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“Heliogábalo O El Anarquista Coronado” – Antonin Artaud (1934.)

$5.990

Heliogábalo no gobierna: irrumpe.
No asciende al poder por derecho, sino por exceso. Antonin Artaud no escribe una biografía histórica, escribe un exorcismo político y metafísico, donde el Imperio Romano es apenas una carcasa agotada y el cuerpo del emperador se vuelve campo de batalla entre fuerzas más antiguas que la ley.

Desde Siria, tierra de dioses solares, piedras vivas y ritos anteriores a la razón, emerge Heliogábalo: niño, sacerdote, emperador y herejía encarnada. Su figura no obedece a los principios de Occidente. No distingue entre masculino y femenino, religión y carne, poder y ceremonia. Todo se mezcla, todo arde. El Sol no es metáfora: es principio activo, violento, hambriento.

Artaud reconstruye su mundo como un teatro total donde el rito es política y el cuerpo es doctrina. Las mujeres —Julia Domna, Julia Mesa— no son figuras secundarias: son estrategas del caos, portadoras de una inteligencia antigua que Roma no comprende. Frente a ellas, el Imperio aparece viejo, jurídico, seco, incapaz de contener lo que desborda.

El texto avanza como una marea ritual: piedras que hablan, templos que respiran, sacrificios que no buscan redención sino transformación. No hay moral, hay fuerzas. No hay psicología, hay choque de principios: Sol contra Luna, orden contra anarquía, razón contra trance.

Heliogábalo o el anarquista coronado no pide ser entendido: exige ser atravesado. Es un manifiesto contra la domesticación del cuerpo, contra el teatro representativo, contra el poder que se disfraza de normalidad. Aquí el emperador no cae por debilidad, sino por haber llevado el poder hasta su verdad insoportable.

Artaud escribe desde el límite, y nos deja ahí: frente a un poder que no administra, sino quema.
“El Enfermo Imaginario” – Molière (1673.)

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El enfermo imaginario es una comedia ingeniosa y aguda de Molière que mezcla sátira, amor, engaños y muchas lavativas. La historia sigue a Argan, un hombre completamente convencido de estar gravemente enfermo, aunque su único síntoma real parece ser su dependencia de los médicos y medicamentos. Su mundo gira en torno a recetas, enemas y diagnósticos dudosos, mientras que su criada Antonia intenta, con sarcasmo y picardía, devolverle un poco de sentido común.

A este caos se suma Angélica, su hija, enamorada de un joven que su padre rechaza por no ser médico, y Belisa, la segunda esposa de Argan, que lo cuida con devoción… o al menos eso aparenta. El deseo de Argan de tener un yerno doctor da pie a un desfile de personajes ridículos, discursos científicos absurdos y una crítica feroz al sistema médico de la época.

Llena de escenas delirantes, música, bailes, y hasta intermedios cómicos, esta obra no solo ofrece risas, sino también una mirada inteligente sobre el poder, la hipocresía y la confianza ciega en la autoridad. Ideal para públicos que disfrutan del teatro clásico, la sátira social y las historias de amores contrariados con un fondo de crítica brillante.
“El Avaro” – Molière (1668.)

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El avaro es una de las más brillantes y mordaces comedias de Molière, donde el protagonista, Harpagón, se convierte en un símbolo eterno de la codicia llevada al extremo. Esta obra, escrita en el siglo XVII, conserva una vigencia sorprendente al retratar con humor y aguda ironía cómo el dinero puede distorsionar los afectos, la lógica y la convivencia familiar.

La acción gira en torno a los amores secretos de dos jóvenes que deben enfrentar al más temido de los enemigos: un padre que ama más sus monedas que a sus propios hijos. Con personajes encantadores, como la intrépida Frosina, el leal criado Flecha o el gentil Valerio, la historia avanza entre enredos matrimoniales, dobles identidades y malentendidos hilarantes.

El ritmo ágil de los diálogos y las situaciones absurdas provocan carcajadas, mientras que las críticas a la hipocresía social y al culto por el dinero hacen de esta obra una comedia reflexiva y actual. Es ideal para montajes teatrales con alto dinamismo y sátira social, y para lectores que disfruten del teatro con carácter, gracia y profundidad.
“La Vida De Galilei” – Bertolt Brecht (1943.)

$5.490

Un hombre observa el cielo… y el mundo comienza a temblar.

En La vida de Galileo Galilei, Bertolt Brecht transforma la biografía del gran astrónomo en una obra profundamente humana y política. Galileo no es aquí una estatua de bronce ni un héroe sin fisuras: es un hombre brillante, irónico, apasionado por el conocimiento, que cree en la razón como motor de la historia y en la ciencia como herramienta de liberación.

Cuando sus observaciones derriban la idea de que la Tierra es el centro del universo, no solo cambia el mapa del cielo: se quiebra el orden sobre el que se sostiene el poder. Las universidades, la Iglesia y los príncipes reaccionan con miedo. La verdad ya no es una revelación divina, sino algo que cualquiera puede comprobar mirando por un telescopio.

La obra avanza entre descubrimientos luminosos y sombras crecientes. A medida que Galileo se acerca al poder buscando tiempo y protección para investigar, el precio de la verdad se vuelve más alto. La pregunta deja de ser científica y se vuelve moral: ¿qué debe hacer un hombre cuando su saber amenaza a los poderosos?, ¿hasta dónde puede ceder sin traicionarse?

Brecht construye un drama lúcido, tenso y actual, donde la ciencia, la fe, el dinero y el miedo chocan en escena. La vida de Galileo no habla solo del pasado: interroga nuestro presente y nos enfrenta a una verdad incómoda que sigue orbitando sobre nosotros.
“Don Juan O El Festin De Piedra” – Molière (1665.)

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¿Qué pasaría si el mayor seductor del mundo no creyera en nada… ni siquiera en el infierno?

Don Juan, joven aristócrata, brillante, elegante e irresistible, ha hecho del amor un deporte y del engaño una forma de vida. No hay mujer que no pueda conquistar ni promesa que no rompa. Ya sea una dama de alta alcurnia, una campesina inocente o una novicia arrancada del convento, Don Juan no conoce límites. Lo acompaña siempre Sganarelle, su criado, tan cobarde como moralista, quien intenta inútilmente frenar la caída de su amo hacia el abismo.

A través de esta comedia profundamente crítica, Molière presenta a un personaje audaz, irreverente y moderno, que pone en jaque las instituciones del matrimonio, la religión y la moral de su época. Don Juan no solo es un seductor, sino también un iconoclasta: desprecia a Dios, ridiculiza a los médicos, se disfraza para escapar de sus enemigos y miente sin pestañear. Su retórica es tan poderosa que incluso hace dudar a quienes lo condenan.

Pero el mundo que Don Juan ha despreciado no se queda callado. Las mujeres traicionadas, los hombres humillados, los dioses burlados… todos piden justicia. En esta obra llena de ritmo, humor y tensiones filosóficas, lo cómico y lo trágico se entrelazan hasta alcanzar un desenlace memorable.

Ideal para compañías que deseen explorar la seducción del poder, la fragilidad de la verdad y la eterna lucha entre el placer y la conciencia.
“Tartufo, El Impostor” – Molière (1669.)

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¿Qué pasaría si en tu casa se instalara un extraño, vestido de virtud, y poco a poco empezara a controlar tus decisiones, tus afectos y tu familia? Esa es la pregunta que plantea Tartufo, una de las comedias más emblemáticas y afiladas de Molière.

En una casa burguesa del París del siglo XVII, Tartufo se presenta como un humilde y piadoso devoto. Con rezos fingidos y palabras llenas de falsa moral, se gana la confianza ciega del patriarca Orgon, quien lo eleva a un lugar de poder dentro del hogar. Mientras los demás miembros de la familia —incluida su perspicaz esposa Elmira y la astuta sirvienta Dorina— intentan abrirle los ojos, Orgon solo ve en Tartufo a un guía espiritual enviado por el cielo.

Pero las intenciones de Tartufo van mucho más allá de la piedad. ¿Qué esconde bajo su túnica este hipócrita virtuoso? ¿Hasta dónde puede llegar la ceguera de alguien obsesionado con las apariencias religiosas? Tartufo mezcla sátira, enredos amorosos y un retrato feroz de la hipocresía institucional, en una comedia tan hilarante como provocadora.

Ideal para lectores que disfrutan del humor punzante, las tramas bien urdidas y las obras que aún hoy nos interpelan con preguntas incómodas sobre fe, poder y engaño.
“El Medico A Palos” – Molière (1666.)

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El médico a palos es una hilarante comedia de enredos que se burla sin piedad de la ignorancia disfrazada de sabiduría. Todo comienza cuando Bartolo, un leñador tosco y holgazán, es brutalmente engañado por su propia esposa para vengarse de los golpes y malos tratos que ha recibido. ¿Su castigo? Ser forzado a hacerse pasar por un médico... ¡a golpes!

Desde ese momento, Bartolo se convierte, muy a su pesar, en el "doctor milagroso" que debe sanar a una joven noble que ha perdido el habla misteriosamente. Pero nada es lo que parece. La joven, Doña Paula, oculta un secreto: su enfermedad es fingida y su corazón está enredado en una historia de amor prohibido.

Con personajes vivos, diálogos chispeantes y situaciones absurdas que bordean lo surreal, esta obra de Molière critica las apariencias, la falsa autoridad, y los matrimonios impuestos. El público se deleita viendo cómo un rústico se convierte en sabio, los criados manipulan a los amos, y el amor encuentra caminos insospechados para florecer.

Una joya del teatro clásico, perfecta para públicos modernos que disfrutan del humor físico, la sátira social y los desenlaces inesperados. Si alguna vez pensaste que el conocimiento se puede "dar a palos", esta obra lo lleva al extremo... y te hará reír a carcajadas.
“Las Preciosas Ridiculas” – Molière (1659.)

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En el corazón de París, donde la elegancia y el ingenio parecen dictar el valor de las personas, dos jóvenes provincianas, Madelón y Cathos, buscan algo más que simples maridos: anhelan vivir dentro de las páginas de una novela romántica. Educadas en la pomposidad de la literatura preciosista, desprecian todo lo que huela a lo cotidiano, incluso a los hombres reales que les ofrecen un matrimonio honesto.

Pero cuando el amor propio de dos pretendientes despreciados se une con el espíritu burlón del teatro, comienza un juego de apariencias que pronto envolverá a todos. Criados que se hacen pasar por nobles, galanterías absurdas, plumas que valen oro y versos improvisados... todo en un torbellino de afectación y ridiculez que explota en carcajadas y reflexiones sobre la falsa nobleza, el amor y la identidad.

Las preciosas ridículas es una joya del teatro clásico que retrata con finísimo humor la obsesión por el estatus, la imitación de las élites y el vacío detrás del exceso de forma sin contenido. Una sátira aguda que, más allá de su época, sigue cuestionando nuestras máscaras sociales. Perfecta para quienes aman el humor inteligente, los giros teatrales y los personajes que se creen más de lo que son.
“Las Mujeres Sabias” – Molière (1672.)

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En el corazón del París burgués del siglo XVII, una familia se convierte en el campo de batalla entre el amor sincero y la arrogancia disfrazada de sabiduría. Las Mujeres Sabias es una comedia vibrante y afilada donde Molière saca a relucir su genio satírico con una precisión quirúrgica.

Enriqueta, joven de espíritu libre y enamorada de Clitandro, debe enfrentarse a la voluntad de su madre Filaminta, su hermana Armanda y su tía Belisa: mujeres que veneran el conocimiento a tal punto que han caído bajo el hechizo de Trissotin, un supuesto hombre de letras tan pretencioso como ridículo. La tensión crece cuando el sentido común, el amor verdadero y la voz de la razón —representados por Enriqueta, Crisalio y Aristo— se enfrentan a la tiranía del falso saber y la pedantería.

Con diálogos agudos y personajes inolvidables, esta obra es un espejo burlesco de aquellos que confunden erudición con sabiduría, y que prefieren la forma sobre el fondo. Un clásico imperdible, ideal para poner en escena el eterno debate entre apariencia y verdad, entre la razón y la moda intelectual.

¿Te atreves a desenmascarar a los falsos sabios?
“La Escuela De Los Maridos” – Molière (1661.)

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La escuela de los maridos es una deliciosa comedia satírica donde Molière se burla del autoritarismo masculino y celebra la inteligencia femenina. Ambientada en la plazuela de los Afligidos en Madrid, la historia gira en torno a dos hermanos —Don Gregorio y Don Manuel— que han criado a sus jóvenes pupilas con filosofías opuestas: uno desde el encierro y el control; el otro, desde la confianza y la libertad.

Rosita, la pupila de Gregorio, es la protagonista de una intriga en la que demuestra que ni el más estricto encierro puede detener la voluntad de una mujer decidida a ser libre. Con el ingenio como su mejor arma, Rosita enfrenta la vigilancia de su viejo tutor y crea un plan que no solo le permite burlar su control, sino también tomar las riendas de su vida y su corazón.

Mientras tanto, su hermana Leonor, educada con libertad, apoya con sororidad las decisiones de Rosa y defiende el derecho de las mujeres a ser tratadas con dignidad y confianza. Los criados, cómicamente deslenguados, completan un retrato social de la época que, aunque cómico, pone el dedo en la llaga de una cultura profundamente desigual.

Perfecta para estudiantes, compañías teatrales y lectores ávidos de clásicos con perspectiva actual, esta obra es un espejo de nuestras contradicciones y una joya del humor crítico.
“El Misántropo, El Atrabiliario Enamorado” – Molière (1666.)

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"El Misántropo" es una de las comedias más mordaces de Molière. En esta obra, seguimos los pasos de Alceste, un hombre que detesta la hipocresía de la sociedad cortesana, pero que, irónicamente, cae preso de un amor imposible por Celimena, una mujer ingeniosa y seductora que representa todo lo que él desprecia.

Mientras Alceste defiende con fiereza su franqueza y su desprecio por las adulaciones, los demás personajes se deslizan cómodamente por un mundo hecho de apariencias, sonrisas fingidas y ambiciones cortesanas. La escena parisina se convierte en un tablero de ajedrez donde cada palabra y cada gesto son parte de un juego más profundo: el del poder, la atracción y el autoengaño.

Molière construye aquí un retrato implacable de la sociedad del siglo XVII que sigue siendo ferozmente actual. ¿Qué pasa cuando uno decide decir siempre la verdad en un mundo construido sobre mentiras? ¿Es la honestidad una virtud o una condena? Esta obra, tan divertida como punzante, invita al espectador a cuestionarse si es posible amar sin perderse, o si el amor también exige una cuota de fingimiento.

Una comedia deliciosa y filosófica, donde cada diálogo es una estocada, y cada risa, un espejo.
“La Gaviota” – Anton Chejov (1896.)

$3.490

En una hacienda rusa, a orillas de un lago, un grupo de personajes busca darle sentido a su existencia a través del arte y el amor.
Konstantin Treplev, un joven dramaturgo inconforme, sueña con revolucionar el teatro, pero su madre, la célebre actriz Irina Arkádina, rechaza sus intentos con frialdad y desdén. La llegada de Nina Zarechnaya, una joven llena de ilusión que anhela ser actriz, enciende las pasiones: Konstantin la ama intensamente, pero ella se siente atraída por el famoso escritor Boris Trigorin, amante de Arkádina.

La calma del campo se convierte en un hervidero de emociones: amores no correspondidos, celos, rivalidades artísticas y sueños imposibles. La obra dentro de la obra, escrita por Konstantin y representada por Nina, es interrumpida y ridiculizada, reflejando el choque entre las viejas y nuevas formas de arte.

A lo largo de los actos, los personajes revelan sus fragilidades: la inseguridad del artista joven, la vanidad de la actriz consagrada, la seducción del éxito literario y la vulnerabilidad de una muchacha que persigue un destino más grande que ella misma.
El símbolo de la gaviota, abatida en un momento crucial, se convierte en metáfora de los ideales sacrificados, de la pureza quebrada y de la lucha del ser humano por encontrar su lugar.

Sin necesidad de grandes gestos heroicos, Chéjov muestra que la verdadera intensidad está en lo cotidiano: en las palabras no dichas, en los silencios cargados de tensión, en la melancolía de un amor imposible.
La Gaviota es un retrato magistral de la fragilidad de los sueños y de la eterna tensión entre la vida que deseamos y la que nos toca vivir.
“VI AI PI” – Enzo Ferrari (2015.)

$5.490

Una cena. Un ídolo. Una familia al borde del colapso.

En una casa común y corriente, tres mujeres se preparan para recibir al artista más famoso de Chile: Rorostar. La madre, una ex reina del pop barrial venida a menos, está convencida de que esta es su gran noche. La hija, entre vodka con hielo y preguntas existenciales, solo quiere una respuesta: ¿quién es su verdadero padre? La nana, Clarita, la única que guarda silencio, lleva años viendo cómo se desmorona la historia oficial.

Pero esta no es una obra sobre una estrella. Es una obra sobre lo que construimos para sobrevivir a la ausencia.

VI AI PI es una comedia negra delirante, deslenguada, absurda y ferozmente chilena. Una crítica descarnada a los ídolos vacíos, a la familia como institución poéticamente disfuncional, y al fanatismo como escape emocional. La obra transita entre lo doméstico y lo grotesco, entre el melodrama y la farsa, entre la ternura y el vómito emocional.

Cuando finalmente llega el supuesto Rorostar, lo que debía ser una cena mágica se transforma en una escena que nadie olvidará. Una madre que no sabe amar si no es a través del espectáculo. Una hija que busca identidad entre la basura pop. Y una nana que ama en silencio desde el rincón de la historia.

VI AI PI no es una obra. Es un exorcismo con luces de neón. Un ritual donde se canta, se ríe y se derrumba lo que parecía seguro
“Una Cárcel De Arrugas” – Enzo Ferrari (2014.)

$5.490

Una cárcel de arrugas es una obra conmovedora y delirante que nos recuerda que nunca es tarde para amar, desear, equivocarse... o reírse hasta las lágrimas.

En un comedor cualquiera, Norma y Ernesto—una pareja de ancianos que lleva cuatro décadas juntos—conversan sobre lo que fue y lo que aún podría ser. Ella quiere reír, bailar, amar. Él quiere leer el diario en paz. Pero cuando aparece un misionero mormón (o eso cree él), todo se trastoca: secretos salen a la luz, el tabaco resulta no ser tan tabaco, y la represión sexual de los personajes se libera entre risas, verdades incómodas y un desbordante deseo de vivir.

Lo que comienza como una discusión marital cotidiana, se transforma en una explosión hilarante de ternura, confesiones y enredos absurdos, que terminan por enfrentar a los protagonistas con sus propios prejuicios, sus miedos a envejecer, y la más profunda necesidad de afecto.

Una comedia delirante y mordaz que hace reír, conmueve y estremece. Ideal para públicos que disfrutan de los diálogos filosos, la ironía social, el humor generacional y las historias que mezclan la carcajada con la melancolía.
“Jardín De Cerezos” – Anton Chejov (1904.)

$3.000

En los albores del siglo XX, cuando el mundo antiguo se derrumba y el nuevo aún no se asienta, una familia rusa vive su última primavera entre los cerezos que florecen por costumbre y los sueños que ya no germinan.
Liubov Ranevskaia vuelve del extranjero con la ilusión de revivir su hogar, pero su jardín —blanco como un recuerdo que se niega a morir— está hipotecado. Lopajin, un comerciante que antes fue siervo, le ofrece salvar la finca si acepta talar los árboles y parcelar la tierra. La propuesta es práctica, pero hiere el alma de quienes viven aferrados al pasado.
Entre las risas de los criados, los discursos absurdos de Gaev y las miradas calladas de Varia y Ania, se siente la fragilidad de un mundo que no sabe cómo cambiar. “El jardín de los cerezos” no es solo una historia sobre una herencia perdida; es una elegía sobre el paso del tiempo, la ruina de las clases y la obstinación del corazón humano. Una comedia suave que huele a despedida, a primavera que no volverá.
“Tres Hermanas” – Anton Chejov (1901.)

$3.490

“Las tres hermanas” de Antón Chéjov es un drama conmovedor que explora la vida de Olga, Mascha e Irina, atrapadas en una pequeña ciudad provinciana tras haber crecido en Moscú. Con una mezcla única de melancolía y lucidez, la obra revela cómo los grandes anhelos pueden ahogarse en la rutina y cómo, aun así, el ser humano insiste en soñar.

El hogar de los Prózorov se convierte en un microcosmos de ilusiones rotas, pasiones reprimidas y discursos brillantes sobre el futuro. Mientras Olga carga con el sacrificio docente, Mascha se debate entre un matrimonio sin amor y un amor imposible, e Irina busca en el trabajo la dignidad perdida. A su alrededor orbitan figuras que intensifican el conflicto: el soñador barón Tusenbach, el cínico Solionii, el entrañable doctor Chebutikin, el idealista Verschinin y el mediocre Andrei, cuyo matrimonio con Natascha desintegra la unidad familiar.

Chéjov combina situaciones cotidianas con reflexiones filosóficas: ¿tiene la vida un sentido en el presente o solo en un futuro distante? El espectador presencia cenas, charlas y silencios que, más que grandes giros, muestran el peso de lo no dicho y la inexorable decadencia del tiempo.

Sin ofrecer finales felices, la obra cautiva por su humanidad: personajes que aman, sueñan y fracasan, pero que nunca dejan de esperar. Un clásico del teatro universal que emociona por su vigencia: la incapacidad de encontrar plenitud en lo inmediato y la obstinada esperanza en un mañana mejor.
“Tio Vania” – Anton Chejov (1898.)

$3.490

En una apartada hacienda rusa, el tiempo parece haberse detenido entre tazas de té, cuentas de la finca y silencios pesados. Allí viven Sonia, trabajadora e invisible, y su tío Vania, un hombre consumido por el desencanto de haber entregado su vida a un ideal que se desmorona. La llegada del profesor Serebriakov —padre de Sonia y cuñado de Vania— junto a su joven esposa Elena, lo altera todo.
Lo que parecía rutina se convierte en un hervidero de emociones: el amor secreto de Vania por Elena, la pasión silenciosa de Sonia por el doctor Astrov, y el tedio de una mujer joven atrapada en un matrimonio con un anciano enfermo. En este cruce de miradas y confesiones, brota lo más humano: deseo, celos, frustración, rencor y sueños incumplidos.
Astrov, médico idealista y agotado, habla con fervor de salvar bosques y del futuro de la humanidad, pero en su vida íntima también se asoman la soledad y la desesperanza. Entre conversaciones sobre la vejez, la belleza, la fidelidad y el sinsentido de existir, los personajes se confrontan a la certeza de haber malgastado sus vidas.
Tío Vania no es un drama de grandes gestas, sino de pequeñas derrotas, donde lo no dicho pesa más que las palabras y donde el anhelo de amor y reconocimiento se estrella contra la realidad. Una obra conmovedora y profundamente actual que revela, con ironía y ternura, cómo el tiempo nos escapa mientras buscamos la felicidad en lugares imposibles.
“Terror Y Miseria Del Tercer Reich“ – Bertolt Brecht (1938.)

$3.490

Un país donde hablar es peligroso.
Donde el silencio también delata.

Terror y miseria del Tercer Reich no cuenta una sola historia: las descompone todas. Bertolt Brecht disecciona la Alemania nazi como si fuera un cuerpo enfermo, mostrando cómo el miedo se filtra en los hogares, en los tribunales, en el amor y en el trabajo. No hace falta estar en un campo de concentración para estar preso: basta con vivir allí.

Cada escena es un espejo incómodo. Una pareja que duda de lo que puede decirse. Un juez que intenta hacer justicia en un sistema que ya la ha corrompido. Un obrero marcado sin saberlo. Un soldado que obedece sin pensar. Personas comunes enfrentadas a decisiones pequeñas que tienen consecuencias irreversibles.

Aquí no hay héroes. Hay sobrevivientes.
Y tampoco hay monstruos míticos: el horror viste uniforme, delantal o toga.

Brecht construye una obra fragmentaria, precisa y feroz, donde el terror no grita: susurra. Donde la violencia no siempre golpea, pero observa. La obra revela cómo un régimen totalitario se sostiene no solo por la fuerza, sino por la complicidad, el miedo y la costumbre.

Montable de forma flexible, actual y profundamente política, Terror y miseria del Tercer Reich es una advertencia que atraviesa el tiempo. No habla solo de Alemania. Habla de cualquier sociedad que acepta el silencio como norma y la obediencia como virtud.

Una obra incómoda. Necesaria.
Un espejo que aún no deja de devolvernos la mirada.
“Pato Salvaje“ – Henrik Ibsen (1888.)

$3.490

En una ciudad noruega, la vida de la familia Ekdal parece sencilla: un modesto estudio fotográfico, un hogar cálido y un abuelo excéntrico que vive entre recuerdos de caza y animales en un desván. Allí, entre palomas y un pato salvaje herido, crece Hedvig, una adolescente dulce, soñadora y con problemas de vista, cuyo mundo gira en torno al amor de su padre, Hjalmar.

Pero la llegada de Gregers Werle, un viejo amigo, rompe la calma. Movido por un ideal de sinceridad absoluta, Gregers cree que la verdad es siempre liberadora y decide revelar secretos ocultos. Entre ellos, un pasado que une peligrosamente a Hjalmar con su benefactor, el poderoso cónsul Werle, y con Gina, la esposa de Hjalmar, cuyo vínculo con el cónsul es más íntimo de lo que aparenta.

Lo que Gregers ve como una misión moral, se convierte en una amenaza para la estabilidad de un hogar sostenido por delicadas ilusiones. Mientras las sospechas crecen y la confianza se rompe, Hedvig se enfrenta a la prueba más grande de su vida: demostrar hasta dónde está dispuesta a llegar por amor.

El Pato Salvaje es un retrato implacable de cómo la verdad, cuando se impone sin compasión, puede ser más destructiva que la mentira. Henrik Ibsen construye una trama intensa, cargada de simbolismo, donde cada personaje debe decidir si es mejor vivir en la luz de la realidad o en la penumbra de la ilusión.
“Edipo, El Tirano“ – Sófocles (429 A.C.)

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Imagina una ciudad en ruinas, azotada por una peste implacable, cuyo destino depende de una verdad enterrada en el pasado. En el corazón de Tebas, el sabio y valiente Edipo, célebre por haber salvado a la ciudad del enigma de la Esfinge, se enfrenta a su mayor desafío: descubrir quién asesinó al rey Layo. Pero lo que empieza como una cruzada por la justicia se convierte en un descenso vertiginoso hacia lo más oscuro del alma humana.

Edipo, el Tirano es una de las tragedias más intensas y perfectas del teatro universal. Con ritmo implacable, Sófocles teje una historia donde la búsqueda de la verdad se transforma en una trampa mortal. Las profecías, el orgullo, el amor y la culpa se entrelazan hasta un final desgarrador.

Una obra que te hará reflexionar sobre los límites del conocimiento y el poder devastador del destino. Ideal para quienes buscan emociones profundas, tensión dramática y personajes inolvidables. Cada escena es un golpe certero al alma.