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Ópera, teatro, danza, circo, música, performances, espectáculos en vivo… Las artes escénicas pueden adquirir diversas y muy variadas formas y detrás de cada una de ellas se encuentran los técnicos y diseñadores de las artes escénicas, un grupo humano clave en el desarrollo cultural del país y cuya experiencia, muchas veces aprendida en la práctica y a través de maestros, pasa desapercibida para el espectador. Diseñadores, iluminadores, escenógrafos, vestuaristas, tramoyas, sonidistas, artesanos y tantos otros dan vida a un espectáculo en que cada elemento que aparece en escena es producto de su experiencia, creatividad y saberes que, dentro de un proceso y un lenguaje común, permiten crear una experiencia única e irrepetible. Valorizar, ejemplificar y dar cuenta de su labor, es el principal objetivo de la colección Herramientas para los Técnicos en Artes Escénicas, realizada por el Consejo de la Cultura y las Artes de la Región Metropolitana en conjunto con la Agrupación de Diseñadores, Técnicos y Realizadores Escénicos (ADTRES). Así, para fortalecer las capacidades y competencias de los técnicos de las artes escénicas y establecer un lenguaje común que permita elevar los estándares de un sector altamente dinámico, se abordan como temas de esta colección: el diseño de las áreas creativas; las regulaciones vigentes para la protección social y seguridad de los trabajadores y la habilidades necesarias para despeñarse en este oficio. -
Este no es un libro cómodo.
El teatro y su doble es una herida abierta.Antonin Artaud escribe desde el borde, contra un teatro domesticado, intelectual, obediente al texto y al buen gusto. Para él, el teatro occidental está enfermo porque ha olvidado su origen ritual, su potencia física, su capacidad de actuar sobre el cuerpo antes que sobre la razón.
Aquí, el teatro es comparado con la peste: una fuerza invisible que desarma el orden social, hace caer las máscaras y obliga a los seres humanos a enfrentarse con lo que esconden. Artaud no busca representar la realidad, sino provocarla. Quiere un teatro que ataque los nervios, que queme el lenguaje, que sacuda al espectador como un cataclismo.
El texto proclama el nacimiento del Teatro de la Crueldad, una crueldad entendida como necesidad vital, como rigor sin concesiones. Un teatro hecho de gritos, silencios, música, cuerpos en trance, luces violentas y gestos precisos. Un teatro donde el actor no interpreta: encarna.
Inspirado por rituales orientales, por la alquimia, por la peste, Artaud propone un arte que deje de ser espectáculo y vuelva a ser experiencia. Nada de psicología, nada de literatura muerta. El escenario se transforma en un campo de fuerzas donde se libera lo reprimido y se expone lo imposible.
Leer El teatro y su doble es entrar en una visión extrema del arte escénico. No ofrece respuestas tranquilizadoras. Ofrece una pregunta feroz:
¿y si el teatro aún pudiera cambiar la vida? -
¿Qué ocurre cuando un actor sube al escenario y, aun esforzándose, siente que todo es falso?
Un actor se prepara responde a esa pregunta con una lucidez brutal.A través del viaje íntimo de un estudiante enfrentado a sus propias limitaciones, Stanislavski abre el laboratorio secreto del teatro: ensayos fallidos, nervios, miedo al público, euforia momentánea, caídas estrepitosas. Nada se idealiza. Aquí el arte nace del error.
El libro nos sumerge en el proceso invisible del actor: cómo una emoción auténtica puede surgir… y desaparecer si se la fuerza; cómo el cuerpo traiciona cuando no está entrenado; cómo el deseo de agradar al público destruye la verdad escénica. Cada lección revela que actuar no es “mostrar”, sino vivir bajo circunstancias imaginarias con absoluta sinceridad.
Stanislavski desnuda los vicios del teatro: el cliché heredado, la exageración vacía, la emoción fingida, el actor que se mira a sí mismo en lugar de mirar al otro. Frente a ello, propone un camino exigente pero fértil: trabajo consciente para liberar lo inconsciente.
Este no es un manual rápido ni complaciente. Es una iniciación.
Un llamado a la humildad, a la observación profunda de la vida, al dominio del cuerpo y la voz, al respeto por el personaje y por el espectador.Leer Un actor se prepara es aceptar que el arte verdadero incomoda, exige y transforma.
Y que el escenario no tolera la mentira. -
El Momo no se representa: irrumpe.
Este texto feroz de Antonin Artaud es un grito lanzado desde el fondo del cuerpo, una obra donde el lenguaje deja de ser herramienta y se convierte en herida. Aquí no hay historia que seguir ni personajes que observar a distancia: hay una presencia que arde frente al espectador, una voz que acusa al mundo de haberle robado el alma a través de la razón, la medicina y la moral.
Artaud escribe después del encierro, después del electroshock, después de la humillación. Y escribe con todo lo que queda: saliva, hueso, espasmo, blasfemia. El cuerpo aparece como territorio saqueado, atravesado por instituciones que dicen curar pero que en realidad vacían, mutilan, anulan.
Dios, la psiquiatría, el Estado, la palabra misma son nombrados y escupidos. El texto avanza como una ceremonia oscura donde cada frase es una descarga eléctrica y cada imagen un golpe directo al sistema nervioso del espectador.
No hay consuelo. No hay metáfora tranquilizadora.
Hay carne. Hay furia. Hay lucidez en estado salvaje.El Momo es teatro llevado a su grado cero: un actor solo frente al público, sosteniendo una lengua rota que se niega a obedecer. Una experiencia escénica que no busca gustar, sino despertar, incomodar y dejar marcas.
Una obra para cuerpos valientes.
Un texto que no se lee: se sobrevive. -
En una vieja sala de cine que se cae a pedazos, un grupo de espectadores se aferra a la oscuridad como quien se aferra a la última trinchera. Cinema Utopía es una obra sobre quienes ya no encajan en el mundo, pero tampoco se resignan a abandonarlo.
Mientras en la pantalla se proyecta la vida de un joven exiliado que sobrevive en los márgenes de Europa, en la platea se revela otra película igual de intensa: la de seres solitarios, rotos, tiernos y peligrosamente humanos. El cine se transforma en un territorio donde los sueños aún respiran, donde la memoria insiste, donde la ficción es más verdadera que la realidad.
Ramón Griffero construye un teatro profundamente cinematográfico, poético y político, donde los personajes cruzan la frontera entre espectador y protagonista, entre recuerdo y presente, entre vida y representación. Cinema Utopía habla del amor perdido, de la violencia que marca una época, de la fragilidad de los cuerpos y de la obstinada necesidad de creer que algo —aunque sea una imagen proyectada— todavía puede salvarnos.
Una obra clave del teatro chileno contemporáneo, lúcida y conmovedora, que invita al público a mirarse en la pantalla… y reconocer lo que aún duele, lo que aún arde, lo que todavía no muere.
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Un edificio. Un río. Y vidas que se deslizan lentamente hacia el abismo.
“Río Abajo” no es solo una obra: es una herida abierta. Un retrato crudo, poético y brutal de una generación atrapada entre la memoria, la pobreza y el deseo de escapar.
Aquí no hay héroes. Hay sobrevivientes.
Waldo observa el mundo desde la orilla del río, como si entendiera algo que los demás no. Lorena sueña con amor mientras carga un pasado que la persigue en silencio. Marcia arde en la necesidad de ser vista, de ser elegida, de no desaparecer. Cristián busca ternura en un entorno que castiga la diferencia.
Y mientras tanto, el edificio late: cuerpos que se cruzan, noches que se confunden, música que anestesia… hasta que la violencia se vuelve inevitable.
El narcotráfico seduce, la marginalidad aprieta, los vínculos se rompen. Cada personaje toma decisiones que parecen pequeñas… pero que los empujan, sin darse cuenta, hacia un destino común.
“Río Abajo” es una experiencia sensorial y emocional: un montaje coral donde lo íntimo y lo político se funden. Una obra donde el pasado no está muerto, y el futuro… ya está ocurriendo.
Porque algunos ríos no llevan agua.
Llevan vidas.
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En el corazón político y emocional del Chile de 1836, un drama de pasiones encendidas y deberes implacables se despliega. "El Tribunal del Honor", obra maestra del romanticismo decimonónico chileno, entrelaza amor, celos, traición y justicia en un hogar marcado por el deber patriótico y las pasiones soterradas.
María, esposa ejemplar y alma sensible, guarda un pasado que resurge con la llegada de un comandante militar que alguna vez fue el amor de su juventud. Mientras tanto, Dolores, su joven y rebelde sobrina, lucha por un amor prohibido en una sociedad donde la reputación lo es todo.
En este contexto, los muros del hogar se convierten en trincheras emocionales: los personajes se ven obligados a elegir entre lo que desean y lo que se espera de ellos. Don Juan, militar y esposo, representa el honor institucional, mientras que María encarna la lucha íntima entre el deber y los sentimientos. El pasado no ha muerto, y su sombra amenaza con trastocar todas las certezas.
Una obra intensa y emotiva, donde los silencios pesan tanto como las palabras, y donde el juicio final no ocurre en tribunales civiles, sino en los recovecos del alma. Una joya olvidada del teatro chileno del siglo XIX, ideal para montajes clásicos con alta carga actoral y emocional.
Es considerada uno de los primeros dramas costumbristas del teatro chileno. Uno de los grandes montajes del siglo XIX.
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Una conversación donde solo una habla, pero dos se enfrentan en silencio.
En la noche de Navidad, dos actrices se encuentran por casualidad en un café. Una está casada, con hijos, y llega con una cesta llena de regalos; la otra, soltera, sola, silenciosa. Lo que parece ser un saludo amable se convierte en una confesión, un ataque, una necesidad urgente de reafirmar el lugar que se ocupa en el mundo, en el amor y en la vida.
A lo largo de esta obra corta pero intensísima, una sola voz llena el espacio, mientras la otra escucha sin emitir palabra, dejando que la marea de emociones, celos, recuerdos y sospechas se despliegue como un espejo oscuro.
¿Qué es más fuerte: gritar o resistir en silencio? ¿Quién domina cuando una domina la escena y la otra apenas parpadea?
August Strindberg, con maestría psicológica y minimalismo escénico, nos entrega una pieza para dos actrices donde lo que no se dice es tan potente como lo que se dice. Ideal para propuestas íntimas, montajes intensos y trabajos actorales de alto nivel, “La Más Fuerte” es una obra de confrontación silenciosa, dolor profundo y poder invisible. Una joya del teatro moderno que pone a prueba la tensión, la mirada y el juicio del público. -
Una mujer que recuerda haber sido muchas. Una filósofa veneciana exiliada, madre, amante, guerrillera, amiga de iguanas y disidente de todos los sistemas. La iguana de Alessandra, de Ramón Griffero, es una travesía sensorial y poética por distintos territorios geográficos, históricos y emocionales.
Desde el esplendor melancólico de una Venecia asediada por la guerra, hasta los valles chilenos y los confines revolucionarios de China y Siria, esta obra nos sumerge en un viaje onírico donde el tiempo se pliega y se expande. A través de Alessandra, viajamos con los astros y las lagartijas, con los refugiados y las niñas filósofas, con amantes imposibles y guerrilleros rotos.
Griffero nos entrega una pieza de teatro político y poético donde conviven las grandes preguntas del siglo XX con el humor, el dolor, la identidad, el deseo, la familia, el género y la revolución. Cada escena es una postal de resistencia frente al olvido. Una obra coral, exuberante y radical, donde lo real se funde con lo mítico y lo íntimo con lo universal.
Ideal para montajes experimentales, con gran despliegue visual, música, danza, multiescena y voces múltiples. Un canto a la vida en medio del naufragio. Una iguana que sobrevive al fuego, a la nieve y al exilio, para recordarnos que en toda herida también germina una flor.
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Una voz atraviesa los siglos. No grita… advierte.
Desde los templos del antiguo Egipto hasta los cerros de Chile contemporáneo, Las Copas de la Ira despliega un viaje brutal por la historia humana, donde cada época revela la misma herida: la incapacidad de escuchar.
Un faraón que teme a su propio linaje.
Un niño que presencia mensajes divinos que anuncian el fin.
Un marginal que transforma la violencia en destino.
Un oficial que convierte el horror en rutina.Y por sobre todos, un profeta que ha vivido mil vidas… y que sigue hablando, aunque nadie quiera oír.
Esta obra no ofrece consuelo. No promete redención fácil. Es un espejo oscuro donde la humanidad se reconoce —o decide no hacerlo.
Con una estructura fragmentada, poética y profundamente política, Ramón Griffero construye una pieza que no narra una historia lineal, sino una acumulación de advertencias. Cada escena es un golpe. Cada personaje, una señal.
Aquí no hay héroes.
Solo testigos del derrumbe.Y tú, espectador…
¿Escucharás esta vez? -
Hay veranos que queman la piel… y otros que queman por dentro.
En un pequeño departamento frente al mar, una mujer observa. No habla mucho, no se expone, no seduce. Mira. Espera. Imagina.
Abajo, en la playa, el mundo sucede: cuerpos jóvenes, risas, deseo inmediato. Su amiga vive ese mundo sin pudor, devorando noches, hombres y experiencias como si el tiempo no existiera. Pero ella no. Ella habita otro territorio: el del anhelo.
Cada día, desde su silla, contempla al salvavidas. Fuerte, distante, casi mítico. Él no sabe que existe… pero ella ya ha construido una historia entera entre ambos. Una historia donde él la ve, la elige, la salva.
Porque a veces amar no es tocar. Es imaginar hasta que duele.
Entre silencios, fantasías y pequeñas osadías, esta mujer se enfrenta a su mayor enemigo: la certeza de no ser mirada. Y entonces decide hacer algo que lo cambia todo… o al menos, eso cree.
“La Gorda” es un retrato crudo y delicado sobre el deseo no correspondido, la invisibilidad social y la necesidad brutal de ser amado. Una obra donde lo más importante no ocurre afuera… sino dentro.
Y ahí es donde realmente arde.
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En un modesto taller de sastrería de Santiago, entre tijeras gastadas, telas descoloridas y sueños que no cotizan en el mercado, vive Casimiro Vico, un hombre bueno, excesivamente bueno. Sastre de oficio, artista de vocación, Casimiro cree —con fe casi infantil— que el teatro ennoblece, salva y redime.
Cuando una compañía teatral aparece prometiéndole gloria, aplausos y un nuevo destino, Casimiro acepta sin medir consecuencias. Junto a su esposa Carmen —práctica, sensible y dueña de una voz que sorprende a todos— abandona la seguridad del trabajo para lanzarse a una gira incierta. Él quiere ser actor. Ella, sin buscarlo, empieza a serlo de verdad.
Pero el teatro no es solo telón y ovaciones. Es ensayo interminable, egos heridos, contratos difusos, hambre, trenes que no esperan y estaciones donde nadie escucha. A medida que el viaje avanza, la ilusión se agrieta. Casimiro no es el gran actor que imaginó, pero sigue siendo el hombre generoso que sostiene a todos. Carmen, en cambio, crece, se afirma, y ve con claridad lo que su marido se niega a aceptar.
Casimiro Vico, Primer Actor es una obra profundamente humana, divertida y dolorosa, que retrata el mundo teatral desde adentro: sus miserias, su ternura y su brutal honestidad. Una tragicomedia donde el sueño artístico se enfrenta a la realidad social, y donde el verdadero heroísmo no está en el aplauso, sino en la dignidad de quien se atreve a creer.
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"El Ginecólogo de la Legua" es una obra demoledora y visceral que nos sumerge en la mente de un personaje tan perturbador como inquietantemente reconocible. A través de una confesión aparentemente trivial, un profesional de la salud abre las puertas a su mundo interior, donde el lenguaje amable oculta un oscuro desprecio por sus pacientes más vulnerables.
Con una dramaturgia feroz y provocadora, Ramón Griffero nos enfrenta a un discurso cargado de hipocresía, clasismo y violencia encubierta bajo el manto de la ética médica. La obra desnuda, sin filtros, las contradicciones de un sistema que dice proteger mientras ejerce un control brutal sobre los cuerpos.
A través de este monólogo, el espectador se convierte en confidente involuntario de una práctica médica contaminada por prejuicios y resentimientos. La tensión crece palabra a palabra, hasta alcanzar un punto en que ya no hay vuelta atrás: el personaje se ha desnudado, y su verdad es tan perturbadora como imposible de ignorar.
"El Ginecólogo de la Legua" no busca complacer. Busca sacudir. Es un testimonio incómodo, pero necesario, que expone con crudeza la violencia estructural disfrazada de compasión. Una obra breve, pero que deja una huella imborrable.
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Rucacahuiñ es una zarzuela chilena escrita en 1912 que nos transporta a los paisajes indómitos de la Araucanía, donde conviven tensiones coloniales, identidades cruzadas y una dignidad indígena que resiste. Entre montañas y rucas, emerge la historia de Juana Castañeda: una mujer chilena criada desde niña por mapuches tras ser rescatada en un asalto militar. Con el tiempo, se convierte en la esposa del cacique Puelpán y madre de sus hijos, simbolizando la unión entre dos mundos.
La obra comienza como un encuentro casual entre comerciantes y viajeros, pero rápidamente revela los engranajes de un conflicto más profundo: la codicia del colono Miguel Rojas, quien no solo comercia con los bienes indígenas, sino que también codicia a Juana. Su plan para conquistarla desata una cadena de tensiones, resistencias y afectos cruzados que alcanzan su punto más alto durante el rucacahuiñ, la gran fiesta mapuche que da nombre a la obra.
Con diálogos vibrantes, pasajes en mapudungun, humor popular y canto, la zarzuela fusiona comedia costumbrista, drama social y lirismo poético. Filuñamco, el sirviente astuto y narrador oral, se roba las risas del público mientras teje con sabiduría los relatos del pasado. Chávez, el mozo simplón y pícaro, sirve de espejo de la transformación cultural. La música de Alberto García Guerrero aporta emoción y ritualidad, acompañando cada escena con canto y ritmo.
Rucacahuiñ no es solo una obra; es un testimonio de identidad, resistencia y humanidad. Una celebración dramática de la memoria viva del pueblo mapuche.
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El General Daza es una farsa política chispeante escrita en pleno 1879 por Juan Rafael Allende, donde la sátira y la picardía se convierten en armas de denuncia y orgullo nacional. Ambientada en un teatro de La Paz durante una noche de máscaras, la obra desenmascara —literal y simbólicamente— la decadencia moral, el autoritarismo grotesco y la ineptitud de las élites militares bolivianas frente a la ocupación chilena de Antofagasta.
Con personajes caricaturescos, versos ágiles y situaciones absurdas, esta obra retrata cómo un grupo de ciudadanos chilenos, con ingenio y valentía, desafía el poder desde el corazón del absurdo. Entre ellos destaca una mujer audaz, Filomena, y un "roto chileno" que —con humor e irreverencia— se convierte en símbolo de dignidad, coraje y resistencia popular.
La pieza combina crítica política, humor mordaz y aguda observación social, reflejando el sentir popular del pueblo chileno en tiempos de tensión geopolítica. Es una joya de la dramaturgia patriótica satírica, perfecta para montajes contemporáneos que deseen rescatar memoria histórica desde la comedia.
Ideal para públicos que disfrutan del humor político, el teatro popular y la crítica social con tintes de carnaval y rebelión.
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Un cuerpo habla. Pero no es uno.
Son muchos. Son todos.TUS DESEOS EN FRAGMENTOS no cuenta una historia: la desarma.
Un hombre —o lo que queda de él— recorre su mente como si fuera un museo en ruinas. Salas abiertas, recuerdos sin orden, amantes que se confunden, cuerpos que se buscan y se pierden antes de tocarse realmente.
Aquí el amor no es promesa: es intento.
El deseo no es plenitud: es urgencia.
La identidad no es fija: es un reflejo que cambia según quién mira.Entre encuentros sexuales fugaces, fantasías no cumplidas, violencia íntima y memorias que sangran, emergen preguntas incómodas:
¿A quién amamos realmente?
¿A quién imaginamos?
¿Quiénes somos cuando nadie nos ve?Las escenas se cruzan como sueños: un chat erótico, una despedida que nunca ocurre, un viaje que no fue, un cuerpo que cae, una historia que se repite. Todo sucede al mismo tiempo. Todo se rompe.
Y en el fondo… una certeza silenciosa:
la vida no se vive completa… se vive en fragmentos.Una obra cruda, poética y brutalmente contemporánea que convierte el escenario en un espejo incómodo donde el espectador no observa… se reconoce.
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Un joven camina por la ciudad como si fuera un templo en ruinas.
No busca placer. No busca amor. No busca poder.
Busca pureza. Busca martirio. Busca santidad.Andrés no vive la fe: la sangra.
Se marca el cuerpo. Castiga su deseo. Renuncia al goce. Persigue la perfección como si fuera una herida abierta. En un mundo atravesado por la miseria, la violencia, la represión, la marginalidad y la hipocresía moral, su espiritualidad se transforma en un delirio místico que lo empuja cada vez más lejos de la humanidad.A su alrededor, orbitan figuras tan humanas como rotas:
una abuela fanática, que convierte la religión en control y miedo;
Esteban, el amigo que ama la vida pero teme al vacío;
María, la ternura atrapada entre fe y deseo;
sacerdotes, delincuentes, travestis, clientas, militares, pobres, víctimas y verdugos que construyen un paisaje urbano donde lo sagrado y lo monstruoso conviven sin fronteras.La ciudad se vuelve altar.
La calle se vuelve confesionario.
El cuerpo se vuelve templo.
La fe se vuelve enfermedad.Éxtasis o La Senda de la Santidad es una obra brutalmente poética que cruza misticismo cristiano, erotismo, violencia social, delirio religioso, represión sexual y crítica política. Un viaje al interior de una mente que confunde salvación con destrucción y pureza con aniquilación.
Aquí la santidad no es luz.
Es fiebre.
Es obsesión.
Es abismo.Una dramaturgia intensa, visceral y simbólica, donde la espiritualidad se convierte en carne, la carne en sacrificio, y el sacrificio en una pregunta sin respuesta:
¿qué ocurre cuando alguien intenta ser santo en un mundo enfermo? -
En el caos luminoso del teatro, donde la ficción y la realidad se entrelazan sin aviso, un ensayo se convierte en un espectáculo en sí mismo.
"El Ensayo de la Comedia" nos traslada al corazón palpitante de una compañía dramática que intenta preparar una obra a días de su estreno. Bajo la dirección del sufrido Ambrosio, actores extravagantes, egos teatrales y amores contrariados se entrecruzan entre bastidores, donde nada parece salir como estaba planeado.
La poderosa Rita, actriz veterana con aires de diva, impone sus caprichos, mientras su hija Serafina busca su libertad emocional en los brazos del apasionado Rafael. Entre celos, amenazas de abandono, improvisaciones absurdas, y discursos sobre el arte y las musas, la comedia se dispara hacia niveles insospechados. Las interrupciones del ensayo se vuelven el alma de la historia: amores frustrados, locuras simuladas y falsas apariciones que desafían cualquier lógica.
Con humor agudo, crítica social disfrazada de risa y una estructura que desarma la propia idea de “ensayo”, esta pieza es una joya del teatro chileno decimonónico. Una comedia sobre hacer comedia, donde todos actúan… incluso cuando creen no estar actuando.
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En un edificio de muros verdes y puertas metálicas, donde los cuerpos llegan sin nombre y se van con certificados impecables, la muerte trabaja en horario de oficina.
Ese lugar es 99 La Morgue.Aquí, la autopsia no es ciencia: es discurso.
La ficha no es verdad: es silencio firmado.Germán, un joven interno que pinta para no volverse piedra, empuja camillas mientras observa cómo la muerte es administrada con eficiencia y cinismo. A su lado, Fernanda limpia, canta y cree; el Director brinda con champagne y dicta lecciones morales mientras decide qué cadáver merece existir y cuál será borrado.
Pero la morgue no está sola.
La habitan fantasmas: mujeres coloniales encerradas por deseo, próceres paralíticos, madres que buscan a sus hijas, dioses antiguos, vírgenes tutelares y cadáveres que no aceptan la versión oficial de su muerte.El tiempo se quiebra. Las escenas se repiten como una pesadilla burocrática. Las voces del pasado irrumpen en el presente. El poder se disfraza de médico, de emperador romano, de patriota. La violencia se justifica con palabras técnicas, latín, protocolos y aplausos.
En medio de este engranaje, Germán intenta algo imposible: mirar.
Mirar los cuerpos.
Mirar la historia.
Mirar lo que todos prefieren negar.99 La Morgue no cuenta un crimen: lo disecciona.
No acusa con consignas: invoca con imágenes, cantos y visiones.
Es una obra donde el teatro se convierte en autopsia del país y el escenario en una fosa común iluminada.Aquí, la pregunta no es quién murió.
La pregunta es: quién firmó el informe. -
Ebenezer Scrooge es un hombre que ha renunciado al amor, a la amistad y a la compasión, todo en nombre del dinero. Frío como el invierno londinense y más duro que sus propias cuentas, vive ajeno a la alegría de la Navidad y desprecia todo gesto de bondad. Pero todo cambiará en una sola noche.
En "Los fantasmas de Scrooge", un relato lleno de emoción, fantasía y redención, el pasado regresa para herir, el presente para conmover y el futuro para aterrar. Tres espíritus guiarán a Scrooge por un viaje inolvidable a través de los momentos clave de su vida: su infancia abandonada, su juventud ambiciosa y su vejez solitaria.
La obra nos sumerge en un mundo encantado donde las calles nevadas de Londres esconden corazones cálidos, y donde incluso el alma más endurecida puede descubrir el poder de la compasión. Con escenas conmovedoras, personajes entrañables como el pequeño Tiny Tim y una ambientación mágica, esta historia atemporal nos recuerda que nunca es tarde para cambiar y que el verdadero espíritu navideño vive en nuestras acciones.
Una obra para toda la familia, llena de esperanza, emociones y segundas oportunidades.
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Heliogábalo no gobierna: irrumpe.
No asciende al poder por derecho, sino por exceso. Antonin Artaud no escribe una biografía histórica, escribe un exorcismo político y metafísico, donde el Imperio Romano es apenas una carcasa agotada y el cuerpo del emperador se vuelve campo de batalla entre fuerzas más antiguas que la ley.Desde Siria, tierra de dioses solares, piedras vivas y ritos anteriores a la razón, emerge Heliogábalo: niño, sacerdote, emperador y herejía encarnada. Su figura no obedece a los principios de Occidente. No distingue entre masculino y femenino, religión y carne, poder y ceremonia. Todo se mezcla, todo arde. El Sol no es metáfora: es principio activo, violento, hambriento.
Artaud reconstruye su mundo como un teatro total donde el rito es política y el cuerpo es doctrina. Las mujeres —Julia Domna, Julia Mesa— no son figuras secundarias: son estrategas del caos, portadoras de una inteligencia antigua que Roma no comprende. Frente a ellas, el Imperio aparece viejo, jurídico, seco, incapaz de contener lo que desborda.
El texto avanza como una marea ritual: piedras que hablan, templos que respiran, sacrificios que no buscan redención sino transformación. No hay moral, hay fuerzas. No hay psicología, hay choque de principios: Sol contra Luna, orden contra anarquía, razón contra trance.
Heliogábalo o el anarquista coronado no pide ser entendido: exige ser atravesado. Es un manifiesto contra la domesticación del cuerpo, contra el teatro representativo, contra el poder que se disfraza de normalidad. Aquí el emperador no cae por debilidad, sino por haber llevado el poder hasta su verdad insoportable.
Artaud escribe desde el límite, y nos deja ahí: frente a un poder que no administra, sino quema.
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Manuel Rodríguez es una apasionante obra de teatro histórico que nos transporta al convulso Santiago de 1817, donde el miedo, la esperanza y el fervor revolucionario laten al compás de la lucha por la independencia. En el centro de la trama se encuentra Manuel Rodríguez, el carismático guerrillero que, oculto entre disfraces y estrategias audaces, desafía al poder colonial representado por el temible Vicente San Bruno. La tensión estalla cuando San Bruno, además de perseguir patriotas, intenta forzar el amor de Elvira, una joven que encarna la dignidad femenina y la resistencia. Su padre Ignacio, símbolo del viejo mundo que aún conserva honor y coraje, y Enrique, su joven prometido, acompañan a Rodríguez en esta gesta donde la libertad es la meta suprema.
La obra ofrece intensas escenas de acción, duelos verbales, conspiraciones secretas y momentos de profundo dramatismo humano. Los personajes están delineados con fuerza poética y convicción política, ofreciendo al público una mirada íntima a los ideales que forjaron una nación. Una pieza imprescindible para quienes buscan redescubrir, desde el teatro, el alma de la independencia chilena.
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Un cuerpo desnudo.
Un traje dibujado sobre la piel.
Una voz que ordena: “entra en escena y olvida que estás vivo.”Fin del eclipse no es una historia… es un viaje al interior de todas las historias que nos han construido.
En un escenario que muta como un sueño febril, personajes atraviesan guerras, conquistas, amores imposibles, revoluciones y tragedias íntimas. Un hombre es muchos hombres: conquistador, amante, soldado, actor. Una mujer es todas las mujeres: musa, autora, verdugo, memoria.
Las escenas se rompen, se repiten, se contradicen.
Un actor ensaya mientras otro muere.
Un amante susurra mientras un imperio cae.
Un disparo en el cielo hiere a Dios… o quizás a la conciencia.Aquí no hay tiempo lineal, ni verdad única.
Hay cuerpos que desean, que matan, que recuerdan.
Hay palabras que crean realidades… y las destruyen.Entre el humor ácido, la crudeza política y la poesía descarnada, la obra desnuda una pregunta brutal:
👉 ¿Somos dueños de nuestra historia… o simples actores repitiendo un guion que no comprendemos?
“Fin del eclipse” es una experiencia escénica intensa, fragmentada y profundamente contemporánea, donde cada espectador deberá reconstruir su propio sentido… o aceptar perderse en la oscuridad.
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"Quimera" es una joya breve y enigmática del gran Federico García Lorca, escrita en 1928, donde los límites entre lo real, lo simbólico y lo poético se difuminan en una atmósfera de despedida, deseo y contradicción.
En apenas unas páginas, Lorca nos sumerge en un universo íntimo donde un hombre, Enrique, parte hacia la sierra dejando atrás a su esposa y a sus hijos. Pero este acto cotidiano se transforma en una experiencia cargada de imágenes oníricas y verdades emocionales que flotan entre lo dicho y lo no dicho.
Un Viejo errante acompaña al protagonista como una especie de conciencia distorsionada, filosófica, absurda, que reflexiona sobre el miedo y la memoria. Mientras tanto, las voces de seis hijos y la aparición de una Niña danzan entre el juego, el capricho y la demanda, desdibujando la frontera entre la inocencia infantil y la ansiedad por complacer.
Pero es la Mujer, desde su ventana, quien detona el núcleo pasional de la obra. Su monólogo nos revela una complejidad emocional desgarradora: amor, deseo, necesidad de control y una vulnerabilidad abrasadora. Ella quiere que su esposo la desprecie y la ame, que huya y la persiga, que la consuma sin perder la ternura.
"Quimera" es un poema dramático que evoca la ausencia como una presencia viva. Ideal para montajes íntimos, cargados de simbolismo y poesía, esta obra breve late con la potencia de los sueños y las contradicciones humanas más profundas.
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Van Gogh no se mató.
Fue matado.Eso afirma Antonin Artaud en este texto incendiario escrito poco después de salir del encierro psiquiátrico. Aquí no hay biografía ordenada ni análisis académico: hay un grito. Un ajuste de cuentas. Una acusación sin anestesia contra la sociedad moderna.
Para Artaud, Van Gogh no estaba loco. Estaba demasiado lúcido. Veía lo que los demás no podían soportar ver. Su pintura no embellecía el mundo: lo desnudaba, lo hacía convulsionar, lo obligaba a mostrar su podredumbre y su belleza a la vez. Cada pincelada era una amenaza contra el orden establecido.
La psiquiatría, la moral burguesa, la familia, la cultura oficial: todos aparecen como fuerzas de contención, como guardianes de una normalidad enferma. El doctor que debía cuidarlo, según Artaud, fue uno de sus verdugos. No lo golpeó, no lo encerró a la fuerza: le apagó el pensamiento, lo obligó a pintar para no pensar, a producir para no revelarse.
Este texto convierte a Van Gogh en algo más que un pintor: lo vuelve un campo de batalla entre cuerpo, espíritu y sociedad. Su muerte no es un acto privado, sino un ritual colectivo, una ejecución limpia, aceptada, casi invisible.
Leer esta obra es entrar en una zona peligrosa: allí donde el arte deja de ser decoración y se vuelve una fuerza que quema.
Una obra incómoda, feroz, necesaria.
Un manifiesto para todos los que alguna vez fueron llamados “locos” por negarse a obedecer. -
En una casa bañada por el sol y las convenciones, una joven debe casarse sin saber por qué. “Cuando venga el amor” es la historia de una inocencia que se despierta tarde, cuando el velo del deber se rompe y asoma la verdad.
Margot, educada para complacer, descubre en la víspera de su boda que su corazón está vacío. Rafael, su prometido, busca en ella un amor que no existe y, al hallarse ante la sinceridad de su renuncia, elige liberarla.
Entre conversaciones frívolas, risas y costumbres burguesas, el texto avanza hacia un duelo íntimo entre la razón y el sentimiento, donde la palabra se convierte en bisturí.
Moock, con lenguaje delicado y moderno, escribe un retrato de la mujer que empieza a pensarse a sí misma, capaz de decir “no” sin odio ni culpa. Una joya del teatro chileno del 1920 que sigue resonando con su pregunta esencial: ¿Qué haremos cuando por fin venga el amor? -
En la quietud inquietante de una noche cualquiera, cuando el mundo parece suspender su respiración, dos desconocidos coinciden en un pequeño café que nunca cierra. Uno llega por azar: perdió un tren por culpa de demasiados paquetes. El otro llega por necesidad: perdió la posibilidad de huir de sí mismo.
Así comienza El hombre de la flor en la boca, una obra esencial del genio pirandelliano donde la vida y la muerte se sientan a conversar, disfrazadas de simple charla nocturna.Un hombre aparentemente pacífico se encuentra súbitamente atrapado en el torbellino verbal de un desconocido que observa el mundo con un ardor casi feroz. Ese hombre —tan lúcido que duele— se aferra a la vida ajena como quien intenta beber del último manantial antes del desierto. Admira detalles insignificantes: paquetes, envoltorios, cintas, gestos cotidianos. Cada nimiedad posee para él una vibración intensa, como si cada momento fuese el borde de un abismo.
La obra nos arrastra al interior de ese pensamiento desesperado, poético y punzante, revelando la conciencia de alguien que sabe que su tiempo es breve.
Fuera de escena, pero siempre presente, una mujer —su mujer— es apenas una sombra que vigila desde lejos, símbolo de un amor que se aferra, que sufre, que no sabe cómo despedirse.En este duelo íntimo, Pirandello desnuda la paradoja humana: solo cuando la muerte nos roza, la vida parece arder con una nitidez insoportable.
El hombre de la flor en la boca es una invitación a observar lo diminuto con la intensidad de quien comprende que cada segundo importa. Es una obra breve pero infinita, capaz de quedarse prendida en la memoria como aquella “flor” que anuncia el final, pero también ilumina todo el camino previo. -
En un balcón que mira al mar —ese territorio donde todo parte y nada vuelve igual— una joven borda letras en su ropa como quien ensaya destinos posibles. No tiene nombre único, no quiere tenerlo. Es la Doncella, y su cuerpo, su lenguaje y su deseo están abiertos como el alfabeto completo.
A su alrededor, el mundo presiona. La tradición, encarnada en una anciana vendedora y una madre vigilante, observa con desconfianza esa libertad que no pide permiso. Desde el puerto emergen dos fuerzas opuestas: el Marinero, hijo del viaje, del cuerpo y de la acción; y el Estudiante, criatura nocturna, fugitivo del tiempo, habitante de la idea y la palabra.
Ambos desean. Ambos prometen. Ambos arrastran su propia fragilidad. Ella escucha, pregunta, duda. El lenguaje se vuelve música, metáfora, carne. El mar canta. La luna gira. Las letras pesan.
Federico García Lorca construye aquí una pieza breve, intensa y simbólica, donde el deseo femenino no es objeto sino motor, y donde la elección no es un simple dilema amoroso, sino una pregunta existencial: ¿vivir es anclarse o lanzarse?
Esta obra es poesía encarnada en escena. Es teatro que respira, que arde, que incomoda. Ideal para montajes íntimos, simbólicos, contemporáneos, donde el cuerpo, la voz y la imagen dialogan sin concesiones.
No hay moraleja. Hay vértigo.
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23% ¡Off!
Autobiografía de Konstantin Stanislavsky, una de las figuras más influyentes en la historia del teatro. En esta obra, Stanislavsky narra su viaje desde su infancia hasta convertirse en un actor y director de renombre. Explora su desarrollo de sistemas y métodos de actuación que han influido en generaciones de actores y directores. Además, ofrece una visión profunda de la vida teatral en Rusia durante su tiempo. -
No es un manifiesto cómodo.
Es una herida abierta que todavía sangra.En Surrealismo y Revolución, Antonin Artaud escribe desde un lugar donde el pensamiento arde. No habla como teórico: habla como cuerpo, como nervio, como alguien que atravesó el surrealismo y salió marcado. Este texto no busca explicar el movimiento, sino exponer su fuego interno, su violencia moral, su rechazo radical a toda forma de autoridad que domestique al hombre.
Artaud nos arrastra por una revuelta que no es política en el sentido habitual, sino existencial y espiritual. El enemigo no es solo el Estado o la burguesía: es el Padre, la Familia, la Razón, el Lenguaje cuando se vuelve jaula. Frente a la revolución organizada, Artaud opone una revolución del inconsciente, del sueño, de la escritura automática, del pensamiento que se rompe para tocar algo más profundo.
El texto avanza como una ceremonia peligrosa. Se habla de suicidio sin glorificarlo, de desesperación sin romanticismo, de pureza como estado extremo del espíritu. El surrealismo aparece aquí como una fuerza que desorganiza lo real para recomponerlo desde otro orden, uno que no responde a la lógica, pero sí a una verdad física y secreta.
En la segunda mitad, Artaud imagina una práctica surrealista viva: una oficina dedicada a investigar el espíritu, a desclasificar la vida, a destruir los ídolos del progreso, la propaganda y la razón utilitaria. No hay recetas, no hay dogmas. Solo un llamado brutal a pensar desde otro lugar, a aceptar la confusión como método, a hablarle a quienes el lenguaje ha expulsado.
Este no es un texto para entender.
Es un texto para atravesar. -
Lokasenna, también conocida como Los sarcasmos de Loki, es una pieza legendaria de la mitología nórdica que lleva el concepto de "drama divino" a un nivel explosivo. En el marco de un festín celestial en el salón del gigante Aegir, los dioses beben y celebran en paz... hasta que aparece Loki, el dios de la astucia, el caos y la confrontación, dispuesto a destruir esa armonía con el arma más peligrosa: su lengua.
Lo que sigue es una cascada de insultos poéticos, verdades incómodas y secretos revelados sin piedad. Uno por uno, los dioses caen bajo el filo de sus palabras. Loki no perdona ni a las diosas ni a los dioses, exponiendo sus debilidades, sus errores, sus amores ocultos y sus traiciones. Lo que aparentaba ser un duelo verbal se convierte en un juicio sin reglas, una comedia negra donde el sarcasmo es rey y el orgullo es humillado.
Lokasenna es también un espejo de los vicios de los poderosos: cobardía, promiscuidad, injusticia, violencia, manipulación. A través del caos que siembra Loki, se revelan aspectos profundos de la cultura vikinga y su compleja relación con la moral, el poder y el destino. Aunque en apariencia humorística, la obra es brutal, afilada y crítica.
Pero este festín de la palabra tiene consecuencias. Loki, aunque sagaz, no puede escapar del destino: será castigado de manera brutal por su atrevimiento, en una escena final tan poderosa como simbólica. Atado con las entrañas de su hijo y expuesto al veneno eterno, su castigo resuena con fuerza: las consecuencias del discurso descontrolado, del orgullo y de la ruptura del orden.
Lokasenna es una obra intensa, provocadora y profundamente teatral, ideal para montajes contemporáneos que busquen reinterpretar los mitos nórdicos desde un enfoque crítico, irónico y visualmente impactante.
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Una posada en Filadelfia se convierte en escenario de encuentros decisivos, donde viajeros y emigrados discuten sobre libertad, justicia y las promesas del Nuevo Mundo. Allí conocemos a Mr. Faber, un hombre marcado por la desconfianza y la soledad, que huyó de Europa tras perder a su esposa Ester bajo la sombra de la calumnia. Mientras contempla el progreso americano y reflexiona sobre la corrupción de la vieja Europa, su destino vuelve a entrelazarse con los fantasmas del pasado.
La obra alterna entre escenas íntimas y discursos encendidos sobre la moral pública, la educación, la literatura y la política americana y sudamericana, dibujando un cuadro vibrante del siglo XIX. En medio de estas conversaciones, aparece Matilde, una niña de ocho años que busca a sus padres tras sobrevivir a persecuciones y naufragios. Su inocencia ilumina la trama, revelando un vínculo inesperado con el propio Faber.
El doctor Powell, figura moral y espiritual, guía el relato con su fe en la misericordia divina y en la justicia de las instituciones humanas. En contraste, personajes como el caballero Lodini aportan ironía y sátira con relatos de viajes y juicios superficiales sobre las culturas europeas y americanas.
El clímax llega cuando la verdad emerge desde la confesión de Judas Sobrignoli, desenmascarando la traición que separó a Ester y Faber. El reencuentro final entre los esposos y su hija no solo devuelve la felicidad familiar, sino que confirma el mensaje profundo de Camilo Henríquez: la virtud y la inocencia siempre hallarán amparo, incluso frente a la adversidad y la calumnia.
Una obra conmovedora y visionaria, que mezcla drama íntimo, reflexión social y esperanza en los ideales republicanos.
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En Viña, Sergio Vodanovic convierte la playa —ese espacio de descanso, exhibición y aparente igualdad— en un escenario implacable donde las clases sociales quedan al descubierto. Bajo el sol, en traje de baño, nadie está realmente desnudo: el poder, el dinero y la costumbre siguen marcando quién manda, quién obedece y quién mira.
Este volumen reúne tres comedias breves e independientes, unidas por una misma mirada crítica y un humor fino, incómodo, profundamente chileno. Con diálogos precisos y situaciones cotidianas llevadas al límite, Vodanovic revela cómo el orden social puede tambalear por un gesto mínimo: un cambio de ropa, una espera forzada, una conversación que ya no puede evitarse.
En El delantal blanco, un juego aparentemente inocente en la playa expone la fragilidad de las jerarquías y demuestra que el poder depende más de la mirada ajena que de la verdad.
En La gente como nosotros, una panne nocturna reúne a dos mundos opuestos y deja al descubierto la miseria íntima que atraviesa tanto a quienes compran como a quienes se venden.
En Las exiliadas, el miedo al otro y la nostalgia del privilegio perdido se transforman en encierro mental, revelando el costo humano de vivir aferrado a un pasado que ya no existe.Viña es una obra ágil, mordaz y vigente. Un tríptico teatral donde la risa nunca es cómoda y donde cada escena invita al espectador a reconocerse —o a incomodarse— en el reflejo de una sociedad que sigue creyendo que el lugar que ocupa le pertenece.
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En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.
El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.
Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?
Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.
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Tres mujeres limpian un teatro vacío. Pero no limpian polvo… limpian lo que queda de sus vidas.
En el escenario donde otros brillan, ellas barren restos de belleza ajena. Sin embargo, algo se filtra: la ficción comienza a poseerlas. Una canta, otra sueña, otra recuerda lo que nunca fue. Por un instante, dejan de ser invisibles.
Pero la noche las espera.
Al salir, la calle no es un tránsito… es una emboscada. Un joven aparece, seduce, promete música, risas, un escape mínimo. La Maritza —fuego sin miedo— acepta. La otra —mirada profunda, casi profética— duda. Pero va. Porque algo le dice que no puede dejarla sola.
El departamento es una trampa vestida de normalidad.
Las palabras se vuelven viscosas. Las miradas, hambre. El deseo muta en violencia.
Entonces ocurre lo inevitable.
Un cuerpo es invadido. El alma, en cambio, se eleva.
Y cuando todo parece perdido, cuando la noche revela su verdadera forma —cruel, grotesca, animal—, una de ellas deja de ser víctima.
Toma un cuchillo. Pero no es un cuchillo.
Es justicia.
Es furia.
Es fe.Y lo que sigue no es venganza… es un acto de salvación.
Las Aseadoras de Ópera no es solo una obra. Es un grito.
Un choque entre lo sagrado y lo sucio.
Entre lo que somos… y lo que el mundo intenta romper. -
En un rincón humilde de un pueblo andaluz vive Irene, una niña que riega una simple maceta de albahaca como si fuera un pequeño universo secreto. Del otro lado de la calle, encerrado entre lujos y protocolos, un joven Príncipe contempla el mundo con una mezcla de aburrimiento y curiosidad infantil. Dos miradas que jamás deberían cruzarse, y sin embargo se rozan un amanecer cualquiera, cuando ambos se asoman a sus ventanas.
El Príncipe, fascinado por la frescura de Irene, le pregunta por las hojas de su planta; ella, entre canción y timidez, le responde con un acertijo tan antiguo como el amor: “¿Cuántas estrellitas tiene el cielo?”. Ese juego inocente desata en él una inquietud desconocida, tierna y torpe. El muchacho, acostumbrado a que todo se le resuelva, descubre que hay preguntas que ninguna corona puede contestar.
Desde entonces, cada mañana el Príncipe busca a Irene: disfrazado de vendedor de uvas, inventando diálogos, atrapado entre su inocencia y su deseo de impresionarla. Ella, divertida, desconcertada, dulce y punzante a la vez, lo confunde a cada paso con su forma de mirar el mundo. Entre canciones, bromas y lágrimas cómicas, ambos se van acercando sin darse cuenta a ese punto exacto donde la infancia empieza a transformarse.
Pero el amor, incluso en los cuentos, tiene espinas: un malentendido, una vergüenza, un silencio a tiempo, y el corazón del Príncipe cae en una melancolía que contagia todo el palacio. Los Sabios se alarman, los Pajes se desesperan y la corte entera busca una cura para un mal que, quizá, solo pueda resolverse con un gesto inesperado.
Un cuento que mezcla humor, poesía y tradición popular, donde lo pequeño ilumina lo grande, y donde el amor se revela como un duende escondido en los rincones más sencillos del alma.
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En la Santiago colonial de 1635, las campanas repican, pero no llaman solo a misa: anuncian intrigas, conspiraciones y pasiones peligrosas. En medio de esta ciudad dividida, una figura domina los rumores y las miradas: Catalina de los Ríos y Lisperguer, conocida como La Quintrala. Dueña de una belleza hipnótica y un carácter indomable, Catalina no conoce límites cuando se trata de defender su poder o saciar su sed de venganza.
El Obispo Salcedo y la Real Audiencia se enfrentan en una lucha política y moral que tiene un nombre común en boca de todos: Catalina. Un sermón público contra su reputación la enciende y la lleva a planear una represalia implacable. Su objetivo será Blanca, la inocente y confiada sobrina del obispo, a quien logra engañar con la promesa de un reencuentro amoroso.
Paralelamente, Fernando, joven apasionado e hijo de Bravo de Navieda, se ve atrapado entre su amor por Catalina y su lealtad hacia su padre, quien aspira a convertirse en corregidor. Entre las sombras se revela una antigua promesa de venganza por un crimen pasado, y una cruz perdida que podría condenar a su portador.
Mientras los oidores, el obispo y los partidarios de Catalina mueven sus piezas como en un tablero de ajedrez, las tensiones aumentan. La casa de La Quintrala se convierte en escenario de conspiraciones, secretos y amenazas, donde cada puerta oculta un peligro y cada palabra puede sellar un destino. La pregunta es inevitable: ¿Quién prevalecerá, la justicia o la voluntad indomable de Catalina?
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Una Cenicienta con alma de poeta y corazón de reina.
María Cenicienta es una joya olvidada del teatro chileno escrita en 1898 por Amelia Solar de Claro, una versión conmovedora y elevada del clásico cuento de hadas. En esta versión en verso y dividida en tres actos, María no solo es una joven humillada por su familia, sino también un espíritu noble que guarda en su interior la luz del perdón, la esperanza y la bondad inquebrantable.
Desde una cocina fría y oscura, donde vive relegada por una madrastra cruel y dos hermanas vanidosas, María eleva sus pensamientos al cielo, buscando consuelo. Cuando la magia irrumpe en su vida mediante su Hada Madrina, María es transformada en una princesa que deslumbra en el baile real. El príncipe, que busca más que belleza —una auténtica conexión del alma—, queda fascinado por aquella joven misteriosa que no revela su nombre.
Pero el encanto es efímero, y la realidad vuelve con fuerza. Aun así, el destino no ha terminado de obrar: el escarpín perdido será la clave para una resolución poética, donde la justicia y el amor triunfan. La coronación de María como reina no es solo un final feliz, sino un acto sublime de perdón hacia quienes le hicieron daño.
Ideal para públicos de todas las edades, esta obra rescata la ternura, la ironía social y el poder transformador de la humildad y la virtud. Una lectura encantadora, visualmente rica y emocionalmente luminosa.
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Tres hombres encerrados. Ninguna condena clara. Ninguna culpa demostrada.
Solo la sospecha.En una celda fría y sucia, mientras una radio suena a ratos desde el pasillo, se cruzan tres mundos que rara vez se miran de frente. Un delincuente profesional que conoce el sistema mejor que nadie. Un trabajador honrado que cree que el esfuerzo lo salva de todo. Y un muchacho que acaba de cometer su primer error.
El encierro los obliga a hablar. A provocarse. A defenderse. A confesarse.
Las risas esconden miedo. El humor es un escudo. La violencia siempre está a punto de estallar.Por sospecha no es solo una obra sobre presos: es una radiografía brutal de una sociedad donde la justicia no es igual para todos, donde la pobreza se castiga antes que el delito y donde el poder se ejerce desde la impunidad. Luis Rivano construye un texto ferozmente humano, cargado de oralidad chilena, ironía popular y una lucidez política que golpea sin pedir permiso.
En ese pequeño calabozo caben la historia reciente del país, el miedo heredado, la tortura silenciada, la corrupción cotidiana y una pregunta que atraviesa toda la obra:
¿quién es realmente culpable?Con una estructura simple y un lenguaje directo, la obra avanza como una pelea verbal, un duelo ideológico y emocional donde nadie sale ileso. El tiempo se estira, la espera asfixia y la sospecha se vuelve una forma de condena.
Una obra intensa, incómoda y necesaria. Teatro social en estado puro.
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Un hombre duda. No del amor en abstracto, sino del amor cuando roza el dinero, el prestigio y la seguridad. Prueba de amor es una bomba teatral de un solo acto donde Roberto Arlt expone, sin anestesia, la hipocresía sentimental de la sociedad burguesa.
En un departamento frío y ordenado, dos seres se enfrentan como en un laboratorio moral. Él, joven y rico, brillante y cruel. Ella, lúcida, contenida, atravesada por una inteligencia que no siempre la protege. La conversación, al principio elegante, se vuelve progresivamente violenta: el amor es diseccionado como si fuera un fraude financiero.
La obra avanza como una partida de ajedrez psicológico, donde cada frase es una trampa y cada silencio, una amenaza. Arlt convierte el espacio íntimo —un baño, una bañera— en escenario de una ceremonia brutal donde se confunden amor, dinero, fe y humillación.
Con una escritura filosa, irónica y ferozmente moderna, Prueba de amor cuestiona la idea misma de prueba, de confianza y de verdad emocional. No hay héroes ni villanos claros: solo seres humanos atrapados en un sistema que convierte el amor en transacción y la fe en espectáculo.
Breve, intensa y devastadora, esta obra sigue incomodando porque apunta directo al centro: allí donde amar y creer ya no son lo mismo.
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Un hombre espera su muerte. Pero no está solo.
En un corredor que parece suspendido fuera del tiempo, rodeado de silenciosas peceras donde los salmones observan como testigos mudos, un condenado reconstruye su vida mientras el final se acerca inevitable.
Él fue muchas cosas: amante, escritor, monstruo, niño abandonado. Ahora es solo un cuerpo que respira sus últimos instantes… y una mente que no deja de crear.
A su lado, un guardián que duda, que se quiebra, que ya no sabe si custodia o acompaña. Y una mujer simple, cotidiana, que limpia el mundo mientras todo se derrumba.
La realidad comienza a fragmentarse. Los roles se confunden. Sócrates aparece. Gabriela Mistral respira. Los recuerdos se mezclan con fantasías, y la verdad deja de ser una línea clara.
¿Qué es un crimen? ¿Qué es la culpa? ¿Dónde termina el cuerpo y comienza la memoria?
Esta no es una historia sobre la muerte. Es sobre el instante antes. Ese momento suspendido donde todo cobra sentido… o lo pierde para siempre.
Una obra cruda, poética y perturbadora que enfrenta al espectador con lo más incómodo: la humanidad incluso en lo monstruoso.
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En una ciudad que lentamente parece vaciarse de habitantes, donde los edificios quedan abandonados, las calles se vuelven silenciosas y el mundo conocido comienza a desmoronarse sin explicación, Manuel, un escritor solitario atrapado en su propia mente, vive consumido por la obsesión, el deseo y los fantasmas de una realidad que parece fracturarse ante sus ojos.
Mientras la ciudad cae en decadencia y quienes permanecen intentan comprender qué está ocurriendo, Manuel se aferra a una rutina inquietante marcada por la presencia de Samuel, un joven vecino que encarna todo aquello que él anhela: juventud, compañía, afecto y una segunda oportunidad para reconstruir la vida que siente haber perdido. Pero entre recuerdos deformados, conversaciones repetidas y situaciones que cambian constantemente de forma, la línea entre la realidad, la fantasía y la ficción comienza a borrarse.
A medida que extraños personajes irrumpen en escena, cuerpos aparecen abandonados en terrenos baldíos y la paranoia se instala sobre los pocos habitantes que aún resisten en la ciudad, el relato se transforma en un inquietante juego metateatral donde cada personaje parece cuestionar su propia existencia, su papel dentro de la historia y el valor de ser recordado.
Novela es un thriller psicológico y una experiencia teatral profundamente perturbadora que explora la obsesión, la identidad, el deseo reprimido, la creación artística y la fragilidad de la mente humana. Una obra donde la realidad se descompone frente al espectador y donde cada escena parece arrastrarnos más profundo dentro de la conciencia rota de un hombre incapaz de distinguir entre el amor, la ficción y la locura.
Oscura, poética y ferozmente contemporánea, Novela invita al espectador a recorrer un universo donde toda historia puede ser manipulada, toda verdad puede ser inventada y toda mente puede convertirse en su propio escenario de horror.
Freddy Araya Pedrero - Director general - Teatro del Puente.
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“El Paseo de Buster Keaton” es una joya surrealista donde la ternura y la crueldad se tocan con la punta de los dedos. Aquí, Federico García Lorca transforma al icónico actor del cine mudo en un viajero perdido entre juncos, bicicletas imposibles y animales que hablan. No hay realismo: hay poesía viva, imágenes que respiran, símbolos que atraviesan el alma.
Buster inicia su paseo con un gesto brutal —matar a sus hijos con un puñal de madera— que no busca dolor, sino declarar que el mundo que viene no pertenece a la lógica humana. Desde ese instante, el espectador entra en una dimensión donde lo absurdo gobierna, pero lo hace con una belleza inquietante.
El protagonista pedalea por un paisaje que se encoge, se estira y cambia como un sueño. Sus ojos infinitos —feos y bellos al mismo tiempo— ven lo que nadie más ve: pájaros que dialogan, bicicletas sin dimensiones, ciudades de papel, serafines pálidos, señoritas que tocan piano mientras montan en bicicleta, y un otoño que cae del cielo como un conjuro.
Dos figuras femeninas surgen en su travesía:
La Americana, mujer de celuloide, que pide objetos mágicos que él no posee.
La Joven, mitad ruiseñor, que se desmaya al oír su nombre, revelando la potencia melancólica del personaje.El final llega como un susurro, con policías apareciendo en el horizonte, dejando sensación de fábula inacabada, como si la vida de Keaton fuera un recorrido sin fin entre inocencia y tragedia.
Es una obra breve, intensa, visual y profundamente poética. Una pieza para quienes aman el teatro como arte de imágenes, sensaciones y símbolos.
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En un país que no es la Tierra —pero se le parece demasiado— el poder se elige entre gritos, apuestas y sonrisas interesadas. En la Luna nos lleva a una república lunar donde la política es un espectáculo y el lenguaje una máscara.
Un feriante nos invita a mirar muñecos que hablan, pero pronto descubrimos que los hilos no son de madera: son humanos. Candidatos intercambiables prometen lo mismo sin saber qué prometen. Ancianos deciden el destino del país entre halagos y cuerpos ofrecidos. El pueblo observa, opina, se contradice… y aplaude.
Cuando el nuevo presidente toma la palabra, algo se quiebra: el discurso ya no significa nada, pero suena convincente. Las palabras se vacían, se deforman, se inflan como globos patrióticos. Nadie entiende, pero todos celebran. La forma ha vencido al contenido.
El gobierno se instala como una opereta: ministros caricaturescos discuten eternamente sin llegar a nada. El azar, las cartas y las finanzas toman el mando. El orden se impone no por justicia, sino por cansancio.
Y cuando alguien se atreve a decir que todo podría ser distinto, el sistema reacciona como siempre: etiqueta, encierra, castiga.
En la Luna no es una obra del pasado. Es un espejo deformante que duele porque funciona. Una comedia que hace reír… hasta que deja de ser graciosa. Huidobro no escribe una sátira: enciende una alarma envuelta en colores, música y risas.
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En pleno Santiago del siglo XIX, las calles hierven en un día de elecciones. En un salón ricamente amueblado, Don Victorio, senador y político pragmático, recibe a Augusto Meneses, joven aspirante a diputado, representante perfecto del “vividor” que sabe navegar las aguas del poder sin mojarse. Augusto no viene solo a hablar de política: quiere pedir la mano de Elvira, la hija de Victorio, convencido de que su encanto, posición y futura fortuna lo convierten en un partido irresistible.
Pero no cuenta con que el corazón de Elvira late por otro: Benito Muñoz, liberal idealista, valiente y contrario al oportunismo que Augusto exhibe con orgullo. Mientras la ciudad se agita con disturbios electorales, los enredos familiares estallan. Doña Rosa, madre protectora, choca con su marido sobre quién merece la mano de su hija. La tensión sube cuando Benito y Ricardo, hijo de Victorio, acaban presos por defender a un ciudadano de la brutalidad policial, y Augusto, temiendo por su carrera, se rehúsa a ayudar.
Con diálogos ágiles, ironía política y un retrato mordaz de las costumbres electorales de la época, “El Vividor” enfrenta dos visiones de la vida: la prudencia calculadora del que vive bien a costa de todo, y la valentía del que defiende sus principios sin medir el costo. Una sátira política que, más de un siglo después, sigue sonando dolorosamente actual. -
"Cada Oveja con su Pareja" es una deliciosa comedia chilena del siglo XIX, escrita por Daniel Barros Grez, que celebra el amor inesperado, los enredos familiares y las pasiones ocultas. Ambientada en una tradicional casa santiaguina, la obra se despliega en un solo acto cargado de ironía, romanticismo y un encantador costumbrismo.
Don Cayetano, un caballero de campo que ha vivido años en soledad, decide buscar esposa para llenar el vacío de su hacienda. En su viaje a Santiago, se reencuentra con Doña Bernarda, una viuda vivaz y su encantadora hija Lucía, con quienes compartió momentos memorables en los baños de Cauquenes. Lo que comienza como una conversación amistosa termina revelando intenciones amorosas, promesas de felicidad hogareña y confesiones que cruzan generaciones.
La obra juega con los equívocos y los deseos silenciosos de sus personajes: madres e hijas, tíos y sobrinos, todos entrelazados en una red de afectos no dichos, pero profundamente sentidos. La tensión se construye con gracia, a través de diálogos chispeantes y escenas que equilibran lo romántico y lo cómico. ¿Quién ama a quién? ¿Es posible que dos generaciones estén enamoradas de la misma familia?
"Cada Oveja con su Pareja" es una obra ingeniosa y luminosa, ideal para públicos que buscan reír, emocionarse y reconocerse en los eternos enredos del corazón.
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30% ¡Off!
En el corazón del Amazonas, entre selvas misteriosas y árboles centenarios, se refugia una familia quiteña que ha escapado de la cruenta represión española tras la revolución. La Camila o la patriota de Sud-América nos sumerge en una historia vibrante y profundamente emotiva, donde el amor, el honor y la lucha por la libertad se entrelazan en medio del exilio y la esperanza.
Camila, una joven mujer fuerte, inteligente y apasionada, es el alma de esta historia. Su corazón guarda el recuerdo de un amor perdido y su espíritu encarna los ideales de una patria aún por conquistar. Junto a sus padres, se encuentra con una sociedad indígena que busca construir una república basada en la razón, la educación y la igualdad. Pero los fantasmas del pasado, las heridas de la traición y el miedo al poder colonial español amenazan con destruirlo todo.
Inspirada en los ideales de la Ilustración y escrita por uno de los padres del pensamiento chileno, Camilo Henríquez, esta obra no es solo un drama, sino una declaración política, una alegoría de América en su lucha por la emancipación. A través de diálogos intensos y escenas conmovedoras, la obra expone con crudeza los dilemas morales y sociales de una época convulsionada, y eleva el papel de la mujer como símbolo de integridad y resistencia.
Ideal para montajes contemporáneos con enfoque histórico, La Camila es una joya del teatro latinoamericano del siglo XIX que sigue resonando con fuerza en nuestro presente.
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En medio de la niebla, entre pastizales infinitos y una tierra cargada de secretos, un hombre regresa al lugar donde todo comenzó. No vuelve por nostalgia. No vuelve por amor. Vuelve porque hay heridas que no cicatrizan… y preguntas que exigen sangre para ser respondidas.
Marcado desde su nacimiento por una deformidad que lo convirtió en leyenda, abandonado por quienes debieron amarlo y condenado a crecer lejos de su origen, este hombre carga una vida entera de rabia, vergüenza y abandono. Durante años solo ha vivido con una certeza: algo le fue arrebatado. Su infancia, su identidad, su historia… su lugar en el mundo.
Ahora, tras décadas de ausencia, retorna al campo donde nació para enfrentar a aquellos que lo dejaron atrás. Pero en ese terreno húmedo, donde la memoria se mezcla con superstición y los muertos parecen negarse a descansar, el pasado no yace enterrado… respira bajo la tierra.
A través de un relato fragmentado, poético y ferozmente visceral, Heme construye una pesadilla teatral donde realidad, mito y locura se entrelazan. Lo que comienza como la historia de un hombre buscando respuestas pronto se transforma en una tragedia sobre el abandono, la herencia del dolor y la desesperada necesidad humana de saber quiénes somos y de dónde venimos.
Oscura, brutal y profundamente simbólica, Heme es una obra que explora cómo el sufrimiento puede deformar el alma hasta volver monstruo al hombre más herido. Una experiencia teatral intensa, incómoda y hermosa, donde cada escena parece surgir desde un sueño febril o un recuerdo enterrado demasiado tiempo.
Porque hay dolores que no desaparecen.
Solo esperan… hasta encontrar el momento de volver. -
El médico a palos es una hilarante comedia de enredos que se burla sin piedad de la ignorancia disfrazada de sabiduría. Todo comienza cuando Bartolo, un leñador tosco y holgazán, es brutalmente engañado por su propia esposa para vengarse de los golpes y malos tratos que ha recibido. ¿Su castigo? Ser forzado a hacerse pasar por un médico... ¡a golpes!
Desde ese momento, Bartolo se convierte, muy a su pesar, en el "doctor milagroso" que debe sanar a una joven noble que ha perdido el habla misteriosamente. Pero nada es lo que parece. La joven, Doña Paula, oculta un secreto: su enfermedad es fingida y su corazón está enredado en una historia de amor prohibido.
Con personajes vivos, diálogos chispeantes y situaciones absurdas que bordean lo surreal, esta obra de Molière critica las apariencias, la falsa autoridad, y los matrimonios impuestos. El público se deleita viendo cómo un rústico se convierte en sabio, los criados manipulan a los amos, y el amor encuentra caminos insospechados para florecer.
Una joya del teatro clásico, perfecta para públicos modernos que disfrutan del humor físico, la sátira social y los desenlaces inesperados. Si alguna vez pensaste que el conocimiento se puede "dar a palos", esta obra lo lleva al extremo... y te hará reír a carcajadas.
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El enfermo imaginario es una comedia ingeniosa y aguda de Molière que mezcla sátira, amor, engaños y muchas lavativas. La historia sigue a Argan, un hombre completamente convencido de estar gravemente enfermo, aunque su único síntoma real parece ser su dependencia de los médicos y medicamentos. Su mundo gira en torno a recetas, enemas y diagnósticos dudosos, mientras que su criada Antonia intenta, con sarcasmo y picardía, devolverle un poco de sentido común.
A este caos se suma Angélica, su hija, enamorada de un joven que su padre rechaza por no ser médico, y Belisa, la segunda esposa de Argan, que lo cuida con devoción… o al menos eso aparenta. El deseo de Argan de tener un yerno doctor da pie a un desfile de personajes ridículos, discursos científicos absurdos y una crítica feroz al sistema médico de la época.
Llena de escenas delirantes, música, bailes, y hasta intermedios cómicos, esta obra no solo ofrece risas, sino también una mirada inteligente sobre el poder, la hipocresía y la confianza ciega en la autoridad. Ideal para públicos que disfrutan del teatro clásico, la sátira social y las historias de amores contrariados con un fondo de crítica brillante.
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En una elegante casa noruega, Nora Helmer parece tenerlo todo: una familia amorosa, una vida cómoda y la promesa de una nueva estabilidad económica. Sin embargo, bajo esa aparente perfección, se oculta un secreto que desafía las normas sociales, las leyes y los límites del amor conyugal.
Casa de muñecas, obra cumbre del realismo moderno, nos introduce en un mundo de apariencias, manipulaciones y sacrificios silenciosos. Nora, tierna y vivaz, ha cometido una falta en nombre del amor, pero ese acto de devoción amenaza con volverse en su contra cuando su pasado llama a la puerta en forma de chantaje. A medida que los días festivos se acercan y la felicidad conyugal se ve amenazada, las grietas en la estructura del matrimonio se hacen cada vez más visibles.
Henrik Ibsen nos entrega una historia intensa, donde las pequeñas acciones adquieren una magnitud devastadora, y donde la verdadera revolución ocurre en el alma de una mujer que se atreve a pensar por sí misma. Esta obra no solo retrata el rol de la mujer en la sociedad del siglo XIX, sino que lo cuestiona radicalmente, dejando en el espectador una inquietud que traspasa el tiempo.
Una joya del teatro universal que conmueve, incomoda y transforma.
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La ópera de los tres centavos es una sátira feroz sobre la corrupción, la hipocresía social y el capitalismo, ambientada en los barrios bajos de Londres. La historia gira en torno a Macheath, alias “Mackie Navaja”, un criminal carismático que se casa en secreto con Polly Peachum, hija del empresario de mendigos Jonathan Peachum. Este matrimonio desata el conflicto central, ya que Peachum, ofendido por la deshonra familiar, decide vengarse denunciando a Macheath a la policía. Sin embargo, Macheath mantiene una amistad secreta con el jefe de policía, el corrupto Brown, lo que complica su arresto.
A lo largo de la obra, se revela la decadencia de todas las instituciones: la religión (a través del reverendo Kimball), la policía, el matrimonio, la caridad y el orden social mismo. Las prostitutas, los mendigos y los criminales aparecen como figuras más reales y humanas que las autoridades. Brecht rompe con las convenciones teatrales tradicionales usando canciones que interrumpen la acción dramática para distanciar emocionalmente al espectador y fomentar una reflexión crítica.
La obra culmina con un giro irónico: justo cuando Macheath va a ser ejecutado, un mensajero real aparece, lo indulta y le concede un título y una pensión, denunciando así el absurdo de la redención burguesa y el oportunismo institucional.
La obra se mueve entre la sátira y la farsa, desenmascarando la doble moral de la sociedad moderna. ¿Quién es más criminal: el ladrón que actúa en la calle o el empresario que explota la miseria humana? ¿Dónde termina el delito y empieza el negocio?
Brecht lanza estas preguntas al escenario con una música irresistible, personajes que quiebran la cuarta pared, y una serie de canciones inolvidables que convierten cada acto en una reflexión punzante. La ópera de los tres centavos no busca hacerte llorar, sino despertar tu pensamiento. Es un espectáculo lleno de humor oscuro, belleza grotesca y una crítica directa a las estructuras sociales que siguen vigentes hasta hoy.
Ideal para compañías con interés en el teatro político, el teatro musical crítico y propuestas escénicas que buscan impactar, conmover… y hacer pensar.
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En la oscura corte de Dinamarca, un joven príncipe se debate entre la razón y la locura cuando el fantasma de su padre asesinado le encomienda una misión imposible: vengar su muerte. Hamlet es mucho más que una historia de venganza; es una profunda exploración de la conciencia humana, la traición, el amor frustrado, y la decadencia de la moral en los pasillos del poder.
Con un lenguaje poético, lleno de imágenes potentes y reflexiones filosóficas, esta obra de Shakespeare nos sitúa frente a los dilemas más íntimos del alma: ¿Qué es la justicia? ¿Dónde termina el deber y comienza la venganza? ¿Podemos confiar en lo que vemos? A través de un protagonista agudo, melancólico y contradictorio, el espectador recorre un paisaje emocional lleno de intrigas, juegos de poder y preguntas sin respuestas.
Hamlet es, sin duda, una de las piezas más universales y conmovedoras del teatro clásico. Su genialidad reside en que, aunque se desarrolla en una corte lejana y aristocrática, toca fibras profundamente humanas. Acompaña a este príncipe en su búsqueda de sentido, en su dolor por una madre que ha vuelto a casarse demasiado pronto, en su rabia por un mundo podrido de mentiras y apariencias. Una historia donde cada palabra importa, donde cada gesto oculta una intención, y donde la muerte no es el final, sino el principio de todo.
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En las sombras del Chile de comienzos del siglo XX, un hombre llamado Emilio Dubois se convierte en el símbolo de un país desgarrado entre la miseria y la moral.
Este drama, inspirado en hechos reales, recorre su descenso desde el crimen hasta la redención imposible. Lo vemos asesinar, ocultarse entre cuecas y borrachos, burlar la policía y enfrentarse al destino con la calma de quien ya lo ha perdido todo.
Pero en la cárcel, Dubois se revela humano: ama, se casa, reza, reniega de los curas y pide solo una cosa antes del fusilamiento: que su mujer y su hijo sean protegidos por el país que lo condena.
“Captura y Fusilamiento de Dubois” es más que una historia policial: es un espejo de la sociedad chilena de su tiempo.
Su último grito —“¡Justicia, pero para todos!”— resuena más allá del cadalso, exigiendo igualdad ante la ley en un país que aún hoy parece no haberla alcanzado.
Una tragedia moderna con corazón obrero y voz de denuncia. -
"Como en Santiago" es una comedia de costumbres tan vigente como mordaz. Ambientada en un tranquilo pueblo chileno del siglo XIX, nos adentra en el mundo de una familia que, empeñada en aparentar lo que no es, cae en los enredos del amor, el arribismo y la ignorancia ilustrada.
Doña Ruperta, matriarca voluntariosa, vive obsesionada con transformar su hogar en una imitación perfecta de la capital. Su hija Dorotea, criada en ese delirio de grandeza, sueña con galanes refinados, vestidos parisinos y matrimonios a la velocidad del vapor santiaguino. Todo parece ir sobre ruedas hasta que aparece Faustino Quintalegre, un diputado capitalino cuya labia encantadora desata el caos.
En una sola noche, Dorotea abandona a su prometido provincial, Silverio, y apuesta todo a Faustino, un hombre que la halaga pero oculta intenciones más convenientes que románticas. Entre tanto, Inés —la sobrina huérfana y olvidada— observa en silencio y desde la sombra, cargando con un amor que no puede confesar y una dignidad que eclipsa a todos los personajes.
Con diálogos filosos, personajes ridículos y situaciones hilarantes, esta obra retrata con agudeza la imitación absurda de los hábitos urbanos, el clasismo encubierto en la vida provinciana y el eterno conflicto entre apariencia y autenticidad. Una joya del teatro chileno decimonónico que todavía hace reír —y pensar— sobre quiénes somos y a quiénes queremos parecer.
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En un país suspendido frente a las cámaras, a minutos de un anuncio histórico, algo falta. No es un discurso. No es una orden. Es la Roza.
Fotosíntesis por “No” la Roza es una obra feroz y visionaria que cruza política, sexualidad, religión y medios de comunicación en una puesta en escena fragmentada y simultánea. Mientras un General ensaya su victoria televisiva, la transmisión se contamina. Un joven quiere ser estrella mirando pornografía. Una mujer sangra y recuerda. Otra gana la lotería y predica la pureza. Un ángel no logra bajar a la tierra. Un niño corre con un objeto que nadie puede recuperar.
La obra no explica: expone. Los cuerpos hablan antes que las ideas. La televisión se vuelve altar. El sexo, mercancía. La flor, herida. Todo ocurre al mismo tiempo, como un país que no logra ordenar su memoria.
Ramón Griffero construye un teatro de imágenes, de choque, de poesía violenta, donde la dictadura no se nombra: se filtra. La Roza irrumpe en la pantalla, en el cuerpo, en la historia, desarmando el lenguaje oficial y obligando al espectador a mirar aquello que fue ocultado.
Una obra indispensable del teatro chileno contemporáneo. Incómoda. Bellísima. Radical. Un ritual escénico donde la vida insiste incluso bajo las bombas.
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La puesta en escena, que cuenta con el apoyo del Fondart Bicentenario, entrecruza canto y bailes, colores y texturas para representar distintos pasajes de nuestro patrimonio teatral, con diez actores en escena que dan vida a más de cuarenta personajes. “Camila, la patrióta de Sud-América”, de Camilo Henríquez (1810), “La Independencia de Chile”, de José Antonio Torres (1840), “La batalla de Tarapacá”, de Carlos Segundo Lathrop (1880), y “La República de Jauja”, de Juan Rafael Allende (1900) son las obras escogidas como punto de partida para este festivo montaje. Algunas de ellas fueron publicadas en una antología de dramaturgia que encargara el presidente Montt con motivo del centenario de la República, pero ninguna ha vuelto a presentarse después de su estreno en alguno de los teatros nacientes de nuestra ciudad. -
Una tierra dormida.
Unos hombres que deciden despertarla.“Viva la República” no es solo una obra histórica: es una explosión de ideas, cuerpos y sueños en medio de una colonia que no sabe que está a punto de quebrarse.
Desde Europa llegan palabras peligrosas: libertad, igualdad, razón. Pero al tocar América, esas palabras cambian. Se ensucian con barro, con sangre, con deseo.
Tres hombres —un soñador, un ambicioso y un estratega— se atreven a imaginar lo imposible: una república en un mundo donde todo pertenece al rey. No tienen ejército. No tienen poder. Solo tienen una idea… y eso basta para encender el fuego.
A su alrededor, mujeres que sienten antes de entender. Que observan cómo el mundo tiembla. Que tejen, aman, temen… mientras algo invisible se acerca.
Pero toda revolución tiene su sombra.
La traición no llega con estruendo. Llega suave. Cercana. Inevitable.
Y entonces… todo cae.
O quizás no.
Porque en esta obra, la historia no termina: se repite, se mezcla, se sueña. Los muertos siguen hablando. Las ideas no se hunden. Flotan.
“Viva la República” es teatro vivo, poético y brutal.
Una obra que no cuenta el pasado… lo hace estallar en el presente. -
En una ciudad que se cree el centro del universo, un joven moribundo entra en escena como quien cruza un umbral invisible. Luca Fazio no grita, no milita, no discute: observa. Y al observar, revela. En el despacho sucio de un periódico político, los hombres vociferan consignas, celebran la violencia, opinan sobre la muerte ajena como si fuera una columna editorial más. Todo parece normal. Todo está podrido.
Luca viene de Roma. Viene de la enfermedad. Viene del límite. No busca compasión ni redención. Busca coherencia. Mientras los otros hablan de patria, de honor y de enemigos, él recuerda que el cuerpo duele, que el aire falta, que la vida se agota. Y que cuando uno está cansado de vivir, no debería ser usado como herramienta por los que aún juegan a la política.
La obra se convierte entonces en un duelo asimétrico: no entre dos ideologías, sino entre la retórica vacía y la verdad desnuda. Luca enfrenta a Paroni sin discursos grandilocuentes, sin proclamas. Lo enfrenta con lógica, con ironía, con una calma aterradora. El poder cambia de manos sin un solo disparo.
Pirandello construye aquí una tragedia seca, casi quirúrgica, donde la violencia mayor no es física sino moral. Nadie queda a salvo: ni el político, ni el periodista, ni el espectador. Porque la pregunta final no es quién tiene razón, sino quién se atreve a mirar su propia miseria sin convertirla en bandera.
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En un mundo donde el poder cambia de manos con la violencia de un relámpago, El círculo de tiza caucasiano plantea una pregunta simple y devastadora: ¿a quién pertenece realmente aquello que amamos?
Cuando un régimen cae y la sangre corre por las calles, una mujer humilde toma una decisión que lo cambia todo. Grusche, sirvienta sin linaje ni fortuna, recoge a un niño abandonado en medio del caos. No es suyo. No debería hacerlo. Y sin embargo, lo hace. A partir de ese instante, su vida se convierte en una larga huida: montañas, hambre, frío, traiciones, renuncias. Amar, aquí, es un acto peligroso.
Bertolt Brecht entrelaza esta historia íntima con una mirada ferozmente política. El amor maternal no se idealiza: se pone a prueba. La justicia no aparece como un templo sagrado, sino como un espacio frágil donde la inteligencia y la ironía pueden derrotar a la ley ciega. Azdak, juez imprevisible y burlón, desmonta el orden establecido con fallos que parecen absurdos, pero que revelan una lógica profundamente humana.
La obra no busca consuelo, sino lucidez. Con canciones, narración directa y distanciamiento épico, Brecht nos obliga a mirar de frente: lo justo no siempre coincide con lo legal, y la verdadera propiedad nace del cuidado, no del privilegio.
Una fábula política, poética y brutalmente vigente.
