clásico cuento de hadas. En esta versión en verso y dividida en tres actos, María no solo es una joven humillada por su familia, sino también un espíritu noble que guarda en su interior la luz del perdón, la esperanza y la bondad inquebrantable.

    Desde una cocina fría y oscura, donde vive relegada por una madrastra cruel y dos hermanas vanidosas, María eleva sus pensamientos al cielo, buscando consuelo. Cuando la magia irrumpe en su vida mediante su Hada Madrina, María es transformada en una princesa que deslumbra en el baile real. El príncipe, que busca más que belleza —una auténtica conexión del alma—, queda fascinado por aquella joven misteriosa que no revela su nombre.

    Pero el encanto es efímero, y la realidad vuelve con fuerza. Aun así, el destino no ha terminado de obrar: el escarpín perdido será la clave para una resolución poética, donde la justicia y el amor triunfan. La coronación de María como reina no es solo un final feliz, sino un acto sublime de perdón hacia quienes le hicieron daño.

    Ideal para públicos de todas las edades, esta obra rescata la ternura, la ironía social y el poder transformador de la humildad y la virtud. Una lectura encantadora, visualmente rica y emocionalmente luminosa.

  • "De La Taberna Al Cadalso" - Juan Rafael Allende (1901.)

    “De La Taberna Al Cadalso” – Juan Rafael Allende (1901.)

    $1.490

    En el Santiago de comienzos del siglo XX, Julián Requena, un carpintero honesto y trabajador, parece haber alcanzado el sueño de todo obrero: mantener a su familia y proyectar la compra de una casa propia. A su lado, Mercedes, su esposa, encarna la prudencia y la virtud, mientras su hija Virginia deslumbra por su inocencia, talento y ansias de un futuro digno.

    Pero la estabilidad del hogar pronto se ve amenazada por fuerzas oscuras. El alcohol, en forma de la taberna, se convierte en el enemigo silencioso que devora ahorros, honra y voluntad. Cirilo Canales, un vecino vicioso y corrupto, arrastra a Julián a la bebida, desencadenando una cadena de conflictos familiares y sociales.

    En contraste, la juventud aparece dividida: Manuel Contreras, un joven mecánico idealista, representa el amor sincero y el progreso, mientras que Alfredo Fuentes, hijo de un hacendado, simboliza la decadencia de la élite: jugador empedernido, libertino y borracho, que pretende seducir a Virginia a cualquier costo. La sombra del poder policial, encarnada en Querubín Botarro, acecha como un recordatorio de que la corrupción no está lejos del crimen.

    De la Taberna al Cadalso es un drama social y moralizante que retrata con crudeza la fragilidad del hogar obrero frente a las tentaciones del vicio. Escrita en verso y con escenas que alternan ternura, tensión y denuncia, la obra interpela al espectador: ¿puede una familia resistir cuando el alcohol se convierte en su juez y verdugo?

    Un clásico del teatro chileno de denuncia, vigente hasta hoy, que invita a reflexionar sobre los límites entre virtud y corrupción, amor y degradación.

  • ¡Moro Viejo! - Juan Rafael Allende (1883.)

    ¡Moro Viejo! – Juan Rafael Allende (1883.)

    $1.490
    En una modesta casa de Santiago, la vida de Guadalupe y su hija Bartola está marcada por las borracheras de Aniceto Sarmiento, esposo y padre incorregible. Entre discusiones, ironías y planes matrimoniales, surge un dilema: ¿casar a Bartola con su primo Pedro Alcántara, rico pero tan perezoso que se cansa de andar dos cuadras, o con el valiente sargento Marcial Oporto, que parte a la guerra sin más fortuna que su honor?
    La inesperada visita de doña Mónica, curandera ingeniosa, enciende la chispa de un disparatado plan para apartar a Aniceto del alcohol: desde remedios estrafalarios hasta una escenificación en la que todos fingen que ha muerto. Pero la farsa toma otro rumbo con la llegada de Marcial y la noticia de la captura del Huáscar. Entre equívocos, disfraces y falsas muertes, Aniceto vive una “revelación” patriótica y decide enlistarse para limpiar su nombre.
    En un acto lleno de humor, sátira y guiños a la actualidad de 1883, ¡Moro Viejo! combina enredos domésticos, costumbrismo chileno y fervor bélico, ofreciendo un retrato hilarante de personajes entrañables y exagerados. Una comedia de enredos donde la risa y el ingenio son protagonistas, y donde el amor… se disputa entre la flojera y la valentía.
  • "La Inocencia En El Asilo De Las Virtudes" - Camilo Henriquez (1889.)

    “La Inocencia En El Asilo De Las Virtudes” – Camilo Henriquez (1889.)

    $1.490

    Una posada en Filadelfia se convierte en escenario de encuentros decisivos, donde viajeros y emigrados discuten sobre libertad, justicia y las promesas del Nuevo Mundo. Allí conocemos a Mr. Faber, un hombre marcado por la desconfianza y la soledad, que huyó de Europa tras perder a su esposa Ester bajo la sombra de la calumnia. Mientras contempla el progreso americano y reflexiona sobre la corrupción de la vieja Europa, su destino vuelve a entrelazarse con los fantasmas del pasado.

    La obra alterna entre escenas íntimas y discursos encendidos sobre la moral pública, la educación, la literatura y la política americana y sudamericana, dibujando un cuadro vibrante del siglo XIX. En medio de estas conversaciones, aparece Matilde, una niña de ocho años que busca a sus padres tras sobrevivir a persecuciones y naufragios. Su inocencia ilumina la trama, revelando un vínculo inesperado con el propio Faber.

    El doctor Powell, figura moral y espiritual, guía el relato con su fe en la misericordia divina y en la justicia de las instituciones humanas. En contraste, personajes como el caballero Lodini aportan ironía y sátira con relatos de viajes y juicios superficiales sobre las culturas europeas y americanas.

    El clímax llega cuando la verdad emerge desde la confesión de Judas Sobrignoli, desenmascarando la traición que separó a Ester y Faber. El reencuentro final entre los esposos y su hija no solo devuelve la felicidad familiar, sino que confirma el mensaje profundo de Camilo Henríquez: la virtud y la inocencia siempre hallarán amparo, incluso frente a la adversidad y la calumnia.

    Una obra conmovedora y visionaria, que mezcla drama íntimo, reflexión social y esperanza en los ideales republicanos.

  • “El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

    “El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

    $1.490

    En una pradera encantada, donde los insectos viven una vida apacible y casi humana, un joven soñador se atreve a amar lo imposible.

    "El maleficio de la mariposa", la primera obra escénica de Federico García Lorca, es una exquisita fábula poética que transforma lo ínfimo —cucarachas, gusanos, alacranes y mariposas— en portadores de las pasiones humanas más profundas. A través del lirismo de sus versos y la ternura absurda de sus personajes, la obra nos presenta al pequeño Curianito el Nene, un insecto poeta que, desoyendo las normas de su comunidad, se enamora perdidamente de una mariposa herida que ha caído desde lo alto de un ciprés.

    Mientras su madre y los insectos del pueblo intentan emparejarlo con Silvia, una curiana acomodada, él solo sueña con el amor puro y trágico que representa esa criatura alada. Su anhelo es tan grande como su inocencia, y su rebeldía lo conduce a una conclusión inevitable: la belleza ideal no pertenece a este mundo. El amor, cuando apunta al cielo, puede convertirse en maldición.

    En esta obra, la sátira se mezcla con la tragedia, y la belleza de los símbolos naturales se entrelaza con el humor más negro. ¿Qué sucede cuando el amor se vuelve inalcanzable? ¿Qué precio pagamos por perseguir un ideal?

    "El maleficio de la mariposa" es un canto a la poesía, una crítica a la sociedad conformista y un retrato temprano del estilo único que haría de Lorca un ícono del teatro universal.

  • “Los Títeres De Cachiporra” – Federico Garcia Lorca (1922.)

    “Los Títeres De Cachiporra” – Federico Garcia Lorca (1922.)

    $1.490

    Bajo la luna andaluza, entre guitarras, porrazos y coplas, estalla el teatro más libre y rebelde: “Los títeres de cachiporra”. Federico García Lorca da vida a un espectáculo irreverente y chispeante donde los títeres no solo hablan... ¡gritan, aman, sufren y se rebelan!

    En el centro de la historia está Rosita, una muchacha llena de poesía y fuerza, que sueña con casarse por amor, no por conveniencia. Su corazón pertenece a Cocoliche, un joven sensible que le canta versos bajo la ventana. Pero su destino se tuerce cuando aparece el grotesco y autoritario Don Cristobita, un burgués con porra en mano y billetes en el bolsillo. Entre serenatas, peleas tabernarias, espectros amorosos y zapateros cómplices, la historia avanza como un torbellino de risas y tragedia.

    Es una obra para reír a carcajadas y luego quedarse pensando. Porque tras los títeres hay verdades humanas: el deseo de libertad, la lucha contra el poder, el anhelo del amor verdadero. Lorca mezcla lo popular y lo lírico, lo infantil y lo violento, lo absurdo y lo mágico, para entregarnos una obra única, visualmente potente y emocionalmente aguda.

    Ideal para quienes buscan teatro popular con alma de poeta.

  • “Caperucita Roja” – Perrault / Grimm (1812.)

    “Caperucita Roja” – Perrault / Grimm (1812.)

    $1.490

    Una niña encantadora. Un lobo elegante. Un bosque lleno de mariposas, flores… y trampas.

    Esta versión teatral de Caperucita Roja transforma el clásico cuento en una experiencia escénica mágica, divertida y profunda. Con diálogos ingeniosos, humor que cruza generaciones y escenas llenas de belleza visual, esta adaptación captura la atención tanto de los pequeños como de los adultos que los acompañan.

    Mientras Caperucita baila y recolecta flores para su abuela enferma, el público es testigo —gracias a un simpático cazador vigilante— de cómo los peligros pueden esconderse detrás de una sonrisa… o de un sendero luminoso. El lobo, galante y persuasivo, no engaña con la fuerza sino con palabras dulces, y la niña, distraída por mariposas, aprende que incluso las bellezas más inocentes pueden alejarla del camino.

    Con un final feliz y una escena de rescate inolvidable, esta obra es tanto una advertencia sutil como una celebración del ingenio, el humor y el poder del cuidado.

    Ideal para toda la familia. Un cuento de siempre… contado como nunca.

    Esta adaptación teatral de Caperucita Roja combina la crudeza del original de Perrault con el heroísmo del relato de los Hermanos Grimm, creando una puesta en escena llena de magia, humor y enseñanza. Caperucita es dulce y encantadora, pero su distracción la pone en peligro. El Lobo es elegante y persuasivo, mientras que el Cazador, siempre vigilante, representa la conciencia que observa desde las sombras. Mariposas mágicas, bosques encantados y una moraleja que se renueva hacen de esta obra un clásico reinventado para públicos de todas las edades.

  • “La Hechicera” – G. Núñez De Prado (1916.)

    “La Hechicera” – G. Núñez De Prado (1916.)

    $1.490

    En un lujoso colegio de señoritas, donde la disciplina y la apariencia lo son todo, una inesperada acusación estremece la rutina estudiantil. Adela, una joven brillante y de noble carácter, es señalada por el robo de unos pendientes. ¿La culpable? Según Emilia, la arrogante hija de familia aristocrática, no hay duda: fue Adela. Sin embargo, no todo es lo que parece.

    Mauricia, leal compañera, defiende la verdad contra viento y marea. Mientras tanto, la pequeña Josefina, aterrada, guarda un secreto más grande de lo que su corta edad puede soportar. En medio del drama adolescente y la opresión social, aparece una figura insólita: una anciana enigmática, conocida solo como “La Hechicera”. ¿Bruja o sabia? Nadie lo sabe con certeza, pero todos en la ciudad reconocen su sabiduría ancestral.

    Con una gata negra como aliada y una mente aguda como cuchilla, la anciana pondrá a prueba la conciencia de las jóvenes en una escena oscura, literal y simbólicamente. En la penumbra, una por una deberán tocar a la gata… pero la culpable intentará escabullirse del destino.

    “La Hechicera” es una comedia infantil con aroma de misterio, un cuento moral disfrazado de teatro escolar, donde la envidia, la lealtad, la astucia y la redención se dan cita en escena. Ideal para montajes escolares o infantiles con contenido, humor y un mensaje claro: la verdad siempre encuentra la forma de brillar, incluso en la oscuridad.

  • 30% ¡Off!
    "La Camila, Patriota De Sud-America" - Camilo Henriquez (1817.)

    “La Camila, Patriota De Sud-America” – Camilo Henriquez (1817.)

    El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

    En el corazón del Amazonas, entre selvas misteriosas y árboles centenarios, se refugia una familia quiteña que ha escapado de la cruenta represión española tras la revolución. La Camila o la patriota de Sud-América nos sumerge en una historia vibrante y profundamente emotiva, donde el amor, el honor y la lucha por la libertad se entrelazan en medio del exilio y la esperanza.

    Camila, una joven mujer fuerte, inteligente y apasionada, es el alma de esta historia. Su corazón guarda el recuerdo de un amor perdido y su espíritu encarna los ideales de una patria aún por conquistar. Junto a sus padres, se encuentra con una sociedad indígena que busca construir una república basada en la razón, la educación y la igualdad. Pero los fantasmas del pasado, las heridas de la traición y el miedo al poder colonial español amenazan con destruirlo todo.

    Inspirada en los ideales de la Ilustración y escrita por uno de los padres del pensamiento chileno, Camilo Henríquez, esta obra no es solo un drama, sino una declaración política, una alegoría de América en su lucha por la emancipación. A través de diálogos intensos y escenas conmovedoras, la obra expone con crudeza los dilemas morales y sociales de una época convulsionada, y eleva el papel de la mujer como símbolo de integridad y resistencia.

    Ideal para montajes contemporáneos con enfoque histórico, La Camila es una joya del teatro latinoamericano del siglo XIX que sigue resonando con fuerza en nuestro presente.

     
  • 30% ¡Off!
    "Ernesto" - Rafael Minvielle (1842.)

    “Ernesto” – Rafael Minvielle (1842.)

    El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

    Valencia, 1833. Un carruaje se detiene en las puertas de la ciudad. Ernesto de Guzmán regresa a su tierra tras años de exilio en América. Pero no vuelve como cualquier hijo pródigo. Vuelve marcado por el fuego de las guerras de independencia, por un amor jurado y por una conciencia que lo llevó a luchar contra las mismas banderas que lo vieron nacer.

    En el corazón de este drama palpitante se enfrentan la pasión de Ernesto y Camila —primos unidos desde la infancia por promesas sagradas— contra el orgullo de una familia que no perdona. Don Pedro, símbolo vivo de la vieja España, no puede aceptar que su sobrino, un Guzmán de linaje, haya blandido su espada por la libertad americana. Para él, la traición no tiene justificación, y la conciencia individual no puede desafiar al deber militar.

    Ernesto es un grito desgarrado en una España dividida entre el honor y el progreso, la lealtad y la libertad. Con diálogos encendidos, personajes entrañables y un trasfondo histórico vibrante, esta obra nos invita a reflexionar sobre la fidelidad, el sacrificio y las cadenas invisibles que la sociedad impone al corazón humano.

    Una historia intensa, romántica y trágica que se despliega como una batalla entre lo que uno es, lo que uno cree... y lo que la sociedad le permite ser.

  • 30% ¡Off!
    "Los Amores Del Poeta" - Don Carlos Bello (1842.)

    “Los Amores Del Poeta” – Don Carlos Bello (1842.)

    El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

    Amor, poesía y muerte en un triángulo letal.

    Los amores del poeta es un drama decimonónico lleno de pasión, ideales y sacrificios. En el centro de esta historia se encuentra Eugenio de Gressey, un poeta romántico al borde de la muerte, cuya única salvación parece ser el amor puro de Matilde de Monville. Ella, una viuda perseguida por un pasado trágico, guarda un secreto que vincula la sangre con el amor, la culpa con el honor.

    El coronel Fiercour, sombra implacable del pasado, reclama a Matilde como suya y está dispuesto a aniquilar a cualquiera que desafíe su obsesión. Entre confesiones líricas y amenazas veladas, el amor se convierte en campo de batalla. La obra plantea una lucha entre la palabra y la espada, entre el alma sensible del artista y la brutalidad del guerrero, entre el deseo de amar y la presión de una sociedad patriarcal que convierte a la mujer en botín.

    Con diálogos intensos, monólogos cargados de sensibilidad romántica y una estructura dramática envolvente, esta obra plantea interrogantes sobre el sentido de la vida, la libertad, el amor verdadero y la posibilidad del heroísmo moral en un mundo profundamente desigual.

    ¿Puede el amor redimir la violencia? ¿O está condenado a ser arrastrado por ella?

  • "El Cuento del Tio" - Juan Rafael Allende (1904.)

    “El Cuento del Tio” – Juan Rafael Allende (1904.)

    $3.000

    En el Chile del futuro imaginado por el siglo XIX —¡el año 2000!—, el ingenuo Inocencio Peñafiel llega al corazón del poder con una caja misteriosa bajo el brazo. Cree que contiene una fortuna, pero al entrar al Ministerio de Hacienda, se encontrará con algo más peligroso que la pobreza: la burocracia y la codicia.

    Entre plumas, sellos y decretos interminables, tres funcionarios —el solemne Ministro, el servil Oficial de Pluma y el calculador Oficial de Partes— rodean al ingenuo visitante con una mezcla de curiosidad y avaricia. ¿Qué habrá en la caja? ¿O acaso lo que brilla es el reflejo del engaño?

    Con humor punzante y una ironía brillante, Juan Rafael Allende convierte la oficina pública en un escenario de comedia política y farsa social, donde el poder, la corrupción y la inocencia se cruzan en un juego absurdo de apariencias.

    Una obra tan hilarante como lúcida, que anticipa un futuro ridículamente parecido a nuestro presente.
    💡 “El Cuento del Tío” es una radiografía de la eterna trampa entre el ingenuo que cree y el poderoso que se aprovecha.

  • "Rucacahuiñ" - Aurelio Díaz Meza (1912.)

    “Rucacahuiñ” – Aurelio Díaz Meza (1912.)

    $3.000

    Rucacahuiñ es una zarzuela chilena escrita en 1912 que nos transporta a los paisajes indómitos de la Araucanía, donde conviven tensiones coloniales, identidades cruzadas y una dignidad indígena que resiste. Entre montañas y rucas, emerge la historia de Juana Castañeda: una mujer chilena criada desde niña por mapuches tras ser rescatada en un asalto militar. Con el tiempo, se convierte en la esposa del cacique Puelpán y madre de sus hijos, simbolizando la unión entre dos mundos.

    La obra comienza como un encuentro casual entre comerciantes y viajeros, pero rápidamente revela los engranajes de un conflicto más profundo: la codicia del colono Miguel Rojas, quien no solo comercia con los bienes indígenas, sino que también codicia a Juana. Su plan para conquistarla desata una cadena de tensiones, resistencias y afectos cruzados que alcanzan su punto más alto durante el rucacahuiñ, la gran fiesta mapuche que da nombre a la obra.

    Con diálogos vibrantes, pasajes en mapudungun, humor popular y canto, la zarzuela fusiona comedia costumbrista, drama social y lirismo poético. Filuñamco, el sirviente astuto y narrador oral, se roba las risas del público mientras teje con sabiduría los relatos del pasado. Chávez, el mozo simplón y pícaro, sirve de espejo de la transformación cultural. La música de Alberto García Guerrero aporta emoción y ritualidad, acompañando cada escena con canto y ritmo.

    Rucacahuiñ no es solo una obra; es un testimonio de identidad, resistencia y humanidad. Una celebración dramática de la memoria viva del pueblo mapuche.

  • "Captura Y Fusilamiento De Dubois" - Anónimo (1907.)

    “Captura Y Fusilamiento De Dubois” – Anónimo (1907.)

    $3.000
    En las sombras del Chile de comienzos del siglo XX, un hombre llamado Emilio Dubois se convierte en el símbolo de un país desgarrado entre la miseria y la moral.
    Este drama, inspirado en hechos reales, recorre su descenso desde el crimen hasta la redención imposible. Lo vemos asesinar, ocultarse entre cuecas y borrachos, burlar la policía y enfrentarse al destino con la calma de quien ya lo ha perdido todo.
    Pero en la cárcel, Dubois se revela humano: ama, se casa, reza, reniega de los curas y pide solo una cosa antes del fusilamiento: que su mujer y su hijo sean protegidos por el país que lo condena.
    “Captura y Fusilamiento de Dubois” es más que una historia policial: es un espejo de la sociedad chilena de su tiempo.
    Su último grito —“¡Justicia, pero para todos!”— resuena más allá del cadalso, exigiendo igualdad ante la ley en un país que aún hoy parece no haberla alcanzado.
    Una tragedia moderna con corazón obrero y voz de denuncia.  
  • “Jardín De Cerezos” – Anton Chejov (1904.)

    “Jardín De Cerezos” – Anton Chejov (1904.)

    $3.000
    En los albores del siglo XX, cuando el mundo antiguo se derrumba y el nuevo aún no se asienta, una familia rusa vive su última primavera entre los cerezos que florecen por costumbre y los sueños que ya no germinan.
    Liubov Ranevskaia vuelve del extranjero con la ilusión de revivir su hogar, pero su jardín —blanco como un recuerdo que se niega a morir— está hipotecado. Lopajin, un comerciante que antes fue siervo, le ofrece salvar la finca si acepta talar los árboles y parcelar la tierra. La propuesta es práctica, pero hiere el alma de quienes viven aferrados al pasado.
    Entre las risas de los criados, los discursos absurdos de Gaev y las miradas calladas de Varia y Ania, se siente la fragilidad de un mundo que no sabe cómo cambiar. “El jardín de los cerezos” no es solo una historia sobre una herencia perdida; es una elegía sobre el paso del tiempo, la ruina de las clases y la obstinación del corazón humano. Una comedia suave que huele a despedida, a primavera que no volverá.
  • “La Vida Que Te Di” – Luigi Pirandello (1923.)

    “La Vida Que Te Di” – Luigi Pirandello (1923.)

    $3.000

    En una villa silenciosa de la Toscana, el tiempo parece haberse detenido. Allí vive Doña Ana Luna, una madre que ha consagrado su vida entera al recuerdo y la espera de un hijo que se marchó hace siete años. Cuando él finalmente regresa, no vuelve para abrazarla, sino para morir entre paredes desnudas y ecos que parecen hablar con voz propia. Pero Ana no acepta esa muerte. No puede. Para ella, el que yace sobre la cama no es su hijo, sino un cuerpo vacío: el verdadero vive todavía en la vida íntima que ella le dio.

    Esta obra —una de las más intensas de Luigi Pirandello— explora el amor en su forma más extrema: el amor que crea realidad, que desafía al tiempo y que se aferra al recuerdo como si fuera una roca en medio del naufragio. A través de diálogos afilados y silencios que pesan más que las palabras, el público se adentra en un mundo donde la razón vacila, la memoria se vuelve un refugio y la verdad se quiebra como un espejo.

    La llegada inesperada de una joven extranjera, desesperada por reencontrarse con el hombre que amó, abre una fisura aún más profunda en la vida de Ana. Ambas fueron amadas por él, ambas lo esperan, ambas lo sienten aún vivo. La villa se convierte entonces en un lugar donde lo ausente respira, donde las habitaciones parecen guardar secretos y donde cada gesto revela una lucha interna entre aceptar la realidad o sostener el sueño que mantiene el alma en pie.

    La vida que te di es un viaje emocional intenso, lleno de poesía, dolor y una hermosura oscura. Una obra pensada para estremecer, para invitar al espectador a preguntarse: ¿cuánta vida damos a quienes amamos? ¿Y cuánto de nosotros muere cuando ellos se van?

  • “El Pelícano” – August Strindberg (1907.)

    “El Pelícano” – August Strindberg (1907.)

    $3.000
    Una madre que dice amar, pero mata de hambre; un hijo que busca calor y solo halla hielo; una hija atrapada entre la pureza y la corrupción; un yerno que desea tanto poder como placer.
    El Pelícano es una disección despiadada del mito familiar. August Strindberg, en una de sus obras más sombrías y simbólicas, desnuda el hogar burgués hasta revelar lo que late detrás del amor filial: la hipocresía, la avaricia y el deseo incestuoso.
    Elisa, la madre, encarna al falso pelícano: aquel que, en lugar de alimentarse con su sangre, roba la sustancia vital de sus hijos. Su casa está fría no por falta de carbón, sino por la ausencia del alma. En torno a ella giran Federico, estudiante y soñador roto; Gerda, esposa inocente y ciega; Axel, el yerno que representa la degradación del deseo y la ambición; y Margarita, testigo lúcida de la miseria doméstica.
    A medida que el viento sopla y las velas se apagan, los hijos despiertan del largo sueño de la obediencia. El descubrimiento de una carta póstuma del padre desvela el crimen moral: fueron criados con engaño, desnutridos en cuerpo y espíritu.
    Entre el fuego y la confesión final, Strindberg levanta una parábola sobre la degeneración del amor maternal cuando se convierte en dominio. El Pelícano no es solo un drama familiar, sino un rito de combustión: el alma de una casa incendiada por la verdad.
  • “El Buen Médico” – Carlo Goldoni (1761.)

    “El Buen Médico” – Carlo Goldoni (1761.)

    $3.000

    En una ciudad donde los médicos discuten en latín más por apariencia que por ciencia, una joven noble ha caído víctima de una extraña dolencia: cambia de humor en segundos, no come, no duerme, y ni el vino ni la sopa logran animarla. Su padre, un hombre desesperado, recurre a todo tipo de doctores: desde el que receta agua del pozo como medicina milagrosa, hasta el que cobra un duro por cada cuarto de hora de visita, sin siquiera haber visto a la paciente.

    Pero detrás del diagnóstico más alocado se esconde una verdad profunda: a veces el cuerpo no enferma por falta de medicina, sino por exceso de emociones. El Buen Médico es una comedia brillante de Carlo Goldoni que se ríe con inteligencia del mundo de la medicina, de los diagnósticos rimbombantes, y de los padres que quieren controlar el destino de sus hijas.

    ¿Puede un corazón enamorado fingir la muerte si no es correspondido? ¿Cuántos latines y pócimas hacen falta para sanar un alma herida? Goldoni responde con humor, sátira y mucha humanidad en esta deliciosa pieza teatral que hace reflexionar mientras hace reír.

    Ideal para montajes que busquen un humor fino, con crítica social y personajes memorables. ¡Una joya del teatro clásico que sigue vigente hasta hoy!

  • "Cuando Venga El Amor" - Armando Moock (1920.)

    “Cuando Venga El Amor” – Armando Moock (1920.)

    $3.490

    En una casa bañada por el sol y las convenciones, una joven debe casarse sin saber por qué. “Cuando venga el amor” es la historia de una inocencia que se despierta tarde, cuando el velo del deber se rompe y asoma la verdad.
    Margot, educada para complacer, descubre en la víspera de su boda que su corazón está vacío. Rafael, su prometido, busca en ella un amor que no existe y, al hallarse ante la sinceridad de su renuncia, elige liberarla.
    Entre conversaciones frívolas, risas y costumbres burguesas, el texto avanza hacia un duelo íntimo entre la razón y el sentimiento, donde la palabra se convierte en bisturí.
    Moock, con lenguaje delicado y moderno, escribe un retrato de la mujer que empieza a pensarse a sí misma, capaz de decir “no” sin odio ni culpa. Una joya del teatro chileno del 1920 que sigue resonando con su pregunta esencial: ¿Qué haremos cuando por fin venga el amor?

  • "Juana de Napoles" - Salvador Sanfuentes (1860.)

    “Juana de Napoles” – Salvador Sanfuentes (1860.)

    $3.490

    Nápoles, siglo XIV. Una corte decadente se deslumbra con banquetes y torneos mientras el reino se desangra entre bandos rivales. En ese escenario irrumpe Andrés de Hungría, un príncipe criado en la rudeza del norte que llega portando una bula papal: será coronado Rey antes de tiempo. Su ideal es simple y temerario: extirpar la corrupción, aligerar los impuestos y rescatar el honor de la corona.
    Pero la gloria tiene un precio. Su esposa, la joven Juana, está acostumbrada a que los aduladores conviertan cada capricho en ley. A su lado conspiran la seductora Catalina de Bizancio—tía y tutora—y el apuesto Luis de Tarento, un primo cuyo encanto amenaza la estabilidad del trono. Para completar el laberinto moral, Andrés confía el gobierno al incorruptible Nicolás Acciayoli, sin prever que su devoción por la virtuosa Francisca—la hija del ministro—encenderá rumores, celos y traiciones.

    Entre decretos severos, bailes fastuosos y carteles infamantes que se clavan de noche en los muros del palacio, la tensión escala vertiginosamente. El ejército duda, el pueblo murmura y la Iglesia observa. Cada acto ofrece un duelo distinto: deber contra pasión, patria contra sangre, verdad contra apariencias.
    Bajo el fulgor mediterráneo, Juana de Nápoles disecciona los engranajes del poder: la manipulación política, la violencia de género en la realeza, y la fragilidad de los lazos familiares cuando la ambición los tensa hasta el límite. Con versos vibrantes y escenas de alta intriga, la obra nos invita a preguntar: ¿Qué ocurre cuando el reformador se convierte en objetivo y el amor se usa como moneda para comprar coronas?
    Prepárese el espectador: en este drama histórico nadie sale ileso de la corte napolitana.

  • La Independencia De Chile - Jose Antonio Torres (1856.)

    La Independencia De Chile – Jose Antonio Torres (1856.)

    $3.490

    “La Independencia de Chile” es un drama vibrante que nos transporta al corazón palpitante de la lucha por la libertad. Escrita en verso y situada en 1818, tras la devastadora derrota en Cancha Rayada, la obra nos revela un país tambaleante entre la desesperanza y la esperanza, donde el coraje de unos pocos definirá el destino de toda una nación.

    En el palacio de Santiago, el Director interino Luis de la Cruz se enfrenta al caos político, al miedo del pueblo y a las traiciones que amenazan desde dentro. Mientras la sombra del ejército español se cierne sobre la ciudad, los corazones de los patriotas se mantienen firmes, decididos a no rendirse. En medio del conflicto surge una historia íntima y poderosa: Clementina, hija de un sospechoso simpatizante realista, se debate entre el amor filial y su pasión patriótica. Su amor secreto por Alberto, un joven capitán patriota, encarna la fuerza redentora del amor y la juventud en tiempos de guerra.

    Con una mezcla de heroísmo, conspiración, fervor nacional y poesía, esta obra no solo celebra la victoria militar, sino también el espíritu inquebrantable del pueblo chileno. La tensión política, las intrigas en los salones del poder, los estallidos de coraje en el campo de batalla y los dilemas morales de los personajes hacen de esta pieza un retrato conmovedor de la libertad conquistada.

    Un espectáculo que emociona y enaltece, ideal para públicos escolares, conmemoraciones patrióticas o cualquier montaje que desee revivir con intensidad teatral uno de los momentos fundacionales de la historia de Chile.

  • "La Conjuración De Almagro" - Guillermo Blest Gana (1858.)

    “La Conjuración De Almagro” – Guillermo Blest Gana (1858.)

    $3.490

    ¿Qué ocurre cuando la espada que conquistó un imperio se ve arrinconada por la ambición de los poderosos?

    En el corazón del Perú colonial, entre intrigas palaciegas, pasión contenida y sed de justicia, La conjuración de Almagro nos transporta a un momento crítico de la historia: la lucha entre la memoria de un mariscal caído y el poder absoluto de Francisco Pizarro. Diego de Almagro, joven e idealista, carga con el legado de su padre asesinado y el peso de una patria que no le reconoce. Rodeado por soldados leales pero empobrecidos, es impulsado por Juan de Rada a liderar una rebelión que podría cambiar el destino del virreinato.

    Entre la pasión inocente de Beatriz y los enredos políticos de la astuta Francisca Pizarro, se entreteje un drama de amores imposibles, traiciones, y coraje. La obra levanta una pregunta vibrante: ¿es posible la justicia cuando el oro y el poder dictan las reglas?

    Guillermo Blest Gana firma aquí un drama cargado de intensidad moral, donde la dignidad se enfrenta al cálculo, y la historia late con fuerza en cada verso. Un espejo trágico de nuestra América, tan viva como herida.

  • "La Mujer/Hombre" - Román Vial (1875.)

    “La Mujer/Hombre” – Román Vial (1875.)

    $3.490

    En el bullicioso Valparaíso del siglo XIX, un misterioso joven llamado Florentino ha ascendido con esfuerzo y talento en una prestigiosa casa comercial. Admirado por su integridad y discreción, su presencia inquieta tanto a sus compañeros como a sus superiores, especialmente cuando empieza a despertar afectos y sospechas por igual.

    Pero Florentino guarda un secreto que podría hacerlo caer en desgracia en una sociedad gobernada por prejuicios y normas implacables. A su lado está su hermana Luisa, una mujer lúcida y apasionada que sueña con amar libremente, y que al mismo tiempo se ve atrapada por los límites que le impone su género. Cuando el amor, la envidia y la traición comienzan a enredar a todos los personajes, lo que está en juego ya no es solo una reputación, sino la posibilidad de vivir con dignidad y libertad.

    “La Mujer-Hombre” es una obra sorprendentemente moderna, audaz en su crítica al patriarcado y emocionante en su retrato de las pasiones humanas. Una historia de sacrificio, identidad y valentía, donde los papeles tradicionales se invierten y las máscaras sociales comienzan a caer. ¿Puede una mujer fingir ser hombre sin traicionarse a sí misma? ¿Hasta dónde es capaz de llegar por amor o justicia? Descúbrelo en esta emocionante y conmovedora pieza del teatro chileno del siglo XIX.

  • "Cada Oveja Con Su Pareja" - Daniel Barros Grez (1879.)

    “Cada Oveja Con Su Pareja” – Daniel Barros Grez (1879.)

    $3.490

    "Cada Oveja con su Pareja" es una deliciosa comedia chilena del siglo XIX, escrita por Daniel Barros Grez, que celebra el amor inesperado, los enredos familiares y las pasiones ocultas. Ambientada en una tradicional casa santiaguina, la obra se despliega en un solo acto cargado de ironía, romanticismo y un encantador costumbrismo.

    Don Cayetano, un caballero de campo que ha vivido años en soledad, decide buscar esposa para llenar el vacío de su hacienda. En su viaje a Santiago, se reencuentra con Doña Bernarda, una viuda vivaz y su encantadora hija Lucía, con quienes compartió momentos memorables en los baños de Cauquenes. Lo que comienza como una conversación amistosa termina revelando intenciones amorosas, promesas de felicidad hogareña y confesiones que cruzan generaciones.

    La obra juega con los equívocos y los deseos silenciosos de sus personajes: madres e hijas, tíos y sobrinos, todos entrelazados en una red de afectos no dichos, pero profundamente sentidos. La tensión se construye con gracia, a través de diálogos chispeantes y escenas que equilibran lo romántico y lo cómico. ¿Quién ama a quién? ¿Es posible que dos generaciones estén enamoradas de la misma familia?

    "Cada Oveja con su Pareja" es una obra ingeniosa y luminosa, ideal para públicos que buscan reír, emocionarse y reconocerse en los eternos enredos del corazón.

  • "Como En Santiago" - Daniel Barros Grez (1875.)

    “Como En Santiago” – Daniel Barros Grez (1875.)

    $3.490

    "Como en Santiago" es una comedia de costumbres tan vigente como mordaz. Ambientada en un tranquilo pueblo chileno del siglo XIX, nos adentra en el mundo de una familia que, empeñada en aparentar lo que no es, cae en los enredos del amor, el arribismo y la ignorancia ilustrada.

    Doña Ruperta, matriarca voluntariosa, vive obsesionada con transformar su hogar en una imitación perfecta de la capital. Su hija Dorotea, criada en ese delirio de grandeza, sueña con galanes refinados, vestidos parisinos y matrimonios a la velocidad del vapor santiaguino. Todo parece ir sobre ruedas hasta que aparece Faustino Quintalegre, un diputado capitalino cuya labia encantadora desata el caos.

    En una sola noche, Dorotea abandona a su prometido provincial, Silverio, y apuesta todo a Faustino, un hombre que la halaga pero oculta intenciones más convenientes que románticas. Entre tanto, Inés —la sobrina huérfana y olvidada— observa en silencio y desde la sombra, cargando con un amor que no puede confesar y una dignidad que eclipsa a todos los personajes.

    Con diálogos filosos, personajes ridículos y situaciones hilarantes, esta obra retrata con agudeza la imitación absurda de los hábitos urbanos, el clasismo encubierto en la vida provinciana y el eterno conflicto entre apariencia y autenticidad. Una joya del teatro chileno decimonónico que todavía hace reír —y pensar— sobre quiénes somos y a quiénes queremos parecer.

  • "El Casi Casamiento" - Daniel Barros Grez (1881.)

    “El Casi Casamiento” – Daniel Barros Grez (1881.)

    $3.490

    Una viuda rica, un poeta sin rumbo, un oportunista arruinado y una joven disfrazada de anciana... ¿Qué puede salir mal?
    En el Santiago de 1881, la vida social gira en torno al dinero, la apariencia y las apariencias aún más ridículas. En este contexto, Don Catalino Gacetilla, filósofo del bolsillo vacío, ve en Doña Columbina, una excéntrica viuda de "alma joven", la solución a todos sus males económicos. Lo que para él es una estrategia de supervivencia, para ella es un torbellino romántico digno de versos y promesas.

    Mientras tanto, su amigo Tristán, joven romántico y derrotado por el desamor, piensa lanzarse al río por una decepción amorosa, pero termina cenando mosto y recitando poesía... también por una decepción amorosa. En un giro de comedia absurda, la sobrina de Columbina, Rosita, debe disfrazarse de vieja para no opacar la belleza "resplandeciente" de su tía ante Catalino.

    Con diálogos chispeantes, crítica mordaz y personajes caricaturescos, "El casi casamiento" desenmascara los matrimonios por conveniencia, la vejez negada y el amor disfrazado de interés. Esta comedia costumbrista chilena, de humor corrosivo y ritmo ágil, pone en escena una sátira atemporal sobre las apariencias, el dinero y la risa como último refugio frente al ridículo humano.

    Ideal para montajes escénicos dinámicos, lecturas dramatizadas o adaptaciones contemporáneas que deseen explorar el lado más cómico del patetismo burgués.

    A lo largo de la obra, los personajes se ven atrapados en situaciones cómicas y emocionales, tejiendo una red de conflictos amorosos y financieros. Sin embargo, a medida que avanza la trama, se resuelven los enredos y se alcanza una conclusión satisfactoria para todos. Una obra llena de humor y romance, que captura la esencia de una época pasada y la complejidad de las relaciones humanas. Una historia que muestra que, a pesar de los obstáculos, el amor verdadero siempre encuentra su camino.
  • "La Iglesia y El Estado" - Daniel Barros Grez (1883.)

    “La Iglesia y El Estado” – Daniel Barros Grez (1883.)

    $3.490

    La obra se desarrolla frente al pórtico de una catedral gótica y presenta un conflicto alegórico que satiriza la relación entre el poder civil (Estado), el poder religioso (Iglesia) y la Libertad.
    Satanás, como narrador-manipulador, planea impedir el matrimonio entre Estado y Libertad, temiendo que esta unión limite su influencia. Para lograrlo, llama a sus sirvientes Fanatismo, Intolerancia y Cojuelo, quienes, mediante engaños y provocaciones, intentan desacreditar a Libertad.

    Cojuelo administra “dosis de opio” metafóricas para alterar la conducta de la joven, provocando que Estado la vea como una persona inestable, impulsiva y poco fiable. Ante este espectáculo, Estado comienza a dudar del casamiento.

    Satanás aprovecha la ocasión para convencer a Estado de que su verdadero destino es unirse con Iglesia. Primero intenta persuadir a Iglesia resaltando supuestas amenazas a la fe y al orden religioso: la decadencia de las costumbres, la pérdida de privilegios eclesiásticos y el avance de ideas liberales. Iglesia, aunque inicialmente rechaza la propuesta, acaba reconsiderándola al leer (sin saberlo) un libro manipulado por Satanás.

    Finalmente, Iglesia y Estado se comprometen públicamente, intercambiando promesas de apoyo mutuo: él defenderá a la religión con su fuerza militar y ella respaldará al gobierno con su autoridad moral y espiritual. El pueblo, influenciado por Fanatismo e Intolerancia, aprueba la unión, olvidando su anterior entusiasmo por Libertad.
    La obra concluye con la unión simbólica de Iglesia y Estado, mientras Libertad queda desplazada y Satanás celebra su victoria, anticipando que la mezcla de intereses mundanos y religiosos generará conflictos que seguirán alimentando su poder.

  • "Manuel Rodriguez" - Carlos Walker Martinez (1865.)

    “Manuel Rodriguez” – Carlos Walker Martinez (1865.)

    $3.490

    Manuel Rodríguez es una apasionante obra de teatro histórico que nos transporta al convulso Santiago de 1817, donde el miedo, la esperanza y el fervor revolucionario laten al compás de la lucha por la independencia. En el centro de la trama se encuentra Manuel Rodríguez, el carismático guerrillero que, oculto entre disfraces y estrategias audaces, desafía al poder colonial representado por el temible Vicente San Bruno. La tensión estalla cuando San Bruno, además de perseguir patriotas, intenta forzar el amor de Elvira, una joven que encarna la dignidad femenina y la resistencia. Su padre Ignacio, símbolo del viejo mundo que aún conserva honor y coraje, y Enrique, su joven prometido, acompañan a Rodríguez en esta gesta donde la libertad es la meta suprema.

    La obra ofrece intensas escenas de acción, duelos verbales, conspiraciones secretas y momentos de profundo dramatismo humano. Los personajes están delineados con fuerza poética y convicción política, ofreciendo al público una mirada íntima a los ideales que forjaron una nación. Una pieza imprescindible para quienes buscan redescubrir, desde el teatro, el alma de la independencia chilena.

  • "La República de Jauja" - Juan Rafael Allende (1889.)

    “La República de Jauja” – Juan Rafael Allende (1889.)

    $3.490

    En el año 2000, la próspera —y ficticia— República de Jauja celebra elecciones que prometen un nuevo amanecer para sus ciudadanos. Camaleón II, carismático y astuto, sube al poder con el apoyo de El Pueblo, La Democracia, El Trabajo y La Industria, jurando acabar con la injusticia y la corrupción. Sin embargo, pronto descubrirán que las palabras dulces pueden esconder los mismos viejos vicios.

    En este país de nombres alegóricos, las máscaras caen rápido: la Aristocracia maniobra para colocar a toda su parentela en cargos rentados; Don Simón Creso, banquero y flamante Ministro de Hacienda, protege sus propios intereses; Bertoldo Cara de Palo, vocero oficial, reparte favores a cambio de lealtad; y La Prensa “tragaldabas” convierte mentiras en titulares.

    Entre escenas cómicas y diálogos punzantes, El Pueblo sigue esperando las promesas cumplidas: trabajo digno, industria nacional protegida y justicia equitativa. Pero el nuevo gobierno parece más interesado en fiestas, cargos para amigos y nuevos impuestos que en cambiar la vida de quienes lo eligieron. Las metáforas políticas se entrelazan con el humor satírico y las exageraciones teatrales, dibujando un retrato universal de los abusos de poder y la resignación ciudadana.

    La República de Jauja es una sátira brillante de Juan Rafael Allende que, pese a ambientarse en un “futuro” ficticio, se siente inquietantemente actual. Con personajes que representan fuerzas sociales, virtudes y defectos colectivos, la obra desnuda las alianzas entre política, riqueza y religión, recordándonos que la verdadera Jauja —la tierra de la abundancia— sigue siendo, para la mayoría, un espejismo.

  • "Las Mujeres De La India" - Juan Rafael Allende (1888.)

    “Las Mujeres De La India” – Juan Rafael Allende (1888.)

    $3.490

    En el Santiago elegante y bullicioso de 1888, tres viudas muy distintas enfrentan el dilema de amar, sobrevivir y defender su dignidad en un mundo donde los hombres no siempre buscan el corazón… sino la fortuna. Magdalena, aún joven y hermosa, se casó por segunda vez con Gastón, quien prometía respeto y prosperidad, pero resultó un jugador empedernido y maestro de las artimañas. Liberata, de carácter fuerte, mantiene a su joven marido Palmiro bajo férreo control… aunque él no sea tan inocente como aparenta. Y Dolores, elegante y prudente, rechaza toda insinuación de volver a casarse, consciente de los riesgos que acechan.

    En ese torbellino aparecen Roberto, hijo de Magdalena, que regresa de un largo viaje a la India marcado por experiencias intensas y un secreto en su salud; Josefina, hija de Dolores, que oculta un amor profundo por Roberto; y Miguel, el amigo fiel que ha cuidado al joven como a un hijo. Entre salones lujosos, jardines perfumados y mesas de juego clandestinas, Gastón y sus compinches urden planes para desplumar a un anciano rico, mientras intentan exprimir los recursos de sus esposas.

    La tensión crece con la inminente llegada de Roberto, que ignora la verdadera naturaleza de su padrastro. Intrigas, celos, manipulaciones y confesiones inesperadas sacuden las relaciones, mientras el amor juvenil de Roberto y Josefina lucha por abrirse camino entre los intereses creados. Con diálogos afilados y situaciones llenas de ironía, la obra mezcla crítica social, humor y drama íntimo, pintando un retrato descarnado y entretenido de la alta sociedad santiaguina de su tiempo.

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