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“Dialogo Entre El Amor Y Un Viejo” – Fernando De Rojas (1511.)

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En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.

El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.

Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?

Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.
“Antigona“ – Sófocles (441 A.C.)

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Una mujer contra el poder absoluto. Antígona, hija de Edipo, se alza sola en defensa de lo justo, desafiando el mandato de un rey que prohíbe enterrar a su hermano. En una ciudad quebrada por la guerra y el dolor, la joven se convierte en símbolo de coraje, enfrentando la muerte con la frente en alto y el corazón fiel a las leyes no escritas que protegen la dignidad humana.

Sófocles nos entrega una de las tragedias más intensas y conmovedoras de la literatura universal, donde el conflicto entre el deber moral y la ley política alcanza un clímax desgarrador. Antígona no es solo una heroína trágica, es la encarnación de la voz que se atreve a decir “no”, incluso cuando todo está en su contra.

Ideal para montajes potentes, con un personaje femenino central de gran fuerza dramática, Antígona interpela tanto al público como a los actores, y nos recuerda que el amor, la justicia y la valentía pueden brillar incluso en los momentos más oscuros.
Volpone, El Zorro – Ben Johnson (1606.)

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Ambientada en la Venecia del siglo XVII, Volpone es una sátira aguda de la codicia humana. La historia gira en torno a Volpone, un adinerado noble sin herederos que finge estar moribundo para aprovecharse de sus pretendidos herederos. Junto a su astuto sirviente Mosca, Volpone manipula a tres codiciosos: Voltore, un abogado; Corbaccio, un viejo avaro; y Corvino, un mercader celoso, quienes le colman de regalos con la esperanza de ser nombrados en su testamento.

Mosca se convierte en el maestro de ceremonias de estas farsas, sacando provecho de todos. El plan se complica cuando Corvino ofrece a su esposa, Celia, para entretener a Volpone, con la esperanza de asegurar la herencia. Volpone, cegado por la lujuria, acepta, lo que termina desencadenando una serie de eventos legales y enredos judiciales que revelan las maquinaciones de todos los personajes.

La sátira alcanza su punto máximo cuando Volpone decide hacerse pasar por muerto para observar las reacciones de los herederos. Sin embargo, Mosca se extralimita en su ambición, y finalmente ambos son descubiertos. La justicia veneciana interviene, castigando severamente a todos los implicados, especialmente a los más corruptos y codiciosos.
“El Mejor Alcalde, El Rey” – Lope De Vega (1620.)

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En los verdes campos de Galicia, el amor florece entre un humilde labrador y una joven de extraordinaria belleza y virtud. El mejor alcalde, el rey, una de las obras más potentes de Lope de Vega, nos transporta a un mundo donde los sentimientos más nobles son puestos a prueba por la injusticia y el abuso de poder.

Sancho, un campesino íntegro, se enamora de Elvira, una mujer que no solo deslumbra por su apariencia sino también por su dignidad. Con la bendición de su familia y del poderoso Don Tello, todo parece indicar que tendrán un futuro feliz. Sin embargo, cuando el deseo, la vanidad y el poder se interponen, el destino de los enamorados pende de un hilo. Lo que sigue es una historia de traición, valentía, dolor y esperanza, donde la voz del pueblo lucha por ser oída y donde la figura del rey se revela como el símbolo último de justicia.

Con un lenguaje vibrante y personajes memorables, esta obra aborda temas eternos: el honor, el abuso de poder, la lealtad y la esperanza en la justicia. Ideal para públicos contemporáneos que valoran las narrativas de empoderamiento y justicia social. Una pieza imprescindible para comprender el genio teatral de Lope de Vega y la complejidad de la España del Siglo de Oro.
El Alquimista – Ben Johnson (1610.)

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En el corazón de Londres, mientras la ciudad huye de la peste, una casa abandonada se transforma en el escenario de una de las estafas más hilarantes y mordaces del teatro clásico. El Alquimista, comedia maestra de Ben Jonson, nos sumerge en un universo donde la codicia humana se disfraza de fe, ciencia o amor, y donde nadie —ni nobles, ni clérigos, ni comerciantes— escapa a la sátira feroz de sus ambiciosos deseos.

Con una mezcla explosiva de ciencia falsa, charlatanería y teatro dentro del teatro, tres personajes toman el control: el astuto sirviente Cara, el delirante "doctor" Sutil y la camaleónica Dol Común. Juntos manipulan a crédulos ciudadanos prometiéndoles oro, juventud eterna, poder sobre las masas o la gracia divina... todo, por supuesto, a cambio de jugosas sumas de dinero.

Cada nuevo visitante trae consigo una caricatura social: el caballero que quiere ser inmortal, el puritano que quiere multiplicar su congregación, el escribano que desea trampear al destino. En este carnaval de ilusiones, la palabra es alquimia y la mentira, un arte elevado.

Pero cuando el juego se vuelve inestable y el amo de casa amenaza con volver, la tensión se mezcla con el caos. ¿Podrá el trío seguir tejiendo su farsa o todo se desmoronará en una cómica explosión de verdades incómodas?

El Alquimista es una crítica aguda, una carcajada contra la avaricia, y un espejo cómico donde cada espectador se ve reflejado. Una joya teatral donde la comedia es tan corrosiva como el ácido alquímico.
“El Cíclope“ – Eurípides (408 A.C.)

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"El Cíclope" es una obra satírica de Eurípides, basada en el famoso episodio de la Odisea de Homero, donde Ulises y sus hombres son capturados por el Cíclope Polifemo en su cueva. En la obra, Ulises, conocido por su astucia, debe ingeniárselas para escapar del monstruo caníbal que desprecia a los dioses y las costumbres humanas. Con humor y sagacidad, Ulises emborracha al Cíclope y, junto con sus hombres, lo ciega con una estaca ardiente, logrando finalmente escapar. Aunque el tema es serio, Eurípides lo transforma en una sátira, mezclando el drama con elementos cómicos, como la aparición de Sileno y un coro de sátiros, lo que da un tono irónico y juguetón a la narrativa.
“Hipólito“ – Eurípides (428 A.C.)

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En Hipólito, Eurípides nos sumerge en un devastador drama sobre el deseo prohibido, el orgullo divino y la destructiva fuerza de la mentira. Fedra, esposa del rey Teseo, es consumida por una pasión ilícita hacia su virtuoso hijastro, Hipólito, joven dedicado a la pureza y ferviente seguidor de Artemis, diosa de la caza y la castidad. Cuando Hipólito rechaza indignado sus sentimientos, Fedra, desesperada por la vergüenza y el rechazo, toma una fatídica decisión: se suicida, dejando atrás una carta que acusa falsamente a Hipólito de seducirla. Engañado por la mentira, Teseo condena brutalmente a su inocente hijo, invocando una maldición mortal que desata una terrible cadena de sucesos. Esta apasionante tragedia explora la complejidad moral, los peligros del orgullo y la crueldad del destino manipulado por los dioses. Con personajes profundamente humanos y conflictos intensos, Hipólito es una obra desgarradora que retrata con crudeza la fragilidad humana ante fuerzas incontrolables. Ideal para aquellos que buscan drama clásico con resonancia eterna.
“Sobre El Daño Que Hace El Tabaco” – Anton Chejov (1886.)

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Un hombre común sube a un escenario con la misión de dictar una conferencia “científica” sobre los efectos nocivos del tabaco. El público lo observa con expectación, pero lo que comienza como una charla torpe pronto se transforma en una confesión desgarradora.
Iván Ivánovich Niujin, obligado por su autoritaria esposa, revela sin quererlo la tragedia de su propia vida: treinta y tres años de matrimonio infeliz, siete hijas que no pueden casarse, la pobreza moral de un hogar sin amor y la asfixia de quien ha perdido toda dignidad.
Entre guiños nerviosos, divagaciones absurdas y un humor involuntario que hace reír y doler al mismo tiempo, Niujin intenta mantener la compostura, pero cada frase lo hunde más en la verdad que pretende ocultar: la de un hombre vencido.
Cuando finalmente arremete contra su vieja levita —símbolo de su prisión doméstica— y sueña con escapar hacia la luna, Chéjov nos regala uno de los momentos más intensos y humanos del teatro universal.
“Sobre el daño que hace el tabaco” es una joya del monólogo contemporáneo: sencilla en apariencia, profunda en su psicología, y capaz de llevar al actor a una travesía entre la risa y el llanto.
Ideal para intérpretes que buscan un texto de lucimiento técnico y emocional, esta obra es una invitación a desnudar el alma en escena.
“El Ensayo de La Comedia” – Daniel Barros Grez (1889.)

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En el caos luminoso del teatro, donde la ficción y la realidad se entrelazan sin aviso, un ensayo se convierte en un espectáculo en sí mismo.

"El Ensayo de la Comedia" nos traslada al corazón palpitante de una compañía dramática que intenta preparar una obra a días de su estreno. Bajo la dirección del sufrido Ambrosio, actores extravagantes, egos teatrales y amores contrariados se entrecruzan entre bastidores, donde nada parece salir como estaba planeado.

La poderosa Rita, actriz veterana con aires de diva, impone sus caprichos, mientras su hija Serafina busca su libertad emocional en los brazos del apasionado Rafael. Entre celos, amenazas de abandono, improvisaciones absurdas, y discursos sobre el arte y las musas, la comedia se dispara hacia niveles insospechados. Las interrupciones del ensayo se vuelven el alma de la historia: amores frustrados, locuras simuladas y falsas apariciones que desafían cualquier lógica.

Con humor agudo, crítica social disfrazada de risa y una estructura que desarma la propia idea de “ensayo”, esta pieza es una joya del teatro chileno decimonónico. Una comedia sobre hacer comedia, donde todos actúan… incluso cuando creen no estar actuando.
“El Vividor” – Daniel Barros Grez (1885.)

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En pleno Santiago del siglo XIX, las calles hierven en un día de elecciones. En un salón ricamente amueblado, Don Victorio, senador y político pragmático, recibe a Augusto Meneses, joven aspirante a diputado, representante perfecto del “vividor” que sabe navegar las aguas del poder sin mojarse. Augusto no viene solo a hablar de política: quiere pedir la mano de Elvira, la hija de Victorio, convencido de que su encanto, posición y futura fortuna lo convierten en un partido irresistible.
Pero no cuenta con que el corazón de Elvira late por otro: Benito Muñoz, liberal idealista, valiente y contrario al oportunismo que Augusto exhibe con orgullo. Mientras la ciudad se agita con disturbios electorales, los enredos familiares estallan. Doña Rosa, madre protectora, choca con su marido sobre quién merece la mano de su hija. La tensión sube cuando Benito y Ricardo, hijo de Victorio, acaban presos por defender a un ciudadano de la brutalidad policial, y Augusto, temiendo por su carrera, se rehúsa a ayudar.
Con diálogos ágiles, ironía política y un retrato mordaz de las costumbres electorales de la época, “El Vividor” enfrenta dos visiones de la vida: la prudencia calculadora del que vive bien a costa de todo, y la valentía del que defiende sus principios sin medir el costo. Una sátira política que, más de un siglo después, sigue sonando dolorosamente actual.
“Maria Cenicienta” – Amelia Solar de Claro (1898.)

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Una Cenicienta con alma de poeta y corazón de reina.

María Cenicienta es una joya olvidada del teatro chileno escrita en 1898 por Amelia Solar de Claro, una versión conmovedora y elevada del clásico cuento de hadas. En esta versión en verso y dividida en tres actos, María no solo es una joven humillada por su familia, sino también un espíritu noble que guarda en su interior la luz del perdón, la esperanza y la bondad inquebrantable.

Desde una cocina fría y oscura, donde vive relegada por una madrastra cruel y dos hermanas vanidosas, María eleva sus pensamientos al cielo, buscando consuelo. Cuando la magia irrumpe en su vida mediante su Hada Madrina, María es transformada en una princesa que deslumbra en el baile real. El príncipe, que busca más que belleza —una auténtica conexión del alma—, queda fascinado por aquella joven misteriosa que no revela su nombre.

Pero el encanto es efímero, y la realidad vuelve con fuerza. Aun así, el destino no ha terminado de obrar: el escarpín perdido será la clave para una resolución poética, donde la justicia y el amor triunfan. La coronación de María como reina no es solo un final feliz, sino un acto sublime de perdón hacia quienes le hicieron daño.

Ideal para públicos de todas las edades, esta obra rescata la ternura, la ironía social y el poder transformador de la humildad y la virtud. Una lectura encantadora, visualmente rica y emocionalmente luminosa.
“De La Taberna Al Cadalso” – Juan Rafael Allende (1901.)

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En el Santiago de comienzos del siglo XX, Julián Requena, un carpintero honesto y trabajador, parece haber alcanzado el sueño de todo obrero: mantener a su familia y proyectar la compra de una casa propia. A su lado, Mercedes, su esposa, encarna la prudencia y la virtud, mientras su hija Virginia deslumbra por su inocencia, talento y ansias de un futuro digno.

Pero la estabilidad del hogar pronto se ve amenazada por fuerzas oscuras. El alcohol, en forma de la taberna, se convierte en el enemigo silencioso que devora ahorros, honra y voluntad. Cirilo Canales, un vecino vicioso y corrupto, arrastra a Julián a la bebida, desencadenando una cadena de conflictos familiares y sociales.

En contraste, la juventud aparece dividida: Manuel Contreras, un joven mecánico idealista, representa el amor sincero y el progreso, mientras que Alfredo Fuentes, hijo de un hacendado, simboliza la decadencia de la élite: jugador empedernido, libertino y borracho, que pretende seducir a Virginia a cualquier costo. La sombra del poder policial, encarnada en Querubín Botarro, acecha como un recordatorio de que la corrupción no está lejos del crimen.

De la Taberna al Cadalso es un drama social y moralizante que retrata con crudeza la fragilidad del hogar obrero frente a las tentaciones del vicio. Escrita en verso y con escenas que alternan ternura, tensión y denuncia, la obra interpela al espectador: ¿puede una familia resistir cuando el alcohol se convierte en su juez y verdugo?

Un clásico del teatro chileno de denuncia, vigente hasta hoy, que invita a reflexionar sobre los límites entre virtud y corrupción, amor y degradación.
¡Moro Viejo! – Juan Rafael Allende (1883.)

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En una modesta casa de Santiago, la vida de Guadalupe y su hija Bartola está marcada por las borracheras de Aniceto Sarmiento, esposo y padre incorregible. Entre discusiones, ironías y planes matrimoniales, surge un dilema: ¿casar a Bartola con su primo Pedro Alcántara, rico pero tan perezoso que se cansa de andar dos cuadras, o con el valiente sargento Marcial Oporto, que parte a la guerra sin más fortuna que su honor?
La inesperada visita de doña Mónica, curandera ingeniosa, enciende la chispa de un disparatado plan para apartar a Aniceto del alcohol: desde remedios estrafalarios hasta una escenificación en la que todos fingen que ha muerto. Pero la farsa toma otro rumbo con la llegada de Marcial y la noticia de la captura del Huáscar. Entre equívocos, disfraces y falsas muertes, Aniceto vive una “revelación” patriótica y decide enlistarse para limpiar su nombre.
En un acto lleno de humor, sátira y guiños a la actualidad de 1883, ¡Moro Viejo! combina enredos domésticos, costumbrismo chileno y fervor bélico, ofreciendo un retrato hilarante de personajes entrañables y exagerados. Una comedia de enredos donde la risa y el ingenio son protagonistas, y donde el amor… se disputa entre la flojera y la valentía.
“La Inocencia En El Asilo De Las Virtudes” – Camilo Henriquez (1889.)

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Una posada en Filadelfia se convierte en escenario de encuentros decisivos, donde viajeros y emigrados discuten sobre libertad, justicia y las promesas del Nuevo Mundo. Allí conocemos a Mr. Faber, un hombre marcado por la desconfianza y la soledad, que huyó de Europa tras perder a su esposa Ester bajo la sombra de la calumnia. Mientras contempla el progreso americano y reflexiona sobre la corrupción de la vieja Europa, su destino vuelve a entrelazarse con los fantasmas del pasado.

La obra alterna entre escenas íntimas y discursos encendidos sobre la moral pública, la educación, la literatura y la política americana y sudamericana, dibujando un cuadro vibrante del siglo XIX. En medio de estas conversaciones, aparece Matilde, una niña de ocho años que busca a sus padres tras sobrevivir a persecuciones y naufragios. Su inocencia ilumina la trama, revelando un vínculo inesperado con el propio Faber.

El doctor Powell, figura moral y espiritual, guía el relato con su fe en la misericordia divina y en la justicia de las instituciones humanas. En contraste, personajes como el caballero Lodini aportan ironía y sátira con relatos de viajes y juicios superficiales sobre las culturas europeas y americanas.

El clímax llega cuando la verdad emerge desde la confesión de Judas Sobrignoli, desenmascarando la traición que separó a Ester y Faber. El reencuentro final entre los esposos y su hija no solo devuelve la felicidad familiar, sino que confirma el mensaje profundo de Camilo Henríquez: la virtud y la inocencia siempre hallarán amparo, incluso frente a la adversidad y la calumnia.

Una obra conmovedora y visionaria, que mezcla drama íntimo, reflexión social y esperanza en los ideales republicanos.
“El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

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En una pradera encantada, donde los insectos viven una vida apacible y casi humana, un joven soñador se atreve a amar lo imposible.

"El maleficio de la mariposa", la primera obra escénica de Federico García Lorca, es una exquisita fábula poética que transforma lo ínfimo —cucarachas, gusanos, alacranes y mariposas— en portadores de las pasiones humanas más profundas. A través del lirismo de sus versos y la ternura absurda de sus personajes, la obra nos presenta al pequeño Curianito el Nene, un insecto poeta que, desoyendo las normas de su comunidad, se enamora perdidamente de una mariposa herida que ha caído desde lo alto de un ciprés.

Mientras su madre y los insectos del pueblo intentan emparejarlo con Silvia, una curiana acomodada, él solo sueña con el amor puro y trágico que representa esa criatura alada. Su anhelo es tan grande como su inocencia, y su rebeldía lo conduce a una conclusión inevitable: la belleza ideal no pertenece a este mundo. El amor, cuando apunta al cielo, puede convertirse en maldición.

En esta obra, la sátira se mezcla con la tragedia, y la belleza de los símbolos naturales se entrelaza con el humor más negro. ¿Qué sucede cuando el amor se vuelve inalcanzable? ¿Qué precio pagamos por perseguir un ideal?

"El maleficio de la mariposa" es un canto a la poesía, una crítica a la sociedad conformista y un retrato temprano del estilo único que haría de Lorca un ícono del teatro universal.
“Los Títeres De Cachiporra” – Federico Garcia Lorca (1922.)

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Bajo la luna andaluza, entre guitarras, porrazos y coplas, estalla el teatro más libre y rebelde: “Los títeres de cachiporra”. Federico García Lorca da vida a un espectáculo irreverente y chispeante donde los títeres no solo hablan... ¡gritan, aman, sufren y se rebelan!

En el centro de la historia está Rosita, una muchacha llena de poesía y fuerza, que sueña con casarse por amor, no por conveniencia. Su corazón pertenece a Cocoliche, un joven sensible que le canta versos bajo la ventana. Pero su destino se tuerce cuando aparece el grotesco y autoritario Don Cristobita, un burgués con porra en mano y billetes en el bolsillo. Entre serenatas, peleas tabernarias, espectros amorosos y zapateros cómplices, la historia avanza como un torbellino de risas y tragedia.

Es una obra para reír a carcajadas y luego quedarse pensando. Porque tras los títeres hay verdades humanas: el deseo de libertad, la lucha contra el poder, el anhelo del amor verdadero. Lorca mezcla lo popular y lo lírico, lo infantil y lo violento, lo absurdo y lo mágico, para entregarnos una obra única, visualmente potente y emocionalmente aguda.

Ideal para quienes buscan teatro popular con alma de poeta.
“Caperucita Roja” – Perrault / Grimm (1812.)

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Una niña encantadora. Un lobo elegante. Un bosque lleno de mariposas, flores… y trampas.

Esta versión teatral de Caperucita Roja transforma el clásico cuento en una experiencia escénica mágica, divertida y profunda. Con diálogos ingeniosos, humor que cruza generaciones y escenas llenas de belleza visual, esta adaptación captura la atención tanto de los pequeños como de los adultos que los acompañan.

Mientras Caperucita baila y recolecta flores para su abuela enferma, el público es testigo —gracias a un simpático cazador vigilante— de cómo los peligros pueden esconderse detrás de una sonrisa… o de un sendero luminoso. El lobo, galante y persuasivo, no engaña con la fuerza sino con palabras dulces, y la niña, distraída por mariposas, aprende que incluso las bellezas más inocentes pueden alejarla del camino.

Con un final feliz y una escena de rescate inolvidable, esta obra es tanto una advertencia sutil como una celebración del ingenio, el humor y el poder del cuidado.

Ideal para toda la familia. Un cuento de siempre… contado como nunca.

Esta adaptación teatral de Caperucita Roja combina la crudeza del original de Perrault con el heroísmo del relato de los Hermanos Grimm, creando una puesta en escena llena de magia, humor y enseñanza. Caperucita es dulce y encantadora, pero su distracción la pone en peligro. El Lobo es elegante y persuasivo, mientras que el Cazador, siempre vigilante, representa la conciencia que observa desde las sombras. Mariposas mágicas, bosques encantados y una moraleja que se renueva hacen de esta obra un clásico reinventado para públicos de todas las edades.
“La Hechicera” – G. Núñez De Prado (1916.)

$1.490

En un lujoso colegio de señoritas, donde la disciplina y la apariencia lo son todo, una inesperada acusación estremece la rutina estudiantil. Adela, una joven brillante y de noble carácter, es señalada por el robo de unos pendientes. ¿La culpable? Según Emilia, la arrogante hija de familia aristocrática, no hay duda: fue Adela. Sin embargo, no todo es lo que parece.

Mauricia, leal compañera, defiende la verdad contra viento y marea. Mientras tanto, la pequeña Josefina, aterrada, guarda un secreto más grande de lo que su corta edad puede soportar. En medio del drama adolescente y la opresión social, aparece una figura insólita: una anciana enigmática, conocida solo como “La Hechicera”. ¿Bruja o sabia? Nadie lo sabe con certeza, pero todos en la ciudad reconocen su sabiduría ancestral.

Con una gata negra como aliada y una mente aguda como cuchilla, la anciana pondrá a prueba la conciencia de las jóvenes en una escena oscura, literal y simbólicamente. En la penumbra, una por una deberán tocar a la gata… pero la culpable intentará escabullirse del destino.

“La Hechicera” es una comedia infantil con aroma de misterio, un cuento moral disfrazado de teatro escolar, donde la envidia, la lealtad, la astucia y la redención se dan cita en escena. Ideal para montajes escolares o infantiles con contenido, humor y un mensaje claro: la verdad siempre encuentra la forma de brillar, incluso en la oscuridad.
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“La Camila, Patriota De Sud-America” – Camilo Henriquez (1817.)

El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

En el corazón del Amazonas, entre selvas misteriosas y árboles centenarios, se refugia una familia quiteña que ha escapado de la cruenta represión española tras la revolución. La Camila o la patriota de Sud-América nos sumerge en una historia vibrante y profundamente emotiva, donde el amor, el honor y la lucha por la libertad se entrelazan en medio del exilio y la esperanza.

Camila, una joven mujer fuerte, inteligente y apasionada, es el alma de esta historia. Su corazón guarda el recuerdo de un amor perdido y su espíritu encarna los ideales de una patria aún por conquistar. Junto a sus padres, se encuentra con una sociedad indígena que busca construir una república basada en la razón, la educación y la igualdad. Pero los fantasmas del pasado, las heridas de la traición y el miedo al poder colonial español amenazan con destruirlo todo.

Inspirada en los ideales de la Ilustración y escrita por uno de los padres del pensamiento chileno, Camilo Henríquez, esta obra no es solo un drama, sino una declaración política, una alegoría de América en su lucha por la emancipación. A través de diálogos intensos y escenas conmovedoras, la obra expone con crudeza los dilemas morales y sociales de una época convulsionada, y eleva el papel de la mujer como símbolo de integridad y resistencia.

Ideal para montajes contemporáneos con enfoque histórico, La Camila es una joya del teatro latinoamericano del siglo XIX que sigue resonando con fuerza en nuestro presente.
30% ¡Off!

“Ernesto” – Rafael Minvielle (1842.)

El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

Valencia, 1833. Un carruaje se detiene en las puertas de la ciudad. Ernesto de Guzmán regresa a su tierra tras años de exilio en América. Pero no vuelve como cualquier hijo pródigo. Vuelve marcado por el fuego de las guerras de independencia, por un amor jurado y por una conciencia que lo llevó a luchar contra las mismas banderas que lo vieron nacer.

En el corazón de este drama palpitante se enfrentan la pasión de Ernesto y Camila —primos unidos desde la infancia por promesas sagradas— contra el orgullo de una familia que no perdona. Don Pedro, símbolo vivo de la vieja España, no puede aceptar que su sobrino, un Guzmán de linaje, haya blandido su espada por la libertad americana. Para él, la traición no tiene justificación, y la conciencia individual no puede desafiar al deber militar.

Ernesto es un grito desgarrado en una España dividida entre el honor y el progreso, la lealtad y la libertad. Con diálogos encendidos, personajes entrañables y un trasfondo histórico vibrante, esta obra nos invita a reflexionar sobre la fidelidad, el sacrificio y las cadenas invisibles que la sociedad impone al corazón humano.

Una historia intensa, romántica y trágica que se despliega como una batalla entre lo que uno es, lo que uno cree... y lo que la sociedad le permite ser.