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“Sebastopol (Desert Times.)” – Ramon Griffero (1997.)

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En medio del desierto más árido del mundo, donde la vida parece un error, se levanta Sebastopol: una ciudad creada por el hombre… y sostenida por el sufrimiento.

Allí, bajo un sol que no perdona, conviven dos realidades que nunca se tocan realmente. Arriba, la élite extranjera celebra el progreso: té, música, discursos de civilización. Abajo, los obreros se consumen entre vapor, polvo y hambre, soñando con un futuro que parece imposible.

Luis llega desde el sur con esperanza. Cree que podrá trabajar, ahorrar, volver. Pero la pampa no devuelve nada. Solo transforma.

Mary Jo, en cambio, parece no pertenecer a ningún tiempo. Habla de ciudades que aún no existen, de televisores, de un futuro que nadie más ve. Dice que no se llama así. Dice que está atrapada.

Entre ellos nace algo frágil: una conexión que desafía el tiempo, el sistema… y la cordura.

Mientras tanto, la tensión crece. Los obreros comienzan a organizarse. Exigen lo básico: dignidad, justicia, humanidad. Pero en Sebastopol, pedir es un acto peligroso.

El sistema no dialoga. Castiga.

La pampa escucha todo. El viento arrastra voces. El pasado se mezcla con el futuro.

Y cuando la violencia llega, no deja espacio para la duda: aquí el progreso tiene un precio… y alguien siempre paga.

Sebastopol es un viaje al corazón de la explotación, pero también al origen de la rebeldía. Una obra donde el tiempo se rompe, el amor es incierto… y la memoria nunca se extingue.
“Seis Personajes En Busca De Autor” – Luigi Pirandello (1925.)

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Una compañía teatral se prepara para ensayar. El escenario está en calma, hasta que aparecen… ellos. Seis figuras vestidas de luto, con la mirada cargada de algo que no pertenece al teatro ni a la vida cotidiana. No vienen a actuar. Vienen a exigir que su historia sea contada.

“Somos más reales que ustedes”, aseguran. Traen consigo una tragedia que no pidió permiso para existir: un padre atormentado por un momento de debilidad, una hijastra que ansía su revancha, una madre hecha de dolor silencioso, un hijo tan frío como distante, y dos niños cuya presencia apenas alcanza a pronunciarse antes de convertirse en destino. No hay guion. No hay autor. Solo urgencia viva.

El Director y los actores, incrédulos, aceptan escucharlos… y el teatro deja de ser ficción para convertirse en campo de batalla entre lo representado y lo vivido. ¿Puede el escenario contener la verdad desnuda? ¿Qué ocurre cuando los personajes exigen que su sufrimiento no se actúe, sino que se reviva?

Pirandello rompe las reglas: la obra sucede mientras la obra intenta suceder. No hay límites. Solo una pregunta que reverbera en cada espectador: ¿Somos el papel que creemos representar o el personaje que intentamos ocultar?

Un drama feroz, inteligente y profundamente humano. Una obra maestra que sacude la conciencia y revela la fragilidad de toda máscara. El teatro, después de verla, nunca vuelve a ser el mismo.
“Señorita Julia” – August Strindberg (1889.)

$3.490

La Señorita Julia es uno de los retratos más intensos y provocadores de la modernidad teatral. Estrenada en 1889 y considerada la obra maestra de August Strindberg, se desarrolla durante la mágica noche de San Juan, donde los límites sociales parecen desdibujarse bajo el influjo de la fiesta, la música y el deseo.

Julia, joven aristócrata de espíritu turbulento, se siente atrapada entre las imposiciones de su linaje y el peso de su educación contradictoria. En medio de una crisis sentimental, decide desafiar las normas bailando con los criados. Su encuentro con Juan, el criado de su padre, despierta una atracción peligrosa que oscila entre la seducción y la confrontación. Juan, resentido por su origen humilde pero hábil para manipular, ve en Julia tanto una oportunidad de ascenso como un campo de batalla donde medir fuerzas.

Cristina, la cocinera y testigo silenciosa, encarna la estabilidad práctica y resignada frente a los juegos de poder y deseo que dominan a los otros dos.

En este duelo íntimo y claustrofóbico, Strindberg desnuda las contradicciones de la sociedad de su tiempo: la lucha de clases, la emancipación femenina, la sexualidad reprimida y el choque entre instinto y moral. Con un lenguaje crudo y escenas cargadas de tensión erótica y violencia verbal, La Señorita Julia cuestiona las jerarquías sociales y los roles de género con una fuerza que aún hoy sacude al espectador.

Un clásico imprescindible, intenso y perturbador, que expone la fragilidad del poder cuando se enfrenta al deseo.
“Sexy Boom” – Luis Rivano (1987.)

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En el interior de un teatro venido a menos, mientras se ensaya una nueva revista musical, Sexy Boom desnuda —con humor feroz y humanidad cruda— la trastienda del espectáculo chileno de los años ochenta.

Tres bailarinas y su coreógrafo sobreviven entre lentejuelas, música nostálgica y órdenes gritadas. Ensayan, se provocan, se confiesan y se hieren. Aquí el camarín es ring, confesionario y trinchera. El cuerpo es herramienta de trabajo, moneda de cambio y campo de batalla. El arte, una excusa frágil para no hundirse.

Lalo, el coreógrafo, sueña con el reconocimiento que nunca llegó. Se burla del sistema mientras lo obedece. Las bailarinas cargan historias de hambre, abuso, ambición y deseo de dignidad. Fabiola exige respeto; Rebeca se aferra al pasado glorioso; Soledad, la más joven, comienza a entender que la injusticia no se resuelve sola.

Entre números musicales, discusiones violentas y risas obscenas, emerge una pregunta incómoda:
¿hasta dónde se puede ceder para seguir trabajando?

Sexy Boom es una comedia amarga, una sátira social y un retrato feroz del poder, la precariedad y la resistencia femenina. Una obra que hace reír mientras aprieta la garganta. El espectáculo continúa, sí… pero el precio es alto.
“Sobre El Daño Que Hace El Tabaco” – Anton Chejov (1886.)

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Un hombre común sube a un escenario con la misión de dictar una conferencia “científica” sobre los efectos nocivos del tabaco. El público lo observa con expectación, pero lo que comienza como una charla torpe pronto se transforma en una confesión desgarradora.
Iván Ivánovich Niujin, obligado por su autoritaria esposa, revela sin quererlo la tragedia de su propia vida: treinta y tres años de matrimonio infeliz, siete hijas que no pueden casarse, la pobreza moral de un hogar sin amor y la asfixia de quien ha perdido toda dignidad.
Entre guiños nerviosos, divagaciones absurdas y un humor involuntario que hace reír y doler al mismo tiempo, Niujin intenta mantener la compostura, pero cada frase lo hunde más en la verdad que pretende ocultar: la de un hombre vencido.
Cuando finalmente arremete contra su vieja levita —símbolo de su prisión doméstica— y sueña con escapar hacia la luna, Chéjov nos regala uno de los momentos más intensos y humanos del teatro universal.
“Sobre el daño que hace el tabaco” es una joya del monólogo contemporáneo: sencilla en apariencia, profunda en su psicología, y capaz de llevar al actor a una travesía entre la risa y el llanto.
Ideal para intérpretes que buscan un texto de lucimiento técnico y emocional, esta obra es una invitación a desnudar el alma en escena.
“Te Llamabas Rosicler” – Luis Rivano (1976.)

$5.490

En una vieja casona de Santiago, mientras suena un tango gastado por la repetición, conviven personajes que se resisten a desaparecer.

Una ex vedette que no acepta el final de su carrera.
Un jubilado municipal que ama con una fidelidad desesperada.
Una mujer de clase alta acorralada por la ruina.
Un poeta joven que cree que el arte aún puede salvarlo todo.
Un vigilante obsesionado con el orden.
Y un amante que huye antes de enfrentar la verdad.

Te llamabas Rosicler es una comedia amarga, profundamente humana, donde el humor convive con la crueldad y la ternura con la humillación. Luis Rivano retrata una sociedad en tránsito, donde los sueños de grandeza chocan contra la precariedad cotidiana, y donde el pasado pesa más que el futuro.

La obra se despliega entre discusiones feroces, momentos de delirio poético y escenas de una lucidez brutal. El tango no es solo música: es memoria, es identidad, es una forma de resistir al olvido. Cada personaje lucha por no ser expulsado del escenario de la vida, aunque el mundo —y la ciudad— ya no los necesite.

Una pieza coral, intensa y tragicómica, que habla de la caída de los ídolos, del amor como refugio y condena, y de un país que comienza a borrar sus propias casas para construir algo nuevo… sin saber muy bien qué.
“Tio Vania” – Anton Chejov (1898.)

$3.490

En una apartada hacienda rusa, el tiempo parece haberse detenido entre tazas de té, cuentas de la finca y silencios pesados. Allí viven Sonia, trabajadora e invisible, y su tío Vania, un hombre consumido por el desencanto de haber entregado su vida a un ideal que se desmorona. La llegada del profesor Serebriakov —padre de Sonia y cuñado de Vania— junto a su joven esposa Elena, lo altera todo.
Lo que parecía rutina se convierte en un hervidero de emociones: el amor secreto de Vania por Elena, la pasión silenciosa de Sonia por el doctor Astrov, y el tedio de una mujer joven atrapada en un matrimonio con un anciano enfermo. En este cruce de miradas y confesiones, brota lo más humano: deseo, celos, frustración, rencor y sueños incumplidos.
Astrov, médico idealista y agotado, habla con fervor de salvar bosques y del futuro de la humanidad, pero en su vida íntima también se asoman la soledad y la desesperanza. Entre conversaciones sobre la vejez, la belleza, la fidelidad y el sinsentido de existir, los personajes se confrontan a la certeza de haber malgastado sus vidas.
Tío Vania no es un drama de grandes gestas, sino de pequeñas derrotas, donde lo no dicho pesa más que las palabras y donde el anhelo de amor y reconocimiento se estrella contra la realidad. Una obra conmovedora y profundamente actual que revela, con ironía y ternura, cómo el tiempo nos escapa mientras buscamos la felicidad en lugares imposibles.
“Trecientos Millones” – Roberto Arlt (1932.)

$3.490

Una sirvienta no duerme. Mientras la ciudad respira de noche, ella imagina. Y al imaginar, crea mundos.

Trescientos millones es la historia de una mujer pobre que, sin moverse de su cuarto, viaja más lejos que nadie. Un héroe de novela le anuncia una herencia fabulosa. Con ese dinero imaginario compra amor, estatus, viajes, poder. Se convierte en señora sin dejar de ser criada. Manda sin dejar de obedecer. Ama sin ser amada.

Los personajes que la rodean no son personas: son fantasmas del deseo. Un galán cansado de seducir, un capitán ceremonial, amigas elegantes, una muerte burlona. Todos dependen de su imaginación. Todos empiezan a sentir miedo.

Porque soñar no es inocente.

Arlt construye una obra donde la fantasía no es escape sino trampa. El dinero no redime. El amor romántico no salva. El ascenso social es una máscara que se cae sola.

Con humor cruel, erotismo incómodo y una ternura devastadora, la obra muestra cómo una mujer sin nada puede ser, por un instante, dueña de todo… y cómo ese todo puede resultar insoportable.

Trescientos millones no habla de riqueza: habla del hambre.
No habla de locura: habla de lucidez.
No habla de sueños: habla del precio de soñar cuando el mundo no te deja vivir.
“Tres Hermanas” – Anton Chejov (1901.)

$3.490

“Las tres hermanas” de Antón Chéjov es un drama conmovedor que explora la vida de Olga, Mascha e Irina, atrapadas en una pequeña ciudad provinciana tras haber crecido en Moscú. Con una mezcla única de melancolía y lucidez, la obra revela cómo los grandes anhelos pueden ahogarse en la rutina y cómo, aun así, el ser humano insiste en soñar.

El hogar de los Prózorov se convierte en un microcosmos de ilusiones rotas, pasiones reprimidas y discursos brillantes sobre el futuro. Mientras Olga carga con el sacrificio docente, Mascha se debate entre un matrimonio sin amor y un amor imposible, e Irina busca en el trabajo la dignidad perdida. A su alrededor orbitan figuras que intensifican el conflicto: el soñador barón Tusenbach, el cínico Solionii, el entrañable doctor Chebutikin, el idealista Verschinin y el mediocre Andrei, cuyo matrimonio con Natascha desintegra la unidad familiar.

Chéjov combina situaciones cotidianas con reflexiones filosóficas: ¿tiene la vida un sentido en el presente o solo en un futuro distante? El espectador presencia cenas, charlas y silencios que, más que grandes giros, muestran el peso de lo no dicho y la inexorable decadencia del tiempo.

Sin ofrecer finales felices, la obra cautiva por su humanidad: personajes que aman, sueñan y fracasan, pero que nunca dejan de esperar. Un clásico del teatro universal que emociona por su vigencia: la incapacidad de encontrar plenitud en lo inmediato y la obstinada esperanza en un mañana mejor.
“Tus Deseos En Fragmentos” – Ramon Griffero (2003.)

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Un cuerpo habla. Pero no es uno.
Son muchos. Son todos.

TUS DESEOS EN FRAGMENTOS no cuenta una historia: la desarma.

Un hombre —o lo que queda de él— recorre su mente como si fuera un museo en ruinas. Salas abiertas, recuerdos sin orden, amantes que se confunden, cuerpos que se buscan y se pierden antes de tocarse realmente.

Aquí el amor no es promesa: es intento.
El deseo no es plenitud: es urgencia.
La identidad no es fija: es un reflejo que cambia según quién mira.

Entre encuentros sexuales fugaces, fantasías no cumplidas, violencia íntima y memorias que sangran, emergen preguntas incómodas:
¿A quién amamos realmente?
¿A quién imaginamos?
¿Quiénes somos cuando nadie nos ve?

Las escenas se cruzan como sueños: un chat erótico, una despedida que nunca ocurre, un viaje que no fue, un cuerpo que cae, una historia que se repite. Todo sucede al mismo tiempo. Todo se rompe.

Y en el fondo… una certeza silenciosa:
la vida no se vive completa… se vive en fragmentos.

Una obra cruda, poética y brutalmente contemporánea que convierte el escenario en un espejo incómodo donde el espectador no observa… se reconoce.
“Un Actor Se Prepara” – Konstantin Stanislavsky (1936.)

$6.990

¿Qué ocurre cuando un actor sube al escenario y, aun esforzándose, siente que todo es falso?
Un actor se prepara responde a esa pregunta con una lucidez brutal.

A través del viaje íntimo de un estudiante enfrentado a sus propias limitaciones, Stanislavski abre el laboratorio secreto del teatro: ensayos fallidos, nervios, miedo al público, euforia momentánea, caídas estrepitosas. Nada se idealiza. Aquí el arte nace del error.

El libro nos sumerge en el proceso invisible del actor: cómo una emoción auténtica puede surgir… y desaparecer si se la fuerza; cómo el cuerpo traiciona cuando no está entrenado; cómo el deseo de agradar al público destruye la verdad escénica. Cada lección revela que actuar no es “mostrar”, sino vivir bajo circunstancias imaginarias con absoluta sinceridad.

Stanislavski desnuda los vicios del teatro: el cliché heredado, la exageración vacía, la emoción fingida, el actor que se mira a sí mismo en lugar de mirar al otro. Frente a ello, propone un camino exigente pero fértil: trabajo consciente para liberar lo inconsciente.

Este no es un manual rápido ni complaciente. Es una iniciación.
Un llamado a la humildad, a la observación profunda de la vida, al dominio del cuerpo y la voz, al respeto por el personaje y por el espectador.

Leer Un actor se prepara es aceptar que el arte verdadero incomoda, exige y transforma.
Y que el escenario no tolera la mentira.
“Un Gásfiter En Sociedad” – Luis Rivano (1977.)

$5.490

En un departamento elegante, lleno de libros, música clásica y discursos refinados, irrumpe un hombre que huele a calle, a grasa y a vida real. Un gásfiter en sociedad es una comedia afilada como cuchillo que desnuda las tensiones de clase, cultura y poder en el Chile urbano de los años setenta… tensiones que siguen respirando hoy.

Angélica Luz, académica brillante y mujer emancipada, decide educar al maestro que llegó a arreglar su baño. Cree que el arte puede redimirlo, elevarlo, transformarlo. Él, Onofre, acepta el juego: aprende, escucha, lee… pero nunca deja de ser quien es. Observa, se burla, absorbe y devuelve la cultura filtrada por su experiencia popular, desmontando sin pedir permiso la solemnidad intelectual.

Entre ambos aparece Carlos, el exmarido: bancario, clasista, inseguro, símbolo del “caballero” que defiende la tradición sin comprenderla. Su presencia vuelve el experimento peligroso, revelando que la lucha no es solo cultural, sino también sexual, económica y simbólica.

Rivano construye una obra hilarante y cruel, donde el lenguaje es un campo de batalla y el humor un arma política. Nadie queda limpio. Nadie es héroe. La cultura se muestra como lo que muchas veces es: un privilegio que se disfraza de generosidad.

Una obra profundamente chilena, incómoda, divertida y ferozmente lúcida, que pone al espectador frente a una pregunta sin respuesta fácil:
¿Quién educa a quién… y para qué?
“Una Cárcel De Arrugas” – Enzo Ferrari (2014.)

$5.490

Una cárcel de arrugas es una obra conmovedora y delirante que nos recuerda que nunca es tarde para amar, desear, equivocarse... o reírse hasta las lágrimas.

En un comedor cualquiera, Norma y Ernesto—una pareja de ancianos que lleva cuatro décadas juntos—conversan sobre lo que fue y lo que aún podría ser. Ella quiere reír, bailar, amar. Él quiere leer el diario en paz. Pero cuando aparece un misionero mormón (o eso cree él), todo se trastoca: secretos salen a la luz, el tabaco resulta no ser tan tabaco, y la represión sexual de los personajes se libera entre risas, verdades incómodas y un desbordante deseo de vivir.

Lo que comienza como una discusión marital cotidiana, se transforma en una explosión hilarante de ternura, confesiones y enredos absurdos, que terminan por enfrentar a los protagonistas con sus propios prejuicios, sus miedos a envejecer, y la más profunda necesidad de afecto.

Una comedia delirante y mordaz que hace reír, conmueve y estremece. Ideal para públicos que disfrutan de los diálogos filosos, la ironía social, el humor generacional y las historias que mezclan la carcajada con la melancolía.
“Una Votación Popular – Roman Vial (1869.)

$3.490

"Una votación popular" es una mordaz y divertida comedia política escrita por Román Vial en 1869, cuya vigencia sorprende hasta hoy. Ambientada en una encrucijada de Valparaíso durante una agitada jornada electoral, la obra nos sumerge en un mundo donde los ideales chocan con la realidad cruda del clientelismo, el soborno y la ambición disfrazada de patriotismo.

El comandante Carrión, férreo defensor del gobierno, dirige una campaña desesperada por asegurar votos, mientras su subalterno, el honesto sargento Beltrán, intenta mantenerse fiel a sus principios. Entre ellos circula el entrañable y contradictorio Poblete, un cabo pícaro, borracho y manipulable, que representa al ciudadano común arrastrado por las promesas vacías y los "condoritos" (monedas de oro) de la política.

Con diálogos vivaces, humor popular y situaciones hilarantes que no escatiman en ironía, la obra expone el frágil equilibrio entre deber cívico y conveniencia personal. A través de una sola escena continua, con gran dinámica y múltiples personajes cruzando el escenario, se construye una sátira aguda sobre el Chile decimonónico que, sin perder la risa, desnuda las grietas de su democracia incipiente.

Ideal para montajes que buscan entretener y reflexionar, "Una votación popular" ofrece un espejo en clave de farsa sobre nuestras prácticas políticas y el eterno dilema entre la conciencia y el bolsillo.
“Uno Nunca Sabe” – Bernard Shaw (1897.)

$3.490

En un balneario de Devon, una familia peculiar sacude la rutina de un joven dentista sin experiencia. Los gemelos Philip y Dolly, de humor chispeante, arrastran al Dr. Valentine a su casa, donde lo esperan su madre —una feminista intelectual— y su hermana mayor, Gloria, tan altiva como atractiva. Valentine, desprevenido, se enamora a primera vista de Gloria, iniciando un juego de ingenio, orgullo y deseo.

La comedia da un giro inesperado cuando aparece Crampton, un severo caballero de 57 años, propietario de la pensión… y padre ausente de los Clandon. Tras años de silencio, los hijos se enfrentan a un dilema doloroso: ¿deben aceptar la figura del padre que su madre borró de sus vidas?

Entre discusiones jurídicas, cenas incómodas y confesiones sentimentales, Shaw despliega su arte: diálogos rápidos, sátira sobre el matrimonio, el rol de la mujer y la hipocresía social. El camarero Walter, con ecuanimidad socrática, observa y sentencia con un “uno nunca sabe” que da título a la obra: nada es seguro en los vínculos humanos.

Sin resolver completamente el conflicto —porque la vida nunca lo hace—, la pieza deja al espectador entre risas y reflexiones: ¿son posibles el amor y la familia en un mundo dividido entre tradición y modernidad?
“Van Gogh Suicidado Por La Sociedad” – Antonin Artaud (1947.)

$3.490

Van Gogh no se mató.
Fue matado.

Eso afirma Antonin Artaud en este texto incendiario escrito poco después de salir del encierro psiquiátrico. Aquí no hay biografía ordenada ni análisis académico: hay un grito. Un ajuste de cuentas. Una acusación sin anestesia contra la sociedad moderna.

Para Artaud, Van Gogh no estaba loco. Estaba demasiado lúcido. Veía lo que los demás no podían soportar ver. Su pintura no embellecía el mundo: lo desnudaba, lo hacía convulsionar, lo obligaba a mostrar su podredumbre y su belleza a la vez. Cada pincelada era una amenaza contra el orden establecido.

La psiquiatría, la moral burguesa, la familia, la cultura oficial: todos aparecen como fuerzas de contención, como guardianes de una normalidad enferma. El doctor que debía cuidarlo, según Artaud, fue uno de sus verdugos. No lo golpeó, no lo encerró a la fuerza: le apagó el pensamiento, lo obligó a pintar para no pensar, a producir para no revelarse.

Este texto convierte a Van Gogh en algo más que un pintor: lo vuelve un campo de batalla entre cuerpo, espíritu y sociedad. Su muerte no es un acto privado, sino un ritual colectivo, una ejecución limpia, aceptada, casi invisible.

Leer esta obra es entrar en una zona peligrosa: allí donde el arte deja de ser decoración y se vuelve una fuerza que quema.
Una obra incómoda, feroz, necesaria.
Un manifiesto para todos los que alguna vez fueron llamados “locos” por negarse a obedecer.
“Vestir Al Desnudo” – Luigi Pirandello (1922.)

$3.490

Ersilia Drei regresa a Roma convertida en una sombra: despedida, abandonada y cargando una culpa que no le pertenece. Su intento fallido de suicidio estremece la ciudad y sacude la rutina de varios hombres que, sin quererlo, quedan atrapados en su tragedia. Un periodista transforma su historia en noticia; un cónsul teme por su reputación; un antiguo amante recupera la cordura demasiado tarde; y un escritor, seducido por la belleza de su desamparo, decide “salvarla” para convertirla en el alma de su nueva novela.

Pero Ersilia, aún rota, no está segura de quién es realmente:
¿la víctima que todos observan?
¿la mujer que intenta recomenzar?
¿la protagonista de una historia ajena?

Entre culpas, amenazas, confesiones y verdades contradictorias, Vestir al Desnudo expone el juego cruel entre la vida privada y la imagen pública, entre el deseo de ser amada y el miedo de ser usada. Pirandello construye una obra intensa, íntima y humana, donde cada personaje intenta “vestir” a Ersilia con una versión distinta de sí misma.

Una tragicomedia emocional, íntima, vertiginosa: una mujer que busca existir más allá de las heridas que otros le escribieron.
“VI AI PI” – Enzo Ferrari (2015.)

$5.490

Una cena. Un ídolo. Una familia al borde del colapso.

En una casa común y corriente, tres mujeres se preparan para recibir al artista más famoso de Chile: Rorostar. La madre, una ex reina del pop barrial venida a menos, está convencida de que esta es su gran noche. La hija, entre vodka con hielo y preguntas existenciales, solo quiere una respuesta: ¿quién es su verdadero padre? La nana, Clarita, la única que guarda silencio, lleva años viendo cómo se desmorona la historia oficial.

Pero esta no es una obra sobre una estrella. Es una obra sobre lo que construimos para sobrevivir a la ausencia.

VI AI PI es una comedia negra delirante, deslenguada, absurda y ferozmente chilena. Una crítica descarnada a los ídolos vacíos, a la familia como institución poéticamente disfuncional, y al fanatismo como escape emocional. La obra transita entre lo doméstico y lo grotesco, entre el melodrama y la farsa, entre la ternura y el vómito emocional.

Cuando finalmente llega el supuesto Rorostar, lo que debía ser una cena mágica se transforma en una escena que nadie olvidará. Una madre que no sabe amar si no es a través del espectáculo. Una hija que busca identidad entre la basura pop. Y una nana que ama en silencio desde el rincón de la historia.

VI AI PI no es una obra. Es un exorcismo con luces de neón. Un ritual donde se canta, se ríe y se derrumba lo que parecía seguro
“Violeta” – Cristian Figueroa Acevedo (2014.)

$5.490

En medio de un escenario abandonado, entre luces rotas, música de circo y ecos de aplausos muertos, una mujer irrumpe como una herida abierta frente al mundo.

“Violeta” no es una biografía.
Es una explosión.

Inspirada en la figura inmortal de Violeta Parra, esta obra nos arrastra por un viaje visceral hacia el corazón de una mujer indomable: cantora, madre, amante, poeta, revolucionaria… y bestia herida.

Aquí no hay homenaje limpio ni retrato decoroso.
Hay carne, rabia, sudor, música y sangre.

Atrapada dentro de un grotesco espectáculo donde todos intentan convertirla en producto, reliquia o monstruo de exhibición, Violeta lucha contra quienes buscan domesticar su arte, callar su voz o embellecer su miseria. Frente a productores, amantes, críticos, patriotas y oportunistas, ella responde con guitarra en mano y el alma hecha cuchillo.

La obra recorre sus pasiones, sus pérdidas, sus amores devastadores, su maternidad, su lucha política y su obsesiva necesidad de crear belleza desde el dolor. Cada escena se transforma en poema, canción, protesta o delirio mientras la protagonista se hunde cada vez más en la contradicción de ser admirada por todos… pero verdaderamente comprendida por nadie.

“Violeta” es una experiencia teatral intensa, feroz y profundamente latinoamericana que retrata el precio de vivir con demasiada pasión en un mundo que castiga a quienes sienten demasiado.

Una obra sobre el arte, el dolor, la libertad y la inmortalidad de quienes nacieron demasiado grandes para este mundo.
“Yerma” – Federico Garcia Lorca (1934.)

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Yerma vive rodeada de vida… excepto en su propio cuerpo. En una tierra donde el agua corre, los animales paren y las mujeres se llenan de hijos, ella permanece seca, ardiendo por dentro. Casada con Juan, un hombre correcto pero sin fuego, Yerma descubre que el matrimonio puede ser una tumba silenciosa cuando no hay deseo compartido.

Cada escena profundiza su angustia. Las canciones populares, las lavanderas, las vecinas, incluso los niños que no son suyos, le recuerdan lo que no tiene. La sociedad no la acompaña: la vigila, la juzga, la empuja al silencio. Para todos, la esterilidad es culpa; para Yerma, es condena.

Víctor aparece como una sombra luminosa: representa la vida que no eligió, el temblor que nunca pudo habitar. Pero Yerma no traiciona su honra. Su lucha no es por placer, sino por sentido.

Cuando la razón ya no basta, Yerma recurre a lo ancestral, a la palabra antigua, al rito. No por ignorancia, sino porque el mundo moderno y moralista la ha dejado sin respuestas.

Yerma no es una historia sobre maternidad frustrada. Es una tragedia sobre el choque entre deseo vital y estructura social, entre cuerpo y norma, entre lo que arde y lo que se reprime. Una mujer empujada al límite, obligada a mirar de frente la verdad más insoportable: que hay destinos que se secan no por falta de amor, sino por falta de libertad.
Lorca elabora estas tragedias basándose en una conjugación de mito, poesía y sustancia real, tratando de retratar a una mujer a su vez oprimida y segura de sí misma.