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“El Imbécil” – Luigi Pirandello (1927.)

$3.490

En una ciudad que se cree el centro del universo, un joven moribundo entra en escena como quien cruza un umbral invisible. Luca Fazio no grita, no milita, no discute: observa. Y al observar, revela. En el despacho sucio de un periódico político, los hombres vociferan consignas, celebran la violencia, opinan sobre la muerte ajena como si fuera una columna editorial más. Todo parece normal. Todo está podrido.

Luca viene de Roma. Viene de la enfermedad. Viene del límite. No busca compasión ni redención. Busca coherencia. Mientras los otros hablan de patria, de honor y de enemigos, él recuerda que el cuerpo duele, que el aire falta, que la vida se agota. Y que cuando uno está cansado de vivir, no debería ser usado como herramienta por los que aún juegan a la política.

La obra se convierte entonces en un duelo asimétrico: no entre dos ideologías, sino entre la retórica vacía y la verdad desnuda. Luca enfrenta a Paroni sin discursos grandilocuentes, sin proclamas. Lo enfrenta con lógica, con ironía, con una calma aterradora. El poder cambia de manos sin un solo disparo.

Pirandello construye aquí una tragedia seca, casi quirúrgica, donde la violencia mayor no es física sino moral. Nadie queda a salvo: ni el político, ni el periodista, ni el espectador. Porque la pregunta final no es quién tiene razón, sino quién se atreve a mirar su propia miseria sin convertirla en bandera.
“El Hombre, La Bestia Y La Virtud” – Luigi Pirandello (1919.)

$3.490

Una mujer virtuosa, un profesor apasionado y un marido animal son los vértices de esta tragicomedia feroz sobre la hipocresía de la moral.
La señora Perella, símbolo del pudor y la obediencia, esconde un secreto: está embarazada de su profesor de latín, el nervioso y brillante Paolino. Su marido, un capitán brutal y ausente, lleva años negándole el lecho conyugal. El regreso repentino del capitán desata el pánico.
Paolino, atrapado entre el amor y la desesperación, idea un plan absurdo y genial: hacer que el capitán vuelva a “cumplir sus deberes” conyugales para cubrir la falta de su esposa. Con la ayuda de un médico y un farmacéutico, manipula a todos en una cadena de mentiras que se enreda con comicidad y tensión.
Entre risas y crueldades, Pirandello desnuda una sociedad que finge virtud mientras se pudre de deseo.
El público asiste a una danza de apariencias donde la virtud debe disfrazarse de pecado para sobrevivir, el pecado de virtud para justificarse y el hombre racional se ve obligado a despertar la bestia para salvar el honor.
“El Hombre Que Compraba Y Vendía Cosas” – Luis Rivano (1994.)

$5.490

Una familia se muda a la casa de sus sueños.
Pero algo no entra con ellos.

Un hombre que lo consiguió todo… menos paz.
Una mujer que perdió más de lo que ganó.
Un hijo que no cree en el sacrificio.
Una hija que aún quiere creer.

Entre cajas, recuerdos y muebles nuevos, se desata una batalla invisible:
la del origen contra la ambición, la memoria contra el progreso.

Él construyó su mundo desde la nada—recogiendo lo que otros desechan, viendo valor donde nadie lo ve.
Pero ahora que tiene dinero, espacio, status… descubre que lo más difícil no es subir.

Es sostenerse sin romperlo todo.

Con humor ácido, lenguaje directo y una crudeza profundamente chilena, esta obra revela el precio del ascenso social:
la familia se convierte en campo de batalla,
el amor en reproche,
y el éxito… en una forma silenciosa de soledad.

Porque no basta con cambiar de casa.
Hay cosas que no se mudan.

Y otras… que nunca te sueltan.
“El Hombre De La Flor En la Boca” – Luigi Pirandello (1923.)

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En la quietud inquietante de una noche cualquiera, cuando el mundo parece suspender su respiración, dos desconocidos coinciden en un pequeño café que nunca cierra. Uno llega por azar: perdió un tren por culpa de demasiados paquetes. El otro llega por necesidad: perdió la posibilidad de huir de sí mismo.
Así comienza El hombre de la flor en la boca, una obra esencial del genio pirandelliano donde la vida y la muerte se sientan a conversar, disfrazadas de simple charla nocturna.

Un hombre aparentemente pacífico se encuentra súbitamente atrapado en el torbellino verbal de un desconocido que observa el mundo con un ardor casi feroz. Ese hombre —tan lúcido que duele— se aferra a la vida ajena como quien intenta beber del último manantial antes del desierto. Admira detalles insignificantes: paquetes, envoltorios, cintas, gestos cotidianos. Cada nimiedad posee para él una vibración intensa, como si cada momento fuese el borde de un abismo.

La obra nos arrastra al interior de ese pensamiento desesperado, poético y punzante, revelando la conciencia de alguien que sabe que su tiempo es breve.
Fuera de escena, pero siempre presente, una mujer —su mujer— es apenas una sombra que vigila desde lejos, símbolo de un amor que se aferra, que sufre, que no sabe cómo despedirse.

En este duelo íntimo, Pirandello desnuda la paradoja humana: solo cuando la muerte nos roza, la vida parece arder con una nitidez insoportable.
El hombre de la flor en la boca es una invitación a observar lo diminuto con la intensidad de quien comprende que cada segundo importa. Es una obra breve pero infinita, capaz de quedarse prendida en la memoria como aquella “flor” que anuncia el final, pero también ilumina todo el camino previo.
“El Empleado Del Mes” – Leandro Marcos González (2016.)

$4.490

Tres personas suben a un ascensor.
Solo una tenía un plan.

En el corazón de una empresa fría y vertical, donde el éxito se firma sin mirar y las sonrisas son parte del uniforme, un hombre invisible ha sido elegido “Empleado del Mes”… todos los meses. Sin mérito. Sin razón. Sin ser visto.

Alejo Rivademar observa. Calla. Piensa. Y espera.

Cuando el ascensor se detiene, el tiempo también lo hace. Encerrados sin señal, sin salida clara, lo que comienza como una incomodidad cotidiana se transforma en una radiografía brutal del mundo moderno: el poder heredado, la sumisión elegante, el resentimiento silencioso.

Pero Alejo no está atrapado.

Está ejecutando.

Con una calma inquietante, convierte la conversación en disección. Habla de filosofía, de teorías absurdas, del caos… y desliza una idea peligrosa: ¿y si el mundo pudiera arreglarse eliminando a unos pocos?

Romina duda. Patricio se burla.
Demasiado tarde.

El aire pesa. El cuerpo cede. Las palabras se vuelven veneno antes que el veneno mismo.

“EL EMPLEADO DEL MES” no es solo una obra: es un descenso elegante hacia lo inevitable. Un thriller psicológico donde el verdadero encierro no es el ascensor… sino el sistema que lo construyó.

Y donde el más invisible…
es el más peligroso.
“El Doctor Luther” – Leandro Marcos González (2020.)

$3.490

En un modesto taller de instrumentos, el excéntrico Doctor Luther vive rodeado de herramientas, partituras y una enorme pasión por la música. Su compañero más fiel no es un ser humano, sino un serrucho que, de tanto sonar, parece tener alma. Pero lo que para algunos sería locura, para Luther es rutina… hasta que aparece “Le Trio”, el afamado conjunto musical europeo, con un insólito problema: sus instrumentos ya no obedecen.

Lo que parecía una simple reparación se convierte en un viaje profundamente musical y filosófico, donde guitarras melodramáticas, violines aristocráticos y acordeones fiesteros se niegan a tocar juntos. En esta obra ingeniosa, los instrumentos no solo hablan, ¡también opinan, protestan y sueñan!

A través del humor, el absurdo y diálogos brillantes, El Doctor Luther nos invita a repensar el sentido de la armonía: ¿pueden convivir lo popular con lo clásico? ¿Puede haber belleza en la diferencia? ¿Y si el verdadero arte fuera justamente eso: la mezcla de lo inesperado?

Ideal para público familiar, amantes del teatro de títeres, músicos, y quienes buscan una comedia entrañable con tintes filosóficos. Esta obra no solo entretiene: deja una melodía en el corazón que invita a reflexionar sobre la diversidad, la cooperación y la magia de la música compartida.
“El Descanso De Las Velas” – Flavia Radrigán (2011.)

$5.490

Cuatro cuerpos. Una casa. Y un pasado que no se apaga… solo arde más lento.

El descanso de las velas nos arrastra a un espacio donde la memoria no es recuerdo: es condena. Dos hermanas, dos hermanos, unidos por la sangre, el deseo y una red de secretos que nunca debieron sobrevivir.

Aquí nadie está sano. Nadie está libre.

Amelia enciende velas como quien invoca algo que ya no responde. Sofía vive encerrada, pero su verdadera prisión es el deseo que no logra saciar. Eduardo evita, esquiva, se deshace en excusas mientras el cuerpo lo traiciona. Roberto carga con la guerra, con la muerte, con una idea de amor que no alcanza.

Las relaciones se cruzan, se contaminan, se rompen: infidelidades, juegos de poder, provocaciones sexuales, dependencia emocional. Pero lo que realmente habita en esta casa no es el escándalo… es el vacío.

Un vacío que viene de lejos.

Infancias violentadas. Cuerpos usados. Lenguas obligadas a callar. Historias que nadie quiso escuchar y que ahora regresan deformadas, convertidas en ritual, en juego, en locura.

Cada escena es un fragmento de algo mayor: una verdad imposible de mirar de frente.

Y mientras preparan una cena familiar —como si la normalidad fuera posible— la tensión crece, el lenguaje se quiebra y los límites desaparecen.

Porque en esta casa no se conversa:
se sobrevive.
se repite.
se devora.

Una obra cruda, incómoda y profundamente humana que expone lo que ocurre cuando el dolor no encuentra salida.

Las velas no iluminan.
Las velas observan.
“El Cíclope“ – Eurípides (408 A.C.)

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"El Cíclope" es una obra satírica de Eurípides, basada en el famoso episodio de la Odisea de Homero, donde Ulises y sus hombres son capturados por el Cíclope Polifemo en su cueva. En la obra, Ulises, conocido por su astucia, debe ingeniárselas para escapar del monstruo caníbal que desprecia a los dioses y las costumbres humanas. Con humor y sagacidad, Ulises emborracha al Cíclope y, junto con sus hombres, lo ciega con una estaca ardiente, logrando finalmente escapar. Aunque el tema es serio, Eurípides lo transforma en una sátira, mezclando el drama con elementos cómicos, como la aparición de Sileno y un coro de sátiros, lo que da un tono irónico y juguetón a la narrativa.
“El Castigo Sin Venganza” – Lope De Vega (1631.)

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Una tragedia vibrante de pasiones desbordadas, poder absoluto y secretos que arden en silencio.

Castigo sin venganza es una de las obras más audaces de Lope de Vega. Ambientada en la corte de Ferrara, nos introduce en un mundo donde las apariencias lo son todo y el honor pesa más que la vida misma. Allí, el poderoso conde Don Fernando contrae matrimonio con la joven y noble Cásandra, sin imaginar que el verdadero drama no vendrá de sus enemigos, sino desde el corazón de su propia casa.

Cásandra, atrapada en un matrimonio por conveniencia, comienza a experimentar una pasión tan inesperada como peligrosa: el hijo del conde, Federico, es tan gallardo como prohibido. ¿Puede el deseo resistirse cuando la virtud se convierte en una prisión? ¿Hasta dónde puede llegar la justicia para encubrir la deshonra?

Con una prosa ágil y poética, Lope de Vega construye una historia que atrapa desde el primer momento y que nos confronta con los dilemas morales más profundos: ¿quién merece el castigo? ¿Qué es peor: el crimen o el silencio que lo rodea?

Castigo sin venganza no es solo una obra de época: es una tragedia moderna sobre los peligros del poder, el peso del honor y la imposibilidad del amor cuando las reglas las dicta el miedo. Ideal para lectores que buscan emociones intensas, conflictos éticos y un final que deja sin aliento.
“El Burgués Gentil Hombre” – Molière (1670.)

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¿Puede el dinero comprar la nobleza? En esta desopilante comedia de Molière, seguimos la historia de Monsieur Jourdain, un burgués millonario que sueña con ser noble… y está dispuesto a todo para lograrlo, incluso hacer el ridículo. En su afán, contrata maestros que lo llenan de frases cultas y pasos de baile, se viste con ropas estrafalarias y hasta aprende a pronunciar la letra “U” con elegancia. Lo que no sabe es que todos, desde el conde Dorante hasta el sastre, lo están utilizando.

El Burgués Gentil Hombre es una sátira brillante sobre la hipocresía social, la obsesión por el estatus y el poder de la apariencia. Una obra cómica que no pierde vigencia: el deseo de pertenecer a una clase superior, el miedo al ridículo, el amor enfrentado a las convenciones, todo se entrecruza en una historia llena de humor y picardía.

Ideal para públicos que disfrutan del teatro con crítica social y carcajadas inteligentes, esta obra ofrece múltiples niveles de lectura: desde la comedia más burlesca hasta una reflexión mordaz sobre la sociedad y sus ídolos falsos.
“El Buen Médico” – Carlo Goldoni (1761.)

$3.000

En una ciudad donde los médicos discuten en latín más por apariencia que por ciencia, una joven noble ha caído víctima de una extraña dolencia: cambia de humor en segundos, no come, no duerme, y ni el vino ni la sopa logran animarla. Su padre, un hombre desesperado, recurre a todo tipo de doctores: desde el que receta agua del pozo como medicina milagrosa, hasta el que cobra un duro por cada cuarto de hora de visita, sin siquiera haber visto a la paciente.

Pero detrás del diagnóstico más alocado se esconde una verdad profunda: a veces el cuerpo no enferma por falta de medicina, sino por exceso de emociones. El Buen Médico es una comedia brillante de Carlo Goldoni que se ríe con inteligencia del mundo de la medicina, de los diagnósticos rimbombantes, y de los padres que quieren controlar el destino de sus hijas.

¿Puede un corazón enamorado fingir la muerte si no es correspondido? ¿Cuántos latines y pócimas hacen falta para sanar un alma herida? Goldoni responde con humor, sátira y mucha humanidad en esta deliciosa pieza teatral que hace reflexionar mientras hace reír.

Ideal para montajes que busquen un humor fino, con crítica social y personajes memorables. ¡Una joya del teatro clásico que sigue vigente hasta hoy!
“El Avaro” – Molière (1668.)

$1.490

El avaro es una de las más brillantes y mordaces comedias de Molière, donde el protagonista, Harpagón, se convierte en un símbolo eterno de la codicia llevada al extremo. Esta obra, escrita en el siglo XVII, conserva una vigencia sorprendente al retratar con humor y aguda ironía cómo el dinero puede distorsionar los afectos, la lógica y la convivencia familiar.

La acción gira en torno a los amores secretos de dos jóvenes que deben enfrentar al más temido de los enemigos: un padre que ama más sus monedas que a sus propios hijos. Con personajes encantadores, como la intrépida Frosina, el leal criado Flecha o el gentil Valerio, la historia avanza entre enredos matrimoniales, dobles identidades y malentendidos hilarantes.

El ritmo ágil de los diálogos y las situaciones absurdas provocan carcajadas, mientras que las críticas a la hipocresía social y al culto por el dinero hacen de esta obra una comedia reflexiva y actual. Es ideal para montajes teatrales con alto dinamismo y sátira social, y para lectores que disfruten del teatro con carácter, gracia y profundidad.
“El Almuerzo Infectado” – Enzo Ferrari (2013.)

$5.490

En un comedor donde nada parece salirse del guion, cinco personajes numerados viven la rutina de un almuerzo estructurado al extremo. Un libro —el "Manual de Comportamiento"— se convierte en la nueva biblia del grupo, dictando cada gesto, cada palabra, cada masticada. Pero ¿qué pasa cuando una simple pregunta sobre Dios rompe con el protocolo y desata el caos? ¿Qué ocurre cuando uno de los comensales decide salirse del molde, quitarse la ropa, pintarse de azul y bailar?

El Almuerzo Infectado es una comedia absurda cargada de sátira y metáfora, que desafía las normas establecidas con humor ácido y escenas delirantes. A través de personajes sin nombre, la obra retrata con crudeza lo que implica vivir bajo reglas impuestas, temer al castigo y ceder al adoctrinamiento disfrazado de cortesía.

Un manual, un plato de comida, una campanita, una servidumbre cuestionadora y el sótano: elementos que se mezclan para construir una obra incómoda, irreverente y lúcida. Perfecta para montajes provocadores, escuelas teatrales o espacios alternativos, esta obra invita a preguntarse: ¿es más peligroso cuestionar o obedecer?

Ideal para 5 intérpretes, esta pieza es un espejo absurdo del orden social y una fiesta para actores que buscan personajes cargados de contraste, subtexto y juego escénico.
“El Alma Buena De Se-Chuan” – Bertolt Brecht (1943.)

$5.490

En una ciudad donde la pobreza se respira como polvo, tres dioses bajan a la Tierra buscando una prueba desesperada: una persona verdaderamente buena. La encuentran en una mujer sola, frágil y valiente, que vive al margen y aun así abre su puerta cuando nadie más lo hace.

Ese gesto cambia su destino… y lo complica todo.

Gracias a una recompensa inesperada, la mujer intenta rehacer su vida con honestidad. Sueña con ayudar, con compartir, con ser justa. Pero en un mundo hambriento, la bondad es un imán: todos se acercan, todos reclaman, todos exigen. Muy pronto, aquello que parecía una oportunidad se transforma en una trampa moral.

Para no desaparecer, la mujer se ve obligada a inventar una segunda piel: una figura dura, pragmática, sin compasión, capaz de decir no donde ella solo sabe decir sí. Entre ambas identidades se abre un abismo. Cada decisión pesa. Cada gesto tiene consecuencias.

Bertolt Brecht construye una fábula moderna, irónica y feroz, donde la pregunta no es si la bondad existe, sino si puede sobrevivir. La obra avanza como un juicio silencioso al espectador, sin moralejas fáciles ni consuelos.

“El alma buena de Se-Chuan” no ofrece respuestas tranquilizadoras. Ofrece algo más incómodo: un espejo.
Y en ese reflejo, la pregunta es inevitable: ¿qué haríamos nosotros para seguir vivos sin dejar de ser humanos?
“Edipo, El Tirano“ – Sófocles (429 A.C.)

$1.490

Imagina una ciudad en ruinas, azotada por una peste implacable, cuyo destino depende de una verdad enterrada en el pasado. En el corazón de Tebas, el sabio y valiente Edipo, célebre por haber salvado a la ciudad del enigma de la Esfinge, se enfrenta a su mayor desafío: descubrir quién asesinó al rey Layo. Pero lo que empieza como una cruzada por la justicia se convierte en un descenso vertiginoso hacia lo más oscuro del alma humana.

Edipo, el Tirano es una de las tragedias más intensas y perfectas del teatro universal. Con ritmo implacable, Sófocles teje una historia donde la búsqueda de la verdad se transforma en una trampa mortal. Las profecías, el orgullo, el amor y la culpa se entrelazan hasta un final desgarrador.

Una obra que te hará reflexionar sobre los límites del conocimiento y el poder devastador del destino. Ideal para quienes buscan emociones profundas, tensión dramática y personajes inolvidables. Cada escena es un golpe certero al alma.
“Edipo En Colono“ – Sófocles (401 A.C.)

$1.490

En "Edipo en Colono", la tragedia de Sófocles, el ex-rey de Tebas, Edipo, busca refugio en la ciudad de Colono después de haber sido desterrado por sus crímenes involuntarios. A medida que avanza la trama, Edipo, ciego y marcado por su trágico destino, enfrenta el dolor de su pasado mientras intenta encontrar un lugar donde morir en paz. En esta nueva ciudad, se encuentra con la figura de Antígona, su fiel hija, quien le ofrece consuelo y apoyo en sus momentos de desesperación. La obra aborda temas profundos como el destino, la identidad y la redención, explorando la lucha interna de Edipo entre su culpabilidad y su deseo de absolución. En su encuentro con los habitantes de Colono y su protector, el dios, se despliega un drama emocional que revela las complejidades de la naturaleza humana y el sufrimiento que conlleva la búsqueda de la verdad. La atmósfera se vuelve cada vez más tensa a medida que Edipo confronta las sombras de su pasado y la realidad de su sufrimiento, culminando en un poderoso mensaje sobre la resiliencia y el deseo de redención. Esta obra maestra no solo es un testimonio del destino, sino también una reflexión sobre la condición humana.
“Dulces 16” – Enzo Ferrari (2013.)

$5.490

En la noche de su cumpleaños número dieciséis, Úrsula prepara una pequeña celebración en casa junto al hombre que la crió: Leopoldo Martínez, famoso locutor radial conocido en todo Chile como “La Voz de la Verdad”. Carismático, exitoso, admirado por miles, Leo parece el padre perfecto. Pero tras las sonrisas, los regalos y la torta de cumpleaños, algo oscuro se esconde entre ambos.

Lo que comienza como una velada íntima y aparentemente inocente pronto se transforma en un peligroso juego psicológico donde cada palabra pesa, cada mirada oculta una intención y cada copa acerca más a los personajes al abismo. Mientras el whisky corre y las máscaras comienzan a caer, viejas heridas resurgen, secretos enterrados emergen a la superficie y una verdad insoportable amenaza con destruirlo todo.

Úrsula ya no es una niña. Esta noche ha decidido enfrentar el pasado, arrancar las vendas de antiguas cicatrices y obligar a Leo a mirar de frente aquello de lo que ha escapado durante años. Pero cuando el amor, la culpa, la obsesión y la venganza chocan bajo un mismo techo, la celebración se convierte en una pesadilla de la que nadie saldrá ileso.

“Dulces 16” es un intenso thriller teatral cargado de tensión, manipulación emocional y giros devastadores, donde la línea entre víctima y victimario se vuelve difusa, y donde las verdades más dolorosas no siempre son las que se dicen… sino las que se callan.

Una obra oscura, provocadora y profundamente humana sobre la culpa, el trauma, la obsesión y los monstruos que nacen cuando el amor se mezcla con el dolor.

e mezcla con el dolor.
“Doña Rosita, La Soltera O El Lenguaje De Las Flores” – Federico Garcia Lorca (1935.)

$3.490

Rosita espera.
Y mientras espera, el mundo envejece.

En una casa-jardín de Granada, rodeada de flores que hablan en símbolos secretos, una joven vive sostenida por una promesa de amor. Él se ha ido lejos, al otro lado del océano, pero ha jurado volver. Rosita cree. Espera. Bordea su vida alrededor de ese juramento.

Doña Rosita la soltera es la crónica poética de una espera interminable. Federico García Lorca construye una tragedia sin sangre ni gritos, donde el verdadero verdugo es el tiempo. A través de escenas llenas de música, canciones, conversaciones cotidianas y un exquisito simbolismo floral, la obra muestra cómo la juventud se marchita lentamente bajo el peso de una ilusión sostenida por años.

La casa se transforma, los vestidos cambian de moda, los personajes envejecen. Granada avanza hacia la modernidad. Rosita permanece. Cada carta es una esperanza, cada silencio una herida. La sociedad observa, juzga y murmura, mientras ella sigue creyendo que amar es esperar.

Lorca no escribe una historia de amor convencional, sino una denuncia profunda: la de las mujeres condenadas a la pasividad, al sacrificio silencioso, a vivir para una promesa ajena. Rosita no muere, pero algo en ella se apaga para siempre.

Una obra delicada y cruel, luminosa y devastadora, donde las flores dicen lo que las palabras no se atreven a pronunciar.
“Dignidad Y Orgullo” – Román Vial (1872.)

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¿Qué sucede cuando el amor desafía las reglas más estrictas del orgullo social?

Dignidad y Orgullo es una comedia dramática ambientada en el Chile aristocrático del siglo XIX, donde la pasión juvenil se enfrenta al peso de los prejuicios familiares. Celia, una joven inteligente y soñadora, se enamora del hombre menos esperado: Eduardo, un joven médico brillante pero sin fortuna. Su madre, la inflexible Susana, hará todo lo posible para impedir esta unión, aferrándose a una visión elitista del mundo y de las relaciones.

Con personajes entrañables como el bondadoso Don Diego —un cura lleno de sentido común y humanidad— y el leal sirviente Fermín, esta obra despliega con agudeza y humor una crítica a las apariencias sociales, el clasismo, y las contradicciones morales de una clase dominante que teme perder el control.

Pero todo cambia cuando el secreto mejor guardado del pasado de Susana sale a la luz. ¿Podrá el amor vencer al orgullo? ¿Qué ocurre cuando los que se creían dueños del destino de otros, deben rendir cuentas al suyo?

Con diálogos afilados, emociones intensas y una dosis de ternura, esta obra sigue siendo una joya de la dramaturgia chilena decimonónica. Una historia sobre la redención, la dignidad verdadera, y la lucha de una joven por decidir su propio destino.
“Dialogo Entre El Amor Y Un Viejo” – Fernando De Rojas (1511.)

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En un jardín metafórico donde antes florecían las pasiones, ahora crecen sólo las espinas de la memoria. En Diálogo entre el Amor y un Viejo, Rodrigo de Cota nos presenta una feroz y deslumbrante batalla verbal entre dos personajes universales: un anciano, desgastado por el tiempo y la experiencia, y la encarnación del Amor, astuto y seductor, que no se resigna a dejarlo en paz.

El Viejo, irónico y cáustico, ha cerrado para siempre las puertas de su corazón. Acusa al Amor de ser ladrón de la juventud, sembrador de celos, dolores y locura. Pero Amor, tan insistente como encantador, despliega todas sus armas: dulces promesas, memorias de gozos pasados y un catálogo casi mágico de placeres que, según él, aún pueden revivir.

Con diálogos cargados de poesía, humor y profundidad filosófica, esta obra breve pero intensa nos enfrenta a una pregunta eterna: ¿puede el deseo sobrevivir a la vejez? ¿Es ridículo el amor en los cuerpos marchitos o es precisamente allí donde el Amor más se regocija en su crueldad?

Esta pieza, a medio camino entre la comedia moral y la tragedia burlesca, nos deja una amarga sonrisa. El Viejo, finalmente vencido, se entrega a la pasión... sólo para descubrir que su castigo será amar lo inalcanzable. Una joya del teatro medieval español que sigue interpelando, con mordacidad y belleza, a todos los tiempos.