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Yomevoy es un monólogo explosivo, tierno y demoledor sobre el enojo, la convivencia y la vida misma. Un hombre entra al escenario pateando una valija, arrojado simbólicamente por un afuera que lo expulsa y al que él también quiere dejar atrás. Pero no se va sin antes dejarlo todo dicho.
A lo largo de la obra, este personaje, hilarante y profundamente humano, atraviesa una montaña rusa de emociones mientras se desahoga sobre lo que más lo irrita: desde el vino mal interpretado, los médicos de letra indescifrable, hasta los orientales del supermercado, los adornos comestibles y los cursos absurdos. Con inteligencia filosa y un humor desbordante, convierte cada pequeño fastidio en una gran reflexión filosófica sobre el mundo y las relaciones humanas.
Pero no es solo un “hombre enojado”. Es alguien que piensa con profundidad, que siente, que se duele. Su enojo no es rabia vacía: es su forma de amar, de vivir, de resistir. Y en esa confesión al público —que se convierte en su confidente— se desvela la paradoja de esta obra encantadora: a veces, lo que más nos une no es el amor, sino el enojo compartido.
Una obra perfecta para quienes disfrutan del humor ácido, los personajes intensos y las verdades incómodas que se dicen con gracia y poesía. Yomevoy es una pieza potente, fresca y profundamente teatral.
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En un rincón olvidado del mundo —un bar cualquiera— dos hombres se encuentran.
Uno cree haberlo sido todo.
El otro cree no haber sido nada.Entre un batido verde y una hoja en blanco, lo absurdo comienza a filtrarse: conversaciones incómodas, risas fuera de lugar, verdades que se escapan sin permiso. Él dice ser famoso. El otro, su fan. Pero algo no encaja.
¿Qué pasa cuando la fama se convierte en un eco?
¿Qué queda cuando el aplauso se apaga?“DÉTOX” es una tragicomedia afilada, íntima y feroz que desarma la idea de éxito, identidad y reconocimiento. A través de un diálogo brillante, cargado de ironía y humanidad, la obra revela el lado más crudo de quienes viven bajo la mirada ajena… y de quienes necesitan mirar.
Lo que comienza como una situación ridícula —un hombre que no encuentra el baño— se transforma en un duelo emocional donde las máscaras caen una a una.
Aquí no hay héroes.
No hay villanos.
Solo dos hombres intentando recordar quiénes fueron… y si aún queda algo por salvar.Y en medio de todo, una pregunta arde:
¿Quién necesita más al otro… el ídolo o quien lo idolatra?
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¿Puede una noche sellar el destino de un hombre para toda la eternidad?
En una Salamanca envuelta por la niebla del alma, Don Félix de Montemar —galán, jugador, duelista, y seductor sin escrúpulos— camina con paso seguro por las calles del pecado y el olvido. Ha conquistado a Elvira Pastrana, ha jugado con su corazón, y la ha dejado rota. Pero el amor, cuando es verdadero, no se extingue: florece o maldice. Y Elvira... no ha olvidado.
La Estudiantina es un relato poético, vibrante y estremecedor. Una adaptación contemporánea del clásico romántico de Espronceda, escrita por Amparo Romero, que mantiene la esencia trágica de la obra original y la actualiza con un lenguaje escénico potente, cinematográfico y simbólico. El espectador es arrastrado por las calles nocturnas de una ciudad dormida, por jardines en los que la locura florece, por tabernas donde la muerte apuesta con los vivos, y por cementerios donde las puertas no solo se abren… también esperan.
Narrada desde la voz grave y lírica de un Guardia Civil, esta pieza nos enfrenta con la sombra de nuestros actos, con el precio del desprecio, y con la certeza de que todo amor traicionado deja huellas… incluso más allá de la vida. Elvira no busca venganza: solo espera. Don Félix no teme al duelo, pero ignora que su verdadero enemigo no está afuera… sino en su propia conciencia.
Una obra perfecta para quienes aman la belleza del verso, el misterio de lo sobrenatural y las historias de amor que no mueren: se transforman.
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Como En Casa es una obra en tres actos que narra la vida de Ángela, una madre soltera y trabajadora del área sanitaria, y su hijo Alejandro, un joven con síndrome de Down. La historia se despliega desde una mirada profundamente humana, resaltando las injusticias sociales, la discriminación y la lucha diaria por dignidad. Ángela relata con amor y humor su experiencia criando a Alejandro en soledad tras el abandono del padre. La vida cotidiana se entrelaza con la crisis sanitaria del COVID-19, revelando las desigualdades del sistema de salud y vivienda, culminando trágicamente con la muerte de Ángela.
Tras esta pérdida, Alejandro es apoyado por la entrañable señora Edelmira y su familia, quienes contrastan con la frialdad y el desprecio de la familia materna. Alejandro se descubre como un talentoso cocinero, y con ayuda de su profesora Sandra, se embarca en un camino emprendedor. La historia cobra fuerza cuando su negocio comienza a prosperar, enfrentando un intento de estafa por parte de un primo oportunista. Gracias al apoyo de su nueva familia y amigos, Alejandro triunfa, logra justicia y expande su restaurante “Como En Casa” a nivel nacional, consolidándose como un ejemplo de inclusión, esfuerzo y esperanza.
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En un departamento cualquiera, donde el silencio pesa más que los muebles, tres hombres conviven… después de haber muerto.
No se ven en los espejos.
No pueden tocar todo.
No pueden irse.Pero pueden recordar.
“Los Cucos” es una tragicomedia inquietante y profundamente humana que nos sumerge en la vida cotidiana de tres presencias atrapadas entre el mundo de los vivos y algo que aún no comprenden. Con reglas absurdas, humor filoso y diálogos cargados de memoria, la obra transforma lo sobrenatural en algo íntimo, casi doméstico.
Caito es el más joven. Inquieto. Incómodo. Algo en él no encaja.
Ulises arrastra un amor que lo mató.
Rolo observa, entiende… y calla lo necesario.Todo fluye hasta que el cuerpo de Caito comienza a desaparecer.
No es enfermedad.
No es castigo.
Es otra cosa.Mientras la realidad se fisura, los recuerdos emergen como golpes: la violencia, los errores, los nombres mal dichos… y las vidas que se pierden por ellos.
“Los Cucos” no trata de fantasmas.
Trata de lo que queda cuando nadie dice tu nombre correcto.
De lo que pasa cuando la memoria falla.
Y del momento exacto en que alguien, en algún lugar… te recuerda como realmente fuiste.Y entonces… algo se abre.
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¿Cómo se construye una emoción verdadera en escena?
La Rueda de las Emociones es mucho más que un manual para actores: es una brújula poética y corporal para explorar la complejidad emocional del ser humano. Partiendo de las investigaciones de Paul Ekman, Susan Bloch y Robert Plutchik, este libro fusiona ciencia, filosofía y práctica teatral en una propuesta única, dirigida a quienes buscan actuar con autenticidad.
Desde la respiración hasta la mirada, desde lo visceral hasta lo simbólico, este glosario emocional guía a los artistas por un viaje donde la emoción no se finge, se encarna. A través de 6 emociones escénicas fundamentales (alegría, tristeza, ira, miedo, deseo y ternura) y su combinación en 36 estados emocionales mixtos, el lector aprenderá a nombrar, respirar y transformar sus emociones con precisión y belleza.
Con una escritura clara y apasionada, La Rueda de las Emociones ofrece ejercicios prácticos, reflexiones filosóficas y mapas emocionales que pueden usarse tanto para construir un personaje como para habitar la vida con mayor conciencia.
Un libro para quienes sienten antes de hablar. Para quienes creen que actuar no es fingir, sino decir la verdad con el cuerpo.
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¿Qué harías si un desconocido entra a tu bar una noche de tormenta y comienza a contarte todo lo que creías que nadie sabía sobre vos? ¿Y si, además, sabe lo que soñás, lo que escondés, lo que temés?
Ambrotos Bar es una obra de humor ácido, inteligente y profundamente humana. Una conversación entre dos hombres: uno aparentemente común, dueño de un bar de barrio; el otro, un enigmático visitante que parece conocer demasiado y que lentamente va quebrando todas las certezas del anfitrión. Lo que empieza como un encuentro casual, va tomando el ritmo de un duelo verbal donde se enfrentan dos visiones del mundo: la de quien quiere prolongar la vida a toda costa, y la de quien parece tener la eternidad en sus manos.
Con diálogos ágiles, sarcasmo, momentos de ternura y una atmósfera cargada de preguntas existenciales, esta pieza nos sumerge en un universo donde nada es lo que parece. Entre anécdotas, teorías delirantes y confesiones personales, el espectador se ve envuelto en una reflexión hilarante y profunda sobre el miedo a morir, el deseo de perdurar, y las ironías de la condición humana. Ideal para el público que busca reír, conmoverse y cuestionar todo lo que cree saber sobre el tiempo y la vida.
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En un modesto taller de instrumentos, el excéntrico Doctor Luther vive rodeado de herramientas, partituras y una enorme pasión por la música. Su compañero más fiel no es un ser humano, sino un serrucho que, de tanto sonar, parece tener alma. Pero lo que para algunos sería locura, para Luther es rutina… hasta que aparece “Le Trio”, el afamado conjunto musical europeo, con un insólito problema: sus instrumentos ya no obedecen.
Lo que parecía una simple reparación se convierte en un viaje profundamente musical y filosófico, donde guitarras melodramáticas, violines aristocráticos y acordeones fiesteros se niegan a tocar juntos. En esta obra ingeniosa, los instrumentos no solo hablan, ¡también opinan, protestan y sueñan!
A través del humor, el absurdo y diálogos brillantes, El Doctor Luther nos invita a repensar el sentido de la armonía: ¿pueden convivir lo popular con lo clásico? ¿Puede haber belleza en la diferencia? ¿Y si el verdadero arte fuera justamente eso: la mezcla de lo inesperado?
Ideal para público familiar, amantes del teatro de títeres, músicos, y quienes buscan una comedia entrañable con tintes filosóficos. Esta obra no solo entretiene: deja una melodía en el corazón que invita a reflexionar sobre la diversidad, la cooperación y la magia de la música compartida.
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Cuatro mujeres. Cuatro vidas entrelazadas por el paso del tiempo, los achaques de la edad y una amistad a prueba de pastillas, secretos y licor sudafricano. Bichocanasto —también conocida como La Reunión— es una obra tan desopilante como humana, que convierte una simple tarde de juego en una montaña rusa de emociones, verdades a medias y confesiones tan crudas como hilarantes.
Rene, Nidia, Amanda y Olga se reúnen en casa para tomar el té, intercambiar anécdotas, quejarse de sus nueras y recordar viejos amores. Pero lo que comienza como un encuentro cotidiano se transforma poco a poco en una tragicomedia vibrante, donde la muerte irrumpe con una ironía brutal y la vejez se vive con rabia, ternura, lucidez y mucho humor ácido.
Entre canciones de radio, jugadas de cartas inventadas, reflexiones existenciales y la embriaguez que mezcla licor con ansiolíticos, estas mujeres desafían el lugar que la sociedad les impone. No son abuelas dóciles ni viudas silenciosas: son sobrevivientes que encuentran en el delirio colectivo una forma de sostenerse ante el absurdo de lo cotidiano.
Con diálogos brillantes, humor negro y una visión aguda sobre el rol de la mujer mayor en la familia y en la cultura, Bichocanasto es una obra inolvidable que hace reír, pensar y emocionarse, todo al mismo tiempo. Ideal para ser disfrutada por públicos adultos que buscan una experiencia teatral ácida, empática y profundamente contemporánea.
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Una mujer que recuerda haber sido muchas. Una filósofa veneciana exiliada, madre, amante, guerrillera, amiga de iguanas y disidente de todos los sistemas. La iguana de Alessandra, de Ramón Griffero, es una travesía sensorial y poética por distintos territorios geográficos, históricos y emocionales.
Desde el esplendor melancólico de una Venecia asediada por la guerra, hasta los valles chilenos y los confines revolucionarios de China y Siria, esta obra nos sumerge en un viaje onírico donde el tiempo se pliega y se expande. A través de Alessandra, viajamos con los astros y las lagartijas, con los refugiados y las niñas filósofas, con amantes imposibles y guerrilleros rotos.
Griffero nos entrega una pieza de teatro político y poético donde conviven las grandes preguntas del siglo XX con el humor, el dolor, la identidad, el deseo, la familia, el género y la revolución. Cada escena es una postal de resistencia frente al olvido. Una obra coral, exuberante y radical, donde lo real se funde con lo mítico y lo íntimo con lo universal.
Ideal para montajes experimentales, con gran despliegue visual, música, danza, multiescena y voces múltiples. Un canto a la vida en medio del naufragio. Una iguana que sobrevive al fuego, a la nieve y al exilio, para recordarnos que en toda herida también germina una flor.
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¿Qué pasa cuando el amor nace donde nadie lo espera? ¿Qué hacemos con lo diferente, cuando lo diferente ama, desea y se expresa?
En una casa donde cada rincón tiene un secreto, donde el arte convive con los tarareos y las tijeras de peluquería con castillos de naipes, vive una familia disfuncional sostenida por el miedo y el sacrificio. Mirna, madre soltera y peluquera, se desvive por sus hijos mellizos: Abel, frustrado y enamorado de la joven ayudante; y David, un artista autista que ve el mundo a través de la pintura y los sonidos.
Lucia, la joven empleada que estudia sociología, será la chispa que encienda el incendio. Se acerca a David con una ternura que desarma, lo acaricia sin tocarlo, lo ama sin reglas, y lo escucha sin pedirle que cambie. Lo que para ella es humanidad, para Mirna es peligro. Lo que para Abel es traición, para David es poesía.
La Jirafa es una obra conmovedora, irónica y profundamente humana sobre la maternidad, la diferencia, la discapacidad, el deseo, y los límites del cuidado. Con diálogos agudos, escenas cargadas de tensión y una sensibilidad poco común, la obra nos obliga a preguntarnos: ¿a quién hay que proteger realmente? ¿Quién decide lo que está bien? ¿Y qué pasa cuando el más vulnerable se convierte en el más lúcido?
Un texto actual, provocador, tierno y doloroso, que nos enfrenta a nuestras propias contradicciones y prejuicios.
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santaImaginá un mundo donde los sueños no se sueñan: se fabrican. Así arranca El mejor sueño de todos los tiempos, una aventura teatral rebosante de imaginación, ternura y humor.
Nonino, un entrañable ex fabricante de sueños, nos introduce en los Estados del Sueño, un universo paralelo en donde el trabajo de soñar es cosa seria. Sus hijas, Lila y Blanca, heredan el oficio: una se encarga de los sueños bellos, la otra, de las pesadillas. Todo funciona como un perfecto engranaje... hasta que Blanca se rebela. ¿Qué pasa cuando quien fabrica pesadillas quiere empezar a soñar en colores?
Lo que sigue es una travesía fantástica. Lila, decidida a encontrar a su hermana, se lanza en una odisea que cruza distintos mundos dentro del mismo sueño. Se encontrará con una cazadora de ruidos, un portero emocional, un cazador excéntrico y elementos escurridizos como ratones rojos, tortugas mensajeras o globos que estallan sueños.
Con diálogos chispeantes, personajes inolvidables y escenas cargadas de magia, esta obra nos habla de lo invisible: de los vínculos, del valor de elegir un camino propio y de cómo construir en lugar de solo soñar. Ideal para toda la familia, mezcla poesía, comedia y ternura en partes iguales.
El mejor sueño de todos los tiempos no es solo una historia, es una experiencia sensorial que evoca lo que todos necesitamos: un buen sueño que nos despierte a lo mejor de nosotros mismos.
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"La extraordinaria aventura de Tate en la selva" es una encantadora obra de teatro infantil que mezcla humor, emoción y enseñanzas profundas. Con una narrativa ágil y llena de canciones, seguimos a Tate, una niña decidida a vivir una experiencia única, pero que, por desobedecer a sus padres, se ve atrapada en medio de la selva con su globo aerostático atorado en lo alto de un árbol.
En su camino por encontrar ayuda, Tate conocerá a sorprendentes animales: un camaleón carismático y vanidoso, un mono lleno de energía y lecciones ecológicas, un león incomprendido con un gran corazón y una jirafa maternal con un pasado doloroso. Cada uno de estos personajes no solo ofrece ayuda, sino también sabiduría sobre la importancia de la obediencia, el respeto, la empatía, el cuidado del medioambiente y la amistad.
La obra está llena de momentos hilarantes, como el mono resbalando con su propia cáscara, y otros profundamente conmovedores, como la historia del hijo perdido de la jirafa. Las canciones originales enriquecen la historia, conectando a los personajes con el público y haciendo de esta pieza un espectáculo interactivo y memorable.
Diseñada para entretener y educar, esta aventura teatral es ideal para montajes escolares, compañías de teatro infantil y actividades pedagógicas. “La extraordinaria aventura de Tate en la selva” invita a niños y adultos a reflexionar sobre nuestras acciones, el valor de la familia y la necesidad urgente de proteger nuestro planeta. Una experiencia teatral que encantará corazones y dejará una valiosa huella.
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“El tesoro del bosque de olivillo” es una emocionante y conmovedora obra de teatro infantil que nos sumerge en una aventura mágica llena de humor, crítica social y amor por la naturaleza.
Lili, una niña inquieta y generosa, entra al bosque siguiendo un mapa que promete llevarla a un tesoro escondido. Pero lo que encuentra es mucho más valioso que el oro: conoce a Kona, un excéntrico y entrañable guardián del bosque, cuya visión del mundo –alejada del egoísmo humano– lo convierte en un héroe muy especial. Juntos aprenden el valor de la amistad, el respeto al medio ambiente y la importancia de defender lo que realmente importa.
Sin embargo, no todo es alegría. La codiciosa Evelyn Angelini, una empresaria dispuesta a destruir la flora y fauna con tal de enriquecerse, amenaza con arrasar el bosque si nadie la detiene. Lo que sigue es una carrera contra el tiempo, llena de canciones, situaciones absurdamente graciosas, reflexiones profundas y momentos tiernos que conectan con el corazón del público.
Ideal para grandes y pequeños, esta obra no solo entretiene, sino que invita a reflexionar sobre el consumismo, la desconexión con la naturaleza y el poder transformador de la empatía. Un cuento ecológico moderno que termina recordándonos que el tesoro más grande no está enterrado: vive en los árboles, los animales… y en las personas que cuidan de ellos.
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En un patio trasero cualquiera, donde cuelga la ropa y se acumulan recuerdos, tres personajes se enfrentan a la noticia más devastadora: la madre ha muerto. Pero el verdadero temblor no proviene del deceso, sino de las palabras que alcanzó a pronunciar antes de partir. Palabras que derriban certezas, que ponen en duda la sangre, la identidad y los lazos más íntimos.
Mamá Muerta nos sumerge en un drama cargado de humor ácido, ternura quebrada y estallidos de dolor. Carlos, el hijo solterón que entregó su vida al cuidado de su madre, se ve obligado a escuchar que quizá nunca fue su hijo. A su lado, Susana, la hermana resentida por el favoritismo materno, lidia con la herida de no haber sido suficientemente querida. Entre ellos, Bertolucci, una joven vinculada a la funeraria, oscila entre lo profesional y lo personal, revelando su propia vulnerabilidad mientras se convierte en testigo incómodo de la intimidad familiar.
Con diálogos que pasan de la risa nerviosa al grito desgarrado, la obra desnuda lo más incómodo de las relaciones familiares: las deudas afectivas, los secretos guardados, las comparaciones hirientes. La muerte, lejos de ser un cierre, abre un abismo: ¿qué es lo que nos une realmente? ¿La sangre, los cuidados, la costumbre, o el amor?
A medio camino entre el drama social y el absurdo existencial, Mamá Muerta es un espejo oscuro que interpela al espectador sobre el peso de la familia y la fragilidad de la identidad. Un teatro intenso, provocador y conmovedor, donde lo trágico y lo grotesco se abrazan en una ceremonia imposible de olvidar.
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¿Qué harías si la NASA te eligiera para una misión espacial… siendo trabajadora social en Buenos Aires?
Asistencia Perfecta es una comedia dramática intensa, delirante y profundamente humana que nos presenta a Dalya y Sara, dos mujeres comunes que, sin esperarlo, son seleccionadas para representar a su país en una expedición al espacio. ¿La razón? Nadie la sabe con certeza, ni siquiera ellas. Pero el desafío las pone cara a cara con todo lo que han sido, lo que soñaron ser… y lo que aún no se atreven a sentir.
Con una estética minimalista y un humor cargado de ironía, la obra nos arrastra por diálogos veloces, escenas absurdas y momentos de confesión desgarradora entre vinos, globos terráqueos, pruebas de resistencia, simulacros de levante y reflexiones filosóficas sobre el conocimiento, la amistad y la sinceridad brutal.
A medio camino entre el realismo sucio y la ciencia ficción cotidiana, esta pieza teatral no sólo nos hace reír con carcajadas cómplices, sino también emocionarnos con la fragilidad de dos mujeres que se animan a soñar… y a fallar. La misión espacial se vuelve una excusa para hablar del amor, del abandono, de los cuerpos, de las heridas no cerradas y de las etiquetas sociales que cargamos como trajes espaciales demasiado ajustados.
Ideal para elencos femeninos que buscan roles potentes, actuales y cargados de humor e intensidad emocional. Un viaje interior disfrazado de viaje galáctico. ¿Estás lista para despegar?
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En una habitación donde la luz miente y los cuerpos negocian lo que el alma no puede, un joven entra buscando cura… y encuentra juicio.
“Eleya” no es una historia de prostitución. Es una cirugía sin anestesia sobre el deseo, la culpa y la violencia invisible que define quiénes podemos ser.
Ella —una mujer que juega a ser ciega— ve más que todos. Él —un joven quebrado— cree estar enfermo por sentir. Lo que comienza como un encuentro incómodo se transforma en un duelo feroz: palabras que golpean, caricias que invaden, verdades que desgarran.
Entre risas irónicas y momentos de brutal intimidad, la obra desarma los discursos heredados sobre la masculinidad, la sexualidad y la normalidad. Aquí, el amor es sospechoso, el deseo es juzgado y la identidad se construye a golpes.
Pero hay algo más oscuro latiendo: un crimen, una familia rota, una herencia que no se puede matar con una bala.
“Eleya” es un espejo incómodo. Un espacio donde lo humano se vuelve animal, donde la ternura convive con la crueldad, y donde la pregunta no es quién eres… sino cuánto estás dispuesto a destruir para encajar.
No saldrás igual.
Porque en esta obra, la verdadera enfermedad no es el deseo…
es el miedo a vivirlo. -
Tres personas suben a un ascensor.
Solo una tenía un plan.En el corazón de una empresa fría y vertical, donde el éxito se firma sin mirar y las sonrisas son parte del uniforme, un hombre invisible ha sido elegido “Empleado del Mes”… todos los meses. Sin mérito. Sin razón. Sin ser visto.
Alejo Rivademar observa. Calla. Piensa. Y espera.
Cuando el ascensor se detiene, el tiempo también lo hace. Encerrados sin señal, sin salida clara, lo que comienza como una incomodidad cotidiana se transforma en una radiografía brutal del mundo moderno: el poder heredado, la sumisión elegante, el resentimiento silencioso.
Pero Alejo no está atrapado.
Está ejecutando.
Con una calma inquietante, convierte la conversación en disección. Habla de filosofía, de teorías absurdas, del caos… y desliza una idea peligrosa: ¿y si el mundo pudiera arreglarse eliminando a unos pocos?
Romina duda. Patricio se burla.
Demasiado tarde.El aire pesa. El cuerpo cede. Las palabras se vuelven veneno antes que el veneno mismo.
“EL EMPLEADO DEL MES” no es solo una obra: es un descenso elegante hacia lo inevitable. Un thriller psicológico donde el verdadero encierro no es el ascensor… sino el sistema que lo construyó.
Y donde el más invisible…
es el más peligroso. -
En el Reino de los Claveles, donde la belleza parece eterna y el amor se celebra como ley, la joven princesa Claribel cae en un sueño profundo del que nadie logra despertarla. Lo que comienza como una tragedia inexplicable pronto revela una verdad inquietante: Claribel no está muerta… pero tampoco vive del todo.
Mientras el reino se sumerge en el silencio y la incertidumbre, su madre, la reina Ingrid, se niega a aceptar lo inevitable. Atrapada entre la esperanza y el dolor, decide enfrentarse a aquello que nadie más se atreve a nombrar: una fuerza oscura que ha cruzado los límites de la vida y la muerte.
En un mundo donde el tiempo se descompone y los recuerdos adquieren voz propia, la historia avanza entre susurros, presencias invisibles y secretos que nunca debieron despertar. El amor toma distintas formas: el amor puro que protege, el amor que resiste… y el amor que, deformado por la obsesión, es capaz de destruirlo todo.
Claribel: Tan Suave Como El Amor es una obra de fantasía dramática cargada de emoción, donde la inocencia pende de un hilo invisible y una madre desafía lo imposible para recuperar a su hija.
Porque hay vínculos que ni la muerte puede romper…
y decisiones que cambian el destino para siempre. -
Lear, el rey y su doble es una poderosa y despiadada reinvención del clásico shakespeariano, donde la decadencia del cuerpo se confunde con la ruina de un reino, y la vejez se convierte en un campo de batalla lleno de ironía, delirio y verdad. En esta versión contemporánea y visceral escrita por Flavia Radrigán, el monarca Lear se enfrenta a su propia sombra, atrapado entre la culpa, el deseo, la memoria y la senilidad.
El escenario no es un castillo de cuento, sino un salón de baile roto, saturado de humo, cenizas, basura emocional y recuerdos que hieren. El Rey baila twist, grita, vomita, se arrastra por el suelo con sus tres dedos deformes, y arrastra con él los fragmentos de un imperio familiar que ha hecho trizas. Su Bufón —a veces Kent, a veces conciencia, a veces sombra— lo acompaña en este viaje tragicómico donde cada risa lleva una herida y cada gesto revela la fragilidad de una autoridad perdida.
Una obra profunda, ferozmente poética y absolutamente humana, que reflexiona sobre la vejez, el poder, el abandono y la locura con un lenguaje crudo y lírico, lleno de humor negro y belleza desgarrada. Ideal para puestas en escena que busquen conmover, incomodar y celebrar la potencia de la palabra viva.
