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Una mujer fuera de la ley. Un hombre que se cree dueño de su voluntad. Una sociedad que castiga lo que desea. Ambientada en el Buenos Aires moderno de 1920, La Serpiente es una comedia de alta temperatura moral, donde las pasiones se entrelazan con la inteligencia y la ironía. Luciana, una mujer separada y amante de un escritor famoso, encarna la rebeldía de una época que empezaba a cuestionar los límites entre el amor, la moral y la libertad. Pedro, el intelectual que la ama, pretende dominar su propia naturaleza a través de la razón, pero termina devorado por aquello que niega: el deseo. Entre conversaciones elegantes, cafés, perfumes, cigarrillos y teorías sobre la “voluntad”, los personajes se enfrentan a un espejo social que los desnuda. Detrás de la comedia late una tragedia sutil: la lucha entre el instinto y la conciencia, entre la apariencia y la verdad. La obra se sostiene en un diálogo ágil, moderno, cargado de humor irónico y observación psicológica. Su mirada sobre la mujer emancipada y el feminismo naciente la convierte en una pieza sorprendentemente vigente. “La Serpiente” es una joya del teatro chileno‑rioplatense que retrata con inteligencia el drama del amor moderno, donde nadie queda ileso y todos muerden o son mordidos. -
Una casa luminosa en apariencia. Una familia respetable. Una mañana de domingo en que el aire brilla como vidrio.
Pero bajo esa luz impecable habitan los espectros de la culpa, los crímenes no confesados, las pasiones que se pudren bajo el mármol.El estudiante Arkenholz, un joven inocente con el don de ver lo invisible, se cruza con un anciano en silla de ruedas —Hummel, el tejedor de destinos— y es arrastrado a un mundo donde la realidad es un teatro de sombras. Cada puerta que se abre revela un secreto. Cada rostro amable oculta una ruina moral. El Coronel no es noble, su esposa es una momia viva, su hija un alma pura entre fantasmas. El viejo Hummel intenta ejercer de juez de esa casa de ilusiones, pero sus propios pecados lo condenan.
La obra se convierte en una misa profana: los personajes comen, conversan y se acusan mientras el reloj de la muerte marca su hora final.
El estudiante y la joven quedan al borde de la redención, pero la pureza no sobrevive intacta entre los muertos.“La Sonata de los Espectros” es una sinfonía de revelaciones morales, una ópera sin música donde el horror cotidiano se mezcla con la poesía. Strindberg convierte lo doméstico en lo demoníaco: una radiografía del alma humana en su contradicción más pura —la necesidad de aparentar santidad para esconder la podredumbre.
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En una isla lejana, donde la magia rige sobre los elementos y los espíritus cantan al viento, un hombre poderoso planea su redención. Próspero, duque legítimo de Milán, ha sido traicionado por su hermano y exiliado con su hija Miranda. Gracias a sus libros y a la ayuda del espíritu Ariel, se convierte en el regente oculto de esta tierra salvaje, donde también habita Calibán, una criatura feroz que clama por su libertad.
Una tormenta mágica atrae a la isla a sus viejos enemigos. Mientras los náufragos vagan sin rumbo y traman nuevas intrigas, un amor inesperado florece entre la joven Miranda y Fernando, hijo del rey. En paralelo, un bufón y un mayordomo borracho entablan una absurda rebelión con el resentido Calibán, en una sátira delirante del poder.
La Tempestad es un viaje poético lleno de música, ilusiones y humanidad, donde Shakespeare nos enfrenta al deseo de venganza y la posibilidad del perdón. Con una mezcla de drama, comedia y magia, esta obra nos invita a reflexionar sobre el poder, el exilio, el dominio sobre el otro y la redención a través del amor y la comprensión. Un clásico atemporal con personajes inolvidables y escenas deslumbrantes.
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Un hombre observa el cielo… y el mundo comienza a temblar.
En La vida de Galileo Galilei, Bertolt Brecht transforma la biografía del gran astrónomo en una obra profundamente humana y política. Galileo no es aquí una estatua de bronce ni un héroe sin fisuras: es un hombre brillante, irónico, apasionado por el conocimiento, que cree en la razón como motor de la historia y en la ciencia como herramienta de liberación.
Cuando sus observaciones derriban la idea de que la Tierra es el centro del universo, no solo cambia el mapa del cielo: se quiebra el orden sobre el que se sostiene el poder. Las universidades, la Iglesia y los príncipes reaccionan con miedo. La verdad ya no es una revelación divina, sino algo que cualquiera puede comprobar mirando por un telescopio.
La obra avanza entre descubrimientos luminosos y sombras crecientes. A medida que Galileo se acerca al poder buscando tiempo y protección para investigar, el precio de la verdad se vuelve más alto. La pregunta deja de ser científica y se vuelve moral: ¿qué debe hacer un hombre cuando su saber amenaza a los poderosos?, ¿hasta dónde puede ceder sin traicionarse?
Brecht construye un drama lúcido, tenso y actual, donde la ciencia, la fe, el dinero y el miedo chocan en escena. La vida de Galileo no habla solo del pasado: interroga nuestro presente y nos enfrenta a una verdad incómoda que sigue orbitando sobre nosotros.
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En una hacienda del sur profundo, una mujer gobierna con mano firme lo que la vida le dejó: tierras, trabajadores y un pasado que no se resigna a morir. La llegada de una joven desde la ciudad altera el equilibrio invisible de la casa y despierta pasiones largamente contenidas.
Entre cosechas, trabajo duro y noches sin tranca, se cruzan amores desiguales, deseos no dichos y una lucha silenciosa por el control afectivo y moral del territorio. Nadie está libre: ni el hombre que aprende a amar, ni la mujer que teme perder su lugar, ni quienes observan y callan.
La obra retrata con crudeza poética el mundo rural chileno, donde el poder no siempre grita y el amor no siempre libera. Una tragicomedia intensa, cargada de humor campesino, erotismo contenido y conflictos humanos universales, donde cada gesto cotidiano esconde una decisión que puede cambiarlo todo
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En el Santiago elegante y bullicioso de 1888, tres viudas muy distintas enfrentan el dilema de amar, sobrevivir y defender su dignidad en un mundo donde los hombres no siempre buscan el corazón… sino la fortuna. Magdalena, aún joven y hermosa, se casó por segunda vez con Gastón, quien prometía respeto y prosperidad, pero resultó un jugador empedernido y maestro de las artimañas. Liberata, de carácter fuerte, mantiene a su joven marido Palmiro bajo férreo control… aunque él no sea tan inocente como aparenta. Y Dolores, elegante y prudente, rechaza toda insinuación de volver a casarse, consciente de los riesgos que acechan.
En ese torbellino aparecen Roberto, hijo de Magdalena, que regresa de un largo viaje a la India marcado por experiencias intensas y un secreto en su salud; Josefina, hija de Dolores, que oculta un amor profundo por Roberto; y Miguel, el amigo fiel que ha cuidado al joven como a un hijo. Entre salones lujosos, jardines perfumados y mesas de juego clandestinas, Gastón y sus compinches urden planes para desplumar a un anciano rico, mientras intentan exprimir los recursos de sus esposas.
La tensión crece con la inminente llegada de Roberto, que ignora la verdadera naturaleza de su padrastro. Intrigas, celos, manipulaciones y confesiones inesperadas sacuden las relaciones, mientras el amor juvenil de Roberto y Josefina lucha por abrirse camino entre los intereses creados. Con diálogos afilados y situaciones llenas de ironía, la obra mezcla crítica social, humor y drama íntimo, pintando un retrato descarnado y entretenido de la alta sociedad santiaguina de su tiempo.
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Lokasenna, también conocida como Los sarcasmos de Loki, es una pieza legendaria de la mitología nórdica que lleva el concepto de "drama divino" a un nivel explosivo. En el marco de un festín celestial en el salón del gigante Aegir, los dioses beben y celebran en paz... hasta que aparece Loki, el dios de la astucia, el caos y la confrontación, dispuesto a destruir esa armonía con el arma más peligrosa: su lengua.
Lo que sigue es una cascada de insultos poéticos, verdades incómodas y secretos revelados sin piedad. Uno por uno, los dioses caen bajo el filo de sus palabras. Loki no perdona ni a las diosas ni a los dioses, exponiendo sus debilidades, sus errores, sus amores ocultos y sus traiciones. Lo que aparentaba ser un duelo verbal se convierte en un juicio sin reglas, una comedia negra donde el sarcasmo es rey y el orgullo es humillado.
Lokasenna es también un espejo de los vicios de los poderosos: cobardía, promiscuidad, injusticia, violencia, manipulación. A través del caos que siembra Loki, se revelan aspectos profundos de la cultura vikinga y su compleja relación con la moral, el poder y el destino. Aunque en apariencia humorística, la obra es brutal, afilada y crítica.
Pero este festín de la palabra tiene consecuencias. Loki, aunque sagaz, no puede escapar del destino: será castigado de manera brutal por su atrevimiento, en una escena final tan poderosa como simbólica. Atado con las entrañas de su hijo y expuesto al veneno eterno, su castigo resuena con fuerza: las consecuencias del discurso descontrolado, del orgullo y de la ruptura del orden.
Lokasenna es una obra intensa, provocadora y profundamente teatral, ideal para montajes contemporáneos que busquen reinterpretar los mitos nórdicos desde un enfoque crítico, irónico y visualmente impactante.
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30% ¡Off!
Amor, poesía y muerte en un triángulo letal.
Los amores del poeta es un drama decimonónico lleno de pasión, ideales y sacrificios. En el centro de esta historia se encuentra Eugenio de Gressey, un poeta romántico al borde de la muerte, cuya única salvación parece ser el amor puro de Matilde de Monville. Ella, una viuda perseguida por un pasado trágico, guarda un secreto que vincula la sangre con el amor, la culpa con el honor.
El coronel Fiercour, sombra implacable del pasado, reclama a Matilde como suya y está dispuesto a aniquilar a cualquiera que desafíe su obsesión. Entre confesiones líricas y amenazas veladas, el amor se convierte en campo de batalla. La obra plantea una lucha entre la palabra y la espada, entre el alma sensible del artista y la brutalidad del guerrero, entre el deseo de amar y la presión de una sociedad patriarcal que convierte a la mujer en botín.
Con diálogos intensos, monólogos cargados de sensibilidad romántica y una estructura dramática envolvente, esta obra plantea interrogantes sobre el sentido de la vida, la libertad, el amor verdadero y la posibilidad del heroísmo moral en un mundo profundamente desigual.
¿Puede el amor redimir la violencia? ¿O está condenado a ser arrastrado por ella?
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En un rincón olvidado de la ciudad, donde la infancia se pudre antes de florecer, una familia lucha —o se destruye— bajo el peso de su propia sangre.
Un padre quebrado, una madre que se apaga, dos niños que aprenden demasiado pronto lo que nadie debería saber… y una muerte que lo cambia todo.
Malacrianza no es solo una obra: es un golpe seco al pecho. Un viaje crudo por la marginalidad, donde el amor se confunde con la violencia y la inocencia se deforma hasta volverse irreconocible.
A través de escenas fragmentadas, voces que se cruzan y recuerdos que sangran, el espectador entra en un mundo donde no hay refugio. Donde la calle educa, el hambre enseña, y el cuerpo paga.
Pancho y Girlén no juegan: sobreviven. Cantan en micros, esquivan manos, inventan futuros que nunca llegan. Mientras tanto, el padre —fantasma de sí mismo— se hunde en la culpa, la negación y el deseo más oscuro.
Pero toda violencia deja huella.
Y toda herida, tarde o temprano… responde.Una obra intensa, incómoda y profundamente humana, que expone sin filtros la fractura de la familia y la crudeza de una realidad que muchos prefieren no mirar.
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Manuel Rodríguez es una apasionante obra de teatro histórico que nos transporta al convulso Santiago de 1817, donde el miedo, la esperanza y el fervor revolucionario laten al compás de la lucha por la independencia. En el centro de la trama se encuentra Manuel Rodríguez, el carismático guerrillero que, oculto entre disfraces y estrategias audaces, desafía al poder colonial representado por el temible Vicente San Bruno. La tensión estalla cuando San Bruno, además de perseguir patriotas, intenta forzar el amor de Elvira, una joven que encarna la dignidad femenina y la resistencia. Su padre Ignacio, símbolo del viejo mundo que aún conserva honor y coraje, y Enrique, su joven prometido, acompañan a Rodríguez en esta gesta donde la libertad es la meta suprema.
La obra ofrece intensas escenas de acción, duelos verbales, conspiraciones secretas y momentos de profundo dramatismo humano. Los personajes están delineados con fuerza poética y convicción política, ofreciendo al público una mirada íntima a los ideales que forjaron una nación. Una pieza imprescindible para quienes buscan redescubrir, desde el teatro, el alma de la independencia chilena.
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Una Cenicienta con alma de poeta y corazón de reina.
María Cenicienta es una joya olvidada del teatro chileno escrita en 1898 por Amelia Solar de Claro, una versión conmovedora y elevada del clásico cuento de hadas. En esta versión en verso y dividida en tres actos, María no solo es una joven humillada por su familia, sino también un espíritu noble que guarda en su interior la luz del perdón, la esperanza y la bondad inquebrantable.
Desde una cocina fría y oscura, donde vive relegada por una madrastra cruel y dos hermanas vanidosas, María eleva sus pensamientos al cielo, buscando consuelo. Cuando la magia irrumpe en su vida mediante su Hada Madrina, María es transformada en una princesa que deslumbra en el baile real. El príncipe, que busca más que belleza —una auténtica conexión del alma—, queda fascinado por aquella joven misteriosa que no revela su nombre.
Pero el encanto es efímero, y la realidad vuelve con fuerza. Aun así, el destino no ha terminado de obrar: el escarpín perdido será la clave para una resolución poética, donde la justicia y el amor triunfan. La coronación de María como reina no es solo un final feliz, sino un acto sublime de perdón hacia quienes le hicieron daño.
Ideal para públicos de todas las edades, esta obra rescata la ternura, la ironía social y el poder transformador de la humildad y la virtud. Una lectura encantadora, visualmente rica y emocionalmente luminosa.
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23% ¡Off!
Autobiografía de Konstantin Stanislavsky, una de las figuras más influyentes en la historia del teatro. En esta obra, Stanislavsky narra su viaje desde su infancia hasta convertirse en un actor y director de renombre. Explora su desarrollo de sistemas y métodos de actuación que han influido en generaciones de actores y directores. Además, ofrece una visión profunda de la vida teatral en Rusia durante su tiempo. -
Un grupo de estudiantes se toma una universidad. Cantan, celebran, levantan consignas. Todo parece histórico. Todo parece urgente. Pero cuando las puertas se cierran y la euforia baja, comienza la verdadera obra.
Nos tomamos la universidad no retrata la épica del movimiento estudiantil desde afuera, sino su corazón contradictorio desde adentro. Ocho jóvenes —distintos entre sí, desiguales en fuerza, convicción y deseo— quedan atrapados en un edificio vacío, sosteniendo una toma que se va deshilachando a medida que aparecen el cansancio, la burocracia, las jerarquías y la duda.
Aquí no hay héroes puros. Hay dirigentes que aprenden a mandar, rebeldes que exigen acción, intelectuales desencantados, observadores irónicos, artistas frágiles, mujeres empujadas a los márgenes y otras que se niegan a desaparecer. La revolución convive con el tedio. El discurso con el silencio. La esperanza con la sospecha.
El gesto central —la construcción de un monigote que representa a la autoridad— se transforma en un ritual inquietante: el símbolo reemplaza a la acción, el rito suplanta al cambio real. ¿Qué se quema cuando se quema un monigote? ¿La autoridad… o la propia fe?
Escrita en 1969, esta obra sigue siendo brutalmente actual. Vodanovic disecciona con lucidez y humor negro los mecanismos del poder, incluso dentro de los movimientos que dicen combatirlo. Una pieza coral, política y profundamente humana, donde la juventud descubre que tomarse un edificio es fácil; lo difícil es sostener un ideal sin traicionarse.
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Un pueblo olvidado.
Una guerra sin balas.
Y un enemigo que no dispara… pero devora.En lo alto de la montaña, donde antes reinaban las termas y el descanso, ahora solo queda el eco de los vehículos militares y el vacío en los estómagos. No hay armas. No hay héroes. Solo hombres comunes enfrentados a una decisión imposible: resistir… o sobrevivir.
Cuando todo parece perdido, surge una idea tan incómoda como inevitable.
No lucharán con fusiles.
Lucharán con deseo.La vieja posada del pueblo se transformará en un cabaret improvisado. Música, cuerpos, sonrisas… una ilusión de placer en medio de la guerra. Los soldados vendrán. Comerán. Beberán. Y quizás, en la intimidad, hablen más de la cuenta.
Pero cada paso hacia esa estrategia abre una herida.
¿Qué vale más: la dignidad o la supervivencia?
¿Qué se sacrifica primero: el cuerpo… o la moral?
¿Dónde termina el patriotismo y comienza la conveniencia?Mientras las esposas “respetables” se convierten en artistas, mientras el hambre dicta nuevas reglas y mientras la guerra se vuelve absurda, el pueblo entero entra en un juego peligroso donde nadie saldrá intacto.
Porque aquí no hay héroes puros.
Solo personas.
Y en tiempos de guerra… eso basta para romperse.
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Un hombre duda. No del amor en abstracto, sino del amor cuando roza el dinero, el prestigio y la seguridad. Prueba de amor es una bomba teatral de un solo acto donde Roberto Arlt expone, sin anestesia, la hipocresía sentimental de la sociedad burguesa.
En un departamento frío y ordenado, dos seres se enfrentan como en un laboratorio moral. Él, joven y rico, brillante y cruel. Ella, lúcida, contenida, atravesada por una inteligencia que no siempre la protege. La conversación, al principio elegante, se vuelve progresivamente violenta: el amor es diseccionado como si fuera un fraude financiero.
La obra avanza como una partida de ajedrez psicológico, donde cada frase es una trampa y cada silencio, una amenaza. Arlt convierte el espacio íntimo —un baño, una bañera— en escenario de una ceremonia brutal donde se confunden amor, dinero, fe y humillación.
Con una escritura filosa, irónica y ferozmente moderna, Prueba de amor cuestiona la idea misma de prueba, de confianza y de verdad emocional. No hay héroes ni villanos claros: solo seres humanos atrapados en un sistema que convierte el amor en transacción y la fe en espectáculo.
Breve, intensa y devastadora, esta obra sigue incomodando porque apunta directo al centro: allí donde amar y creer ya no son lo mismo.
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Imagina un reino dividido por el amor… o por la falta de él. El Rey Lear es una tragedia monumental que explora las profundidades del alma humana y los desastres provocados por la arrogancia, la ingratitud y el autoengaño. En esta obra inolvidable, un monarca anciano decide retirarse y entregar su reino a las hijas que mejor lo halaguen. Pero lo que parece una simple ceremonia se transforma en una trampa mortal cuando el rey confunde las palabras vacías con el amor verdadero.
Lear, cegado por el orgullo, repudia a su hija menor, Cordelia, quien es la única que lo ama sinceramente. Las hijas mayores, Goneril y Regan, al obtener el poder, revelan su verdadero rostro: ambición desmedida, crueldad y traición. El rey, humillado y errante, inicia una dolorosa travesía hacia la locura, acompañado solo por un fiel bufón y un noble disfrazado.
En una segunda trama, el conde de Gloster es víctima de un engaño similar, traicionado por su hijo bastardo Edmond, que urde una conspiración contra su propio hermano legítimo. Ambas historias se entrelazan en una danza de caos, redención y fatalidad, donde cada personaje paga un alto precio por sus decisiones.
Con escenas de tormentas, traiciones familiares, lealtades inquebrantables y enfrentamientos desgarradores, El Rey Lear es una obra que cuestiona la justicia, el poder, el amor y la locura con la potencia de una tragedia universal. Shakespeare nos entrega aquí uno de sus textos más duros y conmovedores, donde los lazos de sangre se tensan hasta romperse, y el alma humana queda expuesta en toda su vulnerabilidad. Perfecta para el lector o espectador que busca intensidad, profundidad emocional y un drama atemporal que sigue resonando en cada época.
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Rucacahuiñ es una zarzuela chilena escrita en 1912 que nos transporta a los paisajes indómitos de la Araucanía, donde conviven tensiones coloniales, identidades cruzadas y una dignidad indígena que resiste. Entre montañas y rucas, emerge la historia de Juana Castañeda: una mujer chilena criada desde niña por mapuches tras ser rescatada en un asalto militar. Con el tiempo, se convierte en la esposa del cacique Puelpán y madre de sus hijos, simbolizando la unión entre dos mundos.
La obra comienza como un encuentro casual entre comerciantes y viajeros, pero rápidamente revela los engranajes de un conflicto más profundo: la codicia del colono Miguel Rojas, quien no solo comercia con los bienes indígenas, sino que también codicia a Juana. Su plan para conquistarla desata una cadena de tensiones, resistencias y afectos cruzados que alcanzan su punto más alto durante el rucacahuiñ, la gran fiesta mapuche que da nombre a la obra.
Con diálogos vibrantes, pasajes en mapudungun, humor popular y canto, la zarzuela fusiona comedia costumbrista, drama social y lirismo poético. Filuñamco, el sirviente astuto y narrador oral, se roba las risas del público mientras teje con sabiduría los relatos del pasado. Chávez, el mozo simplón y pícaro, sirve de espejo de la transformación cultural. La música de Alberto García Guerrero aporta emoción y ritualidad, acompañando cada escena con canto y ritmo.
Rucacahuiñ no es solo una obra; es un testimonio de identidad, resistencia y humanidad. Una celebración dramática de la memoria viva del pueblo mapuche.
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Sueño de una noche de verano es una comedia mágica e inolvidable de William Shakespeare que entrelaza amor, deseo, enredos, sueños y un bosque encantado lleno de seres mágicos.
La historia comienza en Atenas, donde Hermia se ve forzada a casarse con un hombre a quien no ama. Decide huir con su amado Lisandro a través del bosque, sin saber que Helena —su mejor amiga y rival amorosa— revelará sus planes por amor a Demetrio. Cuatro jóvenes amantes se adentran en una noche que cambiará el curso de sus corazones para siempre.
Mientras tanto, en ese mismo bosque, el rey y la reina de las hadas, Oberón y Titania, libran una batalla de celos y orgullo que desencadena una serie de hechizos impredecibles. El travieso duende Puck, al servicio de Oberón, es el encargado de ejecutar encantamientos que terminan en una delirante cadena de confusiones amorosas.
En paralelo, un grupo de trabajadores planea representar una obra de teatro para el duque Teseo y su prometida Hipólita. Su entusiasmo ingenuo y torpeza provocan los momentos más cómicos, en especial cuando uno de ellos es transformado mágicamente en una criatura que roza lo absurdo.
Llena de poesía, humor y simbolismo, esta obra es un canto a lo irracional del amor, el poder del deseo y la delgada línea entre realidad y sueño. Un clásico que sigue deleitando al público por su frescura, fantasía y la universalidad de sus emociones.
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No es un manifiesto cómodo.
Es una herida abierta que todavía sangra.En Surrealismo y Revolución, Antonin Artaud escribe desde un lugar donde el pensamiento arde. No habla como teórico: habla como cuerpo, como nervio, como alguien que atravesó el surrealismo y salió marcado. Este texto no busca explicar el movimiento, sino exponer su fuego interno, su violencia moral, su rechazo radical a toda forma de autoridad que domestique al hombre.
Artaud nos arrastra por una revuelta que no es política en el sentido habitual, sino existencial y espiritual. El enemigo no es solo el Estado o la burguesía: es el Padre, la Familia, la Razón, el Lenguaje cuando se vuelve jaula. Frente a la revolución organizada, Artaud opone una revolución del inconsciente, del sueño, de la escritura automática, del pensamiento que se rompe para tocar algo más profundo.
El texto avanza como una ceremonia peligrosa. Se habla de suicidio sin glorificarlo, de desesperación sin romanticismo, de pureza como estado extremo del espíritu. El surrealismo aparece aquí como una fuerza que desorganiza lo real para recomponerlo desde otro orden, uno que no responde a la lógica, pero sí a una verdad física y secreta.
En la segunda mitad, Artaud imagina una práctica surrealista viva: una oficina dedicada a investigar el espíritu, a desclasificar la vida, a destruir los ídolos del progreso, la propaganda y la razón utilitaria. No hay recetas, no hay dogmas. Solo un llamado brutal a pensar desde otro lugar, a aceptar la confusión como método, a hablarle a quienes el lenguaje ha expulsado.
Este no es un texto para entender.
Es un texto para atravesar. -
¿Qué pasaría si en tu casa se instalara un extraño, vestido de virtud, y poco a poco empezara a controlar tus decisiones, tus afectos y tu familia? Esa es la pregunta que plantea Tartufo, una de las comedias más emblemáticas y afiladas de Molière.
En una casa burguesa del París del siglo XVII, Tartufo se presenta como un humilde y piadoso devoto. Con rezos fingidos y palabras llenas de falsa moral, se gana la confianza ciega del patriarca Orgon, quien lo eleva a un lugar de poder dentro del hogar. Mientras los demás miembros de la familia —incluida su perspicaz esposa Elmira y la astuta sirvienta Dorina— intentan abrirle los ojos, Orgon solo ve en Tartufo a un guía espiritual enviado por el cielo.
Pero las intenciones de Tartufo van mucho más allá de la piedad. ¿Qué esconde bajo su túnica este hipócrita virtuoso? ¿Hasta dónde puede llegar la ceguera de alguien obsesionado con las apariencias religiosas? Tartufo mezcla sátira, enredos amorosos y un retrato feroz de la hipocresía institucional, en una comedia tan hilarante como provocadora.
Ideal para lectores que disfrutan del humor punzante, las tramas bien urdidas y las obras que aún hoy nos interpelan con preguntas incómodas sobre fe, poder y engaño.
