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En una modesta casa de Santiago, la vida de Guadalupe y su hija Bartola está marcada por las borracheras de Aniceto Sarmiento, esposo y padre incorregible. Entre discusiones, ironías y planes matrimoniales, surge un dilema: ¿casar a Bartola con su primo Pedro Alcántara, rico pero tan perezoso que se cansa de andar dos cuadras, o con el valiente sargento Marcial Oporto, que parte a la guerra sin más fortuna que su honor?
La inesperada visita de doña Mónica, curandera ingeniosa, enciende la chispa de un disparatado plan para apartar a Aniceto del alcohol: desde remedios estrafalarios hasta una escenificación en la que todos fingen que ha muerto. Pero la farsa toma otro rumbo con la llegada de Marcial y la noticia de la captura del Huáscar. Entre equívocos, disfraces y falsas muertes, Aniceto vive una “revelación” patriótica y decide enlistarse para limpiar su nombre.
En un acto lleno de humor, sátira y guiños a la actualidad de 1883, ¡Moro Viejo! combina enredos domésticos, costumbrismo chileno y fervor bélico, ofreciendo un retrato hilarante de personajes entrañables y exagerados. Una comedia de enredos donde la risa y el ingenio son protagonistas, y donde el amor… se disputa entre la flojera y la valentía. -
En un edificio de muros verdes y puertas metálicas, donde los cuerpos llegan sin nombre y se van con certificados impecables, la muerte trabaja en horario de oficina.
Ese lugar es 99 La Morgue.Aquí, la autopsia no es ciencia: es discurso.
La ficha no es verdad: es silencio firmado.Germán, un joven interno que pinta para no volverse piedra, empuja camillas mientras observa cómo la muerte es administrada con eficiencia y cinismo. A su lado, Fernanda limpia, canta y cree; el Director brinda con champagne y dicta lecciones morales mientras decide qué cadáver merece existir y cuál será borrado.
Pero la morgue no está sola.
La habitan fantasmas: mujeres coloniales encerradas por deseo, próceres paralíticos, madres que buscan a sus hijas, dioses antiguos, vírgenes tutelares y cadáveres que no aceptan la versión oficial de su muerte.El tiempo se quiebra. Las escenas se repiten como una pesadilla burocrática. Las voces del pasado irrumpen en el presente. El poder se disfraza de médico, de emperador romano, de patriota. La violencia se justifica con palabras técnicas, latín, protocolos y aplausos.
En medio de este engranaje, Germán intenta algo imposible: mirar.
Mirar los cuerpos.
Mirar la historia.
Mirar lo que todos prefieren negar.99 La Morgue no cuenta un crimen: lo disecciona.
No acusa con consignas: invoca con imágenes, cantos y visiones.
Es una obra donde el teatro se convierte en autopsia del país y el escenario en una fosa común iluminada.Aquí, la pregunta no es quién murió.
La pregunta es: quién firmó el informe. -
Valparaíso, 1919. Un teléfono recién instalado se convierte en el nuevo protagonista de una casa burguesa en decadencia. Don Ildefonso, un caballero maduro con ínfulas de galán, coquetea con su sirvienta Concepción, mientras su esposa, doña Lastenia, duerme el sueño de los celos. Entre llamadas cruzadas, besos mal interpretados y rumores de bodega, el aparato eléctrico se transforma en un espejo indiscreto donde todos quedan al descubierto.
En esta comedia chispeante, Román Vial anticipa con humor las trampas de la comunicación moderna: el deseo disfrazado de conversación, el poder de la voz y el eterno enredo entre lo dicho y lo escuchado. “¡Alo! ¡Alo! ¡El Teléfono!” es una joya breve, ácida y deliciosa, donde el progreso hace su primera llamada... y nadie sabe colgar a tiempo.
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El Momo no se representa: irrumpe.
Este texto feroz de Antonin Artaud es un grito lanzado desde el fondo del cuerpo, una obra donde el lenguaje deja de ser herramienta y se convierte en herida. Aquí no hay historia que seguir ni personajes que observar a distancia: hay una presencia que arde frente al espectador, una voz que acusa al mundo de haberle robado el alma a través de la razón, la medicina y la moral.
Artaud escribe después del encierro, después del electroshock, después de la humillación. Y escribe con todo lo que queda: saliva, hueso, espasmo, blasfemia. El cuerpo aparece como territorio saqueado, atravesado por instituciones que dicen curar pero que en realidad vacían, mutilan, anulan.
Dios, la psiquiatría, el Estado, la palabra misma son nombrados y escupidos. El texto avanza como una ceremonia oscura donde cada frase es una descarga eléctrica y cada imagen un golpe directo al sistema nervioso del espectador.
No hay consuelo. No hay metáfora tranquilizadora.
Hay carne. Hay furia. Hay lucidez en estado salvaje.El Momo es teatro llevado a su grado cero: un actor solo frente al público, sosteniendo una lengua rota que se niega a obedecer. Una experiencia escénica que no busca gustar, sino despertar, incomodar y dejar marcas.
Una obra para cuerpos valientes.
Un texto que no se lee: se sobrevive. -
Mahagonny nace en el desierto como una promesa indecente: una ciudad donde no existen prohibiciones, donde el placer reemplaza a la ley y el dinero dicta la moral. Allí llegan hombres agotados de trabajar, mujeres que aprendieron a sobrevivir vendiendo afecto, y fundadores que entienden el negocio del deseo mejor que nadie.
Pero cuando todo está permitido, surge una pregunta incómoda: ¿qué significa ser feliz?
Uno de los recién llegados, un leñador llamado Jim Mahoney, comienza a sospechar que el verdadero peligro no es la miseria, sino el vacío. Su voz rompe la calma artificial de la ciudad y empuja a Mahagonny a mirarse al espejo.Brecht construye una sátira feroz: canciones luminosas para hablar de la muerte, humor para desnudar la injusticia, placer para exhibir la crueldad del sistema. Mahagonny no es una ciudad imaginaria: es una advertencia.
Una obra incómoda, musical y brutalmente actual.
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Una pequeña ciudad se convierte en un laboratorio de la verdad. Allí llega un funcionario taciturno, el señor Ponza, acompañado de su suegra, la dulce y reservada señora Frola. Nadie entiende por qué viven separados, ni por qué ella apenas puede ver a su hija desde una cuerda y una cesta colgando del patio. Las conjeturas corren como fuego entre los vecinos: ¿será celoso, cruel, violento? ¿O habrá algo más oscuro detrás?
Mientras los curiosos se multiplican, el filósofo burlón Laudisi se ríe de todos: “¿Qué sabéis de los demás, si ni de vosotros mismos sabéis quiénes sois?”
El consejero Agazzi, símbolo del orden y la autoridad, decide intervenir. Llama al Prefecto, exige explicaciones. Pero la verdad, cuando aparece, se multiplica en contradicciones.La señora Frola asegura que su yerno es un hombre bueno y que su hija vive feliz, aunque la vea solo desde el patio. Ponza, en cambio, afirma que la vieja ha perdido la razón: la hija murió, y su esposa actual es otra mujer. Ambas versiones son coherentes… e imposibles a la vez.
Pirandello transforma el chisme en una metáfora del conocimiento humano: la verdad es un espejo roto, y cada fragmento devuelve un rostro distinto. Entre la cordura y la locura, entre la piedad y el egoísmo, la obra invita a mirar la realidad desde su grieta más profunda: la del juicio social.
En la frontera entre el teatro y la filosofía, Así es (si así te parece) es una parábola sobre la imposibilidad de saber quién tiene razón… o si la razón existe. -
En un rincón olvidado de la cordillera chilena, donde el viento manda y la ley no alcanza, Bailahuén despliega una historia cruda, musical y profundamente humana. Un rancho aislado reúne a cuatreros, cantores, mujeres cansadas y hombres marcados por el tiempo. Allí, Don Erasmo, huaso viejo y duro, cree sostener el orden con su experiencia y su cuchillo. Pero el orden es frágil cuando entra en escena Perejil, un joven errante, pobre y hambriento de futuro.
Clarita, joven y viva, atrapada en una relación desigual, ve en Perejil una salida. No una promesa romántica, sino una posibilidad de escape. Entre cantos populares, rancheras y guitarras, el deseo empieza a circular, y con él, el miedo. Porque en ese mundo, amar es traicionar, y sobrevivir exige silencio.
La obra se mueve entre lo festivo y lo trágico. La música no alivia: encubre. El humor campesino no suaviza: hiere. Cada diálogo arrastra siglos de cultura oral, machismo, pobreza y códigos de honor no escritos. El mito del “bailahuén”, planta que supuestamente devuelve el vigor perdido, atraviesa la obra como símbolo: todos buscan una segunda oportunidad que no existe.
Bailahuén es una obra de frontera: entre Chile y Argentina, entre ley y delito, entre amor y posesión. Germán Luco Cruchaga construye un sainete que ríe con los dientes apretados y canta mientras se afila el cuchillo. Nada es ingenuo. Todo tiene costo.
Una pieza esencial del teatro chileno, tan vigente hoy como en 1928.
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"Cada Oveja con su Pareja" es una deliciosa comedia chilena del siglo XIX, escrita por Daniel Barros Grez, que celebra el amor inesperado, los enredos familiares y las pasiones ocultas. Ambientada en una tradicional casa santiaguina, la obra se despliega en un solo acto cargado de ironía, romanticismo y un encantador costumbrismo.
Don Cayetano, un caballero de campo que ha vivido años en soledad, decide buscar esposa para llenar el vacío de su hacienda. En su viaje a Santiago, se reencuentra con Doña Bernarda, una viuda vivaz y su encantadora hija Lucía, con quienes compartió momentos memorables en los baños de Cauquenes. Lo que comienza como una conversación amistosa termina revelando intenciones amorosas, promesas de felicidad hogareña y confesiones que cruzan generaciones.
La obra juega con los equívocos y los deseos silenciosos de sus personajes: madres e hijas, tíos y sobrinos, todos entrelazados en una red de afectos no dichos, pero profundamente sentidos. La tensión se construye con gracia, a través de diálogos chispeantes y escenas que equilibran lo romántico y lo cómico. ¿Quién ama a quién? ¿Es posible que dos generaciones estén enamoradas de la misma familia?
"Cada Oveja con su Pareja" es una obra ingeniosa y luminosa, ideal para públicos que buscan reír, emocionarse y reconocerse en los eternos enredos del corazón.
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En las sombras del Chile de comienzos del siglo XX, un hombre llamado Emilio Dubois se convierte en el símbolo de un país desgarrado entre la miseria y la moral.
Este drama, inspirado en hechos reales, recorre su descenso desde el crimen hasta la redención imposible. Lo vemos asesinar, ocultarse entre cuecas y borrachos, burlar la policía y enfrentarse al destino con la calma de quien ya lo ha perdido todo.
Pero en la cárcel, Dubois se revela humano: ama, se casa, reza, reniega de los curas y pide solo una cosa antes del fusilamiento: que su mujer y su hijo sean protegidos por el país que lo condena.
“Captura y Fusilamiento de Dubois” es más que una historia policial: es un espejo de la sociedad chilena de su tiempo.
Su último grito —“¡Justicia, pero para todos!”— resuena más allá del cadalso, exigiendo igualdad ante la ley en un país que aún hoy parece no haberla alcanzado.
Una tragedia moderna con corazón obrero y voz de denuncia. -
En una elegante casa noruega, Nora Helmer parece tenerlo todo: una familia amorosa, una vida cómoda y la promesa de una nueva estabilidad económica. Sin embargo, bajo esa aparente perfección, se oculta un secreto que desafía las normas sociales, las leyes y los límites del amor conyugal.
Casa de muñecas, obra cumbre del realismo moderno, nos introduce en un mundo de apariencias, manipulaciones y sacrificios silenciosos. Nora, tierna y vivaz, ha cometido una falta en nombre del amor, pero ese acto de devoción amenaza con volverse en su contra cuando su pasado llama a la puerta en forma de chantaje. A medida que los días festivos se acercan y la felicidad conyugal se ve amenazada, las grietas en la estructura del matrimonio se hacen cada vez más visibles.
Henrik Ibsen nos entrega una historia intensa, donde las pequeñas acciones adquieren una magnitud devastadora, y donde la verdadera revolución ocurre en el alma de una mujer que se atreve a pensar por sí misma. Esta obra no solo retrata el rol de la mujer en la sociedad del siglo XIX, sino que lo cuestiona radicalmente, dejando en el espectador una inquietud que traspasa el tiempo.
Una joya del teatro universal que conmueve, incomoda y transforma.
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En un modesto taller de sastrería de Santiago, entre tijeras gastadas, telas descoloridas y sueños que no cotizan en el mercado, vive Casimiro Vico, un hombre bueno, excesivamente bueno. Sastre de oficio, artista de vocación, Casimiro cree —con fe casi infantil— que el teatro ennoblece, salva y redime.
Cuando una compañía teatral aparece prometiéndole gloria, aplausos y un nuevo destino, Casimiro acepta sin medir consecuencias. Junto a su esposa Carmen —práctica, sensible y dueña de una voz que sorprende a todos— abandona la seguridad del trabajo para lanzarse a una gira incierta. Él quiere ser actor. Ella, sin buscarlo, empieza a serlo de verdad.
Pero el teatro no es solo telón y ovaciones. Es ensayo interminable, egos heridos, contratos difusos, hambre, trenes que no esperan y estaciones donde nadie escucha. A medida que el viaje avanza, la ilusión se agrieta. Casimiro no es el gran actor que imaginó, pero sigue siendo el hombre generoso que sostiene a todos. Carmen, en cambio, crece, se afirma, y ve con claridad lo que su marido se niega a aceptar.
Casimiro Vico, Primer Actor es una obra profundamente humana, divertida y dolorosa, que retrata el mundo teatral desde adentro: sus miserias, su ternura y su brutal honestidad. Una tragicomedia donde el sueño artístico se enfrenta a la realidad social, y donde el verdadero heroísmo no está en el aplauso, sino en la dignidad de quien se atreve a creer.
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La puesta en escena, que cuenta con el apoyo del Fondart Bicentenario, entrecruza canto y bailes, colores y texturas para representar distintos pasajes de nuestro patrimonio teatral, con diez actores en escena que dan vida a más de cuarenta personajes. “Camila, la patrióta de Sud-América”, de Camilo Henríquez (1810), “La Independencia de Chile”, de José Antonio Torres (1840), “La batalla de Tarapacá”, de Carlos Segundo Lathrop (1880), y “La República de Jauja”, de Juan Rafael Allende (1900) son las obras escogidas como punto de partida para este festivo montaje. Algunas de ellas fueron publicadas en una antología de dramaturgia que encargara el presidente Montt con motivo del centenario de la República, pero ninguna ha vuelto a presentarse después de su estreno en alguno de los teatros nacientes de nuestra ciudad. -
Una mujer renace de entre los muertos en una villa del norte de Italia. Fulvia, marcada por el escándalo y la culpa, vuelve a cruzarse con su marido —el hombre que la salvó con bisturí— y con su amante —el que la arrastró al abismo.
Pirandello construye una tormenta de pasiones dentro de una vieja pensión donde la razón y el deseo se confunden.
Entre los murmullos de los criados y las sombras del lago de Como, tres almas se enfrentan al espejo del tiempo: ¿puede el amor sobrevivir después de la humillación?
Como antes, mejor que antes es una tragedia íntima donde cada personaje busca una segunda oportunidad en un mundo que ya no perdona. -
"Como en Santiago" es una comedia de costumbres tan vigente como mordaz. Ambientada en un tranquilo pueblo chileno del siglo XIX, nos adentra en el mundo de una familia que, empeñada en aparentar lo que no es, cae en los enredos del amor, el arribismo y la ignorancia ilustrada.
Doña Ruperta, matriarca voluntariosa, vive obsesionada con transformar su hogar en una imitación perfecta de la capital. Su hija Dorotea, criada en ese delirio de grandeza, sueña con galanes refinados, vestidos parisinos y matrimonios a la velocidad del vapor santiaguino. Todo parece ir sobre ruedas hasta que aparece Faustino Quintalegre, un diputado capitalino cuya labia encantadora desata el caos.
En una sola noche, Dorotea abandona a su prometido provincial, Silverio, y apuesta todo a Faustino, un hombre que la halaga pero oculta intenciones más convenientes que románticas. Entre tanto, Inés —la sobrina huérfana y olvidada— observa en silencio y desde la sombra, cargando con un amor que no puede confesar y una dignidad que eclipsa a todos los personajes.
Con diálogos filosos, personajes ridículos y situaciones hilarantes, esta obra retrata con agudeza la imitación absurda de los hábitos urbanos, el clasismo encubierto en la vida provinciana y el eterno conflicto entre apariencia y autenticidad. Una joya del teatro chileno decimonónico que todavía hace reír —y pensar— sobre quiénes somos y a quiénes queremos parecer.
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En una casa bañada por el sol y las convenciones, una joven debe casarse sin saber por qué. “Cuando venga el amor” es la historia de una inocencia que se despierta tarde, cuando el velo del deber se rompe y asoma la verdad.
Margot, educada para complacer, descubre en la víspera de su boda que su corazón está vacío. Rafael, su prometido, busca en ella un amor que no existe y, al hallarse ante la sinceridad de su renuncia, elige liberarla.
Entre conversaciones frívolas, risas y costumbres burguesas, el texto avanza hacia un duelo íntimo entre la razón y el sentimiento, donde la palabra se convierte en bisturí.
Moock, con lenguaje delicado y moderno, escribe un retrato de la mujer que empieza a pensarse a sí misma, capaz de decir “no” sin odio ni culpa. Una joya del teatro chileno del 1920 que sigue resonando con su pregunta esencial: ¿Qué haremos cuando por fin venga el amor? -
En el Santiago de comienzos del siglo XX, Julián Requena, un carpintero honesto y trabajador, parece haber alcanzado el sueño de todo obrero: mantener a su familia y proyectar la compra de una casa propia. A su lado, Mercedes, su esposa, encarna la prudencia y la virtud, mientras su hija Virginia deslumbra por su inocencia, talento y ansias de un futuro digno.
Pero la estabilidad del hogar pronto se ve amenazada por fuerzas oscuras. El alcohol, en forma de la taberna, se convierte en el enemigo silencioso que devora ahorros, honra y voluntad. Cirilo Canales, un vecino vicioso y corrupto, arrastra a Julián a la bebida, desencadenando una cadena de conflictos familiares y sociales.
En contraste, la juventud aparece dividida: Manuel Contreras, un joven mecánico idealista, representa el amor sincero y el progreso, mientras que Alfredo Fuentes, hijo de un hacendado, simboliza la decadencia de la élite: jugador empedernido, libertino y borracho, que pretende seducir a Virginia a cualquier costo. La sombra del poder policial, encarnada en Querubín Botarro, acecha como un recordatorio de que la corrupción no está lejos del crimen.
De la Taberna al Cadalso es un drama social y moralizante que retrata con crudeza la fragilidad del hogar obrero frente a las tentaciones del vicio. Escrita en verso y con escenas que alternan ternura, tensión y denuncia, la obra interpela al espectador: ¿puede una familia resistir cuando el alcohol se convierte en su juez y verdugo?
Un clásico del teatro chileno de denuncia, vigente hasta hoy, que invita a reflexionar sobre los límites entre virtud y corrupción, amor y degradación.
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En una noche suspendida entre la memoria, la furia y la muerte, un anciano Pablo de Rokha se enfrenta a los fantasmas de su propia existencia. Rodeado de papeles, vino, piedras y recuerdos, el legendario poeta chileno revive los episodios que marcaron su vida: el amor feroz por Winétt de Rokha, la tragedia de sus hijos perdidos, las luchas políticas que incendiaron su pensamiento, las disputas con la intelectualidad de su tiempo y la incansable batalla de un hombre que jamás supo doblarse ante nadie.
“De Rokha” no es una biografía convencional: es una inmersión visceral en la mente y el corazón de uno de los personajes más intensos, contradictorios y apasionados de la literatura chilena. A través de una puesta en escena profundamente poética, la obra transforma al célebre escritor en un mito viviente; un toro herido, un profeta maldito, un padre devastado, un amante feroz, un revolucionario que convirtió la palabra en arma y la poesía en piedra.
Entre recuerdos fragmentados, apariciones fantasmales y diálogos cargados de crudeza, humor y lirismo, el espectador presencia la construcción y destrucción de un hombre monumental que dedicó su vida a escribir con rabia, amar con violencia y vivir sin pedir permiso. Cada escena revela el precio de su genialidad, el peso de sus convicciones y la soledad inevitable de quien elige enfrentarse al mundo entero antes que traicionar su verdad.
Con una estética intensa y profundamente teatral, “De Rokha” es un homenaje feroz al artista indomable, al hombre político, al padre quebrado y al poeta inmortal. Una obra sobre la creación, el dolor, la memoria y la lucha de un hombre cuya voz fue demasiado grande para su tiempo… y demasiado salvaje para ser olvidada.
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En una casa modesta de Santiago, un hombre correcto se enfrenta al ruido ensordecedor del poder.
Esteban Uribe ha vivido creyendo que la ley basta. Que cumplirla es suficiente para caminar erguido, para dormir tranquilo, para mirar a su hijo a los ojos. Pero cuando el Estado le exige que utilice esa misma ley como arma de censura, su mundo comienza a resquebrajarse.
Un diario incómodo debe ser silenciado. No por delitos comprobados, sino por pensar distinto. La orden es clara, la presión implacable. Esteban se niega. Y entonces los perros comienzan a ladrar.
Llamadas anónimas, insultos públicos, sospechas, golpes que no siempre dejan marcas visibles. La violencia se filtra en la casa, en la mesa familiar, en la mirada del hijo que empieza a preguntarse si la honestidad no es, en el fondo, una forma elegante de derrota.
Entre un ministro cínico, un empresario sin escrúpulos y una sociedad que prefiere el silencio cómodo, Esteban resiste. No como héroe épico, sino como hombre común que se aferra a sus principios mientras todo alrededor le exige que los abandone.
Deja que los perros ladren es un drama político íntimo, ferozmente vigente, que desnuda el costo real de la integridad en un mundo donde la ley puede torcerse y la moral se negocia.
Una obra sobre el precio de decir no.
Y sobre lo solos que quedamos cuando lo decimos. -
En Diana y Tuda, Luigi Pirandello coloca al espectador frente a una tensión silenciosa y perturbadora: la lucha entre la vida que se mueve y la forma que quiere eternizarla. La obra se sitúa en el mundo del arte, pero no lo celebra; lo desnuda. Aquí, crear no es un acto inocente, sino una operación peligrosa, casi violenta.
Tuda es una joven modelo en plena vitalidad. Su cuerpo no es solo bello: está vivo, responde, se cansa, protesta. Frente a ella se alza Sirio Dossi, escultor obsesionado con alcanzar una obra definitiva, una forma absoluta que no envejezca ni tiemble. Para lograrlo, necesita algo más que talento: necesita apropiarse del cuerpo vivo de Tuda y someterlo a la inmovilidad de la estatua. No busca a la mujer; busca la forma que puede extraer de ella.
La referencia a Diana cazadora no es decorativa. Diana encarna la autonomía, la acción, la independencia del cuerpo femenino. Pero en la obra, esa postura heroica es impuesta, sostenida a la fuerza durante horas, hasta que el gesto deja de ser poder y se convierte en sacrificio. Tuda posa como una diosa, pero lo hace como humana: con dolor, cansancio y conciencia.
Pirandello introduce entonces una pregunta inquietante: ¿qué precio paga la vida cuando el arte exige perfección? ¿Qué ocurre cuando el cuerpo deja de pertenecerse y pasa a ser material? Tuda no es ingenua ni pasiva. Comprende lo que sucede, lo observa con ironía y lucidez, y aun así queda atrapada en una red donde el amor, la admiración artística y la ambición se confunden peligrosamente.
Diana y Tuda no es solo una obra sobre artistas y modelos. Es una reflexión profunda sobre el poder, la posesión y el conflicto entre lo efímero y lo eterno. Cada gesto detenido, cada silencio, cada postura sostenida revela una verdad incómoda: cuando la vida se convierte en forma, algo esencial comienza a perderse. Y esa pérdida, aunque aún no se nombre, se siente desde el primer instante.
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¿Qué pasaría si el mayor seductor del mundo no creyera en nada… ni siquiera en el infierno?
Don Juan, joven aristócrata, brillante, elegante e irresistible, ha hecho del amor un deporte y del engaño una forma de vida. No hay mujer que no pueda conquistar ni promesa que no rompa. Ya sea una dama de alta alcurnia, una campesina inocente o una novicia arrancada del convento, Don Juan no conoce límites. Lo acompaña siempre Sganarelle, su criado, tan cobarde como moralista, quien intenta inútilmente frenar la caída de su amo hacia el abismo.
A través de esta comedia profundamente crítica, Molière presenta a un personaje audaz, irreverente y moderno, que pone en jaque las instituciones del matrimonio, la religión y la moral de su época. Don Juan no solo es un seductor, sino también un iconoclasta: desprecia a Dios, ridiculiza a los médicos, se disfraza para escapar de sus enemigos y miente sin pestañear. Su retórica es tan poderosa que incluso hace dudar a quienes lo condenan.
Pero el mundo que Don Juan ha despreciado no se queda callado. Las mujeres traicionadas, los hombres humillados, los dioses burlados… todos piden justicia. En esta obra llena de ritmo, humor y tensiones filosóficas, lo cómico y lo trágico se entrelazan hasta alcanzar un desenlace memorable.
Ideal para compañías que deseen explorar la seducción del poder, la fragilidad de la verdad y la eterna lucha entre el placer y la conciencia.
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Una viuda rica, un poeta sin rumbo, un oportunista arruinado y una joven disfrazada de anciana... ¿Qué puede salir mal?
En el Santiago de 1881, la vida social gira en torno al dinero, la apariencia y las apariencias aún más ridículas. En este contexto, Don Catalino Gacetilla, filósofo del bolsillo vacío, ve en Doña Columbina, una excéntrica viuda de "alma joven", la solución a todos sus males económicos. Lo que para él es una estrategia de supervivencia, para ella es un torbellino romántico digno de versos y promesas.Mientras tanto, su amigo Tristán, joven romántico y derrotado por el desamor, piensa lanzarse al río por una decepción amorosa, pero termina cenando mosto y recitando poesía... también por una decepción amorosa. En un giro de comedia absurda, la sobrina de Columbina, Rosita, debe disfrazarse de vieja para no opacar la belleza "resplandeciente" de su tía ante Catalino.
Con diálogos chispeantes, crítica mordaz y personajes caricaturescos, "El casi casamiento" desenmascara los matrimonios por conveniencia, la vejez negada y el amor disfrazado de interés. Esta comedia costumbrista chilena, de humor corrosivo y ritmo ágil, pone en escena una sátira atemporal sobre las apariencias, el dinero y la risa como último refugio frente al ridículo humano.
Ideal para montajes escénicos dinámicos, lecturas dramatizadas o adaptaciones contemporáneas que deseen explorar el lado más cómico del patetismo burgués.
A lo largo de la obra, los personajes se ven atrapados en situaciones cómicas y emocionales, tejiendo una red de conflictos amorosos y financieros. Sin embargo, a medida que avanza la trama, se resuelven los enredos y se alcanza una conclusión satisfactoria para todos. Una obra llena de humor y romance, que captura la esencia de una época pasada y la complejidad de las relaciones humanas. Una historia que muestra que, a pesar de los obstáculos, el amor verdadero siempre encuentra su camino. -
En un mundo donde el poder cambia de manos con la violencia de un relámpago, El círculo de tiza caucasiano plantea una pregunta simple y devastadora: ¿a quién pertenece realmente aquello que amamos?
Cuando un régimen cae y la sangre corre por las calles, una mujer humilde toma una decisión que lo cambia todo. Grusche, sirvienta sin linaje ni fortuna, recoge a un niño abandonado en medio del caos. No es suyo. No debería hacerlo. Y sin embargo, lo hace. A partir de ese instante, su vida se convierte en una larga huida: montañas, hambre, frío, traiciones, renuncias. Amar, aquí, es un acto peligroso.
Bertolt Brecht entrelaza esta historia íntima con una mirada ferozmente política. El amor maternal no se idealiza: se pone a prueba. La justicia no aparece como un templo sagrado, sino como un espacio frágil donde la inteligencia y la ironía pueden derrotar a la ley ciega. Azdak, juez imprevisible y burlón, desmonta el orden establecido con fallos que parecen absurdos, pero que revelan una lógica profundamente humana.
La obra no busca consuelo, sino lucidez. Con canciones, narración directa y distanciamiento épico, Brecht nos obliga a mirar de frente: lo justo no siempre coincide con lo legal, y la verdadera propiedad nace del cuidado, no del privilegio.
Una fábula política, poética y brutalmente vigente.
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En el Chile del futuro imaginado por el siglo XIX —¡el año 2000!—, el ingenuo Inocencio Peñafiel llega al corazón del poder con una caja misteriosa bajo el brazo. Cree que contiene una fortuna, pero al entrar al Ministerio de Hacienda, se encontrará con algo más peligroso que la pobreza: la burocracia y la codicia.
Entre plumas, sellos y decretos interminables, tres funcionarios —el solemne Ministro, el servil Oficial de Pluma y el calculador Oficial de Partes— rodean al ingenuo visitante con una mezcla de curiosidad y avaricia. ¿Qué habrá en la caja? ¿O acaso lo que brilla es el reflejo del engaño?
Con humor punzante y una ironía brillante, Juan Rafael Allende convierte la oficina pública en un escenario de comedia política y farsa social, donde el poder, la corrupción y la inocencia se cruzan en un juego absurdo de apariencias.
Una obra tan hilarante como lúcida, que anticipa un futuro ridículamente parecido a nuestro presente.
💡 “El Cuento del Tío” es una radiografía de la eterna trampa entre el ingenuo que cree y el poderoso que se aprovecha. -
El enfermo imaginario es una comedia ingeniosa y aguda de Molière que mezcla sátira, amor, engaños y muchas lavativas. La historia sigue a Argan, un hombre completamente convencido de estar gravemente enfermo, aunque su único síntoma real parece ser su dependencia de los médicos y medicamentos. Su mundo gira en torno a recetas, enemas y diagnósticos dudosos, mientras que su criada Antonia intenta, con sarcasmo y picardía, devolverle un poco de sentido común.
A este caos se suma Angélica, su hija, enamorada de un joven que su padre rechaza por no ser médico, y Belisa, la segunda esposa de Argan, que lo cuida con devoción… o al menos eso aparenta. El deseo de Argan de tener un yerno doctor da pie a un desfile de personajes ridículos, discursos científicos absurdos y una crítica feroz al sistema médico de la época.
Llena de escenas delirantes, música, bailes, y hasta intermedios cómicos, esta obra no solo ofrece risas, sino también una mirada inteligente sobre el poder, la hipocresía y la confianza ciega en la autoridad. Ideal para públicos que disfrutan del teatro clásico, la sátira social y las historias de amores contrariados con un fondo de crítica brillante.
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En el caos luminoso del teatro, donde la ficción y la realidad se entrelazan sin aviso, un ensayo se convierte en un espectáculo en sí mismo.
"El Ensayo de la Comedia" nos traslada al corazón palpitante de una compañía dramática que intenta preparar una obra a días de su estreno. Bajo la dirección del sufrido Ambrosio, actores extravagantes, egos teatrales y amores contrariados se entrecruzan entre bastidores, donde nada parece salir como estaba planeado.
La poderosa Rita, actriz veterana con aires de diva, impone sus caprichos, mientras su hija Serafina busca su libertad emocional en los brazos del apasionado Rafael. Entre celos, amenazas de abandono, improvisaciones absurdas, y discursos sobre el arte y las musas, la comedia se dispara hacia niveles insospechados. Las interrupciones del ensayo se vuelven el alma de la historia: amores frustrados, locuras simuladas y falsas apariciones que desafían cualquier lógica.
Con humor agudo, crítica social disfrazada de risa y una estructura que desarma la propia idea de “ensayo”, esta pieza es una joya del teatro chileno decimonónico. Una comedia sobre hacer comedia, donde todos actúan… incluso cuando creen no estar actuando.
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El General Daza es una farsa política chispeante escrita en pleno 1879 por Juan Rafael Allende, donde la sátira y la picardía se convierten en armas de denuncia y orgullo nacional. Ambientada en un teatro de La Paz durante una noche de máscaras, la obra desenmascara —literal y simbólicamente— la decadencia moral, el autoritarismo grotesco y la ineptitud de las élites militares bolivianas frente a la ocupación chilena de Antofagasta.
Con personajes caricaturescos, versos ágiles y situaciones absurdas, esta obra retrata cómo un grupo de ciudadanos chilenos, con ingenio y valentía, desafía el poder desde el corazón del absurdo. Entre ellos destaca una mujer audaz, Filomena, y un "roto chileno" que —con humor e irreverencia— se convierte en símbolo de dignidad, coraje y resistencia popular.
La pieza combina crítica política, humor mordaz y aguda observación social, reflejando el sentir popular del pueblo chileno en tiempos de tensión geopolítica. Es una joya de la dramaturgia patriótica satírica, perfecta para montajes contemporáneos que deseen rescatar memoria histórica desde la comedia.
Ideal para públicos que disfrutan del humor político, el teatro popular y la crítica social con tintes de carnaval y rebelión.
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"El Ginecólogo de la Legua" es una obra demoledora y visceral que nos sumerge en la mente de un personaje tan perturbador como inquietantemente reconocible. A través de una confesión aparentemente trivial, un profesional de la salud abre las puertas a su mundo interior, donde el lenguaje amable oculta un oscuro desprecio por sus pacientes más vulnerables.
Con una dramaturgia feroz y provocadora, Ramón Griffero nos enfrenta a un discurso cargado de hipocresía, clasismo y violencia encubierta bajo el manto de la ética médica. La obra desnuda, sin filtros, las contradicciones de un sistema que dice proteger mientras ejerce un control brutal sobre los cuerpos.
A través de este monólogo, el espectador se convierte en confidente involuntario de una práctica médica contaminada por prejuicios y resentimientos. La tensión crece palabra a palabra, hasta alcanzar un punto en que ya no hay vuelta atrás: el personaje se ha desnudado, y su verdad es tan perturbadora como imposible de ignorar.
"El Ginecólogo de la Legua" no busca complacer. Busca sacudir. Es un testimonio incómodo, pero necesario, que expone con crudeza la violencia estructural disfrazada de compasión. Una obra breve, pero que deja una huella imborrable.
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Un hombre regresa del exilio creyendo que vuelve a casa.
Pero la casa ya no existe.En una buhardilla suspendida sobre una ciudad transformada por el progreso y el olvido, El Gordo y el Flaco enfrenta a dos amigos marcados por una juventud revolucionaria y un presente irreconciliable. Andrés vuelve cargando memoria, culpa y sueños intactos. Esteban se quedó, se adaptó, triunfó. Ambos creen tener razón. Ambos saben que algo se perdió para siempre.
La obra se despliega como un duelo verbal intenso, lúcido y profundamente humano. No hay héroes ni villanos: hay elecciones. El dinero, la familia, el miedo, la comodidad, la lealtad, el amor y la vergüenza circulan en cada escena como corrientes subterráneas.
La llegada de una mujer perseguida por razones políticas reactiva la urgencia del pasado y obliga a los personajes a definirse. ¿Hasta dónde llega la responsabilidad moral? ¿Qué precio tiene la coherencia? ¿Es posible seguir creyendo cuando todo alrededor invita a olvidar?
Sergio Vodanovic construye un drama íntimo y político, atravesado por humor amargo, recuerdos compartidos y canciones que funcionan como fantasmas del tiempo perdido. La buhardilla se transforma en un campo de batalla simbólico donde se enfrentan la memoria y la amnesia colectiva.
El Gordo y el Flaco no habla solo del pasado chileno: habla de todos aquellos que alguna vez soñaron con cambiar el mundo y despertaron en uno que ya no reconocen.
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La obra transcurre en un barrio pobre de Estocolmo, frente a una casa incendiada donde los restos de tapices y muebles quemados aún humean. El siniestro, ocurrido la noche anterior, sirve como catalizador de las tensiones sociales y morales que habitan entre los vecinos: el albañil, el jardinero, la vieja, la tabernera y un policía que investiga el origen del fuego. Las sospechas se entrecruzan con chismes y resentimientos antiguos.
Poco después aparece Rudolf Valström, tintorero y propietario de la casa, seguido de Arvid Valström, su hermano perdido durante treinta años. Entre ambos se desata un duelo verbal y filosófico sobre la familia, la culpa y el destino. El incendio funciona como espejo del pasado: las ruinas exponen secretos familiares, corrupción, infidelidades y una antigua red de contrabando que su familia escondía entre los muros de la tintorería.
La segunda parte transcurre entre los escombros. Arvid se enfrenta con otros personajes —el estudiante sospechoso, el picapedrero que busca venganza, el pintor resentido— y va descubriendo que el incendio no fue un accidente sino una purga simbólica: el fuego reveló la hipocresía, el pecado y la falsedad de toda una generación.
La obra cierra con la joven pareja Alfred y Mathilde, que observan las ruinas soñando con huir del barrio. Son la única promesa de renovación entre tanta decadencia. El fuego, destructor y purificador, deja abierta la pregunta: ¿puede una familia, una ciudad o un alma renacer de sus propias cenizas? -
El médico a palos es una hilarante comedia de enredos que se burla sin piedad de la ignorancia disfrazada de sabiduría. Todo comienza cuando Bartolo, un leñador tosco y holgazán, es brutalmente engañado por su propia esposa para vengarse de los golpes y malos tratos que ha recibido. ¿Su castigo? Ser forzado a hacerse pasar por un médico... ¡a golpes!
Desde ese momento, Bartolo se convierte, muy a su pesar, en el "doctor milagroso" que debe sanar a una joven noble que ha perdido el habla misteriosamente. Pero nada es lo que parece. La joven, Doña Paula, oculta un secreto: su enfermedad es fingida y su corazón está enredado en una historia de amor prohibido.
Con personajes vivos, diálogos chispeantes y situaciones absurdas que bordean lo surreal, esta obra de Molière critica las apariencias, la falsa autoridad, y los matrimonios impuestos. El público se deleita viendo cómo un rústico se convierte en sabio, los criados manipulan a los amos, y el amor encuentra caminos insospechados para florecer.
Una joya del teatro clásico, perfecta para públicos modernos que disfrutan del humor físico, la sátira social y los desenlaces inesperados. Si alguna vez pensaste que el conocimiento se puede "dar a palos", esta obra lo lleva al extremo... y te hará reír a carcajadas.
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En los verdes campos de Galicia, el amor florece entre un humilde labrador y una joven de extraordinaria belleza y virtud. El mejor alcalde, el rey, una de las obras más potentes de Lope de Vega, nos transporta a un mundo donde los sentimientos más nobles son puestos a prueba por la injusticia y el abuso de poder.
Sancho, un campesino íntegro, se enamora de Elvira, una mujer que no solo deslumbra por su apariencia sino también por su dignidad. Con la bendición de su familia y del poderoso Don Tello, todo parece indicar que tendrán un futuro feliz. Sin embargo, cuando el deseo, la vanidad y el poder se interponen, el destino de los enamorados pende de un hilo. Lo que sigue es una historia de traición, valentía, dolor y esperanza, donde la voz del pueblo lucha por ser oída y donde la figura del rey se revela como el símbolo último de justicia.
Con un lenguaje vibrante y personajes memorables, esta obra aborda temas eternos: el honor, el abuso de poder, la lealtad y la esperanza en la justicia. Ideal para públicos contemporáneos que valoran las narrativas de empoderamiento y justicia social. Una pieza imprescindible para comprender el genio teatral de Lope de Vega y la complejidad de la España del Siglo de Oro.
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Una libra de carne. Una deuda impagable. Una mujer, tres cofres y un corazón decidido.
El Mercader de Venecia, obra maestra de William Shakespeare, nos lleva al corazón de una ciudad donde el comercio no solo mueve riquezas... también mueve pasiones, venganzas y traiciones.Antonio, noble mercader, arriesga todo por amor... pero no el suyo. Lo hace por su querido amigo Bassanio, quien desea conquistar a Porcia, una heredera brillante y determinada, cuyo matrimonio depende de una antigua prueba de sabiduría: elegir correctamente entre tres cofres. Para ayudarlo, Antonio firma un contrato con Shylock, un prestamista judío despreciado por la sociedad veneciana, quien acepta prestarle el dinero con una cláusula macabra: si no paga a tiempo, deberá entregarle una libra exacta de su carne.
En paralelo, Jessica, la hija de Shylock, se fuga con un cristiano, llevándose parte del oro de su padre. Los destinos se entrelazan mientras el amor, el racismo, el honor, la ley y la religión chocan de manera explosiva. En medio de todo, Porcia demostrará que es mucho más que un premio: se disfraza, desafía la ley y toma el control del juicio más famoso de la literatura.
Esta comedia con tintes oscuros es un brillante juego de máscaras donde nadie es del todo justo, ni del todo villano. ¿Qué vale más: la ley o la misericordia? ¿Quién es el verdadero "otro" en una sociedad que margina al diferente?
Con momentos que van del humor al drama intenso, El mercader de Venecia es una obra provocadora y conmovedora que sigue despertando preguntas esenciales sobre el amor, la justicia y el perdón.
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¿Qué harías si pudieras tener dos empleos, dos sueldos… y el doble de comida?
Truffaldino, un sirviente pícaro y eternamente hambriento, encuentra la oportunidad perfecta cuando decide trabajar en secreto para dos amos distintos en la misma ciudad. Pero lo que parece una idea brillante, pronto se convierte en una montaña rusa de enredos, mentiras y malentendidos hilarantes.Mientras tanto, en la elegante y caótica Venecia, una joven disfrazada de su hermano muerto busca el amor perdido y el dinero que le pertenece, sin imaginar que su amado está más cerca de lo que cree… ni que comparten al mismo criado. Promesas rotas, matrimonios frustrados, secretos escondidos bajo ropas ajenas y cartas cruzadas van dando forma a una comedia brillante y vertiginosa.
Carlo Goldoni despliega aquí todo su ingenio y maestría del teatro popular italiano para ofrecernos una obra donde el disfraz, el deseo y el absurdo se entrelazan magistralmente. "El Sirviente De Dos Amos" tambien conocida como "Servidor De Dos patrones" es una fiesta de equívocos y carcajadas, ideal para actores versátiles y público de buen humor.
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Este no es un libro cómodo.
El teatro y su doble es una herida abierta.Antonin Artaud escribe desde el borde, contra un teatro domesticado, intelectual, obediente al texto y al buen gusto. Para él, el teatro occidental está enfermo porque ha olvidado su origen ritual, su potencia física, su capacidad de actuar sobre el cuerpo antes que sobre la razón.
Aquí, el teatro es comparado con la peste: una fuerza invisible que desarma el orden social, hace caer las máscaras y obliga a los seres humanos a enfrentarse con lo que esconden. Artaud no busca representar la realidad, sino provocarla. Quiere un teatro que ataque los nervios, que queme el lenguaje, que sacuda al espectador como un cataclismo.
El texto proclama el nacimiento del Teatro de la Crueldad, una crueldad entendida como necesidad vital, como rigor sin concesiones. Un teatro hecho de gritos, silencios, música, cuerpos en trance, luces violentas y gestos precisos. Un teatro donde el actor no interpreta: encarna.
Inspirado por rituales orientales, por la alquimia, por la peste, Artaud propone un arte que deje de ser espectáculo y vuelva a ser experiencia. Nada de psicología, nada de literatura muerta. El escenario se transforma en un campo de fuerzas donde se libera lo reprimido y se expone lo imposible.
Leer El teatro y su doble es entrar en una visión extrema del arte escénico. No ofrece respuestas tranquilizadoras. Ofrece una pregunta feroz:
¿y si el teatro aún pudiera cambiar la vida? -
En el corazón político y emocional del Chile de 1836, un drama de pasiones encendidas y deberes implacables se despliega. "El Tribunal del Honor", obra maestra del romanticismo decimonónico chileno, entrelaza amor, celos, traición y justicia en un hogar marcado por el deber patriótico y las pasiones soterradas.
María, esposa ejemplar y alma sensible, guarda un pasado que resurge con la llegada de un comandante militar que alguna vez fue el amor de su juventud. Mientras tanto, Dolores, su joven y rebelde sobrina, lucha por un amor prohibido en una sociedad donde la reputación lo es todo.
En este contexto, los muros del hogar se convierten en trincheras emocionales: los personajes se ven obligados a elegir entre lo que desean y lo que se espera de ellos. Don Juan, militar y esposo, representa el honor institucional, mientras que María encarna la lucha íntima entre el deber y los sentimientos. El pasado no ha muerto, y su sombra amenaza con trastocar todas las certezas.
Una obra intensa y emotiva, donde los silencios pesan tanto como las palabras, y donde el juicio final no ocurre en tribunales civiles, sino en los recovecos del alma. Una joya olvidada del teatro chileno del siglo XIX, ideal para montajes clásicos con alta carga actoral y emocional.
Es considerada uno de los primeros dramas costumbristas del teatro chileno. Uno de los grandes montajes del siglo XIX.
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En pleno Santiago del siglo XIX, las calles hierven en un día de elecciones. En un salón ricamente amueblado, Don Victorio, senador y político pragmático, recibe a Augusto Meneses, joven aspirante a diputado, representante perfecto del “vividor” que sabe navegar las aguas del poder sin mojarse. Augusto no viene solo a hablar de política: quiere pedir la mano de Elvira, la hija de Victorio, convencido de que su encanto, posición y futura fortuna lo convierten en un partido irresistible.
Pero no cuenta con que el corazón de Elvira late por otro: Benito Muñoz, liberal idealista, valiente y contrario al oportunismo que Augusto exhibe con orgullo. Mientras la ciudad se agita con disturbios electorales, los enredos familiares estallan. Doña Rosa, madre protectora, choca con su marido sobre quién merece la mano de su hija. La tensión sube cuando Benito y Ricardo, hijo de Victorio, acaban presos por defender a un ciudadano de la brutalidad policial, y Augusto, temiendo por su carrera, se rehúsa a ayudar.
Con diálogos ágiles, ironía política y un retrato mordaz de las costumbres electorales de la época, “El Vividor” enfrenta dos visiones de la vida: la prudencia calculadora del que vive bien a costa de todo, y la valentía del que defiende sus principios sin medir el costo. Una sátira política que, más de un siglo después, sigue sonando dolorosamente actual. -
En las áridas tierras que bordean Argos, una mujer vive en la sombra del esplendor perdido. Electra, hija de reyes, carga con la herida abierta del asesinato de su padre y el exilio de su hermano. Mientras los usurpadores gobiernan con impunidad, ella resiste en silencio, abrazando su dolor y su dignidad.
Eurípides nos ofrece en esta versión de Electra una mirada íntima, humana y desgarradora sobre la justicia, la memoria y el deseo de redención. A diferencia de otras tragedias, esta obra se centra en la fragilidad de los personajes y en los dilemas éticos de la venganza. ¿Es justa la justicia cuando hiere a quien la aplica? ¿Puede una hija matar por amor a su padre?
Con una puesta en escena sencilla y conmovedora —una cabaña, un río, un sacrificio—, Electra despliega grandes pasiones: odio, esperanza, miedo y compasión. Una obra intensa y reflexiva, perfecta para compañías que buscan textos clásicos con fuerte carga emocional, diálogos filosóficos y una heroína inolvidable.
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En un país que no es la Tierra —pero se le parece demasiado— el poder se elige entre gritos, apuestas y sonrisas interesadas. En la Luna nos lleva a una república lunar donde la política es un espectáculo y el lenguaje una máscara.
Un feriante nos invita a mirar muñecos que hablan, pero pronto descubrimos que los hilos no son de madera: son humanos. Candidatos intercambiables prometen lo mismo sin saber qué prometen. Ancianos deciden el destino del país entre halagos y cuerpos ofrecidos. El pueblo observa, opina, se contradice… y aplaude.
Cuando el nuevo presidente toma la palabra, algo se quiebra: el discurso ya no significa nada, pero suena convincente. Las palabras se vacían, se deforman, se inflan como globos patrióticos. Nadie entiende, pero todos celebran. La forma ha vencido al contenido.
El gobierno se instala como una opereta: ministros caricaturescos discuten eternamente sin llegar a nada. El azar, las cartas y las finanzas toman el mando. El orden se impone no por justicia, sino por cansancio.
Y cuando alguien se atreve a decir que todo podría ser distinto, el sistema reacciona como siempre: etiqueta, encierra, castiga.
En la Luna no es una obra del pasado. Es un espejo deformante que duele porque funciona. Una comedia que hace reír… hasta que deja de ser graciosa. Huidobro no escribe una sátira: enciende una alarma envuelta en colores, música y risas.
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En plena noche, cuando los movimientos se quiebran y las máscaras caen, Antonin Artaud irrumpe con una voz imposible de domesticar.
El bluff surrealista no es una obra cómoda ni conciliadora. Es un grito escrito desde la fractura, una acusación directa contra un surrealismo que —según Artaud— traicionó su esencia al someterse a ideologías, partidos y consignas. Aquí no hay escenas tradicionales ni personajes múltiples: hay una conciencia en combustión, enfrentada al mundo, al arte y a la idea misma de revolución.
Artaud desmonta la noción de cambio social como espectáculo externo y propone algo más inquietante: una revolución que comienza y termina en el interior del alma. El texto se mueve entre la lucidez y la rabia, entre la mística y el desprecio, cuestionando toda acción que no nazca de una transformación espiritual real.
Este monólogo-manifiesto es una experiencia escénica intensa, ideal para montajes minimalistas, performáticos o rituales. Una obra que interpela directamente al espectador, lo incomoda, lo provoca y lo obliga a preguntarse qué significa, realmente, ser libre.
No es un texto para agradar.
Es un texto para despertar. -
30% ¡Off!
Valencia, 1833. Un carruaje se detiene en las puertas de la ciudad. Ernesto de Guzmán regresa a su tierra tras años de exilio en América. Pero no vuelve como cualquier hijo pródigo. Vuelve marcado por el fuego de las guerras de independencia, por un amor jurado y por una conciencia que lo llevó a luchar contra las mismas banderas que lo vieron nacer.
En el corazón de este drama palpitante se enfrentan la pasión de Ernesto y Camila —primos unidos desde la infancia por promesas sagradas— contra el orgullo de una familia que no perdona. Don Pedro, símbolo vivo de la vieja España, no puede aceptar que su sobrino, un Guzmán de linaje, haya blandido su espada por la libertad americana. Para él, la traición no tiene justificación, y la conciencia individual no puede desafiar al deber militar.
Ernesto es un grito desgarrado en una España dividida entre el honor y el progreso, la lealtad y la libertad. Con diálogos encendidos, personajes entrañables y un trasfondo histórico vibrante, esta obra nos invita a reflexionar sobre la fidelidad, el sacrificio y las cadenas invisibles que la sociedad impone al corazón humano.
Una historia intensa, romántica y trágica que se despliega como una batalla entre lo que uno es, lo que uno cree... y lo que la sociedad le permite ser.
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Un joven camina por la ciudad como si fuera un templo en ruinas.
No busca placer. No busca amor. No busca poder.
Busca pureza. Busca martirio. Busca santidad.Andrés no vive la fe: la sangra.
Se marca el cuerpo. Castiga su deseo. Renuncia al goce. Persigue la perfección como si fuera una herida abierta. En un mundo atravesado por la miseria, la violencia, la represión, la marginalidad y la hipocresía moral, su espiritualidad se transforma en un delirio místico que lo empuja cada vez más lejos de la humanidad.A su alrededor, orbitan figuras tan humanas como rotas:
una abuela fanática, que convierte la religión en control y miedo;
Esteban, el amigo que ama la vida pero teme al vacío;
María, la ternura atrapada entre fe y deseo;
sacerdotes, delincuentes, travestis, clientas, militares, pobres, víctimas y verdugos que construyen un paisaje urbano donde lo sagrado y lo monstruoso conviven sin fronteras.La ciudad se vuelve altar.
La calle se vuelve confesionario.
El cuerpo se vuelve templo.
La fe se vuelve enfermedad.Éxtasis o La Senda de la Santidad es una obra brutalmente poética que cruza misticismo cristiano, erotismo, violencia social, delirio religioso, represión sexual y crítica política. Un viaje al interior de una mente que confunde salvación con destrucción y pureza con aniquilación.
Aquí la santidad no es luz.
Es fiebre.
Es obsesión.
Es abismo.Una dramaturgia intensa, visceral y simbólica, donde la espiritualidad se convierte en carne, la carne en sacrificio, y el sacrificio en una pregunta sin respuesta:
¿qué ocurre cuando alguien intenta ser santo en un mundo enfermo? -
Un cuerpo desnudo.
Un traje dibujado sobre la piel.
Una voz que ordena: “entra en escena y olvida que estás vivo.”Fin del eclipse no es una historia… es un viaje al interior de todas las historias que nos han construido.
En un escenario que muta como un sueño febril, personajes atraviesan guerras, conquistas, amores imposibles, revoluciones y tragedias íntimas. Un hombre es muchos hombres: conquistador, amante, soldado, actor. Una mujer es todas las mujeres: musa, autora, verdugo, memoria.
Las escenas se rompen, se repiten, se contradicen.
Un actor ensaya mientras otro muere.
Un amante susurra mientras un imperio cae.
Un disparo en el cielo hiere a Dios… o quizás a la conciencia.Aquí no hay tiempo lineal, ni verdad única.
Hay cuerpos que desean, que matan, que recuerdan.
Hay palabras que crean realidades… y las destruyen.Entre el humor ácido, la crudeza política y la poesía descarnada, la obra desnuda una pregunta brutal:
👉 ¿Somos dueños de nuestra historia… o simples actores repitiendo un guion que no comprendemos?
“Fin del eclipse” es una experiencia escénica intensa, fragmentada y profundamente contemporánea, donde cada espectador deberá reconstruir su propio sentido… o aceptar perderse en la oscuridad.
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En un país suspendido frente a las cámaras, a minutos de un anuncio histórico, algo falta. No es un discurso. No es una orden. Es la Roza.
Fotosíntesis por “No” la Roza es una obra feroz y visionaria que cruza política, sexualidad, religión y medios de comunicación en una puesta en escena fragmentada y simultánea. Mientras un General ensaya su victoria televisiva, la transmisión se contamina. Un joven quiere ser estrella mirando pornografía. Una mujer sangra y recuerda. Otra gana la lotería y predica la pureza. Un ángel no logra bajar a la tierra. Un niño corre con un objeto que nadie puede recuperar.
La obra no explica: expone. Los cuerpos hablan antes que las ideas. La televisión se vuelve altar. El sexo, mercancía. La flor, herida. Todo ocurre al mismo tiempo, como un país que no logra ordenar su memoria.
Ramón Griffero construye un teatro de imágenes, de choque, de poesía violenta, donde la dictadura no se nombra: se filtra. La Roza irrumpe en la pantalla, en el cuerpo, en la historia, desarmando el lenguaje oficial y obligando al espectador a mirar aquello que fue ocultado.
Una obra indispensable del teatro chileno contemporáneo. Incómoda. Bellísima. Radical. Un ritual escénico donde la vida insiste incluso bajo las bombas.
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Fuenteovejuna es una de las obras más poderosas del Siglo de Oro español, donde el amor, el honor y la justicia se entrelazan con una intensidad sobrecogedora. En una villa campesina sometida a la tiranía de un noble corrupto, las voces silenciadas de las mujeres y los hombres comunes comienzan a alzarse. Laurencia, una joven labradora decidida y valiente, se convierte en símbolo de resistencia al enfrentarse al abuso de poder con una dignidad imbatible.
Frondoso, su enamorado, desafía el peligro para protegerla, mientras que el pueblo entero enfrenta un dilema moral: ¿cómo resistir a la injusticia sin perder la propia humanidad? En un contexto político donde los Reyes Católicos buscan afianzar su poder, Fuenteovejuna narra con tensión creciente la historia de un pueblo que, acorralado, decide actuar con un solo corazón y una sola voz.
Con momentos de lirismo, comedia popular y emoción desgarradora, esta obra maestra de Lope de Vega no solo conmueve, sino que nos hace reflexionar sobre el poder del pueblo unido frente a la opresión. Un clásico que habla de hoy con la fuerza de siempre.
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La obra se abre en la noche, antes de medianoche, cerca del castillo de Machecoul. Dos hombres —Morigandais y Blanchet— esperan a Gilles de Raiz. Desde el inicio, la atmósfera es fatal: la noche no es solo un tiempo, es un estado del alma. Todo anuncia un pacto.
Aparecen mujeres atraídas por la luz del castillo. Una Madre intenta salvar a su Hija, pero la joven está hechizada por una fuerza que llama amor, deseo, destino. Otra Mujer regresa del castillo: rota, marcada, delirante. Recognocemos que el castillo no concede placer sin aniquilación. Gilles de Raiz es descrito como un imán absoluto: hermoso, cruel, místico, monstruoso.
La Bruja confirma el mito: Gilles es alquimista, astrólogo, brujo, encantador. No ama como los hombres comunes: persigue algo que está más allá del amor, una esencia inalcanzable.
Llega Gilles. Su presencia quema. Una mujer muere tras implorar el “filtro del olvido”. Gilles la besa muerta. El horror no es escénico: es filosófico. El cadáver sirve para la invocación.
Se traza el círculo. Blanchet huye. Morigandais duda. Gilles queda solo y convoca a Lucifer. El demonio aparece no como bestia, sino como camarada lúcido, casi irónico. El pacto se sella: Gilles entrega su alma a cambio de amor eterno, poder absoluto, sabiduría sin límites y juventud perpetua.
Entonces ocurre el núcleo trágico: Gilles confiesa su pasado con Juana de Arco. Revela que fue creación política, un milagro fabricado que terminó superando a sus creadores. Juana creyó, ardió y fue sacrificada. Gilles fue testigo y cómplice.
Desde ahí, la obra se vuelve metafísica: Gilles no busca mujeres, busca lo que está detrás del amor. Ama el deseo, pero odia la materia. Es un místico sin dios, un poeta sin redención. Lucifer lo comprende: Gilles está perdido porque quiere lo absoluto.
La tragedia no es el pacto.
La tragedia es que ni siquiera el infierno puede darle lo que busca. -
En la oscura corte de Dinamarca, un joven príncipe se debate entre la razón y la locura cuando el fantasma de su padre asesinado le encomienda una misión imposible: vengar su muerte. Hamlet es mucho más que una historia de venganza; es una profunda exploración de la conciencia humana, la traición, el amor frustrado, y la decadencia de la moral en los pasillos del poder.
Con un lenguaje poético, lleno de imágenes potentes y reflexiones filosóficas, esta obra de Shakespeare nos sitúa frente a los dilemas más íntimos del alma: ¿Qué es la justicia? ¿Dónde termina el deber y comienza la venganza? ¿Podemos confiar en lo que vemos? A través de un protagonista agudo, melancólico y contradictorio, el espectador recorre un paisaje emocional lleno de intrigas, juegos de poder y preguntas sin respuestas.
Hamlet es, sin duda, una de las piezas más universales y conmovedoras del teatro clásico. Su genialidad reside en que, aunque se desarrolla en una corte lejana y aristocrática, toca fibras profundamente humanas. Acompaña a este príncipe en su búsqueda de sentido, en su dolor por una madre que ha vuelto a casarse demasiado pronto, en su rabia por un mundo podrido de mentiras y apariencias. Una historia donde cada palabra importa, donde cada gesto oculta una intención, y donde la muerte no es el final, sino el principio de todo.
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Una modista viuda levanta su taller en el corazón de Santiago. Entre maniquíes, telas y máquinas de coser, Isabel Sandoval mantiene viva una casa que se tambalea entre la pobreza y el decoro. Sus hijas cosen, su hijo menor instala motores, y el mayor —el “poeta”— sueña con una vida mejor, tan alta que termina olvidando el suelo que lo sostiene.
Armando Moock, con una pluma ágil y compasiva, retrata un hogar donde la risa y la miseria conviven. Don Alejo, amigo viejo y filósofo sin fortuna, aporta ironía y ternura; su presencia ilumina la trama como una lámpara en un cuarto oscuro. En ese espacio mínimo, el público asiste al desfile de los grandes temas del Chile urbano de comienzos del siglo XX: la educación como promesa, el trabajo femenino como resistencia, la hipocresía social, el amor no correspondido y el precio de la vanidad.
El tono de comedia no es liviano: bajo el humor, late la herida del clasismo. Cada diálogo es un duelo entre la apariencia y la verdad, entre la ilusión y la dignidad.
“Isabel Sandoval, Modas” es una joya de la dramaturgia chilena temprana: una comedia de costumbres con alma de tragedia doméstica. Nos recuerda que, detrás de cada vestido elegante, hay manos que cosen con amor y lágrimas invisibles que no manchan la tela, pero sí la historia. -
Nápoles, siglo XIV. Una corte decadente se deslumbra con banquetes y torneos mientras el reino se desangra entre bandos rivales. En ese escenario irrumpe Andrés de Hungría, un príncipe criado en la rudeza del norte que llega portando una bula papal: será coronado Rey antes de tiempo. Su ideal es simple y temerario: extirpar la corrupción, aligerar los impuestos y rescatar el honor de la corona.
Pero la gloria tiene un precio. Su esposa, la joven Juana, está acostumbrada a que los aduladores conviertan cada capricho en ley. A su lado conspiran la seductora Catalina de Bizancio—tía y tutora—y el apuesto Luis de Tarento, un primo cuyo encanto amenaza la estabilidad del trono. Para completar el laberinto moral, Andrés confía el gobierno al incorruptible Nicolás Acciayoli, sin prever que su devoción por la virtuosa Francisca—la hija del ministro—encenderá rumores, celos y traiciones.Entre decretos severos, bailes fastuosos y carteles infamantes que se clavan de noche en los muros del palacio, la tensión escala vertiginosamente. El ejército duda, el pueblo murmura y la Iglesia observa. Cada acto ofrece un duelo distinto: deber contra pasión, patria contra sangre, verdad contra apariencias.
Bajo el fulgor mediterráneo, Juana de Nápoles disecciona los engranajes del poder: la manipulación política, la violencia de género en la realeza, y la fragilidad de los lazos familiares cuando la ambición los tensa hasta el límite. Con versos vibrantes y escenas de alta intriga, la obra nos invita a preguntar: ¿Qué ocurre cuando el reformador se convierte en objetivo y el amor se usa como moneda para comprar coronas?
Prepárese el espectador: en este drama histórico nadie sale ileso de la corte napolitana. -
Julio César es una de las tragedias más poderosas de Shakespeare, donde se entrelazan la política, el honor, la traición y el destino con una maestría atemporal. Ambientada en la turbulenta Roma republicana, la obra gira en torno a la figura imponente de Julio César, cuya creciente influencia amenaza con romper el equilibrio de poder. Mientras los ciudadanos lo aclaman, en las sombras se fragua una conspiración que pondrá a prueba la lealtad de los más nobles corazones.
Marco Bruto, respetado por su virtud y racionalidad, se ve arrastrado por un dilema moral: ¿es más noble la amistad o el deber hacia la república? Su decisión lo conducirá a un camino sin retorno donde los ideales se enfrentan al caos, y las consecuencias de los actos resuenan como truenos en una Roma al borde de la guerra civil.
El discurso de Marco Antonio en el funeral de César —una de las escenas más citadas del teatro universal— es apenas una muestra del poder retórico y emocional de esta obra. Con personajes intensos, presagios oscuros, sueños proféticos y dilemas humanos profundos, Julio César nos recuerda que el destino de las naciones puede depender del conflicto interior de un solo hombre.
Ideal para montajes teatrales intensos, lecturas críticas o adaptaciones contemporáneas con fuerte carga simbólica y política.
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30% ¡Off!
En el corazón del Amazonas, entre selvas misteriosas y árboles centenarios, se refugia una familia quiteña que ha escapado de la cruenta represión española tras la revolución. La Camila o la patriota de Sud-América nos sumerge en una historia vibrante y profundamente emotiva, donde el amor, el honor y la lucha por la libertad se entrelazan en medio del exilio y la esperanza.
Camila, una joven mujer fuerte, inteligente y apasionada, es el alma de esta historia. Su corazón guarda el recuerdo de un amor perdido y su espíritu encarna los ideales de una patria aún por conquistar. Junto a sus padres, se encuentra con una sociedad indígena que busca construir una república basada en la razón, la educación y la igualdad. Pero los fantasmas del pasado, las heridas de la traición y el miedo al poder colonial español amenazan con destruirlo todo.
Inspirada en los ideales de la Ilustración y escrita por uno de los padres del pensamiento chileno, Camilo Henríquez, esta obra no es solo un drama, sino una declaración política, una alegoría de América en su lucha por la emancipación. A través de diálogos intensos y escenas conmovedoras, la obra expone con crudeza los dilemas morales y sociales de una época convulsionada, y eleva el papel de la mujer como símbolo de integridad y resistencia.
Ideal para montajes contemporáneos con enfoque histórico, La Camila es una joya del teatro latinoamericano del siglo XIX que sigue resonando con fuerza en nuestro presente.
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Una casa blanca. Muros gruesos. Calor inmóvil.
Y dentro, cinco mujeres condenadas a mirar la vida pasar desde detrás de las paredes.La casa de Bernarda Alba no es solo un hogar: es una prisión levantada en nombre del honor, la tradición y el miedo al juicio ajeno. Tras la muerte del patriarca, Bernarda impone un luto feroz que asfixia cualquier impulso vital. En ese encierro forzado, las hijas cosen, callan, espían, desean. El tiempo se espesa. El calor quema. El silencio duele.
La llegada de un pretendiente invisible —Pepe el Romano— desata una tormenta interna. No importa tanto el hombre como lo que representa: la posibilidad de escapar, de amar, de vivir el cuerpo. Cada hija reacciona desde su herida: resignación, ironía, miedo, rencor o desafío abierto. La tensión crece como una cuerda demasiado estirada.
Lorca escribe un drama sin adornos, seco y brutal, donde la palabra es cuchillo y el silencio, sentencia. Las mujeres hablan del deseo como pecado, del matrimonio como destino, de la libertad como una amenaza. Y en medio, una madre que confunde autoridad con crueldad, orden con represión.
Esta obra es un retrato implacable de una sociedad que sofoca a las mujeres, pero también una tragedia íntima sobre el deseo negado y la violencia que nace de su represión. Cada escena avanza hacia un punto sin retorno. El espectador lo siente: algo va a romperse.
Y cuando sucede, ya es demasiado tarde.
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¿Qué ocurre cuando la espada que conquistó un imperio se ve arrinconada por la ambición de los poderosos?
En el corazón del Perú colonial, entre intrigas palaciegas, pasión contenida y sed de justicia, La conjuración de Almagro nos transporta a un momento crítico de la historia: la lucha entre la memoria de un mariscal caído y el poder absoluto de Francisco Pizarro. Diego de Almagro, joven e idealista, carga con el legado de su padre asesinado y el peso de una patria que no le reconoce. Rodeado por soldados leales pero empobrecidos, es impulsado por Juan de Rada a liderar una rebelión que podría cambiar el destino del virreinato.
Entre la pasión inocente de Beatriz y los enredos políticos de la astuta Francisca Pizarro, se entreteje un drama de amores imposibles, traiciones, y coraje. La obra levanta una pregunta vibrante: ¿es posible la justicia cuando el oro y el poder dictan las reglas?
Guillermo Blest Gana firma aquí un drama cargado de intensidad moral, donde la dignidad se enfrenta al cálculo, y la historia late con fuerza en cada verso. Un espejo trágico de nuestra América, tan viva como herida.
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¿Y si tu hermana dulce no puede casarse porque tú, con carácter de tormenta, no tienes pretendientes?
Así comienza esta hilarante comedia de enredos, engaños y conquistas donde la lengua afilada de Catalina se convierte en el mayor obstáculo para el amor de su hermana Blanca. Ambientada en la ciudad de Padua, La fierecilla domada es una obra chispeante de William Shakespeare que combina humor físico, ironía social y reflexión sobre los roles de género.Todo cambia cuando aparece Petruchio, un caballero con ambiciones... y paciencia. Mientras todos huyen del genio de Catalina, él la busca con determinación, desatando un juego de voluntades y estrategias entre ambos. En paralelo, un desfile de galanes, sirvientes disfrazados y padres negociantes da vida a un torbellino de identidades cambiadas, secretos y falsas apariencias, donde nada es lo que parece y el amor debe enfrentarse a las reglas de la conveniencia.
Con un ritmo ágil y personajes memorables, esta obra es una sátira que combina romance, teatro dentro del teatro y una crítica humorística sobre el matrimonio y la obediencia. Ideal para públicos que disfrutan de los clásicos universales con un toque de picardía, esta versión mantiene la esencia original con un lenguaje accesible y lleno de teatralidad.
La fierecilla domada es una obra que invita a reír, reflexionar y dejarse seducir por los juegos de poder y amor. Perfecta para montajes contemporáneos o lecturas con perspectiva crítica.
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La obra se desarrolla frente al pórtico de una catedral gótica y presenta un conflicto alegórico que satiriza la relación entre el poder civil (Estado), el poder religioso (Iglesia) y la Libertad.
Satanás, como narrador-manipulador, planea impedir el matrimonio entre Estado y Libertad, temiendo que esta unión limite su influencia. Para lograrlo, llama a sus sirvientes Fanatismo, Intolerancia y Cojuelo, quienes, mediante engaños y provocaciones, intentan desacreditar a Libertad.Cojuelo administra “dosis de opio” metafóricas para alterar la conducta de la joven, provocando que Estado la vea como una persona inestable, impulsiva y poco fiable. Ante este espectáculo, Estado comienza a dudar del casamiento.
Satanás aprovecha la ocasión para convencer a Estado de que su verdadero destino es unirse con Iglesia. Primero intenta persuadir a Iglesia resaltando supuestas amenazas a la fe y al orden religioso: la decadencia de las costumbres, la pérdida de privilegios eclesiásticos y el avance de ideas liberales. Iglesia, aunque inicialmente rechaza la propuesta, acaba reconsiderándola al leer (sin saberlo) un libro manipulado por Satanás.
Finalmente, Iglesia y Estado se comprometen públicamente, intercambiando promesas de apoyo mutuo: él defenderá a la religión con su fuerza militar y ella respaldará al gobierno con su autoridad moral y espiritual. El pueblo, influenciado por Fanatismo e Intolerancia, aprueba la unión, olvidando su anterior entusiasmo por Libertad.
La obra concluye con la unión simbólica de Iglesia y Estado, mientras Libertad queda desplazada y Satanás celebra su victoria, anticipando que la mezcla de intereses mundanos y religiosos generará conflictos que seguirán alimentando su poder. -
Una mujer que recuerda haber sido muchas. Una filósofa veneciana exiliada, madre, amante, guerrillera, amiga de iguanas y disidente de todos los sistemas. La iguana de Alessandra, de Ramón Griffero, es una travesía sensorial y poética por distintos territorios geográficos, históricos y emocionales.
Desde el esplendor melancólico de una Venecia asediada por la guerra, hasta los valles chilenos y los confines revolucionarios de China y Siria, esta obra nos sumerge en un viaje onírico donde el tiempo se pliega y se expande. A través de Alessandra, viajamos con los astros y las lagartijas, con los refugiados y las niñas filósofas, con amantes imposibles y guerrilleros rotos.
Griffero nos entrega una pieza de teatro político y poético donde conviven las grandes preguntas del siglo XX con el humor, el dolor, la identidad, el deseo, la familia, el género y la revolución. Cada escena es una postal de resistencia frente al olvido. Una obra coral, exuberante y radical, donde lo real se funde con lo mítico y lo íntimo con lo universal.
Ideal para montajes experimentales, con gran despliegue visual, música, danza, multiescena y voces múltiples. Un canto a la vida en medio del naufragio. Una iguana que sobrevive al fuego, a la nieve y al exilio, para recordarnos que en toda herida también germina una flor.
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Una posada en Filadelfia se convierte en escenario de encuentros decisivos, donde viajeros y emigrados discuten sobre libertad, justicia y las promesas del Nuevo Mundo. Allí conocemos a Mr. Faber, un hombre marcado por la desconfianza y la soledad, que huyó de Europa tras perder a su esposa Ester bajo la sombra de la calumnia. Mientras contempla el progreso americano y reflexiona sobre la corrupción de la vieja Europa, su destino vuelve a entrelazarse con los fantasmas del pasado.
La obra alterna entre escenas íntimas y discursos encendidos sobre la moral pública, la educación, la literatura y la política americana y sudamericana, dibujando un cuadro vibrante del siglo XIX. En medio de estas conversaciones, aparece Matilde, una niña de ocho años que busca a sus padres tras sobrevivir a persecuciones y naufragios. Su inocencia ilumina la trama, revelando un vínculo inesperado con el propio Faber.
El doctor Powell, figura moral y espiritual, guía el relato con su fe en la misericordia divina y en la justicia de las instituciones humanas. En contraste, personajes como el caballero Lodini aportan ironía y sátira con relatos de viajes y juicios superficiales sobre las culturas europeas y americanas.
El clímax llega cuando la verdad emerge desde la confesión de Judas Sobrignoli, desenmascarando la traición que separó a Ester y Faber. El reencuentro final entre los esposos y su hija no solo devuelve la felicidad familiar, sino que confirma el mensaje profundo de Camilo Henríquez: la virtud y la inocencia siempre hallarán amparo, incluso frente a la adversidad y la calumnia.
Una obra conmovedora y visionaria, que mezcla drama íntimo, reflexión social y esperanza en los ideales republicanos.
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En el bullicioso Valparaíso del siglo XIX, un misterioso joven llamado Florentino ha ascendido con esfuerzo y talento en una prestigiosa casa comercial. Admirado por su integridad y discreción, su presencia inquieta tanto a sus compañeros como a sus superiores, especialmente cuando empieza a despertar afectos y sospechas por igual.
Pero Florentino guarda un secreto que podría hacerlo caer en desgracia en una sociedad gobernada por prejuicios y normas implacables. A su lado está su hermana Luisa, una mujer lúcida y apasionada que sueña con amar libremente, y que al mismo tiempo se ve atrapada por los límites que le impone su género. Cuando el amor, la envidia y la traición comienzan a enredar a todos los personajes, lo que está en juego ya no es solo una reputación, sino la posibilidad de vivir con dignidad y libertad.
“La Mujer-Hombre” es una obra sorprendentemente moderna, audaz en su crítica al patriarcado y emocionante en su retrato de las pasiones humanas. Una historia de sacrificio, identidad y valentía, donde los papeles tradicionales se invierten y las máscaras sociales comienzan a caer. ¿Puede una mujer fingir ser hombre sin traicionarse a sí misma? ¿Hasta dónde es capaz de llegar por amor o justicia? Descúbrelo en esta emocionante y conmovedora pieza del teatro chileno del siglo XIX.
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En la Santiago colonial de 1635, las campanas repican, pero no llaman solo a misa: anuncian intrigas, conspiraciones y pasiones peligrosas. En medio de esta ciudad dividida, una figura domina los rumores y las miradas: Catalina de los Ríos y Lisperguer, conocida como La Quintrala. Dueña de una belleza hipnótica y un carácter indomable, Catalina no conoce límites cuando se trata de defender su poder o saciar su sed de venganza.
El Obispo Salcedo y la Real Audiencia se enfrentan en una lucha política y moral que tiene un nombre común en boca de todos: Catalina. Un sermón público contra su reputación la enciende y la lleva a planear una represalia implacable. Su objetivo será Blanca, la inocente y confiada sobrina del obispo, a quien logra engañar con la promesa de un reencuentro amoroso.
Paralelamente, Fernando, joven apasionado e hijo de Bravo de Navieda, se ve atrapado entre su amor por Catalina y su lealtad hacia su padre, quien aspira a convertirse en corregidor. Entre las sombras se revela una antigua promesa de venganza por un crimen pasado, y una cruz perdida que podría condenar a su portador.
Mientras los oidores, el obispo y los partidarios de Catalina mueven sus piezas como en un tablero de ajedrez, las tensiones aumentan. La casa de La Quintrala se convierte en escenario de conspiraciones, secretos y amenazas, donde cada puerta oculta un peligro y cada palabra puede sellar un destino. La pregunta es inevitable: ¿Quién prevalecerá, la justicia o la voluntad indomable de Catalina?
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En el año 2000, la próspera —y ficticia— República de Jauja celebra elecciones que prometen un nuevo amanecer para sus ciudadanos. Camaleón II, carismático y astuto, sube al poder con el apoyo de El Pueblo, La Democracia, El Trabajo y La Industria, jurando acabar con la injusticia y la corrupción. Sin embargo, pronto descubrirán que las palabras dulces pueden esconder los mismos viejos vicios.
En este país de nombres alegóricos, las máscaras caen rápido: la Aristocracia maniobra para colocar a toda su parentela en cargos rentados; Don Simón Creso, banquero y flamante Ministro de Hacienda, protege sus propios intereses; Bertoldo Cara de Palo, vocero oficial, reparte favores a cambio de lealtad; y La Prensa “tragaldabas” convierte mentiras en titulares.
Entre escenas cómicas y diálogos punzantes, El Pueblo sigue esperando las promesas cumplidas: trabajo digno, industria nacional protegida y justicia equitativa. Pero el nuevo gobierno parece más interesado en fiestas, cargos para amigos y nuevos impuestos que en cambiar la vida de quienes lo eligieron. Las metáforas políticas se entrelazan con el humor satírico y las exageraciones teatrales, dibujando un retrato universal de los abusos de poder y la resignación ciudadana.
La República de Jauja es una sátira brillante de Juan Rafael Allende que, pese a ambientarse en un “futuro” ficticio, se siente inquietantemente actual. Con personajes que representan fuerzas sociales, virtudes y defectos colectivos, la obra desnuda las alianzas entre política, riqueza y religión, recordándonos que la verdadera Jauja —la tierra de la abundancia— sigue siendo, para la mayoría, un espejismo.
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¿Cómo se construye una emoción verdadera en escena?
La Rueda de las Emociones es mucho más que un manual para actores: es una brújula poética y corporal para explorar la complejidad emocional del ser humano. Partiendo de las investigaciones de Paul Ekman, Susan Bloch y Robert Plutchik, este libro fusiona ciencia, filosofía y práctica teatral en una propuesta única, dirigida a quienes buscan actuar con autenticidad.
Desde la respiración hasta la mirada, desde lo visceral hasta lo simbólico, este glosario emocional guía a los artistas por un viaje donde la emoción no se finge, se encarna. A través de 6 emociones escénicas fundamentales (alegría, tristeza, ira, miedo, deseo y ternura) y su combinación en 36 estados emocionales mixtos, el lector aprenderá a nombrar, respirar y transformar sus emociones con precisión y belleza.
Con una escritura clara y apasionada, La Rueda de las Emociones ofrece ejercicios prácticos, reflexiones filosóficas y mapas emocionales que pueden usarse tanto para construir un personaje como para habitar la vida con mayor conciencia.
Un libro para quienes sienten antes de hablar. Para quienes creen que actuar no es fingir, sino decir la verdad con el cuerpo.
