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“El Castigo Sin Venganza” – Lope De Vega (1631.)

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Una tragedia vibrante de pasiones desbordadas, poder absoluto y secretos que arden en silencio.

Castigo sin venganza es una de las obras más audaces de Lope de Vega. Ambientada en la corte de Ferrara, nos introduce en un mundo donde las apariencias lo son todo y el honor pesa más que la vida misma. Allí, el poderoso conde Don Fernando contrae matrimonio con la joven y noble Cásandra, sin imaginar que el verdadero drama no vendrá de sus enemigos, sino desde el corazón de su propia casa.

Cásandra, atrapada en un matrimonio por conveniencia, comienza a experimentar una pasión tan inesperada como peligrosa: el hijo del conde, Federico, es tan gallardo como prohibido. ¿Puede el deseo resistirse cuando la virtud se convierte en una prisión? ¿Hasta dónde puede llegar la justicia para encubrir la deshonra?

Con una prosa ágil y poética, Lope de Vega construye una historia que atrapa desde el primer momento y que nos confronta con los dilemas morales más profundos: ¿quién merece el castigo? ¿Qué es peor: el crimen o el silencio que lo rodea?

Castigo sin venganza no es solo una obra de época: es una tragedia moderna sobre los peligros del poder, el peso del honor y la imposibilidad del amor cuando las reglas las dicta el miedo. Ideal para lectores que buscan emociones intensas, conflictos éticos y un final que deja sin aliento.
“El Cíclope“ – Eurípides (408 A.C.)

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"El Cíclope" es una obra satírica de Eurípides, basada en el famoso episodio de la Odisea de Homero, donde Ulises y sus hombres son capturados por el Cíclope Polifemo en su cueva. En la obra, Ulises, conocido por su astucia, debe ingeniárselas para escapar del monstruo caníbal que desprecia a los dioses y las costumbres humanas. Con humor y sagacidad, Ulises emborracha al Cíclope y, junto con sus hombres, lo ciega con una estaca ardiente, logrando finalmente escapar. Aunque el tema es serio, Eurípides lo transforma en una sátira, mezclando el drama con elementos cómicos, como la aparición de Sileno y un coro de sátiros, lo que da un tono irónico y juguetón a la narrativa.
“El Descanso De Las Velas” – Flavia Radrigán (2011.)

$5.490

Cuatro cuerpos. Una casa. Y un pasado que no se apaga… solo arde más lento.

El descanso de las velas nos arrastra a un espacio donde la memoria no es recuerdo: es condena. Dos hermanas, dos hermanos, unidos por la sangre, el deseo y una red de secretos que nunca debieron sobrevivir.

Aquí nadie está sano. Nadie está libre.

Amelia enciende velas como quien invoca algo que ya no responde. Sofía vive encerrada, pero su verdadera prisión es el deseo que no logra saciar. Eduardo evita, esquiva, se deshace en excusas mientras el cuerpo lo traiciona. Roberto carga con la guerra, con la muerte, con una idea de amor que no alcanza.

Las relaciones se cruzan, se contaminan, se rompen: infidelidades, juegos de poder, provocaciones sexuales, dependencia emocional. Pero lo que realmente habita en esta casa no es el escándalo… es el vacío.

Un vacío que viene de lejos.

Infancias violentadas. Cuerpos usados. Lenguas obligadas a callar. Historias que nadie quiso escuchar y que ahora regresan deformadas, convertidas en ritual, en juego, en locura.

Cada escena es un fragmento de algo mayor: una verdad imposible de mirar de frente.

Y mientras preparan una cena familiar —como si la normalidad fuera posible— la tensión crece, el lenguaje se quiebra y los límites desaparecen.

Porque en esta casa no se conversa:
se sobrevive.
se repite.
se devora.

Una obra cruda, incómoda y profundamente humana que expone lo que ocurre cuando el dolor no encuentra salida.

Las velas no iluminan.
Las velas observan.
“El Doctor Luther” – Leandro Marcos González (2020.)

$3.490

En un modesto taller de instrumentos, el excéntrico Doctor Luther vive rodeado de herramientas, partituras y una enorme pasión por la música. Su compañero más fiel no es un ser humano, sino un serrucho que, de tanto sonar, parece tener alma. Pero lo que para algunos sería locura, para Luther es rutina… hasta que aparece “Le Trio”, el afamado conjunto musical europeo, con un insólito problema: sus instrumentos ya no obedecen.

Lo que parecía una simple reparación se convierte en un viaje profundamente musical y filosófico, donde guitarras melodramáticas, violines aristocráticos y acordeones fiesteros se niegan a tocar juntos. En esta obra ingeniosa, los instrumentos no solo hablan, ¡también opinan, protestan y sueñan!

A través del humor, el absurdo y diálogos brillantes, El Doctor Luther nos invita a repensar el sentido de la armonía: ¿pueden convivir lo popular con lo clásico? ¿Puede haber belleza en la diferencia? ¿Y si el verdadero arte fuera justamente eso: la mezcla de lo inesperado?

Ideal para público familiar, amantes del teatro de títeres, músicos, y quienes buscan una comedia entrañable con tintes filosóficos. Esta obra no solo entretiene: deja una melodía en el corazón que invita a reflexionar sobre la diversidad, la cooperación y la magia de la música compartida.
“El Empleado Del Mes” – Leandro Marcos González (2016.)

$4.490

Tres personas suben a un ascensor.
Solo una tenía un plan.

En el corazón de una empresa fría y vertical, donde el éxito se firma sin mirar y las sonrisas son parte del uniforme, un hombre invisible ha sido elegido “Empleado del Mes”… todos los meses. Sin mérito. Sin razón. Sin ser visto.

Alejo Rivademar observa. Calla. Piensa. Y espera.

Cuando el ascensor se detiene, el tiempo también lo hace. Encerrados sin señal, sin salida clara, lo que comienza como una incomodidad cotidiana se transforma en una radiografía brutal del mundo moderno: el poder heredado, la sumisión elegante, el resentimiento silencioso.

Pero Alejo no está atrapado.

Está ejecutando.

Con una calma inquietante, convierte la conversación en disección. Habla de filosofía, de teorías absurdas, del caos… y desliza una idea peligrosa: ¿y si el mundo pudiera arreglarse eliminando a unos pocos?

Romina duda. Patricio se burla.
Demasiado tarde.

El aire pesa. El cuerpo cede. Las palabras se vuelven veneno antes que el veneno mismo.

“EL EMPLEADO DEL MES” no es solo una obra: es un descenso elegante hacia lo inevitable. Un thriller psicológico donde el verdadero encierro no es el ascensor… sino el sistema que lo construyó.

Y donde el más invisible…
es el más peligroso.
“El Hombre De La Flor En la Boca” – Luigi Pirandello (1923.)

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En la quietud inquietante de una noche cualquiera, cuando el mundo parece suspender su respiración, dos desconocidos coinciden en un pequeño café que nunca cierra. Uno llega por azar: perdió un tren por culpa de demasiados paquetes. El otro llega por necesidad: perdió la posibilidad de huir de sí mismo.
Así comienza El hombre de la flor en la boca, una obra esencial del genio pirandelliano donde la vida y la muerte se sientan a conversar, disfrazadas de simple charla nocturna.

Un hombre aparentemente pacífico se encuentra súbitamente atrapado en el torbellino verbal de un desconocido que observa el mundo con un ardor casi feroz. Ese hombre —tan lúcido que duele— se aferra a la vida ajena como quien intenta beber del último manantial antes del desierto. Admira detalles insignificantes: paquetes, envoltorios, cintas, gestos cotidianos. Cada nimiedad posee para él una vibración intensa, como si cada momento fuese el borde de un abismo.

La obra nos arrastra al interior de ese pensamiento desesperado, poético y punzante, revelando la conciencia de alguien que sabe que su tiempo es breve.
Fuera de escena, pero siempre presente, una mujer —su mujer— es apenas una sombra que vigila desde lejos, símbolo de un amor que se aferra, que sufre, que no sabe cómo despedirse.

En este duelo íntimo, Pirandello desnuda la paradoja humana: solo cuando la muerte nos roza, la vida parece arder con una nitidez insoportable.
El hombre de la flor en la boca es una invitación a observar lo diminuto con la intensidad de quien comprende que cada segundo importa. Es una obra breve pero infinita, capaz de quedarse prendida en la memoria como aquella “flor” que anuncia el final, pero también ilumina todo el camino previo.
“El Hombre Que Compraba Y Vendía Cosas” – Luis Rivano (1994.)

$5.490

Una familia se muda a la casa de sus sueños.
Pero algo no entra con ellos.

Un hombre que lo consiguió todo… menos paz.
Una mujer que perdió más de lo que ganó.
Un hijo que no cree en el sacrificio.
Una hija que aún quiere creer.

Entre cajas, recuerdos y muebles nuevos, se desata una batalla invisible:
la del origen contra la ambición, la memoria contra el progreso.

Él construyó su mundo desde la nada—recogiendo lo que otros desechan, viendo valor donde nadie lo ve.
Pero ahora que tiene dinero, espacio, status… descubre que lo más difícil no es subir.

Es sostenerse sin romperlo todo.

Con humor ácido, lenguaje directo y una crudeza profundamente chilena, esta obra revela el precio del ascenso social:
la familia se convierte en campo de batalla,
el amor en reproche,
y el éxito… en una forma silenciosa de soledad.

Porque no basta con cambiar de casa.
Hay cosas que no se mudan.

Y otras… que nunca te sueltan.
“El Hombre, La Bestia Y La Virtud” – Luigi Pirandello (1919.)

$3.490

Una mujer virtuosa, un profesor apasionado y un marido animal son los vértices de esta tragicomedia feroz sobre la hipocresía de la moral.
La señora Perella, símbolo del pudor y la obediencia, esconde un secreto: está embarazada de su profesor de latín, el nervioso y brillante Paolino. Su marido, un capitán brutal y ausente, lleva años negándole el lecho conyugal. El regreso repentino del capitán desata el pánico.
Paolino, atrapado entre el amor y la desesperación, idea un plan absurdo y genial: hacer que el capitán vuelva a “cumplir sus deberes” conyugales para cubrir la falta de su esposa. Con la ayuda de un médico y un farmacéutico, manipula a todos en una cadena de mentiras que se enreda con comicidad y tensión.
Entre risas y crueldades, Pirandello desnuda una sociedad que finge virtud mientras se pudre de deseo.
El público asiste a una danza de apariencias donde la virtud debe disfrazarse de pecado para sobrevivir, el pecado de virtud para justificarse y el hombre racional se ve obligado a despertar la bestia para salvar el honor.
“El Imbécil” – Luigi Pirandello (1927.)

$3.490

En una ciudad que se cree el centro del universo, un joven moribundo entra en escena como quien cruza un umbral invisible. Luca Fazio no grita, no milita, no discute: observa. Y al observar, revela. En el despacho sucio de un periódico político, los hombres vociferan consignas, celebran la violencia, opinan sobre la muerte ajena como si fuera una columna editorial más. Todo parece normal. Todo está podrido.

Luca viene de Roma. Viene de la enfermedad. Viene del límite. No busca compasión ni redención. Busca coherencia. Mientras los otros hablan de patria, de honor y de enemigos, él recuerda que el cuerpo duele, que el aire falta, que la vida se agota. Y que cuando uno está cansado de vivir, no debería ser usado como herramienta por los que aún juegan a la política.

La obra se convierte entonces en un duelo asimétrico: no entre dos ideologías, sino entre la retórica vacía y la verdad desnuda. Luca enfrenta a Paroni sin discursos grandilocuentes, sin proclamas. Lo enfrenta con lógica, con ironía, con una calma aterradora. El poder cambia de manos sin un solo disparo.

Pirandello construye aquí una tragedia seca, casi quirúrgica, donde la violencia mayor no es física sino moral. Nadie queda a salvo: ni el político, ni el periodista, ni el espectador. Porque la pregunta final no es quién tiene razón, sino quién se atreve a mirar su propia miseria sin convertirla en bandera.
“El Injerto” – Luigi Pirandello (1919.)

$3.490

En Roma, una mujer sale a pintar y no vuelve. Cuando regresa, herida y silenciosa, su casa entera se hunde en el estupor. No hay culpable, no hay explicación: sólo el cuerpo de Laura Banti, desgarrado y vivo. Su marido, Giorgio, la ama, pero ese amor tropieza con el horror. Él quisiera protegerla, pero también huir de ella. Ambos quedan atrapados entre el deseo, la compasión y la culpa: tres fuerzas que se devoran entre sí.

Pirandello convierte este suceso íntimo en un laboratorio del alma. Cada gesto, cada palabra, es un experimento sobre la naturaleza del amor cuando la pureza se ha roto. En la segunda mitad, el jardín se vuelve un espejo del cuerpo y del destino: un viejo jardinero explica cómo se injerta una planta “a ojo cerrado”, y esa lección sencilla se transforma en una revelación. ¿Puede la vida acoger en sí algo ajeno y hacerlo propio? ¿Puede el amor nutrir lo que no eligió?

El injerto no habla de crimen, sino de lo que ocurre después: de la lenta metamorfosis del alma, del terror de amar otra vez. Es una obra donde la belleza y la monstruosidad se abrazan, donde la savia del arte y del cuerpo buscan renacer juntas.
Pirandello nos deja con una pregunta que todavía sangra: ¿qué es más fuerte, la ofensa o el amor que sobrevive a ella?
“El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

$1.490

En una pradera encantada, donde los insectos viven una vida apacible y casi humana, un joven soñador se atreve a amar lo imposible.

"El maleficio de la mariposa", la primera obra escénica de Federico García Lorca, es una exquisita fábula poética que transforma lo ínfimo —cucarachas, gusanos, alacranes y mariposas— en portadores de las pasiones humanas más profundas. A través del lirismo de sus versos y la ternura absurda de sus personajes, la obra nos presenta al pequeño Curianito el Nene, un insecto poeta que, desoyendo las normas de su comunidad, se enamora perdidamente de una mariposa herida que ha caído desde lo alto de un ciprés.

Mientras su madre y los insectos del pueblo intentan emparejarlo con Silvia, una curiana acomodada, él solo sueña con el amor puro y trágico que representa esa criatura alada. Su anhelo es tan grande como su inocencia, y su rebeldía lo conduce a una conclusión inevitable: la belleza ideal no pertenece a este mundo. El amor, cuando apunta al cielo, puede convertirse en maldición.

En esta obra, la sátira se mezcla con la tragedia, y la belleza de los símbolos naturales se entrelaza con el humor más negro. ¿Qué sucede cuando el amor se vuelve inalcanzable? ¿Qué precio pagamos por perseguir un ideal?

"El maleficio de la mariposa" es un canto a la poesía, una crítica a la sociedad conformista y un retrato temprano del estilo único que haría de Lorca un ícono del teatro universal.
“El Misántropo, El Atrabiliario Enamorado” – Molière (1666.)

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"El Misántropo" es una de las comedias más mordaces de Molière. En esta obra, seguimos los pasos de Alceste, un hombre que detesta la hipocresía de la sociedad cortesana, pero que, irónicamente, cae preso de un amor imposible por Celimena, una mujer ingeniosa y seductora que representa todo lo que él desprecia.

Mientras Alceste defiende con fiereza su franqueza y su desprecio por las adulaciones, los demás personajes se deslizan cómodamente por un mundo hecho de apariencias, sonrisas fingidas y ambiciones cortesanas. La escena parisina se convierte en un tablero de ajedrez donde cada palabra y cada gesto son parte de un juego más profundo: el del poder, la atracción y el autoengaño.

Molière construye aquí un retrato implacable de la sociedad del siglo XVII que sigue siendo ferozmente actual. ¿Qué pasa cuando uno decide decir siempre la verdad en un mundo construido sobre mentiras? ¿Es la honestidad una virtud o una condena? Esta obra, tan divertida como punzante, invita al espectador a cuestionarse si es posible amar sin perderse, o si el amor también exige una cuota de fingimiento.

Una comedia deliciosa y filosófica, donde cada diálogo es una estocada, y cada risa, un espejo.
“El Negligente” – Carlo Goldoni (1749.)

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En una casa donde reina la pereza, un grupo de oportunistas está a punto de cambiarlo todo... Filiberto es un hombre rico, perezoso hasta la médula. Lo molesta pensar, hablar de negocios o incluso levantarse del sillón. Pero su negligencia tiene consecuencias: su casa se llena de farsantes, su fortuna pende de un hilo, y hasta su propia hija ve peligrar su futuro.

Mientras él duerme la vida, Aurelia, una huérfana que vive en su hogar, teje una red de engaños junto a su amante Cornelio. Juntos planean despojarlo de todos sus bienes valiéndose de falsos contratos, tretas legales y un abogado cómplice. Pero el amor no solo mueve al crimen: la joven Lisaura, hija de Filiberto, y el apasionado Dorindo, luchan por salvar lo poco que queda del honor y del patrimonio familiar.

En medio de todo, Pasquino y Porporina, los criados, ofrecen una deliciosa dosis de comedia: celos, reconciliaciones, robos torpes y declaraciones románticas inesperadas. Ellos también tienen su propia historia de amor y venganza, cruzada por malentendidos y pactos secretos.

"El Negligente" es una comedia ágil y brillante, donde la ironía sobre la apatía humana se mezcla con astutas maniobras, equívocos amorosos y giros inesperados. Una obra ideal para reír, reflexionar y recordar que, en la vida, quien no actúa... termina perdiéndolo todo. Perfecta para un público que busca humor inteligente, enredos bien construidos y un final feliz ganado a pulso… o más bien, a trampa limpia.
“El Ombligo De Los Limbos” – Antonin Artaud (1925.)

$3.490

No hay historia aquí.
Hay un cuerpo ardiendo.

El Ombligo de los Limbos es el grito de Antonin Artaud cuando el pensamiento deja de obedecer, cuando el lenguaje se vuelve insuficiente y el cuerpo toma la palabra. Este libro no se lee: se atraviesa.

Artaud escribe desde el borde. Desde la enfermedad, la angustia, la lucidez extrema. Cada texto es una descarga: cartas furiosas, descripciones físicas insoportables, ataques contra la ley, la medicina, la literatura, la moral y el falso orden del espíritu. Nada busca consuelo. Nada quiere explicarse.

Aquí el pensamiento se quiebra, se vitrifica, se congela. El cuerpo aparece como campo de fuerzas: vientre, nervios, cráneo, sangre, piel. La angustia no es un estado psicológico: es una materia activa, un fenómeno físico, una violencia real que corta el cordón de la vida.

El libro avanza como un ritual sin escenario fijo. Artaud se expone entero: denuncia el engaño del lenguaje, la traición de las palabras, la hipocresía de los intelectuales, la brutalidad de un mundo que pretende clasificar lo que no puede ser clasificado.

Este no es un texto para ser entendido. Es un texto para despertar. Para incomodar. Para recordar que el teatro, como la escritura, no nace de la forma, sino de una necesidad vital.

El Ombligo de los Limbos es el lugar donde el espíritu pierde su máscara y el cuerpo habla sin permiso.
“El Paseo De Buster Keaton” – Federico Garcia Lorca (1925.)

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“El Paseo de Buster Keaton” es una joya surrealista donde la ternura y la crueldad se tocan con la punta de los dedos. Aquí, Federico García Lorca transforma al icónico actor del cine mudo en un viajero perdido entre juncos, bicicletas imposibles y animales que hablan. No hay realismo: hay poesía viva, imágenes que respiran, símbolos que atraviesan el alma.

Buster inicia su paseo con un gesto brutal —matar a sus hijos con un puñal de madera— que no busca dolor, sino declarar que el mundo que viene no pertenece a la lógica humana. Desde ese instante, el espectador entra en una dimensión donde lo absurdo gobierna, pero lo hace con una belleza inquietante.

El protagonista pedalea por un paisaje que se encoge, se estira y cambia como un sueño. Sus ojos infinitos —feos y bellos al mismo tiempo— ven lo que nadie más ve: pájaros que dialogan, bicicletas sin dimensiones, ciudades de papel, serafines pálidos, señoritas que tocan piano mientras montan en bicicleta, y un otoño que cae del cielo como un conjuro.

Dos figuras femeninas surgen en su travesía:
La Americana, mujer de celuloide, que pide objetos mágicos que él no posee.
La Joven, mitad ruiseñor, que se desmaya al oír su nombre, revelando la potencia melancólica del personaje.

El final llega como un susurro, con policías apareciendo en el horizonte, dejando sensación de fábula inacabada, como si la vida de Keaton fuera un recorrido sin fin entre inocencia y tragedia.

Es una obra breve, intensa, visual y profundamente poética. Una pieza para quienes aman el teatro como arte de imágenes, sensaciones y símbolos.
“El Pelícano” – August Strindberg (1907.)

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Una madre que dice amar, pero mata de hambre; un hijo que busca calor y solo halla hielo; una hija atrapada entre la pureza y la corrupción; un yerno que desea tanto poder como placer.
El Pelícano es una disección despiadada del mito familiar. August Strindberg, en una de sus obras más sombrías y simbólicas, desnuda el hogar burgués hasta revelar lo que late detrás del amor filial: la hipocresía, la avaricia y el deseo incestuoso.
Elisa, la madre, encarna al falso pelícano: aquel que, en lugar de alimentarse con su sangre, roba la sustancia vital de sus hijos. Su casa está fría no por falta de carbón, sino por la ausencia del alma. En torno a ella giran Federico, estudiante y soñador roto; Gerda, esposa inocente y ciega; Axel, el yerno que representa la degradación del deseo y la ambición; y Margarita, testigo lúcida de la miseria doméstica.
A medida que el viento sopla y las velas se apagan, los hijos despiertan del largo sueño de la obediencia. El descubrimiento de una carta póstuma del padre desvela el crimen moral: fueron criados con engaño, desnutridos en cuerpo y espíritu.
Entre el fuego y la confesión final, Strindberg levanta una parábola sobre la degeneración del amor maternal cuando se convierte en dominio. El Pelícano no es solo un drama familiar, sino un rito de combustión: el alma de una casa incendiada por la verdad.
“El Placer De La Honradez” – Luigi Pirandello (1917.)

$3.490

“El Placer de la Honradez” es una de las piezas más agudas de Luigi Pirandello, un espejo brutal de la moral burguesa. La historia comienza con una familia en crisis: Águeda, hija de una dama respetable, espera un hijo del marqués Fabio Colli, hombre casado y de alma atormentada. Para evitar el escándalo, Mauricio Setti propone un matrimonio falso con un tal Ángel Baldovino, un filósofo empobrecido, escéptico y sardónico.

Pero Baldovino no es un oportunista. Es un hombre que, hundido en el desengaño, ha decidido convertir la honradez en su religión. Acepta el matrimonio sólo para reivindicar su dignidad perdida, con la promesa de no tocar el dinero ni la mujer. Sin embargo, su pureza es de hierro: impone una ética tan severa que la farsa se convierte en una cárcel moral.

A lo largo de la obra, Baldovino pasa de ser un personaje marginal a una fuerza invisible que domina a todos. No es un santo, ni un héroe; es un hombre que, al no poder ser feliz, decide ser justo hasta el extremo. Su honestidad es contagiosa, pero también destructiva: desarma la hipocresía, humilla al marqués, y condena a Águeda y a su madre a vivir bajo una ley sin amor.

Pirandello, con su característico juego de máscaras, nos obliga a preguntarnos: ¿es la honradez una virtud o una forma más de soberbia? ¿Puede existir la verdad en un mundo hecho de apariencias? En Baldovino, el autor encarna la amarga ironía de quien encuentra placer en ser incorruptible, incluso cuando eso destruye todo lo demás.
“El Público” – Federico Garcia Lorca (1933.)

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El Público es una obra incendiaria. Un viaje onírico, violento y profundamente poético al corazón del deseo humano y del teatro mismo. Federico García Lorca rompe aquí con toda forma tradicional y nos lanza a un escenario donde las máscaras no protegen: asfixian.

Un Director de teatro es confrontado por su público y por antiguos amantes que le exigen verdad. No verdad moral, sino verdad corporal, sexual, vital. ¿Es posible un teatro que no oculte el deseo? ¿Puede el arte sobrevivir sin disfrazarse para agradar?

La obra avanza como un sueño febril: ruinas romanas, caballos que hablan, emperadores crueles, figuras que se transforman, Julieta despertando de su sepulcro para reclamar un amor que no sea eterno ni puro, sino real. Todo se mezcla: eros y violencia, ternura y humillación, poesía y blasfemia.

Lorca construye un teatro imposible para su tiempo, donde la homosexualidad no es subtexto sino núcleo, donde el cuerpo es palabra, y donde el público deja de ser espectador pasivo para convertirse en juez y verdugo.

El Público no busca comprensión inmediata. Busca incomodar, herir, revelar. Es una obra para espacios no convencionales, para intérpretes valientes y para espectadores dispuestos a perder certezas. Un teatro que no se mira: se atraviesa.
“El Rucio De Los Cuchillos” – Luis Rivano (1991.)

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En una pieza mal iluminada del centro de Santiago, tres vidas chocan como cuchillos sin funda.
El rucio de los cuchillos nos sumerge en el corazón del bajo mundo chileno de los años sesenta, donde la supervivencia no es una metáfora, sino una rutina.

Vinizio, recién salido de la cárcel, arrastra un pasado manchado de sangre y un miedo paralizante a volver a caer. La calle lo reconoce, la policía lo persigue y el futuro parece una puerta cerrada. La Guille, prostituta independiente, irónica y ferozmente lúcida, ha aprendido a negociar con la vida sin pedir permiso: vende su cuerpo, pero protege con uñas y dientes su dignidad. El Tolo, su cafiche, vive obsesionado con el poder, el respeto y la posesión, atrapado entre el amor, los celos y la violencia.

Entre mates, tangos, discusiones y recuerdos, emerge una idea improbable: participar en un concurso de baile. El Teatro Caupolicán se convierte en un sueño frágil, casi absurdo, pero cargado de esperanza. Bailar no es solo moverse: es desafiar al destino, vengarse del desprecio, intentar, aunque sea por una noche, ser otro.

Luis Rivano escribe con crudeza y poesía popular una obra donde el humor convive con la tragedia, donde los personajes hablan como la calle y piensan como filósofos heridos. El rucio de los cuchillos no juzga: observa. No idealiza: expone. Y en ese gesto honesto, brutal y tierno, nos obliga a mirar de frente una humanidad que rara vez quiere ser vista.
“El Sueño” – August Strindberg (1901.)

$3.490

En El sueño, August Strindberg nos invita a entrar en un teatro donde la lógica habitual se rompe: los muros crecen como flores, las puertas nunca se abren y los personajes se multiplican como reflejos en un espejo roto. La hija del dios Indra desciende a la tierra para observar cómo viven los hombres. Lo que encuentra no es una vida gloriosa ni heroica, sino un tejido de pequeñas penas y grandes sacrificios.
Desde los patios humildes hasta los bufetes de abogados, desde la ópera hasta las aulas universitarias, todos se quejan: la portera espera treinta años a un amor que nunca regresa, el oficial oscila entre la gloria militar y la humillación doméstica, los doctores se coronan de laureles pero en vano, y las madres crían a sus hijos entre enfermedad y resignación.
La obra nos arrastra como un sueño febril: escenas que cambian sin previo aviso, tiempos que se doblan, personajes que se deshacen y reaparecen. Entre diálogos llenos de ironía, lamentos repetidos y símbolos cotidianos convertidos en visiones —un chal que guarda las penas de treinta años, un periódico que arde, una col que se convierte en metáfora de la pobreza—, Strindberg construye un espejo onírico de la existencia.
Más que contar una historia lineal, El sueño nos sumerge en una experiencia: la de sentir, junto a Agnes, la compasión por los mortales y la constante tensión entre el deseo de libertad y el peso de las cadenas invisibles de la vida.