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“Viva La República” – Ramon Griffero (1998.)

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Una tierra dormida.
Unos hombres que deciden despertarla.

“Viva la República” no es solo una obra histórica: es una explosión de ideas, cuerpos y sueños en medio de una colonia que no sabe que está a punto de quebrarse.

Desde Europa llegan palabras peligrosas: libertad, igualdad, razón. Pero al tocar América, esas palabras cambian. Se ensucian con barro, con sangre, con deseo.

Tres hombres —un soñador, un ambicioso y un estratega— se atreven a imaginar lo imposible: una república en un mundo donde todo pertenece al rey. No tienen ejército. No tienen poder. Solo tienen una idea… y eso basta para encender el fuego.

A su alrededor, mujeres que sienten antes de entender. Que observan cómo el mundo tiembla. Que tejen, aman, temen… mientras algo invisible se acerca.

Pero toda revolución tiene su sombra.

La traición no llega con estruendo. Llega suave. Cercana. Inevitable.

Y entonces… todo cae.

O quizás no.

Porque en esta obra, la historia no termina: se repite, se mezcla, se sueña. Los muertos siguen hablando. Las ideas no se hunden. Flotan.

“Viva la República” es teatro vivo, poético y brutal.
Una obra que no cuenta el pasado… lo hace estallar en el presente.
“Chile Bi-200” – Ramon Griffero (2009.)

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La puesta en escena, que cuenta con el apoyo del Fondart Bicentenario, entrecruza canto y bailes, colores y texturas para representar distintos pasajes de nuestro patrimonio teatral, con diez actores en escena que dan vida a más de cuarenta personajes. “Camila, la patrióta de Sud-América”, de Camilo Henríquez (1810), “La Independencia de Chile”, de José Antonio Torres (1840), “La batalla de Tarapacá”, de Carlos Segundo Lathrop (1880), y “La República de Jauja”, de Juan Rafael Allende (1900) son las obras escogidas como punto de partida para este festivo montaje. Algunas de ellas fueron publicadas en una antología de dramaturgia que encargara el presidente Montt con motivo del centenario de la República, pero ninguna ha vuelto a presentarse después de su estreno en alguno de los teatros nacientes de nuestra ciudad.
“Fin De La Eclipse” – Ramon Griffero (2007.)

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Un cuerpo desnudo.
Un traje dibujado sobre la piel.
Una voz que ordena: “entra en escena y olvida que estás vivo.”

Fin del eclipse no es una historia… es un viaje al interior de todas las historias que nos han construido.

En un escenario que muta como un sueño febril, personajes atraviesan guerras, conquistas, amores imposibles, revoluciones y tragedias íntimas. Un hombre es muchos hombres: conquistador, amante, soldado, actor. Una mujer es todas las mujeres: musa, autora, verdugo, memoria.

Las escenas se rompen, se repiten, se contradicen.
Un actor ensaya mientras otro muere.
Un amante susurra mientras un imperio cae.
Un disparo en el cielo hiere a Dios… o quizás a la conciencia.

Aquí no hay tiempo lineal, ni verdad única.
Hay cuerpos que desean, que matan, que recuerdan.
Hay palabras que crean realidades… y las destruyen.

Entre el humor ácido, la crudeza política y la poesía descarnada, la obra desnuda una pregunta brutal:

👉 ¿Somos dueños de nuestra historia… o simples actores repitiendo un guion que no comprendemos?

“Fin del eclipse” es una experiencia escénica intensa, fragmentada y profundamente contemporánea, donde cada espectador deberá reconstruir su propio sentido… o aceptar perderse en la oscuridad.
“Fotosintesis-Por-No O La Roza” – Ramon Griffero (1988.)

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En un país suspendido frente a las cámaras, a minutos de un anuncio histórico, algo falta. No es un discurso. No es una orden. Es la Roza.

Fotosíntesis por “No” la Roza es una obra feroz y visionaria que cruza política, sexualidad, religión y medios de comunicación en una puesta en escena fragmentada y simultánea. Mientras un General ensaya su victoria televisiva, la transmisión se contamina. Un joven quiere ser estrella mirando pornografía. Una mujer sangra y recuerda. Otra gana la lotería y predica la pureza. Un ángel no logra bajar a la tierra. Un niño corre con un objeto que nadie puede recuperar.

La obra no explica: expone. Los cuerpos hablan antes que las ideas. La televisión se vuelve altar. El sexo, mercancía. La flor, herida. Todo ocurre al mismo tiempo, como un país que no logra ordenar su memoria.

Ramón Griffero construye un teatro de imágenes, de choque, de poesía violenta, donde la dictadura no se nombra: se filtra. La Roza irrumpe en la pantalla, en el cuerpo, en la historia, desarmando el lenguaje oficial y obligando al espectador a mirar aquello que fue ocultado.

Una obra indispensable del teatro chileno contemporáneo. Incómoda. Bellísima. Radical. Un ritual escénico donde la vida insiste incluso bajo las bombas.
“La Iguana De Alessandra” – Ramon Griffero (2018.)

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Una mujer que recuerda haber sido muchas. Una filósofa veneciana exiliada, madre, amante, guerrillera, amiga de iguanas y disidente de todos los sistemas. La iguana de Alessandra, de Ramón Griffero, es una travesía sensorial y poética por distintos territorios geográficos, históricos y emocionales.

Desde el esplendor melancólico de una Venecia asediada por la guerra, hasta los valles chilenos y los confines revolucionarios de China y Siria, esta obra nos sumerge en un viaje onírico donde el tiempo se pliega y se expande. A través de Alessandra, viajamos con los astros y las lagartijas, con los refugiados y las niñas filósofas, con amantes imposibles y guerrilleros rotos.

Griffero nos entrega una pieza de teatro político y poético donde conviven las grandes preguntas del siglo XX con el humor, el dolor, la identidad, el deseo, la familia, el género y la revolución. Cada escena es una postal de resistencia frente al olvido. Una obra coral, exuberante y radical, donde lo real se funde con lo mítico y lo íntimo con lo universal.

Ideal para montajes experimentales, con gran despliegue visual, música, danza, multiescena y voces múltiples. Un canto a la vida en medio del naufragio. Una iguana que sobrevive al fuego, a la nieve y al exilio, para recordarnos que en toda herida también germina una flor.
“La Rueda De Las Emociones” – Diego Jaramillo (2021.)

$5.990

¿Cómo se construye una emoción verdadera en escena?

La Rueda de las Emociones es mucho más que un manual para actores: es una brújula poética y corporal para explorar la complejidad emocional del ser humano. Partiendo de las investigaciones de Paul Ekman, Susan Bloch y Robert Plutchik, este libro fusiona ciencia, filosofía y práctica teatral en una propuesta única, dirigida a quienes buscan actuar con autenticidad.

Desde la respiración hasta la mirada, desde lo visceral hasta lo simbólico, este glosario emocional guía a los artistas por un viaje donde la emoción no se finge, se encarna. A través de 6 emociones escénicas fundamentales (alegría, tristeza, ira, miedo, deseo y ternura) y su combinación en 36 estados emocionales mixtos, el lector aprenderá a nombrar, respirar y transformar sus emociones con precisión y belleza.

Con una escritura clara y apasionada, La Rueda de las Emociones ofrece ejercicios prácticos, reflexiones filosóficas y mapas emocionales que pueden usarse tanto para construir un personaje como para habitar la vida con mayor conciencia.

Un libro para quienes sienten antes de hablar. Para quienes creen que actuar no es fingir, sino decir la verdad con el cuerpo.
El Diseño Teatral – Iluminación, Vestuario y Escenografía (2013.)

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Ópera, teatro, danza, circo, música, performances, espectáculos en vivo… Las artes escénicas pueden adquirir diversas y muy variadas formas y detrás de cada una de ellas se encuentran los técnicos y diseñadores de las artes escénicas, un grupo humano clave en el desarrollo cultural del país y cuya experiencia, muchas veces aprendida en la práctica y a través de maestros, pasa desapercibida para el espectador. Diseñadores, iluminadores, escenógrafos, vestuaristas, tramoyas, sonidistas, artesanos y tantos otros dan vida a un espectáculo en que cada elemento que aparece en escena es producto de su experiencia, creatividad y saberes que, dentro de un proceso y un lenguaje común, permiten crear una experiencia única e irrepetible. Valorizar, ejemplificar y dar cuenta de su labor, es el principal objetivo de la colección Herramientas para los Técnicos en Artes Escénicas, realizada por el Consejo de la Cultura y las Artes de la Región Metropolitana en conjunto con la Agrupación de Diseñadores, Técnicos y Realizadores Escénicos (ADTRES). Así, para fortalecer las capacidades y competencias de los técnicos de las artes escénicas y establecer un lenguaje común que permita elevar los estándares de un sector altamente dinámico, se abordan como temas de esta colección: el diseño de las áreas creativas; las regulaciones vigentes para la protección social y seguridad de los trabajadores y la habilidades necesarias para despeñarse en este oficio.
“El Sueño” – August Strindberg (1901.)

$3.490

En El sueño, August Strindberg nos invita a entrar en un teatro donde la lógica habitual se rompe: los muros crecen como flores, las puertas nunca se abren y los personajes se multiplican como reflejos en un espejo roto. La hija del dios Indra desciende a la tierra para observar cómo viven los hombres. Lo que encuentra no es una vida gloriosa ni heroica, sino un tejido de pequeñas penas y grandes sacrificios.
Desde los patios humildes hasta los bufetes de abogados, desde la ópera hasta las aulas universitarias, todos se quejan: la portera espera treinta años a un amor que nunca regresa, el oficial oscila entre la gloria militar y la humillación doméstica, los doctores se coronan de laureles pero en vano, y las madres crían a sus hijos entre enfermedad y resignación.
La obra nos arrastra como un sueño febril: escenas que cambian sin previo aviso, tiempos que se doblan, personajes que se deshacen y reaparecen. Entre diálogos llenos de ironía, lamentos repetidos y símbolos cotidianos convertidos en visiones —un chal que guarda las penas de treinta años, un periódico que arde, una col que se convierte en metáfora de la pobreza—, Strindberg construye un espejo onírico de la existencia.
Más que contar una historia lineal, El sueño nos sumerge en una experiencia: la de sentir, junto a Agnes, la compasión por los mortales y la constante tensión entre el deseo de libertad y el peso de las cadenas invisibles de la vida.
“Pedro El Afortunado” – August Strindberg (1883.)

$3.490

Imagina pasar toda tu vida encerrado en un campanario, mirando el mundo desde lejos. Así vive Pedro, un joven de dieciséis años que jamás ha pisado una calle ni tocado un árbol. Su padre, el viejo sacristán, cree protegerlo del “pecado” y de los peligros del mundo. Pero en la víspera de Navidad, un duende travieso y el Hada Pirulada rompen esa jaula invisible y le entregan un regalo capaz de cambiarlo todo: un anillo mágico que concede cualquier deseo, con una sola condición: no hacer daño a nadie.

Con el corazón latiendo por la promesa de aventuras, Pedro cruza la torre y se lanza a descubrir lo que siempre soñó: el bosque, las fiestas, el amor, la riqueza. En el camino conoce a Lisa, una joven que le salva de la nieve y le enseña que las apariencias engañan. Seducido por la idea de vivir como un rico, Pedro pide oro, banquetes y lujos… pero pronto descubre que la abundancia viene acompañada de impuestos asfixiantes, abogados, pleitos, políticos charlatanes y falsos amigos que desaparecen en cuanto llegan las dificultades.

Entre sátiras a la burocracia, críticas al poder y retratos mordaces de la vanidad humana, Pedro se enfrenta a la pregunta que todos evitan: ¿es posible ser feliz en un mundo donde cada interés tiene un precio? Con humor, ironía y una galería de personajes inolvidables, El Viaje de Pedro el Afortunado es una fábula mordaz y profundamente actual sobre el paso de la ingenuidad a la madurez, y sobre cómo el verdadero viaje puede que no sea hacia fuera, sino hacia adentro.
“La Mas Fuerte” – August Strindberg (1888.)

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Una conversación donde solo una habla, pero dos se enfrentan en silencio.
En la noche de Navidad, dos actrices se encuentran por casualidad en un café. Una está casada, con hijos, y llega con una cesta llena de regalos; la otra, soltera, sola, silenciosa. Lo que parece ser un saludo amable se convierte en una confesión, un ataque, una necesidad urgente de reafirmar el lugar que se ocupa en el mundo, en el amor y en la vida.
A lo largo de esta obra corta pero intensísima, una sola voz llena el espacio, mientras la otra escucha sin emitir palabra, dejando que la marea de emociones, celos, recuerdos y sospechas se despliegue como un espejo oscuro.
¿Qué es más fuerte: gritar o resistir en silencio? ¿Quién domina cuando una domina la escena y la otra apenas parpadea?
August Strindberg, con maestría psicológica y minimalismo escénico, nos entrega una pieza para dos actrices donde lo que no se dice es tan potente como lo que se dice. Ideal para propuestas íntimas, montajes intensos y trabajos actorales de alto nivel, “La Más Fuerte” es una obra de confrontación silenciosa, dolor profundo y poder invisible. Una joya del teatro moderno que pone a prueba la tensión, la mirada y el juicio del público.
“Un Hombre Es Un Hombre” – Bertolt Brecht (1931.)

$3.490

Un hombre sale a comprar un pescado. Nada más inofensivo. Nada más humano.
Pero en el mundo de Un hombre es un hombre, eso basta para perderlo todo.

Bertolt Brecht construye una fábula feroz y lúcida sobre cómo un individuo común puede ser transformado —pieza por pieza— en otra cosa. No por maldad, no por ideología, sino por conveniencia. Por necesidad ajena. Por no saber decir que no.

Galy Gay no quiere poder, ni gloria, ni violencia. Quiere volver a casa. Sin embargo, el ejército no necesita deseos: necesita cuerpos. Y cuando un cuerpo falta, otro sirve. Da lo mismo quién sea.

A través de situaciones grotescas, canciones, negocios absurdos y una violencia tratada con humor cruel, la obra muestra cómo la identidad no es un núcleo sagrado, sino una construcción frágil. El uniforme pesa más que el nombre. El grupo más que la memoria. La utilidad más que la verdad.

Brecht no acusa a un villano individual. Apunta al mecanismo. Al engranaje que convierte personas en funciones. Soldados en reemplazos. Hombres en hombres intercambiables.

El tono oscila entre lo cómico y lo inquietante. Se ríe el espectador, pero se ríe tarde. Porque entiende que lo que ocurre en escena no es excepcional: es perfectamente razonable dentro de un sistema que premia la obediencia y castiga la singularidad.

Un hombre es un hombre no pregunta quién es Galy Gay.
Pregunta algo más incómodo:
¿Cuánto de ti puede cambiar antes de que sigas llamándote tú?
“Baal” – Bertolt Brecht (1918.)

$5.490

“Baal” es una tempestad humana hecha carne. Un poeta salvaje que convierte su vida en su obra, sin pedir permiso al cielo ni al infierno. Mientras los demás escriben sobre la vida, él la bebe, la rompe, la canta.

Baal habita buhardillas, tabernas y camas ajenas. Ama a las mujeres con la misma violencia con que desprecia la moral. Habla con mendigos, con curas, con carreteros, con árboles; y en cada encuentro se reconoce un poco más animal, un poco más dios.

Su genio fascina y asusta: los burgueses lo invitan a sus salones para adorarlo y terminan huyendo de su brutal honestidad. Las mujeres lo buscan, lo siguen, se hunden con él. Su mejor amigo, su doble —Ekart— lo acompaña en un viaje donde el arte, la lujuria y la destrucción se confunden.

Brecht, con un lenguaje poético y salvaje, pinta al artista como un cuerpo sin redención. “Baal” no es un drama convencional, sino un canto primitivo al exceso, a la libertad absoluta y al abismo que la acompaña.
Es una tragedia vitalista, una celebración oscura de lo que arde en cada ser que se niega a vivir a medias.
“Peer Gynt” – Henrik Ibsen (1876.)

$5.990

¿Qué pasa cuando los sueños de grandeza chocan con la realidad?

"Peer Gynt", del genial dramaturgo Henrik Ibsen, es un vertiginoso viaje entre la fantasía, la sátira y la búsqueda existencial. Esta obra monumental nos presenta a Peer, un joven mentiroso y egocéntrico que aspira a ser rey, emperador y héroe... pero que no logra ser dueño de sí mismo.

Desde los valles noruegos hasta los desiertos árabes, desde bailes populares hasta palacios de trols, Peer salta entre mundos reales e imaginarios, persiguiendo una grandeza ilusoria mientras escapa de todo compromiso. Pero ¿quién es realmente Peer? ¿Un soñador, un canalla, un loco, un hombre perdido?

Acompañado por personajes inolvidables como su sufrida madre Aase, la etérea Solveig, y criaturas grotescas como el Rey de los Trols, Peer Gynt mezcla humor, crudeza, poesía y filosofía para preguntarnos: ¿vale más ser uno mismo o aparentar ser alguien grande?

Con una estructura épica, momentos cómicos y escenas desgarradoras, esta obra es una montaña rusa emocional que cuestiona los ideales modernos de éxito, autenticidad y redención. Una obra maestra que, aún hoy, sigue hablándonos con fuerza sobre el ego, el amor, y el precio de huir de uno mismo.
“Santa Juana De Los Mataderos” – Bertolt Brecht (1930.)

$5.490

En una ciudad donde el vapor de las máquinas se mezcla con el olor de la carne y el dinero, una joven cree que la fe puede detener el hambre.

Juana Dark marcha con tambor y sopa caliente por los mataderos de Chicago. Cree que Dios aún puede ser escuchado entre cuchillas, reses y obreros exhaustos. Cree que la miseria es un problema del alma. Cree que basta cantar más fuerte.

Pero el mercado no canta.

Cuando los frigoríficos cierran y decenas de miles quedan en la calle, Juana da un paso que cambiará su destino: decide mirar de frente al poder. Entra en el mundo de los industriales de la carne, donde la compasión es una debilidad y la conciencia un lujo prescindible.

Allí conoce a hombres que hablan de moral mientras arruinan ciudades enteras. Ve cómo la pobreza no eleva, sino que aplasta. Cómo obliga a mentir, delatar, traicionar. Cómo el hambre no ennoblece: domestica.

Cada escena empuja a Juana más abajo. Cada respuesta que busca la hunde un poco más. La fe se agrieta. El lenguaje se vuelve insuficiente. La sopa ya no alcanza.

Brecht construye aquí una tragedia moderna: no la de una heroína vencida por el mal, sino la de una mujer honesta derrotada por un sistema que no necesita villanos, solo engranajes obedientes.

Santa Juana de los Mataderos no pregunta si el mundo es injusto. Pregunta algo más incómodo:
¿qué valor tiene la bondad cuando no se atreve a cambiar las condiciones materiales de la vida?
“Saverio, El Cruel” – Roberto Arlt (1936.)

$3.490

Un vendedor de manteca sin prestigio, sin poder y sin voz es invitado a participar de una broma elegante. Le ofrecen un uniforme, un título, una ficción. Le piden que actúe.
Saverio acepta.

Lo que comienza como un juego de salón —una farsa terapéutica diseñada por jóvenes cultos y ociosos— se convierte lentamente en una pesadilla lúcida. Saverio descubre algo que nunca había tenido: autoridad. Y con ella, una identidad nueva, peligrosa, embriagadora.

Roberto Arlt construye en Saverio el cruel una comedia que ríe con los dientes apretados. Cada escena avanza como una cuerda tensada entre lo grotesco y lo siniestro. El lenguaje del poder, la retórica política, el militarismo caricaturesco y la hipocresía burguesa se mezclan en un escenario donde nadie es inocente.

La obra no se burla solo del dictador: se burla —y acusa— a quienes lo inventan por diversión, a quienes lo estimulan por curiosidad, a quienes lo aplauden por miedo o conveniencia. Saverio no es un monstruo excepcional: es un hombre común al que se le entrega, por un instante, el derecho a mandar.

Teatro dentro del teatro, farsa dentro del horror, Saverio el cruel es una pieza visionaria, incómoda y vigente. Una comedia que anticipa el siglo XX… y no ha dejado de hablarnos.
“La Isla Desierta” – Roberto Arlt (1937.)

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Una oficina blanca, aséptica, elevada sobre la ciudad como un acuario humano. Máquinas que no descansan, cuerpos inclinados, almas en pausa. La isla desierta es una burlería feroz donde el enemigo no grita: calcula, suma y corrige.

Un ventanal lo cambia todo. Más allá del vidrio, los barcos parten hacia tierras desconocidas. Dentro, los empleados envejecen sin haber vivido. La rutina comienza a resquebrajarse cuando Manuel, agotado por cuarenta años de oficina, se atreve a decir lo indecible: no puede más. La melancolía del puerto despierta preguntas peligrosas. ¿Por qué no viajamos? ¿Por qué aceptamos esta vida?

Entonces aparece Cipriano, el ordenanza. Mulato, provocador, excesivo. Su cuerpo tatuado y sus relatos de islas, mares y rituales ancestrales introducen el delirio. La oficina se contagia de imágenes sensuales, de libertad, de una vida sin relojes ni jefes. El espacio racional se vuelve ceremonial. El deseo circula. El orden tiembla.

Manuel se desnuda moralmente: confiesa haber sido cómplice del sistema. Pero esa verdad lo transforma. Ya no es un empleado más: es un hombre que quiere vivir. La idea de una isla desierta —real o imaginaria— se convierte en promesa colectiva.

Arlt construye una sátira amarga y luminosa sobre el trabajo alienado, la cobardía cotidiana y la violencia silenciosa del sistema moderno. La isla desierta no propone una escapatoria ingenua, sino una pregunta urgente: ¿qué hicimos con nuestra vida mientras mirábamos pasar los barcos?
“Prueba De Amor” – Roberto Arlt (1947.)

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Un hombre duda. No del amor en abstracto, sino del amor cuando roza el dinero, el prestigio y la seguridad. Prueba de amor es una bomba teatral de un solo acto donde Roberto Arlt expone, sin anestesia, la hipocresía sentimental de la sociedad burguesa.

En un departamento frío y ordenado, dos seres se enfrentan como en un laboratorio moral. Él, joven y rico, brillante y cruel. Ella, lúcida, contenida, atravesada por una inteligencia que no siempre la protege. La conversación, al principio elegante, se vuelve progresivamente violenta: el amor es diseccionado como si fuera un fraude financiero.

La obra avanza como una partida de ajedrez psicológico, donde cada frase es una trampa y cada silencio, una amenaza. Arlt convierte el espacio íntimo —un baño, una bañera— en escenario de una ceremonia brutal donde se confunden amor, dinero, fe y humillación.

Con una escritura filosa, irónica y ferozmente moderna, Prueba de amor cuestiona la idea misma de prueba, de confianza y de verdad emocional. No hay héroes ni villanos claros: solo seres humanos atrapados en un sistema que convierte el amor en transacción y la fe en espectáculo.

Breve, intensa y devastadora, esta obra sigue incomodando porque apunta directo al centro: allí donde amar y creer ya no son lo mismo.
“El Castigo Sin Venganza” – Lope De Vega (1631.)

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Una tragedia vibrante de pasiones desbordadas, poder absoluto y secretos que arden en silencio.

Castigo sin venganza es una de las obras más audaces de Lope de Vega. Ambientada en la corte de Ferrara, nos introduce en un mundo donde las apariencias lo son todo y el honor pesa más que la vida misma. Allí, el poderoso conde Don Fernando contrae matrimonio con la joven y noble Cásandra, sin imaginar que el verdadero drama no vendrá de sus enemigos, sino desde el corazón de su propia casa.

Cásandra, atrapada en un matrimonio por conveniencia, comienza a experimentar una pasión tan inesperada como peligrosa: el hijo del conde, Federico, es tan gallardo como prohibido. ¿Puede el deseo resistirse cuando la virtud se convierte en una prisión? ¿Hasta dónde puede llegar la justicia para encubrir la deshonra?

Con una prosa ágil y poética, Lope de Vega construye una historia que atrapa desde el primer momento y que nos confronta con los dilemas morales más profundos: ¿quién merece el castigo? ¿Qué es peor: el crimen o el silencio que lo rodea?

Castigo sin venganza no es solo una obra de época: es una tragedia moderna sobre los peligros del poder, el peso del honor y la imposibilidad del amor cuando las reglas las dicta el miedo. Ideal para lectores que buscan emociones intensas, conflictos éticos y un final que deja sin aliento.
“El Burgués Gentil Hombre” – Molière (1670.)

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¿Puede el dinero comprar la nobleza? En esta desopilante comedia de Molière, seguimos la historia de Monsieur Jourdain, un burgués millonario que sueña con ser noble… y está dispuesto a todo para lograrlo, incluso hacer el ridículo. En su afán, contrata maestros que lo llenan de frases cultas y pasos de baile, se viste con ropas estrafalarias y hasta aprende a pronunciar la letra “U” con elegancia. Lo que no sabe es que todos, desde el conde Dorante hasta el sastre, lo están utilizando.

El Burgués Gentil Hombre es una sátira brillante sobre la hipocresía social, la obsesión por el estatus y el poder de la apariencia. Una obra cómica que no pierde vigencia: el deseo de pertenecer a una clase superior, el miedo al ridículo, el amor enfrentado a las convenciones, todo se entrecruza en una historia llena de humor y picardía.

Ideal para públicos que disfrutan del teatro con crítica social y carcajadas inteligentes, esta obra ofrece múltiples niveles de lectura: desde la comedia más burlesca hasta una reflexión mordaz sobre la sociedad y sus ídolos falsos.
“Claribel” – Wilian Antonio Arias (2016.)

$3.500

En el Reino de los Claveles, donde la belleza parece eterna y el amor se celebra como ley, la joven princesa Claribel cae en un sueño profundo del que nadie logra despertarla. Lo que comienza como una tragedia inexplicable pronto revela una verdad inquietante: Claribel no está muerta… pero tampoco vive del todo.

Mientras el reino se sumerge en el silencio y la incertidumbre, su madre, la reina Ingrid, se niega a aceptar lo inevitable. Atrapada entre la esperanza y el dolor, decide enfrentarse a aquello que nadie más se atreve a nombrar: una fuerza oscura que ha cruzado los límites de la vida y la muerte.

En un mundo donde el tiempo se descompone y los recuerdos adquieren voz propia, la historia avanza entre susurros, presencias invisibles y secretos que nunca debieron despertar. El amor toma distintas formas: el amor puro que protege, el amor que resiste… y el amor que, deformado por la obsesión, es capaz de destruirlo todo.

Claribel: Tan Suave Como El Amor es una obra de fantasía dramática cargada de emoción, donde la inocencia pende de un hilo invisible y una madre desafía lo imposible para recuperar a su hija.

Porque hay vínculos que ni la muerte puede romper…
y decisiones que cambian el destino para siempre.
“Fausto” – J. W. Goethe (1832.)

$5.490

¿Qué pasaría si un hombre sabio, en la cima de su conocimiento, sintiera que nada de lo aprendido puede llenar su alma? ¿Y si, en ese abismo de frustración, apareciera el mismísimo diablo ofreciéndole el universo a cambio de su alma?

Fausto, obra monumental de Goethe, es el retrato de una humanidad hambrienta de sentido, placer y trascendencia. El doctor Fausto, erudito consumido por la desesperación, se siente traicionado por los límites de la ciencia y la religión. En su desesperación, invoca a los poderes oscuros y sella un pacto con Mefistófeles, espíritu burlón y astuto que le promete todo lo que desee: conocimiento sin límites, placeres mundanos, juventud, amor. Pero hay una condición: si alguna vez dice "¡Detente, instante, eres tan bello!", su alma pertenecerá al infierno.

La obra nos lleva desde lo filosófico hasta lo trágicamente humano: Fausto recobra la juventud y se enamora de la inocente Gretchen, a quien arrastra a la ruina. Muerte, culpa, fe y redención se entrelazan en un descenso que es tanto espiritual como emocional. Gretchen, víctima y símbolo, atraviesa el dolor más desgarrador, pero es también quien resplandece con mayor luz al final.

Fausto no es solo una historia de pacto con el diablo. Es una meditación sobre el deseo, la ambición, la pérdida y el precio de la experiencia. Cada escena revela algo profundo: la dualidad humana, el poder destructivo del ego, pero también la posibilidad de redención.

Un clásico eterno que nos desafía a mirar hacia adentro.
“¿Dónde Estará La Jeannette?” – Luis Rivano (1984.)

$5.490

En un Santiago lluvioso de los años sesenta, una casa elegante esconde un campo de batalla íntimo.
Una joven prostituta entra por error —o por destino— al living de una familia que vive de las apariencias. Lo que comienza como una solución práctica se convierte en una grieta irreparable.

Nancy, vital, irónica y brutalmente honesta, acepta reemplazar a una empleada doméstica. Allí conoce a Lola, una mujer olvidada, antigua cupletista, madre incómoda, memoria viva de un pasado que nadie quiere recordar. Entre tragos, canciones y confesiones, ambas descubren que comparten algo más profundo que la marginalidad: la lucha por no desaparecer.

Mientras tanto, Paula, dueña de casa, construyó su identidad negando sus orígenes. Su obsesión por el estatus la ha llevado a encerrar a su madre y a vaciar de sentido su propio matrimonio. Carlos Alberto, su marido, sobrevive refugiado en el billar y en recuerdos de un tiempo donde soñó ser otra cosa.

La obra cruza con humor ácido y crudeza temas incómodos: la prostitución visible y la invisible, la hipocresía de clase, la maternidad fallida, la memoria artística como amenaza, y la violencia simbólica del “buen vivir”.

Rivano no juzga: expone.
Y lo hace con una lengua viva, popular, musical, ferozmente chilena.

¿Dónde estará la Jeannette? no busca respuestas fáciles.
Golpea donde duele.
Y obliga a mirar de frente aquello que se esconde bajo el mantel bien planchado.
“El Hombre Que Compraba Y Vendía Cosas” – Luis Rivano (1994.)

$5.490

Una familia se muda a la casa de sus sueños.
Pero algo no entra con ellos.

Un hombre que lo consiguió todo… menos paz.
Una mujer que perdió más de lo que ganó.
Un hijo que no cree en el sacrificio.
Una hija que aún quiere creer.

Entre cajas, recuerdos y muebles nuevos, se desata una batalla invisible:
la del origen contra la ambición, la memoria contra el progreso.

Él construyó su mundo desde la nada—recogiendo lo que otros desechan, viendo valor donde nadie lo ve.
Pero ahora que tiene dinero, espacio, status… descubre que lo más difícil no es subir.

Es sostenerse sin romperlo todo.

Con humor ácido, lenguaje directo y una crudeza profundamente chilena, esta obra revela el precio del ascenso social:
la familia se convierte en campo de batalla,
el amor en reproche,
y el éxito… en una forma silenciosa de soledad.

Porque no basta con cambiar de casa.
Hay cosas que no se mudan.

Y otras… que nunca te sueltan.
“El Rucio De Los Cuchillos” – Luis Rivano (1991.)

$5.490

En una pieza mal iluminada del centro de Santiago, tres vidas chocan como cuchillos sin funda.
El rucio de los cuchillos nos sumerge en el corazón del bajo mundo chileno de los años sesenta, donde la supervivencia no es una metáfora, sino una rutina.

Vinizio, recién salido de la cárcel, arrastra un pasado manchado de sangre y un miedo paralizante a volver a caer. La calle lo reconoce, la policía lo persigue y el futuro parece una puerta cerrada. La Guille, prostituta independiente, irónica y ferozmente lúcida, ha aprendido a negociar con la vida sin pedir permiso: vende su cuerpo, pero protege con uñas y dientes su dignidad. El Tolo, su cafiche, vive obsesionado con el poder, el respeto y la posesión, atrapado entre el amor, los celos y la violencia.

Entre mates, tangos, discusiones y recuerdos, emerge una idea improbable: participar en un concurso de baile. El Teatro Caupolicán se convierte en un sueño frágil, casi absurdo, pero cargado de esperanza. Bailar no es solo moverse: es desafiar al destino, vengarse del desprecio, intentar, aunque sea por una noche, ser otro.

Luis Rivano escribe con crudeza y poesía popular una obra donde el humor convive con la tragedia, donde los personajes hablan como la calle y piensan como filósofos heridos. El rucio de los cuchillos no juzga: observa. No idealiza: expone. Y en ese gesto honesto, brutal y tierno, nos obliga a mirar de frente una humanidad que rara vez quiere ser vista.
“Los Matarifes” – Luis Rivano (1977.)

$5.490

En una casa estrecha del barrio Franklin, detrás del ruido del matadero y del olor persistente a carne fresca, una familia sobrevive aferrada a lo único que conoce: el trabajo duro, la sangre en las manos y el silencio heredado.

Los Matarifes es una radiografía descarnada de la clase obrera chilena, donde el amor familiar convive con la violencia cotidiana, y donde el futuro parece estar escrito antes de nacer. Belisario, el padre, defiende el oficio como una ley ancestral. David, el hijo mayor, carga con la responsabilidad de sostener la casa, pagando con su propia vida los sueños que nunca pudo tener. Roberto, el menor, se rebela sin rumbo: no quiere estudiar, no quiere matar animales, no quiere repetir el destino que lo espera.

Entre ellos, Teresita sostiene la casa como una columna invisible, postergando su propia felicidad, mientras Carlitos sueña con un amor sencillo que el entorno vuelve casi imposible. En paralelo, una relación amorosa fuera del barrio expone con violencia las fracturas de clase, el machismo, los celos y la culpa de quien intenta escapar de su origen.

Con un lenguaje directo, popular y profundamente humano, Luis Rivano construye una obra donde cada diálogo sangra realidad. Los Matarifes no juzga: muestra. Y al mostrar, obliga al espectador a mirarse en el reflejo incómodo de una sociedad que devora a los suyos como animales de faena.
“Por Sospecha” – Luis Rivano (1980.)

$5.490

Tres hombres encerrados. Ninguna condena clara. Ninguna culpa demostrada.
Solo la sospecha.

En una celda fría y sucia, mientras una radio suena a ratos desde el pasillo, se cruzan tres mundos que rara vez se miran de frente. Un delincuente profesional que conoce el sistema mejor que nadie. Un trabajador honrado que cree que el esfuerzo lo salva de todo. Y un muchacho que acaba de cometer su primer error.

El encierro los obliga a hablar. A provocarse. A defenderse. A confesarse.
Las risas esconden miedo. El humor es un escudo. La violencia siempre está a punto de estallar.

Por sospecha no es solo una obra sobre presos: es una radiografía brutal de una sociedad donde la justicia no es igual para todos, donde la pobreza se castiga antes que el delito y donde el poder se ejerce desde la impunidad. Luis Rivano construye un texto ferozmente humano, cargado de oralidad chilena, ironía popular y una lucidez política que golpea sin pedir permiso.

En ese pequeño calabozo caben la historia reciente del país, el miedo heredado, la tortura silenciada, la corrupción cotidiana y una pregunta que atraviesa toda la obra:
¿quién es realmente culpable?

Con una estructura simple y un lenguaje directo, la obra avanza como una pelea verbal, un duelo ideológico y emocional donde nadie sale ileso. El tiempo se estira, la espera asfixia y la sospecha se vuelve una forma de condena.

Una obra intensa, incómoda y necesaria. Teatro social en estado puro.
“Sexy Boom” – Luis Rivano (1987.)

$5.490

En el interior de un teatro venido a menos, mientras se ensaya una nueva revista musical, Sexy Boom desnuda —con humor feroz y humanidad cruda— la trastienda del espectáculo chileno de los años ochenta.

Tres bailarinas y su coreógrafo sobreviven entre lentejuelas, música nostálgica y órdenes gritadas. Ensayan, se provocan, se confiesan y se hieren. Aquí el camarín es ring, confesionario y trinchera. El cuerpo es herramienta de trabajo, moneda de cambio y campo de batalla. El arte, una excusa frágil para no hundirse.

Lalo, el coreógrafo, sueña con el reconocimiento que nunca llegó. Se burla del sistema mientras lo obedece. Las bailarinas cargan historias de hambre, abuso, ambición y deseo de dignidad. Fabiola exige respeto; Rebeca se aferra al pasado glorioso; Soledad, la más joven, comienza a entender que la injusticia no se resuelve sola.

Entre números musicales, discusiones violentas y risas obscenas, emerge una pregunta incómoda:
¿hasta dónde se puede ceder para seguir trabajando?

Sexy Boom es una comedia amarga, una sátira social y un retrato feroz del poder, la precariedad y la resistencia femenina. Una obra que hace reír mientras aprieta la garganta. El espectáculo continúa, sí… pero el precio es alto.
“Te Llamabas Rosicler” – Luis Rivano (1976.)

$5.490

En una vieja casona de Santiago, mientras suena un tango gastado por la repetición, conviven personajes que se resisten a desaparecer.

Una ex vedette que no acepta el final de su carrera.
Un jubilado municipal que ama con una fidelidad desesperada.
Una mujer de clase alta acorralada por la ruina.
Un poeta joven que cree que el arte aún puede salvarlo todo.
Un vigilante obsesionado con el orden.
Y un amante que huye antes de enfrentar la verdad.

Te llamabas Rosicler es una comedia amarga, profundamente humana, donde el humor convive con la crueldad y la ternura con la humillación. Luis Rivano retrata una sociedad en tránsito, donde los sueños de grandeza chocan contra la precariedad cotidiana, y donde el pasado pesa más que el futuro.

La obra se despliega entre discusiones feroces, momentos de delirio poético y escenas de una lucidez brutal. El tango no es solo música: es memoria, es identidad, es una forma de resistir al olvido. Cada personaje lucha por no ser expulsado del escenario de la vida, aunque el mundo —y la ciudad— ya no los necesite.

Una pieza coral, intensa y tragicómica, que habla de la caída de los ídolos, del amor como refugio y condena, y de un país que comienza a borrar sus propias casas para construir algo nuevo… sin saber muy bien qué.
Escucho Discos De Al Jolson, Mamá… – Luis Rivano (2001.)

$5.490

En una casa gastada por el tiempo, donde la luz apenas entra y la vida se sostiene con lo justo, un hombre decide desaparecer sin irse.

Hugo fue artista. Fue aplauso, maquillaje, escenario. Hoy es sombra. Vive encerrado, escuchando una y otra vez los viejos discos de Al Jolson, como si en esa voz quebrada aún latiera lo que fue… o lo que nunca terminó de ser.

Su madre, Mamy Chabela, no cree en fantasmas. Cree en la olla, en la feria, en sobrevivir. Lo empuja, lo sacude, lo enfrenta: hay trabajo esperando allá afuera. Un hombre insiste en la puerta. Pero Hugo no abre.

Porque abrir la puerta es volver.
Y volver significa recordar.

En ese espacio íntimo, áspero y profundamente humano, emerge una historia que no se cuenta: se desgarra.
La de Rossie.
Una niña de la calle convertida en bailarina, en compañía, en necesidad.
Un vínculo que no cabe en ninguna etiqueta, pero que dejó una marca imposible de borrar.

Entre recuerdos, reproches y momentos de humor brutalmente honesto, la obra revela un mundo olvidado: el teatro de revista, sus luces pobres, sus cuerpos expuestos, sus sueños baratos… y sus heridas reales.

Aquí no hay héroes.
Solo gente que hizo lo que pudo.

Y mientras la música sigue sonando en la penumbra, una pregunta queda suspendida:
¿Qué pasa cuando lo único que te sostiene… ya terminó?
“Un Gásfiter En Sociedad” – Luis Rivano (1977.)

$5.490

En un departamento elegante, lleno de libros, música clásica y discursos refinados, irrumpe un hombre que huele a calle, a grasa y a vida real. Un gásfiter en sociedad es una comedia afilada como cuchillo que desnuda las tensiones de clase, cultura y poder en el Chile urbano de los años setenta… tensiones que siguen respirando hoy.

Angélica Luz, académica brillante y mujer emancipada, decide educar al maestro que llegó a arreglar su baño. Cree que el arte puede redimirlo, elevarlo, transformarlo. Él, Onofre, acepta el juego: aprende, escucha, lee… pero nunca deja de ser quien es. Observa, se burla, absorbe y devuelve la cultura filtrada por su experiencia popular, desmontando sin pedir permiso la solemnidad intelectual.

Entre ambos aparece Carlos, el exmarido: bancario, clasista, inseguro, símbolo del “caballero” que defiende la tradición sin comprenderla. Su presencia vuelve el experimento peligroso, revelando que la lucha no es solo cultural, sino también sexual, económica y simbólica.

Rivano construye una obra hilarante y cruel, donde el lenguaje es un campo de batalla y el humor un arma política. Nadie queda limpio. Nadie es héroe. La cultura se muestra como lo que muchas veces es: un privilegio que se disfraza de generosidad.

Una obra profundamente chilena, incómoda, divertida y ferozmente lúcida, que pone al espectador frente a una pregunta sin respuesta fácil:
¿Quién educa a quién… y para qué?
“Uno Nunca Sabe” – Bernard Shaw (1897.)

$3.490

En un balneario de Devon, una familia peculiar sacude la rutina de un joven dentista sin experiencia. Los gemelos Philip y Dolly, de humor chispeante, arrastran al Dr. Valentine a su casa, donde lo esperan su madre —una feminista intelectual— y su hermana mayor, Gloria, tan altiva como atractiva. Valentine, desprevenido, se enamora a primera vista de Gloria, iniciando un juego de ingenio, orgullo y deseo.

La comedia da un giro inesperado cuando aparece Crampton, un severo caballero de 57 años, propietario de la pensión… y padre ausente de los Clandon. Tras años de silencio, los hijos se enfrentan a un dilema doloroso: ¿deben aceptar la figura del padre que su madre borró de sus vidas?

Entre discusiones jurídicas, cenas incómodas y confesiones sentimentales, Shaw despliega su arte: diálogos rápidos, sátira sobre el matrimonio, el rol de la mujer y la hipocresía social. El camarero Walter, con ecuanimidad socrática, observa y sentencia con un “uno nunca sabe” que da título a la obra: nada es seguro en los vínculos humanos.

Sin resolver completamente el conflicto —porque la vida nunca lo hace—, la pieza deja al espectador entre risas y reflexiones: ¿son posibles el amor y la familia en un mundo dividido entre tradición y modernidad?
Como En Casa – Amparo Romero (2022.)

$5.990

Como En Casa es una obra en tres actos que narra la vida de Ángela, una madre soltera y trabajadora del área sanitaria, y su hijo Alejandro, un joven con síndrome de Down. La historia se despliega desde una mirada profundamente humana, resaltando las injusticias sociales, la discriminación y la lucha diaria por dignidad. Ángela relata con amor y humor su experiencia criando a Alejandro en soledad tras el abandono del padre. La vida cotidiana se entrelaza con la crisis sanitaria del COVID-19, revelando las desigualdades del sistema de salud y vivienda, culminando trágicamente con la muerte de Ángela.

Tras esta pérdida, Alejandro es apoyado por la entrañable señora Edelmira y su familia, quienes contrastan con la frialdad y el desprecio de la familia materna. Alejandro se descubre como un talentoso cocinero, y con ayuda de su profesora Sandra, se embarca en un camino emprendedor. La historia cobra fuerza cuando su negocio comienza a prosperar, enfrentando un intento de estafa por parte de un primo oportunista. Gracias al apoyo de su nueva familia y amigos, Alejandro triunfa, logra justicia y expande su restaurante “Como En Casa” a nivel nacional, consolidándose como un ejemplo de inclusión, esfuerzo y esperanza.
La Estudiantina – Amparo Romero (2022.)

$5.990

¿Puede una noche sellar el destino de un hombre para toda la eternidad?

En una Salamanca envuelta por la niebla del alma, Don Félix de Montemar —galán, jugador, duelista, y seductor sin escrúpulos— camina con paso seguro por las calles del pecado y el olvido. Ha conquistado a Elvira Pastrana, ha jugado con su corazón, y la ha dejado rota. Pero el amor, cuando es verdadero, no se extingue: florece o maldice. Y Elvira... no ha olvidado.

La Estudiantina es un relato poético, vibrante y estremecedor. Una adaptación contemporánea del clásico romántico de Espronceda, escrita por Amparo Romero, que mantiene la esencia trágica de la obra original y la actualiza con un lenguaje escénico potente, cinematográfico y simbólico. El espectador es arrastrado por las calles nocturnas de una ciudad dormida, por jardines en los que la locura florece, por tabernas donde la muerte apuesta con los vivos, y por cementerios donde las puertas no solo se abren… también esperan.

Narrada desde la voz grave y lírica de un Guardia Civil, esta pieza nos enfrenta con la sombra de nuestros actos, con el precio del desprecio, y con la certeza de que todo amor traicionado deja huellas… incluso más allá de la vida. Elvira no busca venganza: solo espera. Don Félix no teme al duelo, pero ignora que su verdadero enemigo no está afuera… sino en su propia conciencia.

Una obra perfecta para quienes aman la belleza del verso, el misterio de lo sobrenatural y las historias de amor que no mueren: se transforman.
“El Pelícano” – August Strindberg (1907.)

$3.000

Una madre que dice amar, pero mata de hambre; un hijo que busca calor y solo halla hielo; una hija atrapada entre la pureza y la corrupción; un yerno que desea tanto poder como placer.
El Pelícano es una disección despiadada del mito familiar. August Strindberg, en una de sus obras más sombrías y simbólicas, desnuda el hogar burgués hasta revelar lo que late detrás del amor filial: la hipocresía, la avaricia y el deseo incestuoso.
Elisa, la madre, encarna al falso pelícano: aquel que, en lugar de alimentarse con su sangre, roba la sustancia vital de sus hijos. Su casa está fría no por falta de carbón, sino por la ausencia del alma. En torno a ella giran Federico, estudiante y soñador roto; Gerda, esposa inocente y ciega; Axel, el yerno que representa la degradación del deseo y la ambición; y Margarita, testigo lúcida de la miseria doméstica.
A medida que el viento sopla y las velas se apagan, los hijos despiertan del largo sueño de la obediencia. El descubrimiento de una carta póstuma del padre desvela el crimen moral: fueron criados con engaño, desnutridos en cuerpo y espíritu.
Entre el fuego y la confesión final, Strindberg levanta una parábola sobre la degeneración del amor maternal cuando se convierte en dominio. El Pelícano no es solo un drama familiar, sino un rito de combustión: el alma de una casa incendiada por la verdad.
“Trecientos Millones” – Roberto Arlt (1932.)

$3.490

Una sirvienta no duerme. Mientras la ciudad respira de noche, ella imagina. Y al imaginar, crea mundos.

Trescientos millones es la historia de una mujer pobre que, sin moverse de su cuarto, viaja más lejos que nadie. Un héroe de novela le anuncia una herencia fabulosa. Con ese dinero imaginario compra amor, estatus, viajes, poder. Se convierte en señora sin dejar de ser criada. Manda sin dejar de obedecer. Ama sin ser amada.

Los personajes que la rodean no son personas: son fantasmas del deseo. Un galán cansado de seducir, un capitán ceremonial, amigas elegantes, una muerte burlona. Todos dependen de su imaginación. Todos empiezan a sentir miedo.

Porque soñar no es inocente.

Arlt construye una obra donde la fantasía no es escape sino trampa. El dinero no redime. El amor romántico no salva. El ascenso social es una máscara que se cae sola.

Con humor cruel, erotismo incómodo y una ternura devastadora, la obra muestra cómo una mujer sin nada puede ser, por un instante, dueña de todo… y cómo ese todo puede resultar insoportable.

Trescientos millones no habla de riqueza: habla del hambre.
No habla de locura: habla de lucidez.
No habla de sueños: habla del precio de soñar cuando el mundo no te deja vivir.
“Acreedores” – August Strindberg (1888.)

$3.490

En un elegante balneario sueco, un pintor frustrado y convaleciente encuentra en un desconocido la compañía que su soledad reclamaba. Pronto, esa amistad se convierte en una conversación íntima y reveladora que va desenterrando secretos, inseguridades y heridas ocultas. Entre reflexiones sobre el amor, el arte y la libertad, el “amigo” cuestiona cada certeza del artista: ¿es su esposa tan fiel y devota como él cree?, ¿o su encanto y talento son armas para absorber y dominar?

Cuando Tekla, la carismática y seductora esposa, regresa de un misterioso paseo, la tensión se palpa en cada gesto y palabra. Entre bromas, reproches y juegos de seducción, una batalla invisible comienza a librarse: la de la confianza contra la sospecha, el amor contra el orgullo.

"Acreedores" es un duelo verbal magistral en el que cada frase es una daga y cada sonrisa puede ser una trampa. August Strindberg disecciona con precisión quirúrgica las dinámicas de poder en el amor, las heridas del ego y las pasiones que hierven bajo la superficie. Una obra que atrapa por su intensidad psicológica y que demuestra que, en las relaciones, las deudas emocionales pueden ser más peligrosas que las económicas.
“La Vida Es Sueño” – Pedro Calderón De La Barca (1635.)

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¿Qué harías si un día despiertas rodeado de lujos y poder… y te dicen que eres príncipe? ¿Y si al día siguiente te dicen que todo fue un sueño?

La vida es sueño es una joya filosófica disfrazada de drama palaciego. Pedro Calderón de la Barca nos conduce por las montañas de Polonia hasta las entrañas de un palacio donde lo real y lo onírico se entrelazan.

Segismundo, prisionero desde su nacimiento por una profecía fatal, es liberado por su padre, el rey Basilio, quien decide ponerlo a prueba: si su destino es ser tirano, lo sabrán al darle poder. Pero el joven, criado entre cadenas, responde con violencia. Vuelve entonces a la oscuridad, sin saber si lo vivido fue verdad o ilusión. ¿Puede cambiar el destino? ¿Es el ser humano libre o está encadenado por las estrellas? ¿Qué nos hace humanos: el nacimiento o nuestras decisiones?

Esta obra es un espejo de nuestras dudas existenciales: ¿cuánto de lo que vivimos es real? ¿Cuánta de nuestra libertad es ilusión? Entre intrigas, duelos, amores y traiciones, Calderón plantea una de las preguntas más profundas de la historia del teatro: si todo es sueño… ¿no deberíamos actuar como si estuviésemos soñando con virtud?
“La Celestina” – Fernando De Rojas (1500.)

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La Celestina es una de las obras maestras del teatro y la literatura universal. En una ciudad que nunca duerme, donde los criados conspiran, las pasiones arden en silencio y los secretos se deslizan entre las sombras, un joven noble queda completamente embelesado por la belleza de una dama inalcanzable. Su amor es puro, pero también impetuoso y desbordado, tan ardiente que lo arrastra a tomar decisiones desesperadas.

Para alcanzar su deseo, recurrirá a la figura más ambigua y fascinante de la obra: una vieja alcahueta, experta en hechizos, cosméticos, trucos y manipulaciones, que moverá los hilos de todos a su alrededor como una marionetista invisible. Pero en este juego de pasiones no hay inocentes. Todos —nobles, criados, rameras y brujas— están marcados por la ambición, el deseo, el resentimiento o la codicia.

¿Qué es el amor cuando está contaminado por la manipulación? ¿Puede la pasión sobrevivir a los celos, los intereses y la traición? La Celestina es mucho más que una historia de amor: es un retrato demoledor del alma humana, un texto vibrante lleno de ironía, crítica social y lucidez. Una obra que no envejece, porque en sus páginas resuenan, una y otra vez, las preguntas más profundas sobre el amor, el poder, la juventud y la muerte.
“Dialogo Entre El Amor Y Un Viejo” – Fernando De Rojas (1511.)

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En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.

El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.

Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?

Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.
“Ascenso Y Caída De La Ciudad De Mahagonny” – Bertolt Brecht (1930.)

$5.490

Mahagonny nace en el desierto como una promesa indecente: una ciudad donde no existen prohibiciones, donde el placer reemplaza a la ley y el dinero dicta la moral. Allí llegan hombres agotados de trabajar, mujeres que aprendieron a sobrevivir vendiendo afecto, y fundadores que entienden el negocio del deseo mejor que nadie.

Pero cuando todo está permitido, surge una pregunta incómoda: ¿qué significa ser feliz?
Uno de los recién llegados, un leñador llamado Jim Mahoney, comienza a sospechar que el verdadero peligro no es la miseria, sino el vacío. Su voz rompe la calma artificial de la ciudad y empuja a Mahagonny a mirarse al espejo.

Brecht construye una sátira feroz: canciones luminosas para hablar de la muerte, humor para desnudar la injusticia, placer para exhibir la crueldad del sistema. Mahagonny no es una ciudad imaginaria: es una advertencia.

Una obra incómoda, musical y brutalmente actual.