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“Alo! Alo! El Telefono” – Román Vial (1919.)

$3.490

Valparaíso, 1919. Un teléfono recién instalado se convierte en el nuevo protagonista de una casa burguesa en decadencia. Don Ildefonso, un caballero maduro con ínfulas de galán, coquetea con su sirvienta Concepción, mientras su esposa, doña Lastenia, duerme el sueño de los celos. Entre llamadas cruzadas, besos mal interpretados y rumores de bodega, el aparato eléctrico se transforma en un espejo indiscreto donde todos quedan al descubierto.

En esta comedia chispeante, Román Vial anticipa con humor las trampas de la comunicación moderna: el deseo disfrazado de conversación, el poder de la voz y el eterno enredo entre lo dicho y lo escuchado. “¡Alo! ¡Alo! ¡El Teléfono!” es una joya breve, ácida y deliciosa, donde el progreso hace su primera llamada... y nadie sabe colgar a tiempo.
“El Hombre, La Bestia Y La Virtud” – Luigi Pirandello (1919.)

$3.490

Una mujer virtuosa, un profesor apasionado y un marido animal son los vértices de esta tragicomedia feroz sobre la hipocresía de la moral.
La señora Perella, símbolo del pudor y la obediencia, esconde un secreto: está embarazada de su profesor de latín, el nervioso y brillante Paolino. Su marido, un capitán brutal y ausente, lleva años negándole el lecho conyugal. El regreso repentino del capitán desata el pánico.
Paolino, atrapado entre el amor y la desesperación, idea un plan absurdo y genial: hacer que el capitán vuelva a “cumplir sus deberes” conyugales para cubrir la falta de su esposa. Con la ayuda de un médico y un farmacéutico, manipula a todos en una cadena de mentiras que se enreda con comicidad y tensión.
Entre risas y crueldades, Pirandello desnuda una sociedad que finge virtud mientras se pudre de deseo.
El público asiste a una danza de apariencias donde la virtud debe disfrazarse de pecado para sobrevivir, el pecado de virtud para justificarse y el hombre racional se ve obligado a despertar la bestia para salvar el honor.
“Todo Sea Para Bien” – Luigi Pirandello (1920.)

$3.490

“Todo sea para bien” es una obra donde las apariencias sociales, la moral y el sacrificio se enfrentan en una casa romana cargada de secretos.
Martino Lori, un consejero de Estado, ha vivido dieciséis años de aparente rectitud, refugiado en el recuerdo de su difunta esposa. Su vida, ordenada y digna, se tambalea el día en que su hija, Palma, se casa con un marqués y la sombra del pasado regresa.
La inesperada visita de La Barbetti, abuela de la novia, y de su hijo Carletto, desencadena una serie de revelaciones que ponen a prueba la aparente pureza moral de todos los personajes. En medio de la celebración nupcial, el pasado emerge con fuerza: antiguas culpas, adulterios y silencios convenientes que se disfrazan de virtud.

En la superficie, la obra parece una comedia de modales —con visitas inoportunas y enredos familiares—, pero pronto se convierte en una tragedia íntima sobre el autoengaño y el sacrificio moral.
Pirandello retrata con precisión quirúrgica cómo los personajes justifican sus mentiras en nombre del “bien común”. El título se vuelve una ironía: “todo sea para bien” significa, en realidad, “todo sea para que nada se rompa”.
Martino Lori se erige como símbolo del hombre moralmente vencido por la verdad: un ser que elige vivir en la mentira para no destruir la ilusión de pureza de los otros.
Una obra intensa, moderna y profundamente humana, donde la virtud se convierte en máscara y el amor en renuncia. Perfecta para el teatro psicológico o el realismo dramático contemporáneo.
“La Serpiente” – Armando Moock (1920.)

$3.490

Una mujer fuera de la ley. Un hombre que se cree dueño de su voluntad. Una sociedad que castiga lo que desea. Ambientada en el Buenos Aires moderno de 1920, La Serpiente es una comedia de alta temperatura moral, donde las pasiones se entrelazan con la inteligencia y la ironía. Luciana, una mujer separada y amante de un escritor famoso, encarna la rebeldía de una época que empezaba a cuestionar los límites entre el amor, la moral y la libertad. Pedro, el intelectual que la ama, pretende dominar su propia naturaleza a través de la razón, pero termina devorado por aquello que niega: el deseo. Entre conversaciones elegantes, cafés, perfumes, cigarrillos y teorías sobre la “voluntad”, los personajes se enfrentan a un espejo social que los desnuda. Detrás de la comedia late una tragedia sutil: la lucha entre el instinto y la conciencia, entre la apariencia y la verdad. La obra se sostiene en un diálogo ágil, moderno, cargado de humor irónico y observación psicológica. Su mirada sobre la mujer emancipada y el feminismo naciente la convierte en una pieza sorprendentemente vigente. “La Serpiente” es una joya del teatro chileno‑rioplatense que retrata con inteligencia el drama del amor moderno, donde nadie queda ileso y todos muerden o son mordidos.
“Cuando Venga El Amor” – Armando Moock (1920.)

$3.490

En una casa bañada por el sol y las convenciones, una joven debe casarse sin saber por qué. “Cuando venga el amor” es la historia de una inocencia que se despierta tarde, cuando el velo del deber se rompe y asoma la verdad.
Margot, educada para complacer, descubre en la víspera de su boda que su corazón está vacío. Rafael, su prometido, busca en ella un amor que no existe y, al hallarse ante la sinceridad de su renuncia, elige liberarla.
Entre conversaciones frívolas, risas y costumbres burguesas, el texto avanza hacia un duelo íntimo entre la razón y el sentimiento, donde la palabra se convierte en bisturí.
Moock, con lenguaje delicado y moderno, escribe un retrato de la mujer que empieza a pensarse a sí misma, capaz de decir “no” sin odio ni culpa. Una joya del teatro chileno del 1920 que sigue resonando con su pregunta esencial: ¿Qué haremos cuando por fin venga el amor?
“El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

$1.490

En una pradera encantada, donde los insectos viven una vida apacible y casi humana, un joven soñador se atreve a amar lo imposible.

"El maleficio de la mariposa", la primera obra escénica de Federico García Lorca, es una exquisita fábula poética que transforma lo ínfimo —cucarachas, gusanos, alacranes y mariposas— en portadores de las pasiones humanas más profundas. A través del lirismo de sus versos y la ternura absurda de sus personajes, la obra nos presenta al pequeño Curianito el Nene, un insecto poeta que, desoyendo las normas de su comunidad, se enamora perdidamente de una mariposa herida que ha caído desde lo alto de un ciprés.

Mientras su madre y los insectos del pueblo intentan emparejarlo con Silvia, una curiana acomodada, él solo sueña con el amor puro y trágico que representa esa criatura alada. Su anhelo es tan grande como su inocencia, y su rebeldía lo conduce a una conclusión inevitable: la belleza ideal no pertenece a este mundo. El amor, cuando apunta al cielo, puede convertirse en maldición.

En esta obra, la sátira se mezcla con la tragedia, y la belleza de los símbolos naturales se entrelaza con el humor más negro. ¿Qué sucede cuando el amor se vuelve inalcanzable? ¿Qué precio pagamos por perseguir un ideal?

"El maleficio de la mariposa" es un canto a la poesía, una crítica a la sociedad conformista y un retrato temprano del estilo único que haría de Lorca un ícono del teatro universal.
“Como Antes, Mejor Que Antes” – Luigi Pirandello (1920.)

$3.490

Una mujer renace de entre los muertos en una villa del norte de Italia. Fulvia, marcada por el escándalo y la culpa, vuelve a cruzarse con su marido —el hombre que la salvó con bisturí— y con su amante —el que la arrastró al abismo.
Pirandello construye una tormenta de pasiones dentro de una vieja pensión donde la razón y el deseo se confunden.
Entre los murmullos de los criados y las sombras del lago de Como, tres almas se enfrentan al espejo del tiempo: ¿puede el amor sobrevivir después de la humillación?
Como antes, mejor que antes es una tragedia íntima donde cada personaje busca una segunda oportunidad en un mundo que ya no perdona.
“Enrique IV” – Luigi Pirandello (1922.)

$3.490

En un salón detenido en el tiempo, un hombre vive rodeado de fantasmas vestidos de época. Se hace llamar Enrique IV. Dicen que en una cabalgata, disfrazado de emperador, cayó del caballo y perdió la razón. Pero los años pasan, y cuando lo visitan su antiguo amor, su hija y un psiquiatra, todos descubren que su locura es más lúcida que su cordura.

Pirandello convierte la máscara en verdad y la razón en farsa. Enrique IV no es sólo un loco: es el único que se atreve a vivir dentro de su ilusión, porque afuera la realidad es aún más falsa.

Una tragicomedia brillante, cruel y conmovedora sobre la identidad, el tiempo y la imposibilidad de ser uno mismo en un mundo que sólo nos permite representar papeles.
“Los Títeres De Cachiporra” – Federico Garcia Lorca (1922.)

$1.490

Bajo la luna andaluza, entre guitarras, porrazos y coplas, estalla el teatro más libre y rebelde: “Los títeres de cachiporra”. Federico García Lorca da vida a un espectáculo irreverente y chispeante donde los títeres no solo hablan... ¡gritan, aman, sufren y se rebelan!

En el centro de la historia está Rosita, una muchacha llena de poesía y fuerza, que sueña con casarse por amor, no por conveniencia. Su corazón pertenece a Cocoliche, un joven sensible que le canta versos bajo la ventana. Pero su destino se tuerce cuando aparece el grotesco y autoritario Don Cristobita, un burgués con porra en mano y billetes en el bolsillo. Entre serenatas, peleas tabernarias, espectros amorosos y zapateros cómplices, la historia avanza como un torbellino de risas y tragedia.

Es una obra para reír a carcajadas y luego quedarse pensando. Porque tras los títeres hay verdades humanas: el deseo de libertad, la lucha contra el poder, el anhelo del amor verdadero. Lorca mezcla lo popular y lo lírico, lo infantil y lo violento, lo absurdo y lo mágico, para entregarnos una obra única, visualmente potente y emocionalmente aguda.

Ideal para quienes buscan teatro popular con alma de poeta.
“Vestir Al Desnudo” – Luigi Pirandello (1922.)

$3.490

Ersilia Drei regresa a Roma convertida en una sombra: despedida, abandonada y cargando una culpa que no le pertenece. Su intento fallido de suicidio estremece la ciudad y sacude la rutina de varios hombres que, sin quererlo, quedan atrapados en su tragedia. Un periodista transforma su historia en noticia; un cónsul teme por su reputación; un antiguo amante recupera la cordura demasiado tarde; y un escritor, seducido por la belleza de su desamparo, decide “salvarla” para convertirla en el alma de su nueva novela.

Pero Ersilia, aún rota, no está segura de quién es realmente:
¿la víctima que todos observan?
¿la mujer que intenta recomenzar?
¿la protagonista de una historia ajena?

Entre culpas, amenazas, confesiones y verdades contradictorias, Vestir al Desnudo expone el juego cruel entre la vida privada y la imagen pública, entre el deseo de ser amada y el miedo de ser usada. Pirandello construye una obra intensa, íntima y humana, donde cada personaje intenta “vestir” a Ersilia con una versión distinta de sí misma.

Una tragicomedia emocional, íntima, vertiginosa: una mujer que busca existir más allá de las heridas que otros le escribieron.
“La Vida Que Te Di” – Luigi Pirandello (1923.)

$3.000

En una villa silenciosa de la Toscana, el tiempo parece haberse detenido. Allí vive Doña Ana Luna, una madre que ha consagrado su vida entera al recuerdo y la espera de un hijo que se marchó hace siete años. Cuando él finalmente regresa, no vuelve para abrazarla, sino para morir entre paredes desnudas y ecos que parecen hablar con voz propia. Pero Ana no acepta esa muerte. No puede. Para ella, el que yace sobre la cama no es su hijo, sino un cuerpo vacío: el verdadero vive todavía en la vida íntima que ella le dio.

Esta obra —una de las más intensas de Luigi Pirandello— explora el amor en su forma más extrema: el amor que crea realidad, que desafía al tiempo y que se aferra al recuerdo como si fuera una roca en medio del naufragio. A través de diálogos afilados y silencios que pesan más que las palabras, el público se adentra en un mundo donde la razón vacila, la memoria se vuelve un refugio y la verdad se quiebra como un espejo.

La llegada inesperada de una joven extranjera, desesperada por reencontrarse con el hombre que amó, abre una fisura aún más profunda en la vida de Ana. Ambas fueron amadas por él, ambas lo esperan, ambas lo sienten aún vivo. La villa se convierte entonces en un lugar donde lo ausente respira, donde las habitaciones parecen guardar secretos y donde cada gesto revela una lucha interna entre aceptar la realidad o sostener el sueño que mantiene el alma en pie.

La vida que te di es un viaje emocional intenso, lleno de poesía, dolor y una hermosura oscura. Una obra pensada para estremecer, para invitar al espectador a preguntarse: ¿cuánta vida damos a quienes amamos? ¿Y cuánto de nosotros muere cuando ellos se van?
“Mariana Pineda” – Federico Garcia Lorca (1923.)

$3.490

En una Granada que late entre sombras y murmullos, una mujer borda a escondidas una bandera. No es un adorno, no es un juego: es la bandera prohibida de la Libertad. Y el hilo rojo que atraviesa la tela es el mismo que le atraviesa el corazón.

Mariana Pineda, viuda, joven, noble, se convierte sin querer en el alma de una conspiración que amenaza al régimen absolutista. Mientras Pedrosa, el implacable alcalde del crimen, la ronda como un cuervo y la vigila día y noche, Mariana arriesga su vida por el hombre que ama: Pedro de Sotomayor, fugitivo, perseguido, símbolo de rebeldía. Entre ambos, un muchacho de dieciocho años, Fernando, la ama con el fervor de quien nunca ha amado antes, pero no puede alcanzarla.

La casa de Mariana se vuelve refugio, escondite y trinchera; allí se toman decisiones que pueden cambiar España. Afuera llueve, adentro arde la revolución. Cuando todo parece perdido, Mariana mantiene la frente alta: no delata, no retrocede, no negocia con su dignidad. Y cuando llega el momento final, camina hacia la muerte con la misma elegancia con que bordó su bandera.

“Mariana Pineda” es una tragicomedia poética, histórica y profundamente humana. Un retrato de una mujer que elige morir libre antes que vivir arrodillada. Un texto donde Lorca convierte la política en poesía, el amor en destino y la rebelión en un acto sagrado.
“La Niña Que Riega La Albahaca Y El Príncipe Preguntón” – Federico Garcia Lorca (1923.)

$0

En un rincón humilde de un pueblo andaluz vive Irene, una niña que riega una simple maceta de albahaca como si fuera un pequeño universo secreto. Del otro lado de la calle, encerrado entre lujos y protocolos, un joven Príncipe contempla el mundo con una mezcla de aburrimiento y curiosidad infantil. Dos miradas que jamás deberían cruzarse, y sin embargo se rozan un amanecer cualquiera, cuando ambos se asoman a sus ventanas.

El Príncipe, fascinado por la frescura de Irene, le pregunta por las hojas de su planta; ella, entre canción y timidez, le responde con un acertijo tan antiguo como el amor: “¿Cuántas estrellitas tiene el cielo?”. Ese juego inocente desata en él una inquietud desconocida, tierna y torpe. El muchacho, acostumbrado a que todo se le resuelva, descubre que hay preguntas que ninguna corona puede contestar.

Desde entonces, cada mañana el Príncipe busca a Irene: disfrazado de vendedor de uvas, inventando diálogos, atrapado entre su inocencia y su deseo de impresionarla. Ella, divertida, desconcertada, dulce y punzante a la vez, lo confunde a cada paso con su forma de mirar el mundo. Entre canciones, bromas y lágrimas cómicas, ambos se van acercando sin darse cuenta a ese punto exacto donde la infancia empieza a transformarse.

Pero el amor, incluso en los cuentos, tiene espinas: un malentendido, una vergüenza, un silencio a tiempo, y el corazón del Príncipe cae en una melancolía que contagia todo el palacio. Los Sabios se alarman, los Pajes se desesperan y la corte entera busca una cura para un mal que, quizá, solo pueda resolverse con un gesto inesperado.

Un cuento que mezcla humor, poesía y tradición popular, donde lo pequeño ilumina lo grande, y donde el amor se revela como un duende escondido en los rincones más sencillos del alma.
“El Hombre De La Flor En la Boca” – Luigi Pirandello (1923.)

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En la quietud inquietante de una noche cualquiera, cuando el mundo parece suspender su respiración, dos desconocidos coinciden en un pequeño café que nunca cierra. Uno llega por azar: perdió un tren por culpa de demasiados paquetes. El otro llega por necesidad: perdió la posibilidad de huir de sí mismo.
Así comienza El hombre de la flor en la boca, una obra esencial del genio pirandelliano donde la vida y la muerte se sientan a conversar, disfrazadas de simple charla nocturna.

Un hombre aparentemente pacífico se encuentra súbitamente atrapado en el torbellino verbal de un desconocido que observa el mundo con un ardor casi feroz. Ese hombre —tan lúcido que duele— se aferra a la vida ajena como quien intenta beber del último manantial antes del desierto. Admira detalles insignificantes: paquetes, envoltorios, cintas, gestos cotidianos. Cada nimiedad posee para él una vibración intensa, como si cada momento fuese el borde de un abismo.

La obra nos arrastra al interior de ese pensamiento desesperado, poético y punzante, revelando la conciencia de alguien que sabe que su tiempo es breve.
Fuera de escena, pero siempre presente, una mujer —su mujer— es apenas una sombra que vigila desde lejos, símbolo de un amor que se aferra, que sufre, que no sabe cómo despedirse.

En este duelo íntimo, Pirandello desnuda la paradoja humana: solo cuando la muerte nos roza, la vida parece arder con una nitidez insoportable.
El hombre de la flor en la boca es una invitación a observar lo diminuto con la intensidad de quien comprende que cada segundo importa. Es una obra breve pero infinita, capaz de quedarse prendida en la memoria como aquella “flor” que anuncia el final, pero también ilumina todo el camino previo.
“Cada Cual A Su Manera” – Luigi Pirandello (1924.)

$3.490

Cada Cual a Su Manera es una joya pirandelliana donde la comedia se transforma poco a poco en un abismo de dudas. Es una obra que tendrá a tu espectador suspendido, entre la risa y el escalofrío, sin saber exactamente en qué terreno está pisando.

En el centro está Delia Morello, una mujer perseguida por su pasado, intoxicada por rumores, deseada y despreciada a la vez. No es una femme fatale clásica: es un misterio vivo, una herida que camina. La sociedad la ha convertido en un espectáculo, pero Pirandello la convierte en un espejo brutal de nuestras contradicciones.

Un joven noble, Doro Palegari, queda atrapado en la telaraña de habladurías, prejuicios y pasiones que rodean a Delia. Al tratar de entenderla —o defenderla— se descubre enfrentado a sí mismo. Sus ideas cambian como el viento, revelando las fisuras íntimas que todos preferimos ocultar. Cada palabra dicha por él, por los invitados, por su madre o por su amigo Diego, se convierte en un hilo que tira de toda la estructura moral del teatro y de la sociedad.

Pero esta no es sólo una obra sobre escándalos amorosos. Es una obra sobre algo más hondo:
la imposibilidad de saber quiénes somos realmente cuando todos opinan sobre nosotros.

La genialidad de Pirandello estalla al romper la frontera entre escena y público. La ficción invade la realidad. La realidad se cuela en la ficción. Los espectadores se convierten en personajes, y los personajes irrumpen como si fueran personas vivas, desordenándolo todo.

Cada Cual a Su Manera es una obra que fascina a quien busca teatro inteligente, audaz, inquietante y profundamente humano. Perfecta para montajes contemporáneos, donde el teatro mismo es cuestionado, reconstruido y devorado por la verdad que intenta ocultar.
“El Ombligo De Los Limbos” – Antonin Artaud (1925.)

$3.490

No hay historia aquí.
Hay un cuerpo ardiendo.

El Ombligo de los Limbos es el grito de Antonin Artaud cuando el pensamiento deja de obedecer, cuando el lenguaje se vuelve insuficiente y el cuerpo toma la palabra. Este libro no se lee: se atraviesa.

Artaud escribe desde el borde. Desde la enfermedad, la angustia, la lucidez extrema. Cada texto es una descarga: cartas furiosas, descripciones físicas insoportables, ataques contra la ley, la medicina, la literatura, la moral y el falso orden del espíritu. Nada busca consuelo. Nada quiere explicarse.

Aquí el pensamiento se quiebra, se vitrifica, se congela. El cuerpo aparece como campo de fuerzas: vientre, nervios, cráneo, sangre, piel. La angustia no es un estado psicológico: es una materia activa, un fenómeno físico, una violencia real que corta el cordón de la vida.

El libro avanza como un ritual sin escenario fijo. Artaud se expone entero: denuncia el engaño del lenguaje, la traición de las palabras, la hipocresía de los intelectuales, la brutalidad de un mundo que pretende clasificar lo que no puede ser clasificado.

Este no es un texto para ser entendido. Es un texto para despertar. Para incomodar. Para recordar que el teatro, como la escritura, no nace de la forma, sino de una necesidad vital.

El Ombligo de los Limbos es el lugar donde el espíritu pierde su máscara y el cuerpo habla sin permiso.
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“Mi Vida En el Arte” – Konstantin Stanislavsky (1925.)

El precio original era: $13.000.El precio actual es: $9.990.

Autobiografía de Konstantin Stanislavsky, una de las figuras más influyentes en la historia del teatro. En esta obra, Stanislavsky narra su viaje desde su infancia hasta convertirse en un actor y director de renombre. Explora su desarrollo de sistemas y métodos de actuación que han influido en generaciones de actores y directores. Además, ofrece una visión profunda de la vida teatral en Rusia durante su tiempo.
“El Paseo De Buster Keaton” – Federico Garcia Lorca (1925.)

$0

“El Paseo de Buster Keaton” es una joya surrealista donde la ternura y la crueldad se tocan con la punta de los dedos. Aquí, Federico García Lorca transforma al icónico actor del cine mudo en un viajero perdido entre juncos, bicicletas imposibles y animales que hablan. No hay realismo: hay poesía viva, imágenes que respiran, símbolos que atraviesan el alma.

Buster inicia su paseo con un gesto brutal —matar a sus hijos con un puñal de madera— que no busca dolor, sino declarar que el mundo que viene no pertenece a la lógica humana. Desde ese instante, el espectador entra en una dimensión donde lo absurdo gobierna, pero lo hace con una belleza inquietante.

El protagonista pedalea por un paisaje que se encoge, se estira y cambia como un sueño. Sus ojos infinitos —feos y bellos al mismo tiempo— ven lo que nadie más ve: pájaros que dialogan, bicicletas sin dimensiones, ciudades de papel, serafines pálidos, señoritas que tocan piano mientras montan en bicicleta, y un otoño que cae del cielo como un conjuro.

Dos figuras femeninas surgen en su travesía:
La Americana, mujer de celuloide, que pide objetos mágicos que él no posee.
La Joven, mitad ruiseñor, que se desmaya al oír su nombre, revelando la potencia melancólica del personaje.

El final llega como un susurro, con policías apareciendo en el horizonte, dejando sensación de fábula inacabada, como si la vida de Keaton fuera un recorrido sin fin entre inocencia y tragedia.

Es una obra breve, intensa, visual y profundamente poética. Una pieza para quienes aman el teatro como arte de imágenes, sensaciones y símbolos.
“Seis Personajes En Busca De Autor” – Luigi Pirandello (1925.)

$3.490

Una compañía teatral se prepara para ensayar. El escenario está en calma, hasta que aparecen… ellos. Seis figuras vestidas de luto, con la mirada cargada de algo que no pertenece al teatro ni a la vida cotidiana. No vienen a actuar. Vienen a exigir que su historia sea contada.

“Somos más reales que ustedes”, aseguran. Traen consigo una tragedia que no pidió permiso para existir: un padre atormentado por un momento de debilidad, una hijastra que ansía su revancha, una madre hecha de dolor silencioso, un hijo tan frío como distante, y dos niños cuya presencia apenas alcanza a pronunciarse antes de convertirse en destino. No hay guion. No hay autor. Solo urgencia viva.

El Director y los actores, incrédulos, aceptan escucharlos… y el teatro deja de ser ficción para convertirse en campo de batalla entre lo representado y lo vivido. ¿Puede el escenario contener la verdad desnuda? ¿Qué ocurre cuando los personajes exigen que su sufrimiento no se actúe, sino que se reviva?

Pirandello rompe las reglas: la obra sucede mientras la obra intenta suceder. No hay límites. Solo una pregunta que reverbera en cada espectador: ¿Somos el papel que creemos representar o el personaje que intentamos ocultar?

Un drama feroz, inteligente y profundamente humano. Una obra maestra que sacude la conciencia y revela la fragilidad de toda máscara. El teatro, después de verla, nunca vuelve a ser el mismo.
“Diana Y Tuda” – Luigi Pirandello (1926.)

$3.490

En Diana y Tuda, Luigi Pirandello coloca al espectador frente a una tensión silenciosa y perturbadora: la lucha entre la vida que se mueve y la forma que quiere eternizarla. La obra se sitúa en el mundo del arte, pero no lo celebra; lo desnuda. Aquí, crear no es un acto inocente, sino una operación peligrosa, casi violenta.

Tuda es una joven modelo en plena vitalidad. Su cuerpo no es solo bello: está vivo, responde, se cansa, protesta. Frente a ella se alza Sirio Dossi, escultor obsesionado con alcanzar una obra definitiva, una forma absoluta que no envejezca ni tiemble. Para lograrlo, necesita algo más que talento: necesita apropiarse del cuerpo vivo de Tuda y someterlo a la inmovilidad de la estatua. No busca a la mujer; busca la forma que puede extraer de ella.

La referencia a Diana cazadora no es decorativa. Diana encarna la autonomía, la acción, la independencia del cuerpo femenino. Pero en la obra, esa postura heroica es impuesta, sostenida a la fuerza durante horas, hasta que el gesto deja de ser poder y se convierte en sacrificio. Tuda posa como una diosa, pero lo hace como humana: con dolor, cansancio y conciencia.

Pirandello introduce entonces una pregunta inquietante: ¿qué precio paga la vida cuando el arte exige perfección? ¿Qué ocurre cuando el cuerpo deja de pertenecerse y pasa a ser material? Tuda no es ingenua ni pasiva. Comprende lo que sucede, lo observa con ironía y lucidez, y aun así queda atrapada en una red donde el amor, la admiración artística y la ambición se confunden peligrosamente.

Diana y Tuda no es solo una obra sobre artistas y modelos. Es una reflexión profunda sobre el poder, la posesión y el conflicto entre lo efímero y lo eterno. Cada gesto detenido, cada silencio, cada postura sostenida revela una verdad incómoda: cuando la vida se convierte en forma, algo esencial comienza a perderse. Y esa pérdida, aunque aún no se nombre, se siente desde el primer instante.
“Hauspostille” – Bertolt Brecht (1927.)

$3.490

Este libro parece pequeño, pero pesa como una piedra en el zapato de la historia.

Hauspostille se presenta como un devocionario, pero no hay dios que salve ni cielo que absuelva. Brecht canta al cuerpo que se pudre, al obrero que tira de la cuerda, al poeta que ya no cobra, a la muchacha ahogada que el mundo olvida. Cada poema es una lámpara cruda: alumbra sin embellecer.

Aquí la poesía no sirve para escapar, sino para mirar de frente. El amor aparece como memoria frágil, la moral como una construcción interesada, la patria como una madre manchada de sangre. Brecht no acusa desde un púlpito: expone, enumera, muestra. Deja que el lector saque conclusiones… si se atreve.

Las canciones funcionan como martillazos suaves y constantes. Un comerciante que no sabe qué es el arroz, sólo su precio. Un marinero que entiende la economía mejor que cualquier ministro. Un obrero que pregunta quién levantó las ciudades que otros firman. Un poeta que recuerda que la duda no es debilidad, sino método.

No hay sentimentalismo. Hay ternura seca. No hay esperanza fácil. Hay posibilidad, que es más peligrosa. Brecht escribe para quienes viven en tiempos sombríos y aun así cantan, no por optimismo, sino por necesidad.

Hauspostille no busca agradar: busca activar. Es un libro que se lee con los ojos y con el cuerpo. Un libro que no pide fe, sino atención. Un libro que no promete salvación, pero ofrece algo más raro: claridad. Y a veces, eso basta para empezar a cambiarlo todo.
“El Imbécil” – Luigi Pirandello (1927.)

$3.490

En una ciudad que se cree el centro del universo, un joven moribundo entra en escena como quien cruza un umbral invisible. Luca Fazio no grita, no milita, no discute: observa. Y al observar, revela. En el despacho sucio de un periódico político, los hombres vociferan consignas, celebran la violencia, opinan sobre la muerte ajena como si fuera una columna editorial más. Todo parece normal. Todo está podrido.

Luca viene de Roma. Viene de la enfermedad. Viene del límite. No busca compasión ni redención. Busca coherencia. Mientras los otros hablan de patria, de honor y de enemigos, él recuerda que el cuerpo duele, que el aire falta, que la vida se agota. Y que cuando uno está cansado de vivir, no debería ser usado como herramienta por los que aún juegan a la política.

La obra se convierte entonces en un duelo asimétrico: no entre dos ideologías, sino entre la retórica vacía y la verdad desnuda. Luca enfrenta a Paroni sin discursos grandilocuentes, sin proclamas. Lo enfrenta con lógica, con ironía, con una calma aterradora. El poder cambia de manos sin un solo disparo.

Pirandello construye aquí una tragedia seca, casi quirúrgica, donde la violencia mayor no es física sino moral. Nadie queda a salvo: ni el político, ni el periodista, ni el espectador. Porque la pregunta final no es quién tiene razón, sino quién se atreve a mirar su propia miseria sin convertirla en bandera.
“Bailahuen” – German Luco Cruchaga (1928.)

$3.490

En un rincón olvidado de la cordillera chilena, donde el viento manda y la ley no alcanza, Bailahuén despliega una historia cruda, musical y profundamente humana. Un rancho aislado reúne a cuatreros, cantores, mujeres cansadas y hombres marcados por el tiempo. Allí, Don Erasmo, huaso viejo y duro, cree sostener el orden con su experiencia y su cuchillo. Pero el orden es frágil cuando entra en escena Perejil, un joven errante, pobre y hambriento de futuro.

Clarita, joven y viva, atrapada en una relación desigual, ve en Perejil una salida. No una promesa romántica, sino una posibilidad de escape. Entre cantos populares, rancheras y guitarras, el deseo empieza a circular, y con él, el miedo. Porque en ese mundo, amar es traicionar, y sobrevivir exige silencio.

La obra se mueve entre lo festivo y lo trágico. La música no alivia: encubre. El humor campesino no suaviza: hiere. Cada diálogo arrastra siglos de cultura oral, machismo, pobreza y códigos de honor no escritos. El mito del “bailahuén”, planta que supuestamente devuelve el vigor perdido, atraviesa la obra como símbolo: todos buscan una segunda oportunidad que no existe.

Bailahuén es una obra de frontera: entre Chile y Argentina, entre ley y delito, entre amor y posesión. Germán Luco Cruchaga construye un sainete que ríe con los dientes apretados y canta mientras se afila el cuchillo. Nada es ingenuo. Todo tiene costo.

Una pieza esencial del teatro chileno, tan vigente hoy como en 1928.
“La Viuda De Apablaza” – German Luco Cruchaga (1928.)

$3.490

En una hacienda del sur profundo, una mujer gobierna con mano firme lo que la vida le dejó: tierras, trabajadores y un pasado que no se resigna a morir. La llegada de una joven desde la ciudad altera el equilibrio invisible de la casa y despierta pasiones largamente contenidas.

Entre cosechas, trabajo duro y noches sin tranca, se cruzan amores desiguales, deseos no dichos y una lucha silenciosa por el control afectivo y moral del territorio. Nadie está libre: ni el hombre que aprende a amar, ni la mujer que teme perder su lugar, ni quienes observan y callan.

La obra retrata con crudeza poética el mundo rural chileno, donde el poder no siempre grita y el amor no siempre libera. Una tragicomedia intensa, cargada de humor campesino, erotismo contenido y conflictos humanos universales, donde cada gesto cotidiano esconde una decisión que puede cambiarlo todo
“La Ópera De Tres Centavos” – Bertolt Brecht (1928.)

$5.490

La ópera de los tres centavos es una sátira feroz sobre la corrupción, la hipocresía social y el capitalismo, ambientada en los barrios bajos de Londres. La historia gira en torno a Macheath, alias “Mackie Navaja”, un criminal carismático que se casa en secreto con Polly Peachum, hija del empresario de mendigos Jonathan Peachum. Este matrimonio desata el conflicto central, ya que Peachum, ofendido por la deshonra familiar, decide vengarse denunciando a Macheath a la policía. Sin embargo, Macheath mantiene una amistad secreta con el jefe de policía, el corrupto Brown, lo que complica su arresto.

A lo largo de la obra, se revela la decadencia de todas las instituciones: la religión (a través del reverendo Kimball), la policía, el matrimonio, la caridad y el orden social mismo. Las prostitutas, los mendigos y los criminales aparecen como figuras más reales y humanas que las autoridades. Brecht rompe con las convenciones teatrales tradicionales usando canciones que interrumpen la acción dramática para distanciar emocionalmente al espectador y fomentar una reflexión crítica.

La obra culmina con un giro irónico: justo cuando Macheath va a ser ejecutado, un mensajero real aparece, lo indulta y le concede un título y una pensión, denunciando así el absurdo de la redención burguesa y el oportunismo institucional.

La obra se mueve entre la sátira y la farsa, desenmascarando la doble moral de la sociedad moderna. ¿Quién es más criminal: el ladrón que actúa en la calle o el empresario que explota la miseria humana? ¿Dónde termina el delito y empieza el negocio?

Brecht lanza estas preguntas al escenario con una música irresistible, personajes que quiebran la cuarta pared, y una serie de canciones inolvidables que convierten cada acto en una reflexión punzante. La ópera de los tres centavos no busca hacerte llorar, sino despertar tu pensamiento. Es un espectáculo lleno de humor oscuro, belleza grotesca y una crítica directa a las estructuras sociales que siguen vigentes hasta hoy.

Ideal para compañías con interés en el teatro político, el teatro musical crítico y propuestas escénicas que buscan impactar, conmover… y hacer pensar.
“La Doncella, El Marinero Y El Estudiante” – Federico Garcia Lorca (1928.)

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En un balcón que mira al mar —ese territorio donde todo parte y nada vuelve igual— una joven borda letras en su ropa como quien ensaya destinos posibles. No tiene nombre único, no quiere tenerlo. Es la Doncella, y su cuerpo, su lenguaje y su deseo están abiertos como el alfabeto completo.

A su alrededor, el mundo presiona. La tradición, encarnada en una anciana vendedora y una madre vigilante, observa con desconfianza esa libertad que no pide permiso. Desde el puerto emergen dos fuerzas opuestas: el Marinero, hijo del viaje, del cuerpo y de la acción; y el Estudiante, criatura nocturna, fugitivo del tiempo, habitante de la idea y la palabra.

Ambos desean. Ambos prometen. Ambos arrastran su propia fragilidad. Ella escucha, pregunta, duda. El lenguaje se vuelve música, metáfora, carne. El mar canta. La luna gira. Las letras pesan.

Federico García Lorca construye aquí una pieza breve, intensa y simbólica, donde el deseo femenino no es objeto sino motor, y donde la elección no es un simple dilema amoroso, sino una pregunta existencial: ¿vivir es anclarse o lanzarse?

Esta obra es poesía encarnada en escena. Es teatro que respira, que arde, que incomoda. Ideal para montajes íntimos, simbólicos, contemporáneos, donde el cuerpo, la voz y la imagen dialogan sin concesiones.

No hay moraleja. Hay vértigo.
“Quimera” – Federico Garcia Lorca (1928.)

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"Quimera" es una joya breve y enigmática del gran Federico García Lorca, escrita en 1928, donde los límites entre lo real, lo simbólico y lo poético se difuminan en una atmósfera de despedida, deseo y contradicción.

En apenas unas páginas, Lorca nos sumerge en un universo íntimo donde un hombre, Enrique, parte hacia la sierra dejando atrás a su esposa y a sus hijos. Pero este acto cotidiano se transforma en una experiencia cargada de imágenes oníricas y verdades emocionales que flotan entre lo dicho y lo no dicho.

Un Viejo errante acompaña al protagonista como una especie de conciencia distorsionada, filosófica, absurda, que reflexiona sobre el miedo y la memoria. Mientras tanto, las voces de seis hijos y la aparición de una Niña danzan entre el juego, el capricho y la demanda, desdibujando la frontera entre la inocencia infantil y la ansiedad por complacer.

Pero es la Mujer, desde su ventana, quien detona el núcleo pasional de la obra. Su monólogo nos revela una complejidad emocional desgarradora: amor, deseo, necesidad de control y una vulnerabilidad abrasadora. Ella quiere que su esposo la desprecie y la ame, que huya y la persiga, que la consuma sin perder la ternura.

"Quimera" es un poema dramático que evoca la ausencia como una presencia viva. Ideal para montajes íntimos, cargados de simbolismo y poesía, esta obra breve late con la potencia de los sueños y las contradicciones humanas más profundas.
“Ascenso Y Caída De La Ciudad De Mahagonny” – Bertolt Brecht (1930.)

$5.490

Mahagonny nace en el desierto como una promesa indecente: una ciudad donde no existen prohibiciones, donde el placer reemplaza a la ley y el dinero dicta la moral. Allí llegan hombres agotados de trabajar, mujeres que aprendieron a sobrevivir vendiendo afecto, y fundadores que entienden el negocio del deseo mejor que nadie.

Pero cuando todo está permitido, surge una pregunta incómoda: ¿qué significa ser feliz?
Uno de los recién llegados, un leñador llamado Jim Mahoney, comienza a sospechar que el verdadero peligro no es la miseria, sino el vacío. Su voz rompe la calma artificial de la ciudad y empuja a Mahagonny a mirarse al espejo.

Brecht construye una sátira feroz: canciones luminosas para hablar de la muerte, humor para desnudar la injusticia, placer para exhibir la crueldad del sistema. Mahagonny no es una ciudad imaginaria: es una advertencia.

Una obra incómoda, musical y brutalmente actual.
“Santa Juana De Los Mataderos” – Bertolt Brecht (1930.)

$5.490

En una ciudad donde el vapor de las máquinas se mezcla con el olor de la carne y el dinero, una joven cree que la fe puede detener el hambre.

Juana Dark marcha con tambor y sopa caliente por los mataderos de Chicago. Cree que Dios aún puede ser escuchado entre cuchillas, reses y obreros exhaustos. Cree que la miseria es un problema del alma. Cree que basta cantar más fuerte.

Pero el mercado no canta.

Cuando los frigoríficos cierran y decenas de miles quedan en la calle, Juana da un paso que cambiará su destino: decide mirar de frente al poder. Entra en el mundo de los industriales de la carne, donde la compasión es una debilidad y la conciencia un lujo prescindible.

Allí conoce a hombres que hablan de moral mientras arruinan ciudades enteras. Ve cómo la pobreza no eleva, sino que aplasta. Cómo obliga a mentir, delatar, traicionar. Cómo el hambre no ennoblece: domestica.

Cada escena empuja a Juana más abajo. Cada respuesta que busca la hunde un poco más. La fe se agrieta. El lenguaje se vuelve insuficiente. La sopa ya no alcanza.

Brecht construye aquí una tragedia moderna: no la de una heroína vencida por el mal, sino la de una mujer honesta derrotada por un sistema que no necesita villanos, solo engranajes obedientes.

Santa Juana de los Mataderos no pregunta si el mundo es injusto. Pregunta algo más incómodo:
¿qué valor tiene la bondad cuando no se atreve a cambiar las condiciones materiales de la vida?
“La Zapatera Prodigiosa” – Federico Garcia Lorca (1930.)

$3.490

En un pueblo donde todos miran y nadie escucha, una mujer joven arde como una llama imposible de apagar. La Zapatera es pasión, rebeldía y deseo de vivir en un mundo que exige silencio y obediencia. Casada con un hombre mucho mayor que ella, la convivencia se convierte en un campo de batalla donde chocan el fuego juvenil y la prudencia envejecida.

El pueblo observa, murmura, juzga. Las vecinas acechan tras las ventanas, las beatas cuchichean, los hombres rondan, el poder moral y político vigila. La Zapatera responde con ironía, con furia, con ternura inesperada. Su carácter es su defensa. Su lengua, su escudo.

Cuando el Zapatero desaparece, el abandono se transforma en condena pública. Sola, la Zapatera enfrenta el peso de la mirada colectiva, las coplas crueles, la difamación, el deseo ajeno y la autoridad abusiva. Sin embargo, lejos de quebrarse, emerge una mujer distinta: firme, consciente, digna.

Lorca construye una farsa luminosa y cruel donde el amor no es posesión, el matrimonio no es dominio y la moral del pueblo se revela hipócrita. Entre canciones, símbolos, humor popular y poesía, la obra late con una energía profundamente contemporánea: la lucha por ser uno mismo frente al ruido de los otros.

La zapatera prodigiosa es un canto a la identidad, al deseo contenido y a la resistencia femenina. Una obra que ríe, duele y arde al mismo tiempo.
“Esta Noche Se Improvisa” – Luigi Pirandello (1930.)

$3.490

Imagine asistir al teatro… y descubrir que la obra ya comenzó incluso antes de que se levante el telón. Una voz interrumpe, los actores discuten, el público se convierte en parte del espectáculo. Lo que parecía ficción se desmorona como una máscara. Eso es Esta Noche Se Improvisa: una experiencia teatral donde la historia no sólo se representa—se vive.

La función gira en torno a la familia La Croce, una casa abierta a jóvenes oficiales, gobernada por una madre altiva y un padre silbador, con cuatro hijas luminosas que despiertan deseo, sospecha y pasión. Entre ellas, una destaca por su fragilidad y fuego contenido. La llegada de un aviador desencadena una tormenta emocional que enfrenta a los personajes con los celos, la reputación y la imposibilidad de huir del pasado.

Pero nada sucede como debería. Los actores se rebelan contra las órdenes del director, los personajes luchan por existir más allá del guion, y las escenas brotan desde la urgencia del alma. La obra se reinventa cuadro a cuadro, como si el teatro respirara, como si cada emoción marcara nueva dirección.

Pirandello convierte al espectador en cómplice de esta cicatriz abierta entre arte y vida. Una tragicomedia moderna, visceral, explosiva. Una obra donde improvisar es descubrir la verdad… y donde la verdad puede ser insoportable. Esta noche no se actúa. Esta noche se expone el corazón.
“Como Tú Me Deseas” – Luigi Pirandello (1930.)

$3.490

Una mujer sin nombre, sin pasado y casi sin cuerpo propio vive atrapada en una noche perpetua. Baila, bebe, provoca, huye. En Berlín la llaman Elma, pero nadie sabe realmente quién es. Ni siquiera ella. A su alrededor, los hombres se aferran a su figura como a un espejo que devuelve lo peor de sí mismos.

Cuando un fotógrafo irrumpe afirmando que esa mujer es en realidad Lucía Pieri, una esposa desaparecida durante la guerra, el mundo se resquebraja. ¿Puede una identidad regresar después de haber sido declarada muerta? ¿Puede alguien volver a ser quien fue cuando su cuerpo ha sobrevivido a lo indecible?

Pirandello construye aquí una obra ferozmente contemporánea: una mujer disputada por miradas masculinas, por documentos legales, por recuerdos ajenos. Nadie le pregunta quién quiere ser. Todos quieren decidirlo por ella. El amante la desea sin pasado; el marido la espera intacta; la sociedad exige una versión aceptable.

Entre Berlín y una villa italiana, entre la noche y la luz, Como Tú Me Deseas expone el horror de tener que “representarse” a uno mismo para poder existir. El amor se vuelve posesión, la memoria una trampa, la identidad un disfraz necesario.

No es una historia de reconocimiento, sino de fractura. No habla de volver a casa, sino de descubrir que ya no existe. Y en ese vacío, Pirandello coloca una pregunta que sigue ardiendo hoy:
¿Quién tiene derecho a decirnos quiénes somos?
“Un Hombre Es Un Hombre” – Bertolt Brecht (1931.)

$3.490

Un hombre sale a comprar un pescado. Nada más inofensivo. Nada más humano.
Pero en el mundo de Un hombre es un hombre, eso basta para perderlo todo.

Bertolt Brecht construye una fábula feroz y lúcida sobre cómo un individuo común puede ser transformado —pieza por pieza— en otra cosa. No por maldad, no por ideología, sino por conveniencia. Por necesidad ajena. Por no saber decir que no.

Galy Gay no quiere poder, ni gloria, ni violencia. Quiere volver a casa. Sin embargo, el ejército no necesita deseos: necesita cuerpos. Y cuando un cuerpo falta, otro sirve. Da lo mismo quién sea.

A través de situaciones grotescas, canciones, negocios absurdos y una violencia tratada con humor cruel, la obra muestra cómo la identidad no es un núcleo sagrado, sino una construcción frágil. El uniforme pesa más que el nombre. El grupo más que la memoria. La utilidad más que la verdad.

Brecht no acusa a un villano individual. Apunta al mecanismo. Al engranaje que convierte personas en funciones. Soldados en reemplazos. Hombres en hombres intercambiables.

El tono oscila entre lo cómico y lo inquietante. Se ríe el espectador, pero se ríe tarde. Porque entiende que lo que ocurre en escena no es excepcional: es perfectamente razonable dentro de un sistema que premia la obediencia y castiga la singularidad.

Un hombre es un hombre no pregunta quién es Galy Gay.
Pregunta algo más incómodo:
¿Cuánto de ti puede cambiar antes de que sigas llamándote tú?
“Así Que Pasen Cinco Años” – Federico Garcia Lorca (1931.)

$3.490

Hay hombres que creen que el amor puede guardarse intacto como una joya.
Hay hombres que piensan que esperar es una forma de fidelidad.
Y hay hombres que descubren, demasiado tarde, que el tiempo no espera a nadie.

Así que pasen cinco años es un viaje poético, feroz y profundamente humano al corazón del deseo aplazado. Federico García Lorca construye aquí una de sus obras más audaces: un teatro donde los relojes no miden horas, sino pérdidas; donde los personajes no envejecen, se vacían; donde el amor que no se vive se transforma en espectro.

El Joven decide posponer su boda durante cinco años para “hacerlo bien”. Pero mientras espera, el mundo late, la carne arde, la vida ocurre. La mujer amada no se congela en un recuerdo: cambia, despierta, elige. Y cuando él vuelve a extender los brazos, ya no hay nadie dentro del sueño.

Por escena desfilan figuras inolvidables: un Viejo que habla desde el mañana, amigos que encarnan la infancia y la urgencia, una mujer que ama sin ser vista, un niño muerto que no quiere ser enterrado, y un maniquí vestido de novia que canta por lo que nunca fue.

Esta no es una historia de celos ni de traición.
Es una tragedia más profunda: la del hombre que confunde el amor con la espera.

Lorca nos lanza una advertencia poética y brutal:
el tiempo no se guarda, se vive.
“Retablillo De Don Cristóbal” – Federico Garcia Lorca (1931.)

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En un pequeño retablo, donde la luna apenas entra y la risa huele a vino y a tierra, se despliega Retablillo de Don Cristóbal: una farsa despiadada y luminosa. Aquí no hay héroes ni redención. Hay muñecos que dicen la verdad que los hombres callan.

Don Cristóbal es médico, viejo, bruto y poderoso. Cura a golpes, ama a golpes, manda a golpes. En su mundo, el dinero compra cuerpos, el matrimonio es un contrato y la violencia una costumbre. Rosita, joven y deseante, no busca amor: busca vivir, tocar, probar, arder. Su deseo no cabe en un solo hombre ni en una sola noche.

La obra avanza como una canción popular: repetitiva, obscena, musical. El Poeta observa y protesta; el Director manda y censura. El teatro se muestra a sí mismo como una jaula donde los personajes no pueden ver la luna, aunque el público sí.

El humor es feroz. La risa incomoda. Cada escena exagera lo que la sociedad normaliza: el abuso masculino, la complicidad materna, la infantilización del cuerpo femenino, el poder que se ejerce sin castigo. Todo ocurre con la inocencia brutal de los muñecos, donde una cachiporra puede matar y hacer reír al mismo tiempo.

Lorca no moraliza. No salva. Muestra. Y al mostrar, deja al espectador solo frente a su risa. Porque lo que ocurre en el retablo no pertenece al pasado: es una herida que sigue cantando.
“Trecientos Millones” – Roberto Arlt (1932.)

$3.490

Una sirvienta no duerme. Mientras la ciudad respira de noche, ella imagina. Y al imaginar, crea mundos.

Trescientos millones es la historia de una mujer pobre que, sin moverse de su cuarto, viaja más lejos que nadie. Un héroe de novela le anuncia una herencia fabulosa. Con ese dinero imaginario compra amor, estatus, viajes, poder. Se convierte en señora sin dejar de ser criada. Manda sin dejar de obedecer. Ama sin ser amada.

Los personajes que la rodean no son personas: son fantasmas del deseo. Un galán cansado de seducir, un capitán ceremonial, amigas elegantes, una muerte burlona. Todos dependen de su imaginación. Todos empiezan a sentir miedo.

Porque soñar no es inocente.

Arlt construye una obra donde la fantasía no es escape sino trampa. El dinero no redime. El amor romántico no salva. El ascenso social es una máscara que se cae sola.

Con humor cruel, erotismo incómodo y una ternura devastadora, la obra muestra cómo una mujer sin nada puede ser, por un instante, dueña de todo… y cómo ese todo puede resultar insoportable.

Trescientos millones no habla de riqueza: habla del hambre.
No habla de locura: habla de lucidez.
No habla de sueños: habla del precio de soñar cuando el mundo no te deja vivir.
“Gilles De Raiz” – Vicente Huidobro (1932.)

$9.990

La obra se abre en la noche, antes de medianoche, cerca del castillo de Machecoul. Dos hombres —Morigandais y Blanchet— esperan a Gilles de Raiz. Desde el inicio, la atmósfera es fatal: la noche no es solo un tiempo, es un estado del alma. Todo anuncia un pacto.

Aparecen mujeres atraídas por la luz del castillo. Una Madre intenta salvar a su Hija, pero la joven está hechizada por una fuerza que llama amor, deseo, destino. Otra Mujer regresa del castillo: rota, marcada, delirante. Recognocemos que el castillo no concede placer sin aniquilación. Gilles de Raiz es descrito como un imán absoluto: hermoso, cruel, místico, monstruoso.

La Bruja confirma el mito: Gilles es alquimista, astrólogo, brujo, encantador. No ama como los hombres comunes: persigue algo que está más allá del amor, una esencia inalcanzable.

Llega Gilles. Su presencia quema. Una mujer muere tras implorar el “filtro del olvido”. Gilles la besa muerta. El horror no es escénico: es filosófico. El cadáver sirve para la invocación.

Se traza el círculo. Blanchet huye. Morigandais duda. Gilles queda solo y convoca a Lucifer. El demonio aparece no como bestia, sino como camarada lúcido, casi irónico. El pacto se sella: Gilles entrega su alma a cambio de amor eterno, poder absoluto, sabiduría sin límites y juventud perpetua.

Entonces ocurre el núcleo trágico: Gilles confiesa su pasado con Juana de Arco. Revela que fue creación política, un milagro fabricado que terminó superando a sus creadores. Juana creyó, ardió y fue sacrificada. Gilles fue testigo y cómplice.

Desde ahí, la obra se vuelve metafísica: Gilles no busca mujeres, busca lo que está detrás del amor. Ama el deseo, pero odia la materia. Es un místico sin dios, un poeta sin redención. Lucifer lo comprende: Gilles está perdido porque quiere lo absoluto.

La tragedia no es el pacto.
La tragedia es que ni siquiera el infierno puede darle lo que busca.
“Bodas De Sangre” – Federico García Lorca (1933.)

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En una tierra seca donde el sol quema más que el odio, una boda intenta florecer sobre un suelo empapado de muerte antigua. Bodas de sangre es la historia de un amor que no acepta jaulas, de una pasión que sobrevive al tiempo, al matrimonio y a la ley de los hombres.

Una madre marcada por la violencia sueña con continuidad, con nietos, con paz. Un hijo obediente acepta el mandato del mundo. Una novia calla, pero su sangre recuerda. Y en la sombra, un hombre a caballo escucha el llamado de lo prohibido.

La obra avanza como un latido contenido. Cada canción, cada silencio, cada objeto cotidiano —el cuchillo, el azahar, el caballo— se carga de presagio. La fiesta se convierte en ritual, el rito en amenaza. Lo que debía unir, separa. Lo que debía dar vida, conduce a la muerte.

Federico García Lorca construye aquí una tragedia donde los personajes no eligen libremente: son elegidos por su deseo. La naturaleza observa, la luna alumbra lo que la sociedad oculta, y la sangre reclama su precio.

Bodas de sangre no es solo una historia de amor imposible: es un canto oscuro sobre el instinto, el honor y la imposibilidad de escapar de lo que somos. Una obra de belleza feroz, donde la poesía corta como cuchillo.
“El Público” – Federico Garcia Lorca (1933.)

$3.490

El Público es una obra incendiaria. Un viaje onírico, violento y profundamente poético al corazón del deseo humano y del teatro mismo. Federico García Lorca rompe aquí con toda forma tradicional y nos lanza a un escenario donde las máscaras no protegen: asfixian.

Un Director de teatro es confrontado por su público y por antiguos amantes que le exigen verdad. No verdad moral, sino verdad corporal, sexual, vital. ¿Es posible un teatro que no oculte el deseo? ¿Puede el arte sobrevivir sin disfrazarse para agradar?

La obra avanza como un sueño febril: ruinas romanas, caballos que hablan, emperadores crueles, figuras que se transforman, Julieta despertando de su sepulcro para reclamar un amor que no sea eterno ni puro, sino real. Todo se mezcla: eros y violencia, ternura y humillación, poesía y blasfemia.

Lorca construye un teatro imposible para su tiempo, donde la homosexualidad no es subtexto sino núcleo, donde el cuerpo es palabra, y donde el público deja de ser espectador pasivo para convertirse en juez y verdugo.

El Público no busca comprensión inmediata. Busca incomodar, herir, revelar. Es una obra para espacios no convencionales, para intérpretes valientes y para espectadores dispuestos a perder certezas. Un teatro que no se mira: se atraviesa.
“Amor De Don Perlimplín Con Belisa En Su Jardín” – Federico Garcia Lorca (1933.)

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Un hombre que nunca ha amado.
Una mujer que ama demasiado.
Entre ambos, un jardín donde el deseo se vuelve peligroso.

Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín es una aleluya erótica, cruel y luminosa, donde Federico García Lorca disecciona el amor como si fuera un cuerpo vivo. Don Perlimplín, viejo, tímido y encerrado en su mundo intelectual, es empujado al matrimonio con Belisa, una joven cuya belleza desborda los márgenes de la moral, del pudor y del lenguaje.

Desde la noche de bodas, el choque es inevitable: mientras Perlimplín descubre el amor como una herida tardía, Belisa vive el deseo como una necesidad física inagotable. Cinco presencias masculinas cruzan la casa y el jardín, sombras del mundo exterior que revelan una verdad brutal: el amor no siempre nace donde se promete.

Pero esta no es una historia de celos ni de venganza. Es una obra sobre la inteligencia del amor, sobre su capacidad de transformarse, incluso a costa de uno mismo. Perlimplín no lucha contra Belisa: la observa, la comprende y decide llevar el amor a su forma más extrema.

Entre duendes que comentan la acción, balcones abiertos, pájaros de papel, canciones nocturnas y símbolos constantes, Lorca construye una fábula donde el deseo y el sacrificio caminan juntos. El jardín no es solo un espacio físico: es el escenario del despertar, de la imaginación, de la verdad.

Esta obra corta, intensa y profundamente poética propone una pregunta inquietante:
¿qué vale más, el cuerpo amado o el alma despertada?

Una tragedia íntima, sensual y filosófica, donde el amor no salva… pero ilumina.