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“Terror Y Miseria Del Tercer Reich“ – Bertolt Brecht (1938.)

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Un país donde hablar es peligroso.
Donde el silencio también delata.

Terror y miseria del Tercer Reich no cuenta una sola historia: las descompone todas. Bertolt Brecht disecciona la Alemania nazi como si fuera un cuerpo enfermo, mostrando cómo el miedo se filtra en los hogares, en los tribunales, en el amor y en el trabajo. No hace falta estar en un campo de concentración para estar preso: basta con vivir allí.

Cada escena es un espejo incómodo. Una pareja que duda de lo que puede decirse. Un juez que intenta hacer justicia en un sistema que ya la ha corrompido. Un obrero marcado sin saberlo. Un soldado que obedece sin pensar. Personas comunes enfrentadas a decisiones pequeñas que tienen consecuencias irreversibles.

Aquí no hay héroes. Hay sobrevivientes.
Y tampoco hay monstruos míticos: el horror viste uniforme, delantal o toga.

Brecht construye una obra fragmentaria, precisa y feroz, donde el terror no grita: susurra. Donde la violencia no siempre golpea, pero observa. La obra revela cómo un régimen totalitario se sostiene no solo por la fuerza, sino por la complicidad, el miedo y la costumbre.

Montable de forma flexible, actual y profundamente política, Terror y miseria del Tercer Reich es una advertencia que atraviesa el tiempo. No habla solo de Alemania. Habla de cualquier sociedad que acepta el silencio como norma y la obediencia como virtud.

Una obra incómoda. Necesaria.
Un espejo que aún no deja de devolvernos la mirada.
“Todo Sea Para Bien” – Luigi Pirandello (1920.)

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“Todo sea para bien” es una obra donde las apariencias sociales, la moral y el sacrificio se enfrentan en una casa romana cargada de secretos.
Martino Lori, un consejero de Estado, ha vivido dieciséis años de aparente rectitud, refugiado en el recuerdo de su difunta esposa. Su vida, ordenada y digna, se tambalea el día en que su hija, Palma, se casa con un marqués y la sombra del pasado regresa.
La inesperada visita de La Barbetti, abuela de la novia, y de su hijo Carletto, desencadena una serie de revelaciones que ponen a prueba la aparente pureza moral de todos los personajes. En medio de la celebración nupcial, el pasado emerge con fuerza: antiguas culpas, adulterios y silencios convenientes que se disfrazan de virtud.

En la superficie, la obra parece una comedia de modales —con visitas inoportunas y enredos familiares—, pero pronto se convierte en una tragedia íntima sobre el autoengaño y el sacrificio moral.
Pirandello retrata con precisión quirúrgica cómo los personajes justifican sus mentiras en nombre del “bien común”. El título se vuelve una ironía: “todo sea para bien” significa, en realidad, “todo sea para que nada se rompa”.
Martino Lori se erige como símbolo del hombre moralmente vencido por la verdad: un ser que elige vivir en la mentira para no destruir la ilusión de pureza de los otros.
Una obra intensa, moderna y profundamente humana, donde la virtud se convierte en máscara y el amor en renuncia. Perfecta para el teatro psicológico o el realismo dramático contemporáneo.
“Ubu Rey” – Alfred Jarry (1896.)

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“Ubú Rey” es una de las obras fundacionales del teatro moderno, un estallido de sátira y provocación que rompió con todas las convenciones teatrales de fines del siglo XIX. Alfred Jarry coloca en escena a un personaje grotesco y desmesurado: el Padre Ubu, un ex capitán de dragones que, manipulado por su esposa, decide asesinar al rey y adueñarse del trono de Polonia.

Desde el inicio, los diálogos rebosan de vulgaridad, insultos e incoherencias que transforman la tragedia clásica de la ambición en un carnaval absurdo. La avaricia y brutalidad del nuevo monarca no conocen límites: crea impuestos ridículos, devora banquetes interminables, manda ejecutar a nobles y magistrados sin juicio, y reduce el Estado a un botín personal. Su lenguaje escatológico y sus delirios de grandeza revelan la caricatura del poder en su forma más grotesca.

Frente a esta tiranía surge la figura del joven príncipe Bougrelas, heredero legítimo, que sobrevive a la masacre y recibe de sus antepasados la misión de vengar a los suyos. A su alrededor, el pueblo sufre hambre, saqueos y abusos, mientras las potencias extranjeras —particularmente Rusia— aprovechan el caos para intervenir. Entre conspiraciones, persecuciones y batallas absurdas, la obra despliega un torrente de humor negro y violencia caricaturesca.

Más que una sátira política puntual, “Ubú Rey” es una metáfora universal sobre la estupidez y la corrupción del poder. Jarry convierte el teatro en un espacio de irreverencia, donde lo grotesco revela las verdades más incómodas. Una pieza que aún hoy resuena por su ferocidad y su capacidad de incomodar y divertir a la vez.
“Un Enemigo Del Pueblo” – Henrik Ibsen (1882.)

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En un pintoresco pueblo costero de Noruega, las aguas termales son la promesa de progreso, salud y prosperidad. La ciudad entera ha apostado su desarrollo económico a la fama de su balneario, considerado un verdadero tesoro natural. Todo parece ir viento en popa… hasta que un inesperado hallazgo pone en jaque la reputación del pueblo y enfrenta la verdad científica con los intereses de poder.

“Un enemigo del pueblo”, de Henrik Ibsen, es una obra que arde con la vigencia de un conflicto eterno: ¿qué sucede cuando decir la verdad pone en riesgo el bienestar económico de muchos? ¿Quién defiende lo correcto cuando el precio es el aislamiento total?

El doctor Stockmann, protagonista de esta historia, es un hombre convencido de su deber moral y científico. Pero su descubrimiento lo lleva a enfrentarse no solo con las autoridades, sino con la prensa, la comunidad y hasta su propio entorno familiar. Lo que comienza como una cruzada por la salud pública se transforma en una tormenta social que desnuda las tensiones entre el individuo y la masa, entre la ética y el pragmatismo, entre la libertad de expresión y la autocensura colectiva.

Esta obra maestra del teatro moderno, escrita en 1882 pero más actual que nunca, invita a reflexionar sobre el valor de la verdad, el rol de la prensa, el miedo al cambio y el costo de sostener una voz disidente. Ideal para montajes contemporáneos con fuerza política y emocional, Un enemigo del pueblo es un retrato feroz de la sociedad en lucha con su conciencia.
“Un Hombre Es Un Hombre” – Bertolt Brecht (1931.)

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Un hombre sale a comprar un pescado. Nada más inofensivo. Nada más humano.
Pero en el mundo de Un hombre es un hombre, eso basta para perderlo todo.

Bertolt Brecht construye una fábula feroz y lúcida sobre cómo un individuo común puede ser transformado —pieza por pieza— en otra cosa. No por maldad, no por ideología, sino por conveniencia. Por necesidad ajena. Por no saber decir que no.

Galy Gay no quiere poder, ni gloria, ni violencia. Quiere volver a casa. Sin embargo, el ejército no necesita deseos: necesita cuerpos. Y cuando un cuerpo falta, otro sirve. Da lo mismo quién sea.

A través de situaciones grotescas, canciones, negocios absurdos y una violencia tratada con humor cruel, la obra muestra cómo la identidad no es un núcleo sagrado, sino una construcción frágil. El uniforme pesa más que el nombre. El grupo más que la memoria. La utilidad más que la verdad.

Brecht no acusa a un villano individual. Apunta al mecanismo. Al engranaje que convierte personas en funciones. Soldados en reemplazos. Hombres en hombres intercambiables.

El tono oscila entre lo cómico y lo inquietante. Se ríe el espectador, pero se ríe tarde. Porque entiende que lo que ocurre en escena no es excepcional: es perfectamente razonable dentro de un sistema que premia la obediencia y castiga la singularidad.

Un hombre es un hombre no pregunta quién es Galy Gay.
Pregunta algo más incómodo:
¿Cuánto de ti puede cambiar antes de que sigas llamándote tú?
“VIÑA Tres Comedias En Traje De Baño” – Sergio Vodanovic (1964.)

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En Viña, Sergio Vodanovic convierte la playa —ese espacio de descanso, exhibición y aparente igualdad— en un escenario implacable donde las clases sociales quedan al descubierto. Bajo el sol, en traje de baño, nadie está realmente desnudo: el poder, el dinero y la costumbre siguen marcando quién manda, quién obedece y quién mira.

Este volumen reúne tres comedias breves e independientes, unidas por una misma mirada crítica y un humor fino, incómodo, profundamente chileno. Con diálogos precisos y situaciones cotidianas llevadas al límite, Vodanovic revela cómo el orden social puede tambalear por un gesto mínimo: un cambio de ropa, una espera forzada, una conversación que ya no puede evitarse.

En El delantal blanco, un juego aparentemente inocente en la playa expone la fragilidad de las jerarquías y demuestra que el poder depende más de la mirada ajena que de la verdad.
En La gente como nosotros, una panne nocturna reúne a dos mundos opuestos y deja al descubierto la miseria íntima que atraviesa tanto a quienes compran como a quienes se venden.
En Las exiliadas, el miedo al otro y la nostalgia del privilegio perdido se transforman en encierro mental, revelando el costo humano de vivir aferrado a un pasado que ya no existe.

Viña es una obra ágil, mordaz y vigente. Un tríptico teatral donde la risa nunca es cómoda y donde cada escena invita al espectador a reconocerse —o a incomodarse— en el reflejo de una sociedad que sigue creyendo que el lugar que ocupa le pertenece.
“Viva La República” – Ramon Griffero (1998.)

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Una tierra dormida.
Unos hombres que deciden despertarla.

“Viva la República” no es solo una obra histórica: es una explosión de ideas, cuerpos y sueños en medio de una colonia que no sabe que está a punto de quebrarse.

Desde Europa llegan palabras peligrosas: libertad, igualdad, razón. Pero al tocar América, esas palabras cambian. Se ensucian con barro, con sangre, con deseo.

Tres hombres —un soñador, un ambicioso y un estratega— se atreven a imaginar lo imposible: una república en un mundo donde todo pertenece al rey. No tienen ejército. No tienen poder. Solo tienen una idea… y eso basta para encender el fuego.

A su alrededor, mujeres que sienten antes de entender. Que observan cómo el mundo tiembla. Que tejen, aman, temen… mientras algo invisible se acerca.

Pero toda revolución tiene su sombra.

La traición no llega con estruendo. Llega suave. Cercana. Inevitable.

Y entonces… todo cae.

O quizás no.

Porque en esta obra, la historia no termina: se repite, se mezcla, se sueña. Los muertos siguen hablando. Las ideas no se hunden. Flotan.

“Viva la República” es teatro vivo, poético y brutal.
Una obra que no cuenta el pasado… lo hace estallar en el presente.
“¿Dónde Estará La Jeannette?” – Luis Rivano (1984.)

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En un Santiago lluvioso de los años sesenta, una casa elegante esconde un campo de batalla íntimo.
Una joven prostituta entra por error —o por destino— al living de una familia que vive de las apariencias. Lo que comienza como una solución práctica se convierte en una grieta irreparable.

Nancy, vital, irónica y brutalmente honesta, acepta reemplazar a una empleada doméstica. Allí conoce a Lola, una mujer olvidada, antigua cupletista, madre incómoda, memoria viva de un pasado que nadie quiere recordar. Entre tragos, canciones y confesiones, ambas descubren que comparten algo más profundo que la marginalidad: la lucha por no desaparecer.

Mientras tanto, Paula, dueña de casa, construyó su identidad negando sus orígenes. Su obsesión por el estatus la ha llevado a encerrar a su madre y a vaciar de sentido su propio matrimonio. Carlos Alberto, su marido, sobrevive refugiado en el billar y en recuerdos de un tiempo donde soñó ser otra cosa.

La obra cruza con humor ácido y crudeza temas incómodos: la prostitución visible y la invisible, la hipocresía de clase, la maternidad fallida, la memoria artística como amenaza, y la violencia simbólica del “buen vivir”.

Rivano no juzga: expone.
Y lo hace con una lengua viva, popular, musical, ferozmente chilena.

¿Dónde estará la Jeannette? no busca respuestas fáciles.
Golpea donde duele.
Y obliga a mirar de frente aquello que se esconde bajo el mantel bien planchado.
“Acreedores” – August Strindberg (1888.)

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En un elegante balneario sueco, un pintor frustrado y convaleciente encuentra en un desconocido la compañía que su soledad reclamaba. Pronto, esa amistad se convierte en una conversación íntima y reveladora que va desenterrando secretos, inseguridades y heridas ocultas. Entre reflexiones sobre el amor, el arte y la libertad, el “amigo” cuestiona cada certeza del artista: ¿es su esposa tan fiel y devota como él cree?, ¿o su encanto y talento son armas para absorber y dominar?

Cuando Tekla, la carismática y seductora esposa, regresa de un misterioso paseo, la tensión se palpa en cada gesto y palabra. Entre bromas, reproches y juegos de seducción, una batalla invisible comienza a librarse: la de la confianza contra la sospecha, el amor contra el orgullo.

"Acreedores" es un duelo verbal magistral en el que cada frase es una daga y cada sonrisa puede ser una trampa. August Strindberg disecciona con precisión quirúrgica las dinámicas de poder en el amor, las heridas del ego y las pasiones que hierven bajo la superficie. Una obra que atrapa por su intensidad psicológica y que demuestra que, en las relaciones, las deudas emocionales pueden ser más peligrosas que las económicas.
“Agamenón” – Esquilo (458 A.C.)

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Agamenón de Esquilo es una obra monumental que da inicio a una de las trilogías más poderosas del teatro antiguo: La Orestíada. En ella, el retorno glorioso del rey de los aqueos tras la caída de Troya se convierte en el preludio de una tragedia familiar teñida de sangre, venganza y maldiciones ancestrales. La casa de los Atridas, marcada por antiguos crímenes, vuelve a ser el escenario de un asesinato brutal.

Clitemnestra, una de las figuras femeninas más complejas y desafiantes del teatro clásico, toma el control del destino familiar y político, urdiendo un plan mortal contra su esposo. La acompaña Casandra, profetisa condenada a ver el futuro sin poder evitarlo, quien anticipa su trágico final en un mundo donde el dolor, la traición y los crímenes rituales se entrelazan con la política y lo divino.

Esta tragedia es una joya dramática que explora los límites del poder, la justicia y la culpa, enfrentando a sus personajes con decisiones imposibles. Es ideal para montajes intensos, con personajes fuertes, monólogos memorables y un trasfondo mitológico que sigue resonando en la actualidad.
“Almuerzo De Mediodía (Brunch.)” – Ramón Griffero (1998.)

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Un hombre espera su muerte. Pero no está solo.

En un corredor que parece suspendido fuera del tiempo, rodeado de silenciosas peceras donde los salmones observan como testigos mudos, un condenado reconstruye su vida mientras el final se acerca inevitable.

Él fue muchas cosas: amante, escritor, monstruo, niño abandonado. Ahora es solo un cuerpo que respira sus últimos instantes… y una mente que no deja de crear.

A su lado, un guardián que duda, que se quiebra, que ya no sabe si custodia o acompaña. Y una mujer simple, cotidiana, que limpia el mundo mientras todo se derrumba.

La realidad comienza a fragmentarse. Los roles se confunden. Sócrates aparece. Gabriela Mistral respira. Los recuerdos se mezclan con fantasías, y la verdad deja de ser una línea clara.

¿Qué es un crimen? ¿Qué es la culpa? ¿Dónde termina el cuerpo y comienza la memoria?

Esta no es una historia sobre la muerte. Es sobre el instante antes. Ese momento suspendido donde todo cobra sentido… o lo pierde para siempre.

Una obra cruda, poética y perturbadora que enfrenta al espectador con lo más incómodo: la humanidad incluso en lo monstruoso.
“Ambroto’s Bar” – Leandro Marcos González (2020.)

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¿Qué harías si un desconocido entra a tu bar una noche de tormenta y comienza a contarte todo lo que creías que nadie sabía sobre vos? ¿Y si, además, sabe lo que soñás, lo que escondés, lo que temés?

Ambrotos Bar es una obra de humor ácido, inteligente y profundamente humana. Una conversación entre dos hombres: uno aparentemente común, dueño de un bar de barrio; el otro, un enigmático visitante que parece conocer demasiado y que lentamente va quebrando todas las certezas del anfitrión. Lo que empieza como un encuentro casual, va tomando el ritmo de un duelo verbal donde se enfrentan dos visiones del mundo: la de quien quiere prolongar la vida a toda costa, y la de quien parece tener la eternidad en sus manos.

Con diálogos ágiles, sarcasmo, momentos de ternura y una atmósfera cargada de preguntas existenciales, esta pieza nos sumerge en un universo donde nada es lo que parece. Entre anécdotas, teorías delirantes y confesiones personales, el espectador se ve envuelto en una reflexión hilarante y profunda sobre el miedo a morir, el deseo de perdurar, y las ironías de la condición humana. Ideal para el público que busca reír, conmoverse y cuestionar todo lo que cree saber sobre el tiempo y la vida.
“Amor De Don Perlimplín Con Belisa En Su Jardín” – Federico Garcia Lorca (1933.)

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Un hombre que nunca ha amado.
Una mujer que ama demasiado.
Entre ambos, un jardín donde el deseo se vuelve peligroso.

Amor de Don Perlimplín con Belisa en su jardín es una aleluya erótica, cruel y luminosa, donde Federico García Lorca disecciona el amor como si fuera un cuerpo vivo. Don Perlimplín, viejo, tímido y encerrado en su mundo intelectual, es empujado al matrimonio con Belisa, una joven cuya belleza desborda los márgenes de la moral, del pudor y del lenguaje.

Desde la noche de bodas, el choque es inevitable: mientras Perlimplín descubre el amor como una herida tardía, Belisa vive el deseo como una necesidad física inagotable. Cinco presencias masculinas cruzan la casa y el jardín, sombras del mundo exterior que revelan una verdad brutal: el amor no siempre nace donde se promete.

Pero esta no es una historia de celos ni de venganza. Es una obra sobre la inteligencia del amor, sobre su capacidad de transformarse, incluso a costa de uno mismo. Perlimplín no lucha contra Belisa: la observa, la comprende y decide llevar el amor a su forma más extrema.

Entre duendes que comentan la acción, balcones abiertos, pájaros de papel, canciones nocturnas y símbolos constantes, Lorca construye una fábula donde el deseo y el sacrificio caminan juntos. El jardín no es solo un espacio físico: es el escenario del despertar, de la imaginación, de la verdad.

Esta obra corta, intensa y profundamente poética propone una pregunta inquietante:
¿qué vale más, el cuerpo amado o el alma despertada?

Una tragedia íntima, sensual y filosófica, donde el amor no salva… pero ilumina.
“Ante Sobre Tras” – Leandro Marcos González (2013.)

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En Ante Sobre Tras, Leandro Marcos González nos sumerge en una noche atrapada entre el deber, el deseo y la decadencia. En una oficina gris, un oficial de policía cita a su exesposa con un motivo trivial: entregarle un sobre extraviado. Pero detrás de este gesto se esconde una necesidad desesperada de contacto, de control, de no perder el último lazo con una vida que se le deshace entre los dedos.

A medida que la conversación avanza, se despliega una intrincada red de celos, hipocresías, resentimientos y vigilancias dignas de una novela negra. El hombre, afectado por hoplofobia —fobia a las armas de fuego— se debate entre la vulnerabilidad y el abuso de poder, mientras la mujer revela una lucidez punzante que lo desnuda emocionalmente. Él la sigue, la espía, detiene a su nuevo amante, manipula a sus subordinados, e intenta hacer pasar sus acciones como actos de amor. Ella, con una mezcla de ironía y dolor, lo enfrenta, lo desafía, lo confronta.

La tensión no da tregua. En esta obra íntima y feroz, los roles se invierten una y otra vez: el débil se vuelve opresor, el victimario se convierte en víctima. Con diálogos afilados y un ritmo vertiginoso, Ante Sobre Tras es un duelo actoral potente donde cada palabra dispara un conflicto.

Perfecta para actores y actrices que buscan intensidad dramática, ambigüedad moral y una historia de amor… pero del tipo que deja cicatrices.
“Antigona“ – Sófocles (441 A.C.)

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Una mujer contra el poder absoluto. Antígona, hija de Edipo, se alza sola en defensa de lo justo, desafiando el mandato de un rey que prohíbe enterrar a su hermano. En una ciudad quebrada por la guerra y el dolor, la joven se convierte en símbolo de coraje, enfrentando la muerte con la frente en alto y el corazón fiel a las leyes no escritas que protegen la dignidad humana.

Sófocles nos entrega una de las tragedias más intensas y conmovedoras de la literatura universal, donde el conflicto entre el deber moral y la ley política alcanza un clímax desgarrador. Antígona no es solo una heroína trágica, es la encarnación de la voz que se atreve a decir “no”, incluso cuando todo está en su contra.

Ideal para montajes potentes, con un personaje femenino central de gran fuerza dramática, Antígona interpela tanto al público como a los actores, y nos recuerda que el amor, la justicia y la valentía pueden brillar incluso en los momentos más oscuros.
“Arcifanfano, Rey De Los Locos” – Carlo Goldoni (1750.)

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¿Qué pasaría si todos los locos del mundo tuvieran su propio reino? Bienvenidos a “Arcifanfano, Rey de los Locos”, una farsa brillante y delirante escrita por Carlo Goldoni que desmonta, con humor punzante y desbordante imaginación, las máscaras de nuestra cordura cotidiana.

En este reino encantado, Arcifanfano gobierna con látigo en mano y un tono burlón a un grupo de nuevos súbditos: una mujer vanidosa que exige adoración divina, un furioso guerrero que amenaza con matar por respeto, un avaro que ama su dinero más que su vida, un derrochador nostálgico de sus días de gloria, una doncella falsamente recatada que ama sin mirar, y una alegre mujer que prefiere cantar antes que llorar. Cada uno, en su locura, refleja una faceta de nuestra humanidad moderna: la soberbia, el consumismo, la represión, la violencia o la frivolidad.

Con escenas hilarantes, canciones vivaces y giros inesperados, la obra despliega una coreografía coral donde las pasiones y debilidades humanas se exhiben sin pudor. En medio del caos, Arcifanfano intenta mantener el orden con una sabiduría absurda, hasta que el reino termina revelando su verdadero nombre: “El Mundo”.

Una sátira atemporal, cargada de ritmo y color, que nos invita a reírnos de nosotros mismos. Porque, al final, ¿quién no está un poco loco?
“Así Que Pasen Cinco Años” – Federico Garcia Lorca (1931.)

$3.490

Hay hombres que creen que el amor puede guardarse intacto como una joya.
Hay hombres que piensan que esperar es una forma de fidelidad.
Y hay hombres que descubren, demasiado tarde, que el tiempo no espera a nadie.

Así que pasen cinco años es un viaje poético, feroz y profundamente humano al corazón del deseo aplazado. Federico García Lorca construye aquí una de sus obras más audaces: un teatro donde los relojes no miden horas, sino pérdidas; donde los personajes no envejecen, se vacían; donde el amor que no se vive se transforma en espectro.

El Joven decide posponer su boda durante cinco años para “hacerlo bien”. Pero mientras espera, el mundo late, la carne arde, la vida ocurre. La mujer amada no se congela en un recuerdo: cambia, despierta, elige. Y cuando él vuelve a extender los brazos, ya no hay nadie dentro del sueño.

Por escena desfilan figuras inolvidables: un Viejo que habla desde el mañana, amigos que encarnan la infancia y la urgencia, una mujer que ama sin ser vista, un niño muerto que no quiere ser enterrado, y un maniquí vestido de novia que canta por lo que nunca fue.

Esta no es una historia de celos ni de traición.
Es una tragedia más profunda: la del hombre que confunde el amor con la espera.

Lorca nos lanza una advertencia poética y brutal:
el tiempo no se guarda, se vive.
“Asistencia Perfecta” – Leandro Marcos González (2016.)

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¿Qué harías si la NASA te eligiera para una misión espacial… siendo trabajadora social en Buenos Aires?

Asistencia Perfecta es una comedia dramática intensa, delirante y profundamente humana que nos presenta a Dalya y Sara, dos mujeres comunes que, sin esperarlo, son seleccionadas para representar a su país en una expedición al espacio. ¿La razón? Nadie la sabe con certeza, ni siquiera ellas. Pero el desafío las pone cara a cara con todo lo que han sido, lo que soñaron ser… y lo que aún no se atreven a sentir.

Con una estética minimalista y un humor cargado de ironía, la obra nos arrastra por diálogos veloces, escenas absurdas y momentos de confesión desgarradora entre vinos, globos terráqueos, pruebas de resistencia, simulacros de levante y reflexiones filosóficas sobre el conocimiento, la amistad y la sinceridad brutal.

A medio camino entre el realismo sucio y la ciencia ficción cotidiana, esta pieza teatral no sólo nos hace reír con carcajadas cómplices, sino también emocionarnos con la fragilidad de dos mujeres que se animan a soñar… y a fallar. La misión espacial se vuelve una excusa para hablar del amor, del abandono, de los cuerpos, de las heridas no cerradas y de las etiquetas sociales que cargamos como trajes espaciales demasiado ajustados.

Ideal para elencos femeninos que buscan roles potentes, actuales y cargados de humor e intensidad emocional. Un viaje interior disfrazado de viaje galáctico. ¿Estás lista para despegar?
“Baal” – Bertolt Brecht (1918.)

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“Baal” es una tempestad humana hecha carne. Un poeta salvaje que convierte su vida en su obra, sin pedir permiso al cielo ni al infierno. Mientras los demás escriben sobre la vida, él la bebe, la rompe, la canta.

Baal habita buhardillas, tabernas y camas ajenas. Ama a las mujeres con la misma violencia con que desprecia la moral. Habla con mendigos, con curas, con carreteros, con árboles; y en cada encuentro se reconoce un poco más animal, un poco más dios.

Su genio fascina y asusta: los burgueses lo invitan a sus salones para adorarlo y terminan huyendo de su brutal honestidad. Las mujeres lo buscan, lo siguen, se hunden con él. Su mejor amigo, su doble —Ekart— lo acompaña en un viaje donde el arte, la lujuria y la destrucción se confunden.

Brecht, con un lenguaje poético y salvaje, pinta al artista como un cuerpo sin redención. “Baal” no es un drama convencional, sino un canto primitivo al exceso, a la libertad absoluta y al abismo que la acompaña.
Es una tragedia vitalista, una celebración oscura de lo que arde en cada ser que se niega a vivir a medias.
“Bichocanasto” – Leandro Marcos González (2018.)

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Cuatro mujeres. Cuatro vidas entrelazadas por el paso del tiempo, los achaques de la edad y una amistad a prueba de pastillas, secretos y licor sudafricano. Bichocanasto —también conocida como La Reunión— es una obra tan desopilante como humana, que convierte una simple tarde de juego en una montaña rusa de emociones, verdades a medias y confesiones tan crudas como hilarantes.

Rene, Nidia, Amanda y Olga se reúnen en casa para tomar el té, intercambiar anécdotas, quejarse de sus nueras y recordar viejos amores. Pero lo que comienza como un encuentro cotidiano se transforma poco a poco en una tragicomedia vibrante, donde la muerte irrumpe con una ironía brutal y la vejez se vive con rabia, ternura, lucidez y mucho humor ácido.

Entre canciones de radio, jugadas de cartas inventadas, reflexiones existenciales y la embriaguez que mezcla licor con ansiolíticos, estas mujeres desafían el lugar que la sociedad les impone. No son abuelas dóciles ni viudas silenciosas: son sobrevivientes que encuentran en el delirio colectivo una forma de sostenerse ante el absurdo de lo cotidiano.

Con diálogos brillantes, humor negro y una visión aguda sobre el rol de la mujer mayor en la familia y en la cultura, Bichocanasto es una obra inolvidable que hace reír, pensar y emocionarse, todo al mismo tiempo. Ideal para ser disfrutada por públicos adultos que buscan una experiencia teatral ácida, empática y profundamente contemporánea.