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“Las Mujeres De La India” – Juan Rafael Allende (1888.)

$3.490

En el Santiago elegante y bullicioso de 1888, tres viudas muy distintas enfrentan el dilema de amar, sobrevivir y defender su dignidad en un mundo donde los hombres no siempre buscan el corazón… sino la fortuna. Magdalena, aún joven y hermosa, se casó por segunda vez con Gastón, quien prometía respeto y prosperidad, pero resultó un jugador empedernido y maestro de las artimañas. Liberata, de carácter fuerte, mantiene a su joven marido Palmiro bajo férreo control… aunque él no sea tan inocente como aparenta. Y Dolores, elegante y prudente, rechaza toda insinuación de volver a casarse, consciente de los riesgos que acechan.

En ese torbellino aparecen Roberto, hijo de Magdalena, que regresa de un largo viaje a la India marcado por experiencias intensas y un secreto en su salud; Josefina, hija de Dolores, que oculta un amor profundo por Roberto; y Miguel, el amigo fiel que ha cuidado al joven como a un hijo. Entre salones lujosos, jardines perfumados y mesas de juego clandestinas, Gastón y sus compinches urden planes para desplumar a un anciano rico, mientras intentan exprimir los recursos de sus esposas.

La tensión crece con la inminente llegada de Roberto, que ignora la verdadera naturaleza de su padrastro. Intrigas, celos, manipulaciones y confesiones inesperadas sacuden las relaciones, mientras el amor juvenil de Roberto y Josefina lucha por abrirse camino entre los intereses creados. Con diálogos afilados y situaciones llenas de ironía, la obra mezcla crítica social, humor y drama íntimo, pintando un retrato descarnado y entretenido de la alta sociedad santiaguina de su tiempo.
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“Ernesto” – Rafael Minvielle (1842.)

El precio original era: $3.000.El precio actual es: $2.100.

Valencia, 1833. Un carruaje se detiene en las puertas de la ciudad. Ernesto de Guzmán regresa a su tierra tras años de exilio en América. Pero no vuelve como cualquier hijo pródigo. Vuelve marcado por el fuego de las guerras de independencia, por un amor jurado y por una conciencia que lo llevó a luchar contra las mismas banderas que lo vieron nacer.

En el corazón de este drama palpitante se enfrentan la pasión de Ernesto y Camila —primos unidos desde la infancia por promesas sagradas— contra el orgullo de una familia que no perdona. Don Pedro, símbolo vivo de la vieja España, no puede aceptar que su sobrino, un Guzmán de linaje, haya blandido su espada por la libertad americana. Para él, la traición no tiene justificación, y la conciencia individual no puede desafiar al deber militar.

Ernesto es un grito desgarrado en una España dividida entre el honor y el progreso, la lealtad y la libertad. Con diálogos encendidos, personajes entrañables y un trasfondo histórico vibrante, esta obra nos invita a reflexionar sobre la fidelidad, el sacrificio y las cadenas invisibles que la sociedad impone al corazón humano.

Una historia intensa, romántica y trágica que se despliega como una batalla entre lo que uno es, lo que uno cree... y lo que la sociedad le permite ser.
“Bichocanasto” – Leandro Marcos González (2018.)

$5.990

Cuatro mujeres. Cuatro vidas entrelazadas por el paso del tiempo, los achaques de la edad y una amistad a prueba de pastillas, secretos y licor sudafricano. Bichocanasto —también conocida como La Reunión— es una obra tan desopilante como humana, que convierte una simple tarde de juego en una montaña rusa de emociones, verdades a medias y confesiones tan crudas como hilarantes.

Rene, Nidia, Amanda y Olga se reúnen en casa para tomar el té, intercambiar anécdotas, quejarse de sus nueras y recordar viejos amores. Pero lo que comienza como un encuentro cotidiano se transforma poco a poco en una tragicomedia vibrante, donde la muerte irrumpe con una ironía brutal y la vejez se vive con rabia, ternura, lucidez y mucho humor ácido.

Entre canciones de radio, jugadas de cartas inventadas, reflexiones existenciales y la embriaguez que mezcla licor con ansiolíticos, estas mujeres desafían el lugar que la sociedad les impone. No son abuelas dóciles ni viudas silenciosas: son sobrevivientes que encuentran en el delirio colectivo una forma de sostenerse ante el absurdo de lo cotidiano.

Con diálogos brillantes, humor negro y una visión aguda sobre el rol de la mujer mayor en la familia y en la cultura, Bichocanasto es una obra inolvidable que hace reír, pensar y emocionarse, todo al mismo tiempo. Ideal para ser disfrutada por públicos adultos que buscan una experiencia teatral ácida, empática y profundamente contemporánea.
“Perdon… Estamos En Guerra” – Sergio Vodanovic (1993.)

$5.490

Un pueblo olvidado.
Una guerra sin balas.
Y un enemigo que no dispara… pero devora.

En lo alto de la montaña, donde antes reinaban las termas y el descanso, ahora solo queda el eco de los vehículos militares y el vacío en los estómagos. No hay armas. No hay héroes. Solo hombres comunes enfrentados a una decisión imposible: resistir… o sobrevivir.

Cuando todo parece perdido, surge una idea tan incómoda como inevitable.

No lucharán con fusiles.
Lucharán con deseo.

La vieja posada del pueblo se transformará en un cabaret improvisado. Música, cuerpos, sonrisas… una ilusión de placer en medio de la guerra. Los soldados vendrán. Comerán. Beberán. Y quizás, en la intimidad, hablen más de la cuenta.

Pero cada paso hacia esa estrategia abre una herida.

¿Qué vale más: la dignidad o la supervivencia?
¿Qué se sacrifica primero: el cuerpo… o la moral?
¿Dónde termina el patriotismo y comienza la conveniencia?

Mientras las esposas “respetables” se convierten en artistas, mientras el hambre dicta nuevas reglas y mientras la guerra se vuelve absurda, el pueblo entero entra en un juego peligroso donde nadie saldrá intacto.

Porque aquí no hay héroes puros.

Solo personas.

Y en tiempos de guerra… eso basta para romperse.
“Nos Tomamos La Universidad” – Sergio Vodanovic (1969.)

$5.490

Un grupo de estudiantes se toma una universidad. Cantan, celebran, levantan consignas. Todo parece histórico. Todo parece urgente. Pero cuando las puertas se cierran y la euforia baja, comienza la verdadera obra.

Nos tomamos la universidad no retrata la épica del movimiento estudiantil desde afuera, sino su corazón contradictorio desde adentro. Ocho jóvenes —distintos entre sí, desiguales en fuerza, convicción y deseo— quedan atrapados en un edificio vacío, sosteniendo una toma que se va deshilachando a medida que aparecen el cansancio, la burocracia, las jerarquías y la duda.

Aquí no hay héroes puros. Hay dirigentes que aprenden a mandar, rebeldes que exigen acción, intelectuales desencantados, observadores irónicos, artistas frágiles, mujeres empujadas a los márgenes y otras que se niegan a desaparecer. La revolución convive con el tedio. El discurso con el silencio. La esperanza con la sospecha.

El gesto central —la construcción de un monigote que representa a la autoridad— se transforma en un ritual inquietante: el símbolo reemplaza a la acción, el rito suplanta al cambio real. ¿Qué se quema cuando se quema un monigote? ¿La autoridad… o la propia fe?

Escrita en 1969, esta obra sigue siendo brutalmente actual. Vodanovic disecciona con lucidez y humor negro los mecanismos del poder, incluso dentro de los movimientos que dicen combatirlo. Una pieza coral, política y profundamente humana, donde la juventud descubre que tomarse un edificio es fácil; lo difícil es sostener un ideal sin traicionarse.
Como En Casa – Amparo Romero (2022.)

$5.990

Como En Casa es una obra en tres actos que narra la vida de Ángela, una madre soltera y trabajadora del área sanitaria, y su hijo Alejandro, un joven con síndrome de Down. La historia se despliega desde una mirada profundamente humana, resaltando las injusticias sociales, la discriminación y la lucha diaria por dignidad. Ángela relata con amor y humor su experiencia criando a Alejandro en soledad tras el abandono del padre. La vida cotidiana se entrelaza con la crisis sanitaria del COVID-19, revelando las desigualdades del sistema de salud y vivienda, culminando trágicamente con la muerte de Ángela.

Tras esta pérdida, Alejandro es apoyado por la entrañable señora Edelmira y su familia, quienes contrastan con la frialdad y el desprecio de la familia materna. Alejandro se descubre como un talentoso cocinero, y con ayuda de su profesora Sandra, se embarca en un camino emprendedor. La historia cobra fuerza cuando su negocio comienza a prosperar, enfrentando un intento de estafa por parte de un primo oportunista. Gracias al apoyo de su nueva familia y amigos, Alejandro triunfa, logra justicia y expande su restaurante “Como En Casa” a nivel nacional, consolidándose como un ejemplo de inclusión, esfuerzo y esperanza.
“Los Matarifes” – Luis Rivano (1977.)

$5.490

En una casa estrecha del barrio Franklin, detrás del ruido del matadero y del olor persistente a carne fresca, una familia sobrevive aferrada a lo único que conoce: el trabajo duro, la sangre en las manos y el silencio heredado.

Los Matarifes es una radiografía descarnada de la clase obrera chilena, donde el amor familiar convive con la violencia cotidiana, y donde el futuro parece estar escrito antes de nacer. Belisario, el padre, defiende el oficio como una ley ancestral. David, el hijo mayor, carga con la responsabilidad de sostener la casa, pagando con su propia vida los sueños que nunca pudo tener. Roberto, el menor, se rebela sin rumbo: no quiere estudiar, no quiere matar animales, no quiere repetir el destino que lo espera.

Entre ellos, Teresita sostiene la casa como una columna invisible, postergando su propia felicidad, mientras Carlitos sueña con un amor sencillo que el entorno vuelve casi imposible. En paralelo, una relación amorosa fuera del barrio expone con violencia las fracturas de clase, el machismo, los celos y la culpa de quien intenta escapar de su origen.

Con un lenguaje directo, popular y profundamente humano, Luis Rivano construye una obra donde cada diálogo sangra realidad. Los Matarifes no juzga: muestra. Y al mostrar, obliga al espectador a mirarse en el reflejo incómodo de una sociedad que devora a los suyos como animales de faena.
“El Rucio De Los Cuchillos” – Luis Rivano (1991.)

$5.490

En una pieza mal iluminada del centro de Santiago, tres vidas chocan como cuchillos sin funda.
El rucio de los cuchillos nos sumerge en el corazón del bajo mundo chileno de los años sesenta, donde la supervivencia no es una metáfora, sino una rutina.

Vinizio, recién salido de la cárcel, arrastra un pasado manchado de sangre y un miedo paralizante a volver a caer. La calle lo reconoce, la policía lo persigue y el futuro parece una puerta cerrada. La Guille, prostituta independiente, irónica y ferozmente lúcida, ha aprendido a negociar con la vida sin pedir permiso: vende su cuerpo, pero protege con uñas y dientes su dignidad. El Tolo, su cafiche, vive obsesionado con el poder, el respeto y la posesión, atrapado entre el amor, los celos y la violencia.

Entre mates, tangos, discusiones y recuerdos, emerge una idea improbable: participar en un concurso de baile. El Teatro Caupolicán se convierte en un sueño frágil, casi absurdo, pero cargado de esperanza. Bailar no es solo moverse: es desafiar al destino, vengarse del desprecio, intentar, aunque sea por una noche, ser otro.

Luis Rivano escribe con crudeza y poesía popular una obra donde el humor convive con la tragedia, donde los personajes hablan como la calle y piensan como filósofos heridos. El rucio de los cuchillos no juzga: observa. No idealiza: expone. Y en ese gesto honesto, brutal y tierno, nos obliga a mirar de frente una humanidad que rara vez quiere ser vista.
“El Hombre Que Compraba Y Vendía Cosas” – Luis Rivano (1994.)

$5.490

Una familia se muda a la casa de sus sueños.
Pero algo no entra con ellos.

Un hombre que lo consiguió todo… menos paz.
Una mujer que perdió más de lo que ganó.
Un hijo que no cree en el sacrificio.
Una hija que aún quiere creer.

Entre cajas, recuerdos y muebles nuevos, se desata una batalla invisible:
la del origen contra la ambición, la memoria contra el progreso.

Él construyó su mundo desde la nada—recogiendo lo que otros desechan, viendo valor donde nadie lo ve.
Pero ahora que tiene dinero, espacio, status… descubre que lo más difícil no es subir.

Es sostenerse sin romperlo todo.

Con humor ácido, lenguaje directo y una crudeza profundamente chilena, esta obra revela el precio del ascenso social:
la familia se convierte en campo de batalla,
el amor en reproche,
y el éxito… en una forma silenciosa de soledad.

Porque no basta con cambiar de casa.
Hay cosas que no se mudan.

Y otras… que nunca te sueltan.
“¿Dónde Estará La Jeannette?” – Luis Rivano (1984.)

$5.490

En un Santiago lluvioso de los años sesenta, una casa elegante esconde un campo de batalla íntimo.
Una joven prostituta entra por error —o por destino— al living de una familia que vive de las apariencias. Lo que comienza como una solución práctica se convierte en una grieta irreparable.

Nancy, vital, irónica y brutalmente honesta, acepta reemplazar a una empleada doméstica. Allí conoce a Lola, una mujer olvidada, antigua cupletista, madre incómoda, memoria viva de un pasado que nadie quiere recordar. Entre tragos, canciones y confesiones, ambas descubren que comparten algo más profundo que la marginalidad: la lucha por no desaparecer.

Mientras tanto, Paula, dueña de casa, construyó su identidad negando sus orígenes. Su obsesión por el estatus la ha llevado a encerrar a su madre y a vaciar de sentido su propio matrimonio. Carlos Alberto, su marido, sobrevive refugiado en el billar y en recuerdos de un tiempo donde soñó ser otra cosa.

La obra cruza con humor ácido y crudeza temas incómodos: la prostitución visible y la invisible, la hipocresía de clase, la maternidad fallida, la memoria artística como amenaza, y la violencia simbólica del “buen vivir”.

Rivano no juzga: expone.
Y lo hace con una lengua viva, popular, musical, ferozmente chilena.

¿Dónde estará la Jeannette? no busca respuestas fáciles.
Golpea donde duele.
Y obliga a mirar de frente aquello que se esconde bajo el mantel bien planchado.
“El Burgués Gentil Hombre” – Molière (1670.)

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¿Puede el dinero comprar la nobleza? En esta desopilante comedia de Molière, seguimos la historia de Monsieur Jourdain, un burgués millonario que sueña con ser noble… y está dispuesto a todo para lograrlo, incluso hacer el ridículo. En su afán, contrata maestros que lo llenan de frases cultas y pasos de baile, se viste con ropas estrafalarias y hasta aprende a pronunciar la letra “U” con elegancia. Lo que no sabe es que todos, desde el conde Dorante hasta el sastre, lo están utilizando.

El Burgués Gentil Hombre es una sátira brillante sobre la hipocresía social, la obsesión por el estatus y el poder de la apariencia. Una obra cómica que no pierde vigencia: el deseo de pertenecer a una clase superior, el miedo al ridículo, el amor enfrentado a las convenciones, todo se entrecruza en una historia llena de humor y picardía.

Ideal para públicos que disfrutan del teatro con crítica social y carcajadas inteligentes, esta obra ofrece múltiples niveles de lectura: desde la comedia más burlesca hasta una reflexión mordaz sobre la sociedad y sus ídolos falsos.
“Baal” – Bertolt Brecht (1918.)

$5.490

“Baal” es una tempestad humana hecha carne. Un poeta salvaje que convierte su vida en su obra, sin pedir permiso al cielo ni al infierno. Mientras los demás escriben sobre la vida, él la bebe, la rompe, la canta.

Baal habita buhardillas, tabernas y camas ajenas. Ama a las mujeres con la misma violencia con que desprecia la moral. Habla con mendigos, con curas, con carreteros, con árboles; y en cada encuentro se reconoce un poco más animal, un poco más dios.

Su genio fascina y asusta: los burgueses lo invitan a sus salones para adorarlo y terminan huyendo de su brutal honestidad. Las mujeres lo buscan, lo siguen, se hunden con él. Su mejor amigo, su doble —Ekart— lo acompaña en un viaje donde el arte, la lujuria y la destrucción se confunden.

Brecht, con un lenguaje poético y salvaje, pinta al artista como un cuerpo sin redención. “Baal” no es un drama convencional, sino un canto primitivo al exceso, a la libertad absoluta y al abismo que la acompaña.
Es una tragedia vitalista, una celebración oscura de lo que arde en cada ser que se niega a vivir a medias.
“Un Hombre Es Un Hombre” – Bertolt Brecht (1931.)

$3.490

Un hombre sale a comprar un pescado. Nada más inofensivo. Nada más humano.
Pero en el mundo de Un hombre es un hombre, eso basta para perderlo todo.

Bertolt Brecht construye una fábula feroz y lúcida sobre cómo un individuo común puede ser transformado —pieza por pieza— en otra cosa. No por maldad, no por ideología, sino por conveniencia. Por necesidad ajena. Por no saber decir que no.

Galy Gay no quiere poder, ni gloria, ni violencia. Quiere volver a casa. Sin embargo, el ejército no necesita deseos: necesita cuerpos. Y cuando un cuerpo falta, otro sirve. Da lo mismo quién sea.

A través de situaciones grotescas, canciones, negocios absurdos y una violencia tratada con humor cruel, la obra muestra cómo la identidad no es un núcleo sagrado, sino una construcción frágil. El uniforme pesa más que el nombre. El grupo más que la memoria. La utilidad más que la verdad.

Brecht no acusa a un villano individual. Apunta al mecanismo. Al engranaje que convierte personas en funciones. Soldados en reemplazos. Hombres en hombres intercambiables.

El tono oscila entre lo cómico y lo inquietante. Se ríe el espectador, pero se ríe tarde. Porque entiende que lo que ocurre en escena no es excepcional: es perfectamente razonable dentro de un sistema que premia la obediencia y castiga la singularidad.

Un hombre es un hombre no pregunta quién es Galy Gay.
Pregunta algo más incómodo:
¿Cuánto de ti puede cambiar antes de que sigas llamándote tú?
“Nosotras Lo Hacemos Mejor” – Roberto Ramos Perea (2000.)

$5.490

Teresa Allyson Pérez, mujer de 50 años en su derroche de simpatía sin igual nos prueba, con su vida, el por qué las mujeres siempre serán mejor que los hombres. Ella nos hablará sobre su despertar sexual, de cómo llegó al matrimonio sin saber qué estaba haciendo, sobre el divorcio y los hombres infieles, de cómo las mujeres se vuelven verdaderamente feministas ante la vista de un culero cagado, de los seductores y el amor a los 50 y de todas esas cosas en que ellas, siempre lo hacen mejor.
“La Razón De Los Demás” – Luigi Pirandello (1915.)

$3.490

En una Roma silenciosa, donde el peso de la moral aplasta a los corazones, una mujer enfrenta su destino sin gritar. Livia Arciani, esposa fiel y elegante, descubre que su vida, tejida de deber y apariencia, se deshace en el instante en que su marido —Leonardo, periodista fracasado— cae en brazos de otra mujer, Elena Orgera, tan desesperada y humana como ella.

Pero Pirandello no ofrece una historia de celos; ofrece un espejo. Porque en este drama nadie tiene toda la culpa, ni toda la razón. Livia calla, Leonardo sufre, Elena ama, el padre moralista juzga. Todos viven prisioneros del mismo verdugo invisible: la mirada de los demás.

La obra transcurre entre oficinas llenas de humo y habitaciones en penumbra, donde las palabras pesan más que los actos. Es un combate entre la verdad íntima y la verdad social, entre lo que uno siente y lo que debe aparentar.
El clímax llega cuando Leonardo, buscando redimirse, le arrebata la hija a Elena, creyendo que devolverla a su hogar con Livia es una forma de reparar el daño. Pero ese gesto, más que redimirlo, condena a todos al silencio definitivo.

En la escena final, Livia queda sola, sosteniendo el pequeño sombrerito de su hija, mirando hacia el vacío —o hacia nosotros— con esa serenidad terrible de quien ya ha entendido que vivir es soportar el juicio ajeno.
Pirandello convierte un triángulo amoroso en una tragedia moral donde la verdad se fragmenta y el perdón nunca llega.

“No hay pecado más cruel que querer tener razón en un mundo que vive de las apariencias.”
“Retablillo De Don Cristóbal” – Federico Garcia Lorca (1931.)

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En un pequeño retablo, donde la luna apenas entra y la risa huele a vino y a tierra, se despliega Retablillo de Don Cristóbal: una farsa despiadada y luminosa. Aquí no hay héroes ni redención. Hay muñecos que dicen la verdad que los hombres callan.

Don Cristóbal es médico, viejo, bruto y poderoso. Cura a golpes, ama a golpes, manda a golpes. En su mundo, el dinero compra cuerpos, el matrimonio es un contrato y la violencia una costumbre. Rosita, joven y deseante, no busca amor: busca vivir, tocar, probar, arder. Su deseo no cabe en un solo hombre ni en una sola noche.

La obra avanza como una canción popular: repetitiva, obscena, musical. El Poeta observa y protesta; el Director manda y censura. El teatro se muestra a sí mismo como una jaula donde los personajes no pueden ver la luna, aunque el público sí.

El humor es feroz. La risa incomoda. Cada escena exagera lo que la sociedad normaliza: el abuso masculino, la complicidad materna, la infantilización del cuerpo femenino, el poder que se ejerce sin castigo. Todo ocurre con la inocencia brutal de los muñecos, donde una cachiporra puede matar y hacer reír al mismo tiempo.

Lorca no moraliza. No salva. Muestra. Y al mostrar, deja al espectador solo frente a su risa. Porque lo que ocurre en el retablo no pertenece al pasado: es una herida que sigue cantando.
“El Maleficio De La Mariposa” – Federico Garcia Lorca (1920.)

$1.490

En una pradera encantada, donde los insectos viven una vida apacible y casi humana, un joven soñador se atreve a amar lo imposible.

"El maleficio de la mariposa", la primera obra escénica de Federico García Lorca, es una exquisita fábula poética que transforma lo ínfimo —cucarachas, gusanos, alacranes y mariposas— en portadores de las pasiones humanas más profundas. A través del lirismo de sus versos y la ternura absurda de sus personajes, la obra nos presenta al pequeño Curianito el Nene, un insecto poeta que, desoyendo las normas de su comunidad, se enamora perdidamente de una mariposa herida que ha caído desde lo alto de un ciprés.

Mientras su madre y los insectos del pueblo intentan emparejarlo con Silvia, una curiana acomodada, él solo sueña con el amor puro y trágico que representa esa criatura alada. Su anhelo es tan grande como su inocencia, y su rebeldía lo conduce a una conclusión inevitable: la belleza ideal no pertenece a este mundo. El amor, cuando apunta al cielo, puede convertirse en maldición.

En esta obra, la sátira se mezcla con la tragedia, y la belleza de los símbolos naturales se entrelaza con el humor más negro. ¿Qué sucede cuando el amor se vuelve inalcanzable? ¿Qué precio pagamos por perseguir un ideal?

"El maleficio de la mariposa" es un canto a la poesía, una crítica a la sociedad conformista y un retrato temprano del estilo único que haría de Lorca un ícono del teatro universal.
“Yerma” – Federico Garcia Lorca (1934.)

$3.490

Yerma vive rodeada de vida… excepto en su propio cuerpo. En una tierra donde el agua corre, los animales paren y las mujeres se llenan de hijos, ella permanece seca, ardiendo por dentro. Casada con Juan, un hombre correcto pero sin fuego, Yerma descubre que el matrimonio puede ser una tumba silenciosa cuando no hay deseo compartido.

Cada escena profundiza su angustia. Las canciones populares, las lavanderas, las vecinas, incluso los niños que no son suyos, le recuerdan lo que no tiene. La sociedad no la acompaña: la vigila, la juzga, la empuja al silencio. Para todos, la esterilidad es culpa; para Yerma, es condena.

Víctor aparece como una sombra luminosa: representa la vida que no eligió, el temblor que nunca pudo habitar. Pero Yerma no traiciona su honra. Su lucha no es por placer, sino por sentido.

Cuando la razón ya no basta, Yerma recurre a lo ancestral, a la palabra antigua, al rito. No por ignorancia, sino porque el mundo moderno y moralista la ha dejado sin respuestas.

Yerma no es una historia sobre maternidad frustrada. Es una tragedia sobre el choque entre deseo vital y estructura social, entre cuerpo y norma, entre lo que arde y lo que se reprime. Una mujer empujada al límite, obligada a mirar de frente la verdad más insoportable: que hay destinos que se secan no por falta de amor, sino por falta de libertad.
Lorca elabora estas tragedias basándose en una conjugación de mito, poesía y sustancia real, tratando de retratar a una mujer a su vez oprimida y segura de sí misma.
“Electra” – Eurípides (415 A.C.)

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En las áridas tierras que bordean Argos, una mujer vive en la sombra del esplendor perdido. Electra, hija de reyes, carga con la herida abierta del asesinato de su padre y el exilio de su hermano. Mientras los usurpadores gobiernan con impunidad, ella resiste en silencio, abrazando su dolor y su dignidad.

Eurípides nos ofrece en esta versión de Electra una mirada íntima, humana y desgarradora sobre la justicia, la memoria y el deseo de redención. A diferencia de otras tragedias, esta obra se centra en la fragilidad de los personajes y en los dilemas éticos de la venganza. ¿Es justa la justicia cuando hiere a quien la aplica? ¿Puede una hija matar por amor a su padre?

Con una puesta en escena sencilla y conmovedora —una cabaña, un río, un sacrificio—, Electra despliega grandes pasiones: odio, esperanza, miedo y compasión. Una obra intensa y reflexiva, perfecta para compañías que buscan textos clásicos con fuerte carga emocional, diálogos filosóficos y una heroína inolvidable.
“Las Coéforas” – Esquilo (458 A.C.)

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Una tragedia intensa y desgarradora donde la justicia y la sangre se entrelazan sin escapatoria. Las Coéforas nos introduce en el corazón del mito de Orestes, el joven príncipe exiliado que regresa al hogar con una misión divina: vengar a su padre asesinado. Acompañado por Pílades y guiado por el oráculo de Apolo, Orestes se enfrenta al más devastador de los dilemas: cumplir su deber como hijo matando a su propia madre.

A través de un lenguaje lírico y profundo, Esquilo nos muestra los efectos corrosivos de la venganza y la carga generacional de la culpa. El reencuentro entre Electra y Orestes es una joya de la dramaturgia clásica, donde el amor fraterno y el deseo de justicia arden con fuerza. El coro, compuesto por esclavas que sufren el destino de la casa real, añade una dimensión de humanidad y temor colectivo.

Pero la victoria no es sin precio. Al ejecutar su venganza, Orestes se convierte en blanco de las Erinias, diosas infernales que castigan el crimen de matricidio. Así, esta obra pone en tensión la ley de los hombres y la ley de los dioses, abriendo paso al dilema ético que culminará en Las Euménides. Ideal para quienes buscan dramaturgia con peso, conflicto moral y una puesta en escena cargada de simbolismo.