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“Bodas De Sangre” – Federico García Lorca (1933.)

$3.490

En una tierra seca donde el sol quema más que el odio, una boda intenta florecer sobre un suelo empapado de muerte antigua. Bodas de sangre es la historia de un amor que no acepta jaulas, de una pasión que sobrevive al tiempo, al matrimonio y a la ley de los hombres.

Una madre marcada por la violencia sueña con continuidad, con nietos, con paz. Un hijo obediente acepta el mandato del mundo. Una novia calla, pero su sangre recuerda. Y en la sombra, un hombre a caballo escucha el llamado de lo prohibido.

La obra avanza como un latido contenido. Cada canción, cada silencio, cada objeto cotidiano —el cuchillo, el azahar, el caballo— se carga de presagio. La fiesta se convierte en ritual, el rito en amenaza. Lo que debía unir, separa. Lo que debía dar vida, conduce a la muerte.

Federico García Lorca construye aquí una tragedia donde los personajes no eligen libremente: son elegidos por su deseo. La naturaleza observa, la luna alumbra lo que la sociedad oculta, y la sangre reclama su precio.

Bodas de sangre no es solo una historia de amor imposible: es un canto oscuro sobre el instinto, el honor y la imposibilidad de escapar de lo que somos. Una obra de belleza feroz, donde la poesía corta como cuchillo.
“Bullying” – Julieta Flores (2009.)

$5.990

En un liceo chileno, siete jóvenes viven el día a día entre bromas, clases, romances y conflictos. Beatriz, una alumna brillante pero tímida y tartamuda, intenta sobrevivir en un entorno donde la diferencia es sinónimo de burla. Jonathan, un compañero de origen humilde, oscila entre la lealtad y el miedo al qué dirán, mientras Ratona, la líder del grupo, impone su poder a través del sarcasmo y la humillación. En este microcosmos adolescente, las risas esconden dolor y los silencios se vuelven cómplices. La obra desnuda el lado más cruel de la adolescencia y muestra cómo la indiferencia colectiva puede transformarse en tragedia. “Bullying” no solo refleja un conflicto escolar, sino una radiografía del Chile actual: desigual, intolerante y profundamente marcado por la falta de empatía. A través de un lenguaje cotidiano y escenas intensas, Julieta Flores invita al espectador a cuestionar su rol frente al acoso, recordando que cada palabra tiene el poder de salvar o destruir.
“Cada Cual A Su Manera” – Luigi Pirandello (1924.)

$3.490

Cada Cual a Su Manera es una joya pirandelliana donde la comedia se transforma poco a poco en un abismo de dudas. Es una obra que tendrá a tu espectador suspendido, entre la risa y el escalofrío, sin saber exactamente en qué terreno está pisando.

En el centro está Delia Morello, una mujer perseguida por su pasado, intoxicada por rumores, deseada y despreciada a la vez. No es una femme fatale clásica: es un misterio vivo, una herida que camina. La sociedad la ha convertido en un espectáculo, pero Pirandello la convierte en un espejo brutal de nuestras contradicciones.

Un joven noble, Doro Palegari, queda atrapado en la telaraña de habladurías, prejuicios y pasiones que rodean a Delia. Al tratar de entenderla —o defenderla— se descubre enfrentado a sí mismo. Sus ideas cambian como el viento, revelando las fisuras íntimas que todos preferimos ocultar. Cada palabra dicha por él, por los invitados, por su madre o por su amigo Diego, se convierte en un hilo que tira de toda la estructura moral del teatro y de la sociedad.

Pero esta no es sólo una obra sobre escándalos amorosos. Es una obra sobre algo más hondo:
la imposibilidad de saber quiénes somos realmente cuando todos opinan sobre nosotros.

La genialidad de Pirandello estalla al romper la frontera entre escena y público. La ficción invade la realidad. La realidad se cuela en la ficción. Los espectadores se convierten en personajes, y los personajes irrumpen como si fueran personas vivas, desordenándolo todo.

Cada Cual a Su Manera es una obra que fascina a quien busca teatro inteligente, audaz, inquietante y profundamente humano. Perfecta para montajes contemporáneos, donde el teatro mismo es cuestionado, reconstruido y devorado por la verdad que intenta ocultar.
“Caperucita Roja” – Perrault / Grimm (1812.)

$1.490

Una niña encantadora. Un lobo elegante. Un bosque lleno de mariposas, flores… y trampas.

Esta versión teatral de Caperucita Roja transforma el clásico cuento en una experiencia escénica mágica, divertida y profunda. Con diálogos ingeniosos, humor que cruza generaciones y escenas llenas de belleza visual, esta adaptación captura la atención tanto de los pequeños como de los adultos que los acompañan.

Mientras Caperucita baila y recolecta flores para su abuela enferma, el público es testigo —gracias a un simpático cazador vigilante— de cómo los peligros pueden esconderse detrás de una sonrisa… o de un sendero luminoso. El lobo, galante y persuasivo, no engaña con la fuerza sino con palabras dulces, y la niña, distraída por mariposas, aprende que incluso las bellezas más inocentes pueden alejarla del camino.

Con un final feliz y una escena de rescate inolvidable, esta obra es tanto una advertencia sutil como una celebración del ingenio, el humor y el poder del cuidado.

Ideal para toda la familia. Un cuento de siempre… contado como nunca.

Esta adaptación teatral de Caperucita Roja combina la crudeza del original de Perrault con el heroísmo del relato de los Hermanos Grimm, creando una puesta en escena llena de magia, humor y enseñanza. Caperucita es dulce y encantadora, pero su distracción la pone en peligro. El Lobo es elegante y persuasivo, mientras que el Cazador, siempre vigilante, representa la conciencia que observa desde las sombras. Mariposas mágicas, bosques encantados y una moraleja que se renueva hacen de esta obra un clásico reinventado para públicos de todas las edades.
“Choche Y Bachicha” – Román Vial (1870.)

$3.490

"Choche y Bachicha", escrita por Román Vial en 1870, es una deliciosa comedia costumbrista ambientada en Valparaíso que mezcla enredos amorosos, críticas sociales y un humor desbordante. En el corazón de esta obra está una cena de cumpleaños que se transforma en un caos absoluto: botellas vacías, malentendidos lingüísticos, piropos inoportunos, una criada coqueta, un italiano apasionado y un inglés que apenas entiende el castellano.

Todo comienza como una tranquila velada de celebración. Leandra y Rosa, jóvenes anfitrionas, se esmeran en preparar una cena perfecta, mientras la fiel criada Lucía se encarga de la cocina y de sus propios asuntos sentimentales. Pero la irrupción de un “incendio”, seguido por una avalancha de vecinos, bomberos, soldados y acusaciones infundadas, lo transforma todo en una hilarante tormenta de malentendidos.

Con diálogos ágiles, personajes pintorescos y situaciones absurdas, esta obra retrata con ironía la vida urbana chilena de la época, los prejuicios sociales, el racismo cotidiano y los abusos de poder. Choche y Bachicha es una pieza perfecta para el público actual: ágil, divertida y con una galería de personajes inolvidables que podrían haber salido de cualquier comedia moderna. Una joya del teatro chileno clásico que merece revivir en escena.
“Cinema Utoppía” – Ramón Griffero (1985.)

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En una vieja sala de cine que se cae a pedazos, un grupo de espectadores se aferra a la oscuridad como quien se aferra a la última trinchera. Cinema Utopía es una obra sobre quienes ya no encajan en el mundo, pero tampoco se resignan a abandonarlo.

Mientras en la pantalla se proyecta la vida de un joven exiliado que sobrevive en los márgenes de Europa, en la platea se revela otra película igual de intensa: la de seres solitarios, rotos, tiernos y peligrosamente humanos. El cine se transforma en un territorio donde los sueños aún respiran, donde la memoria insiste, donde la ficción es más verdadera que la realidad.

Ramón Griffero construye un teatro profundamente cinematográfico, poético y político, donde los personajes cruzan la frontera entre espectador y protagonista, entre recuerdo y presente, entre vida y representación. Cinema Utopía habla del amor perdido, de la violencia que marca una época, de la fragilidad de los cuerpos y de la obstinada necesidad de creer que algo —aunque sea una imagen proyectada— todavía puede salvarnos.

Una obra clave del teatro chileno contemporáneo, lúcida y conmovedora, que invita al público a mirarse en la pantalla… y reconocer lo que aún duele, lo que aún arde, lo que todavía no muere.
“Claribel” – Wilian Antonio Arias (2016.)

$3.500

En el Reino de los Claveles, donde la belleza parece eterna y el amor se celebra como ley, la joven princesa Claribel cae en un sueño profundo del que nadie logra despertarla. Lo que comienza como una tragedia inexplicable pronto revela una verdad inquietante: Claribel no está muerta… pero tampoco vive del todo.

Mientras el reino se sumerge en el silencio y la incertidumbre, su madre, la reina Ingrid, se niega a aceptar lo inevitable. Atrapada entre la esperanza y el dolor, decide enfrentarse a aquello que nadie más se atreve a nombrar: una fuerza oscura que ha cruzado los límites de la vida y la muerte.

En un mundo donde el tiempo se descompone y los recuerdos adquieren voz propia, la historia avanza entre susurros, presencias invisibles y secretos que nunca debieron despertar. El amor toma distintas formas: el amor puro que protege, el amor que resiste… y el amor que, deformado por la obsesión, es capaz de destruirlo todo.

Claribel: Tan Suave Como El Amor es una obra de fantasía dramática cargada de emoción, donde la inocencia pende de un hilo invisible y una madre desafía lo imposible para recuperar a su hija.

Porque hay vínculos que ni la muerte puede romper…
y decisiones que cambian el destino para siempre.
“Como Tú Me Deseas” – Luigi Pirandello (1930.)

$3.490

Una mujer sin nombre, sin pasado y casi sin cuerpo propio vive atrapada en una noche perpetua. Baila, bebe, provoca, huye. En Berlín la llaman Elma, pero nadie sabe realmente quién es. Ni siquiera ella. A su alrededor, los hombres se aferran a su figura como a un espejo que devuelve lo peor de sí mismos.

Cuando un fotógrafo irrumpe afirmando que esa mujer es en realidad Lucía Pieri, una esposa desaparecida durante la guerra, el mundo se resquebraja. ¿Puede una identidad regresar después de haber sido declarada muerta? ¿Puede alguien volver a ser quien fue cuando su cuerpo ha sobrevivido a lo indecible?

Pirandello construye aquí una obra ferozmente contemporánea: una mujer disputada por miradas masculinas, por documentos legales, por recuerdos ajenos. Nadie le pregunta quién quiere ser. Todos quieren decidirlo por ella. El amante la desea sin pasado; el marido la espera intacta; la sociedad exige una versión aceptable.

Entre Berlín y una villa italiana, entre la noche y la luz, Como Tú Me Deseas expone el horror de tener que “representarse” a uno mismo para poder existir. El amor se vuelve posesión, la memoria una trampa, la identidad un disfraz necesario.

No es una historia de reconocimiento, sino de fractura. No habla de volver a casa, sino de descubrir que ya no existe. Y en ese vacío, Pirandello coloca una pregunta que sigue ardiendo hoy:
¿Quién tiene derecho a decirnos quiénes somos?
“Détox” – Leandro Marcos González (2023.)

$5.990

En un rincón olvidado del mundo —un bar cualquiera— dos hombres se encuentran.
Uno cree haberlo sido todo.
El otro cree no haber sido nada.

Entre un batido verde y una hoja en blanco, lo absurdo comienza a filtrarse: conversaciones incómodas, risas fuera de lugar, verdades que se escapan sin permiso. Él dice ser famoso. El otro, su fan. Pero algo no encaja.

¿Qué pasa cuando la fama se convierte en un eco?
¿Qué queda cuando el aplauso se apaga?

“DÉTOX” es una tragicomedia afilada, íntima y feroz que desarma la idea de éxito, identidad y reconocimiento. A través de un diálogo brillante, cargado de ironía y humanidad, la obra revela el lado más crudo de quienes viven bajo la mirada ajena… y de quienes necesitan mirar.

Lo que comienza como una situación ridícula —un hombre que no encuentra el baño— se transforma en un duelo emocional donde las máscaras caen una a una.

Aquí no hay héroes.
No hay villanos.
Solo dos hombres intentando recordar quiénes fueron… y si aún queda algo por salvar.

Y en medio de todo, una pregunta arde:

¿Quién necesita más al otro… el ídolo o quien lo idolatra?
“Dialogo Entre El Amor Y Un Viejo” – Fernando De Rojas (1511.)

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En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.

El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.

Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?

Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.
“Dignidad Y Orgullo” – Román Vial (1872.)

$3.490

¿Qué sucede cuando el amor desafía las reglas más estrictas del orgullo social?

Dignidad y Orgullo es una comedia dramática ambientada en el Chile aristocrático del siglo XIX, donde la pasión juvenil se enfrenta al peso de los prejuicios familiares. Celia, una joven inteligente y soñadora, se enamora del hombre menos esperado: Eduardo, un joven médico brillante pero sin fortuna. Su madre, la inflexible Susana, hará todo lo posible para impedir esta unión, aferrándose a una visión elitista del mundo y de las relaciones.

Con personajes entrañables como el bondadoso Don Diego —un cura lleno de sentido común y humanidad— y el leal sirviente Fermín, esta obra despliega con agudeza y humor una crítica a las apariencias sociales, el clasismo, y las contradicciones morales de una clase dominante que teme perder el control.

Pero todo cambia cuando el secreto mejor guardado del pasado de Susana sale a la luz. ¿Podrá el amor vencer al orgullo? ¿Qué ocurre cuando los que se creían dueños del destino de otros, deben rendir cuentas al suyo?

Con diálogos afilados, emociones intensas y una dosis de ternura, esta obra sigue siendo una joya de la dramaturgia chilena decimonónica. Una historia sobre la redención, la dignidad verdadera, y la lucha de una joven por decidir su propio destino.
“Doña Rosita, La Soltera O El Lenguaje De Las Flores” – Federico Garcia Lorca (1935.)

$3.490

Rosita espera.
Y mientras espera, el mundo envejece.

En una casa-jardín de Granada, rodeada de flores que hablan en símbolos secretos, una joven vive sostenida por una promesa de amor. Él se ha ido lejos, al otro lado del océano, pero ha jurado volver. Rosita cree. Espera. Bordea su vida alrededor de ese juramento.

Doña Rosita la soltera es la crónica poética de una espera interminable. Federico García Lorca construye una tragedia sin sangre ni gritos, donde el verdadero verdugo es el tiempo. A través de escenas llenas de música, canciones, conversaciones cotidianas y un exquisito simbolismo floral, la obra muestra cómo la juventud se marchita lentamente bajo el peso de una ilusión sostenida por años.

La casa se transforma, los vestidos cambian de moda, los personajes envejecen. Granada avanza hacia la modernidad. Rosita permanece. Cada carta es una esperanza, cada silencio una herida. La sociedad observa, juzga y murmura, mientras ella sigue creyendo que amar es esperar.

Lorca no escribe una historia de amor convencional, sino una denuncia profunda: la de las mujeres condenadas a la pasividad, al sacrificio silencioso, a vivir para una promesa ajena. Rosita no muere, pero algo en ella se apaga para siempre.

Una obra delicada y cruel, luminosa y devastadora, donde las flores dicen lo que las palabras no se atreven a pronunciar.
“Dulces 16” – Enzo Ferrari (2013.)

$5.490

En la noche de su cumpleaños número dieciséis, Úrsula prepara una pequeña celebración en casa junto al hombre que la crió: Leopoldo Martínez, famoso locutor radial conocido en todo Chile como “La Voz de la Verdad”. Carismático, exitoso, admirado por miles, Leo parece el padre perfecto. Pero tras las sonrisas, los regalos y la torta de cumpleaños, algo oscuro se esconde entre ambos.

Lo que comienza como una velada íntima y aparentemente inocente pronto se transforma en un peligroso juego psicológico donde cada palabra pesa, cada mirada oculta una intención y cada copa acerca más a los personajes al abismo. Mientras el whisky corre y las máscaras comienzan a caer, viejas heridas resurgen, secretos enterrados emergen a la superficie y una verdad insoportable amenaza con destruirlo todo.

Úrsula ya no es una niña. Esta noche ha decidido enfrentar el pasado, arrancar las vendas de antiguas cicatrices y obligar a Leo a mirar de frente aquello de lo que ha escapado durante años. Pero cuando el amor, la culpa, la obsesión y la venganza chocan bajo un mismo techo, la celebración se convierte en una pesadilla de la que nadie saldrá ileso.

“Dulces 16” es un intenso thriller teatral cargado de tensión, manipulación emocional y giros devastadores, donde la línea entre víctima y victimario se vuelve difusa, y donde las verdades más dolorosas no siempre son las que se dicen… sino las que se callan.

Una obra oscura, provocadora y profundamente humana sobre la culpa, el trauma, la obsesión y los monstruos que nacen cuando el amor se mezcla con el dolor.

e mezcla con el dolor.
“Edipo En Colono“ – Sófocles (401 A.C.)

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En "Edipo en Colono", la tragedia de Sófocles, el ex-rey de Tebas, Edipo, busca refugio en la ciudad de Colono después de haber sido desterrado por sus crímenes involuntarios. A medida que avanza la trama, Edipo, ciego y marcado por su trágico destino, enfrenta el dolor de su pasado mientras intenta encontrar un lugar donde morir en paz. En esta nueva ciudad, se encuentra con la figura de Antígona, su fiel hija, quien le ofrece consuelo y apoyo en sus momentos de desesperación. La obra aborda temas profundos como el destino, la identidad y la redención, explorando la lucha interna de Edipo entre su culpabilidad y su deseo de absolución. En su encuentro con los habitantes de Colono y su protector, el dios, se despliega un drama emocional que revela las complejidades de la naturaleza humana y el sufrimiento que conlleva la búsqueda de la verdad. La atmósfera se vuelve cada vez más tensa a medida que Edipo confronta las sombras de su pasado y la realidad de su sufrimiento, culminando en un poderoso mensaje sobre la resiliencia y el deseo de redención. Esta obra maestra no solo es un testimonio del destino, sino también una reflexión sobre la condición humana.
“Edipo, El Tirano“ – Sófocles (429 A.C.)

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Imagina una ciudad en ruinas, azotada por una peste implacable, cuyo destino depende de una verdad enterrada en el pasado. En el corazón de Tebas, el sabio y valiente Edipo, célebre por haber salvado a la ciudad del enigma de la Esfinge, se enfrenta a su mayor desafío: descubrir quién asesinó al rey Layo. Pero lo que empieza como una cruzada por la justicia se convierte en un descenso vertiginoso hacia lo más oscuro del alma humana.

Edipo, el Tirano es una de las tragedias más intensas y perfectas del teatro universal. Con ritmo implacable, Sófocles teje una historia donde la búsqueda de la verdad se transforma en una trampa mortal. Las profecías, el orgullo, el amor y la culpa se entrelazan hasta un final desgarrador.

Una obra que te hará reflexionar sobre los límites del conocimiento y el poder devastador del destino. Ideal para quienes buscan emociones profundas, tensión dramática y personajes inolvidables. Cada escena es un golpe certero al alma.
“El Alma Buena De Se-Chuan” – Bertolt Brecht (1943.)

$5.490

En una ciudad donde la pobreza se respira como polvo, tres dioses bajan a la Tierra buscando una prueba desesperada: una persona verdaderamente buena. La encuentran en una mujer sola, frágil y valiente, que vive al margen y aun así abre su puerta cuando nadie más lo hace.

Ese gesto cambia su destino… y lo complica todo.

Gracias a una recompensa inesperada, la mujer intenta rehacer su vida con honestidad. Sueña con ayudar, con compartir, con ser justa. Pero en un mundo hambriento, la bondad es un imán: todos se acercan, todos reclaman, todos exigen. Muy pronto, aquello que parecía una oportunidad se transforma en una trampa moral.

Para no desaparecer, la mujer se ve obligada a inventar una segunda piel: una figura dura, pragmática, sin compasión, capaz de decir no donde ella solo sabe decir sí. Entre ambas identidades se abre un abismo. Cada decisión pesa. Cada gesto tiene consecuencias.

Bertolt Brecht construye una fábula moderna, irónica y feroz, donde la pregunta no es si la bondad existe, sino si puede sobrevivir. La obra avanza como un juicio silencioso al espectador, sin moralejas fáciles ni consuelos.

“El alma buena de Se-Chuan” no ofrece respuestas tranquilizadoras. Ofrece algo más incómodo: un espejo.
Y en ese reflejo, la pregunta es inevitable: ¿qué haríamos nosotros para seguir vivos sin dejar de ser humanos?
“El Almuerzo Infectado” – Enzo Ferrari (2013.)

$5.490

En un comedor donde nada parece salirse del guion, cinco personajes numerados viven la rutina de un almuerzo estructurado al extremo. Un libro —el "Manual de Comportamiento"— se convierte en la nueva biblia del grupo, dictando cada gesto, cada palabra, cada masticada. Pero ¿qué pasa cuando una simple pregunta sobre Dios rompe con el protocolo y desata el caos? ¿Qué ocurre cuando uno de los comensales decide salirse del molde, quitarse la ropa, pintarse de azul y bailar?

El Almuerzo Infectado es una comedia absurda cargada de sátira y metáfora, que desafía las normas establecidas con humor ácido y escenas delirantes. A través de personajes sin nombre, la obra retrata con crudeza lo que implica vivir bajo reglas impuestas, temer al castigo y ceder al adoctrinamiento disfrazado de cortesía.

Un manual, un plato de comida, una campanita, una servidumbre cuestionadora y el sótano: elementos que se mezclan para construir una obra incómoda, irreverente y lúcida. Perfecta para montajes provocadores, escuelas teatrales o espacios alternativos, esta obra invita a preguntarse: ¿es más peligroso cuestionar o obedecer?

Ideal para 5 intérpretes, esta pieza es un espejo absurdo del orden social y una fiesta para actores que buscan personajes cargados de contraste, subtexto y juego escénico.
“El Avaro” – Molière (1668.)

$0

El avaro es una de las más brillantes y mordaces comedias de Molière, donde el protagonista, Harpagón, se convierte en un símbolo eterno de la codicia llevada al extremo. Esta obra, escrita en el siglo XVII, conserva una vigencia sorprendente al retratar con humor y aguda ironía cómo el dinero puede distorsionar los afectos, la lógica y la convivencia familiar.

La acción gira en torno a los amores secretos de dos jóvenes que deben enfrentar al más temido de los enemigos: un padre que ama más sus monedas que a sus propios hijos. Con personajes encantadores, como la intrépida Frosina, el leal criado Flecha o el gentil Valerio, la historia avanza entre enredos matrimoniales, dobles identidades y malentendidos hilarantes.

El ritmo ágil de los diálogos y las situaciones absurdas provocan carcajadas, mientras que las críticas a la hipocresía social y al culto por el dinero hacen de esta obra una comedia reflexiva y actual. Es ideal para montajes teatrales con alto dinamismo y sátira social, y para lectores que disfruten del teatro con carácter, gracia y profundidad.
“El Buen Médico” – Carlo Goldoni (1761.)

$3.000

En una ciudad donde los médicos discuten en latín más por apariencia que por ciencia, una joven noble ha caído víctima de una extraña dolencia: cambia de humor en segundos, no come, no duerme, y ni el vino ni la sopa logran animarla. Su padre, un hombre desesperado, recurre a todo tipo de doctores: desde el que receta agua del pozo como medicina milagrosa, hasta el que cobra un duro por cada cuarto de hora de visita, sin siquiera haber visto a la paciente.

Pero detrás del diagnóstico más alocado se esconde una verdad profunda: a veces el cuerpo no enferma por falta de medicina, sino por exceso de emociones. El Buen Médico es una comedia brillante de Carlo Goldoni que se ríe con inteligencia del mundo de la medicina, de los diagnósticos rimbombantes, y de los padres que quieren controlar el destino de sus hijas.

¿Puede un corazón enamorado fingir la muerte si no es correspondido? ¿Cuántos latines y pócimas hacen falta para sanar un alma herida? Goldoni responde con humor, sátira y mucha humanidad en esta deliciosa pieza teatral que hace reflexionar mientras hace reír.

Ideal para montajes que busquen un humor fino, con crítica social y personajes memorables. ¡Una joya del teatro clásico que sigue vigente hasta hoy!
“El Burgués Gentil Hombre” – Molière (1670.)

$0

¿Puede el dinero comprar la nobleza? En esta desopilante comedia de Molière, seguimos la historia de Monsieur Jourdain, un burgués millonario que sueña con ser noble… y está dispuesto a todo para lograrlo, incluso hacer el ridículo. En su afán, contrata maestros que lo llenan de frases cultas y pasos de baile, se viste con ropas estrafalarias y hasta aprende a pronunciar la letra “U” con elegancia. Lo que no sabe es que todos, desde el conde Dorante hasta el sastre, lo están utilizando.

El Burgués Gentil Hombre es una sátira brillante sobre la hipocresía social, la obsesión por el estatus y el poder de la apariencia. Una obra cómica que no pierde vigencia: el deseo de pertenecer a una clase superior, el miedo al ridículo, el amor enfrentado a las convenciones, todo se entrecruza en una historia llena de humor y picardía.

Ideal para públicos que disfrutan del teatro con crítica social y carcajadas inteligentes, esta obra ofrece múltiples niveles de lectura: desde la comedia más burlesca hasta una reflexión mordaz sobre la sociedad y sus ídolos falsos.