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“Río Abajo” – Ramon Griffero (1995.)

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Un edificio. Un río. Y vidas que se deslizan lentamente hacia el abismo.

“Río Abajo” no es solo una obra: es una herida abierta. Un retrato crudo, poético y brutal de una generación atrapada entre la memoria, la pobreza y el deseo de escapar.

Aquí no hay héroes. Hay sobrevivientes.

Waldo observa el mundo desde la orilla del río, como si entendiera algo que los demás no. Lorena sueña con amor mientras carga un pasado que la persigue en silencio. Marcia arde en la necesidad de ser vista, de ser elegida, de no desaparecer. Cristián busca ternura en un entorno que castiga la diferencia.

Y mientras tanto, el edificio late: cuerpos que se cruzan, noches que se confunden, música que anestesia… hasta que la violencia se vuelve inevitable.

El narcotráfico seduce, la marginalidad aprieta, los vínculos se rompen. Cada personaje toma decisiones que parecen pequeñas… pero que los empujan, sin darse cuenta, hacia un destino común.

“Río Abajo” es una experiencia sensorial y emocional: un montaje coral donde lo íntimo y lo político se funden. Una obra donde el pasado no está muerto, y el futuro… ya está ocurriendo.

Porque algunos ríos no llevan agua.

Llevan vidas.
“Sebastopol (Desert Times.)” – Ramon Griffero (1997.)

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En medio del desierto más árido del mundo, donde la vida parece un error, se levanta Sebastopol: una ciudad creada por el hombre… y sostenida por el sufrimiento.

Allí, bajo un sol que no perdona, conviven dos realidades que nunca se tocan realmente. Arriba, la élite extranjera celebra el progreso: té, música, discursos de civilización. Abajo, los obreros se consumen entre vapor, polvo y hambre, soñando con un futuro que parece imposible.

Luis llega desde el sur con esperanza. Cree que podrá trabajar, ahorrar, volver. Pero la pampa no devuelve nada. Solo transforma.

Mary Jo, en cambio, parece no pertenecer a ningún tiempo. Habla de ciudades que aún no existen, de televisores, de un futuro que nadie más ve. Dice que no se llama así. Dice que está atrapada.

Entre ellos nace algo frágil: una conexión que desafía el tiempo, el sistema… y la cordura.

Mientras tanto, la tensión crece. Los obreros comienzan a organizarse. Exigen lo básico: dignidad, justicia, humanidad. Pero en Sebastopol, pedir es un acto peligroso.

El sistema no dialoga. Castiga.

La pampa escucha todo. El viento arrastra voces. El pasado se mezcla con el futuro.

Y cuando la violencia llega, no deja espacio para la duda: aquí el progreso tiene un precio… y alguien siempre paga.

Sebastopol es un viaje al corazón de la explotación, pero también al origen de la rebeldía. Una obra donde el tiempo se rompe, el amor es incierto… y la memoria nunca se extingue.
“Almuerzo De Mediodía (Brunch.)” – Ramón Griffero (1998.)

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Un hombre espera su muerte. Pero no está solo.

En un corredor que parece suspendido fuera del tiempo, rodeado de silenciosas peceras donde los salmones observan como testigos mudos, un condenado reconstruye su vida mientras el final se acerca inevitable.

Él fue muchas cosas: amante, escritor, monstruo, niño abandonado. Ahora es solo un cuerpo que respira sus últimos instantes… y una mente que no deja de crear.

A su lado, un guardián que duda, que se quiebra, que ya no sabe si custodia o acompaña. Y una mujer simple, cotidiana, que limpia el mundo mientras todo se derrumba.

La realidad comienza a fragmentarse. Los roles se confunden. Sócrates aparece. Gabriela Mistral respira. Los recuerdos se mezclan con fantasías, y la verdad deja de ser una línea clara.

¿Qué es un crimen? ¿Qué es la culpa? ¿Dónde termina el cuerpo y comienza la memoria?

Esta no es una historia sobre la muerte. Es sobre el instante antes. Ese momento suspendido donde todo cobra sentido… o lo pierde para siempre.

Una obra cruda, poética y perturbadora que enfrenta al espectador con lo más incómodo: la humanidad incluso en lo monstruoso.
“Malacrianza” – Cristian Figueroa Acevedo (1998.)

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En un rincón olvidado de la ciudad, donde la infancia se pudre antes de florecer, una familia lucha —o se destruye— bajo el peso de su propia sangre.

Un padre quebrado, una madre que se apaga, dos niños que aprenden demasiado pronto lo que nadie debería saber… y una muerte que lo cambia todo.

Malacrianza no es solo una obra: es un golpe seco al pecho. Un viaje crudo por la marginalidad, donde el amor se confunde con la violencia y la inocencia se deforma hasta volverse irreconocible.

A través de escenas fragmentadas, voces que se cruzan y recuerdos que sangran, el espectador entra en un mundo donde no hay refugio. Donde la calle educa, el hambre enseña, y el cuerpo paga.

Pancho y Girlén no juegan: sobreviven. Cantan en micros, esquivan manos, inventan futuros que nunca llegan. Mientras tanto, el padre —fantasma de sí mismo— se hunde en la culpa, la negación y el deseo más oscuro.

Pero toda violencia deja huella.
Y toda herida, tarde o temprano… responde.

Una obra intensa, incómoda y profundamente humana, que expone sin filtros la fractura de la familia y la crudeza de una realidad que muchos prefieren no mirar.
“El Ginecólogo De La Legua” – Ramon Griffero (1998.)

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"El Ginecólogo de la Legua" es una obra demoledora y visceral que nos sumerge en la mente de un personaje tan perturbador como inquietantemente reconocible. A través de una confesión aparentemente trivial, un profesional de la salud abre las puertas a su mundo interior, donde el lenguaje amable oculta un oscuro desprecio por sus pacientes más vulnerables.

Con una dramaturgia feroz y provocadora, Ramón Griffero nos enfrenta a un discurso cargado de hipocresía, clasismo y violencia encubierta bajo el manto de la ética médica. La obra desnuda, sin filtros, las contradicciones de un sistema que dice proteger mientras ejerce un control brutal sobre los cuerpos.

A través de este monólogo, el espectador se convierte en confidente involuntario de una práctica médica contaminada por prejuicios y resentimientos. La tensión crece palabra a palabra, hasta alcanzar un punto en que ya no hay vuelta atrás: el personaje se ha desnudado, y su verdad es tan perturbadora como imposible de ignorar.

"El Ginecólogo de la Legua" no busca complacer. Busca sacudir. Es un testimonio incómodo, pero necesario, que expone con crudeza la violencia estructural disfrazada de compasión. Una obra breve, pero que deja una huella imborrable.
“Viva La República” – Ramon Griffero (1998.)

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Una tierra dormida.
Unos hombres que deciden despertarla.

“Viva la República” no es solo una obra histórica: es una explosión de ideas, cuerpos y sueños en medio de una colonia que no sabe que está a punto de quebrarse.

Desde Europa llegan palabras peligrosas: libertad, igualdad, razón. Pero al tocar América, esas palabras cambian. Se ensucian con barro, con sangre, con deseo.

Tres hombres —un soñador, un ambicioso y un estratega— se atreven a imaginar lo imposible: una república en un mundo donde todo pertenece al rey. No tienen ejército. No tienen poder. Solo tienen una idea… y eso basta para encender el fuego.

A su alrededor, mujeres que sienten antes de entender. Que observan cómo el mundo tiembla. Que tejen, aman, temen… mientras algo invisible se acerca.

Pero toda revolución tiene su sombra.

La traición no llega con estruendo. Llega suave. Cercana. Inevitable.

Y entonces… todo cae.

O quizás no.

Porque en esta obra, la historia no termina: se repite, se mezcla, se sueña. Los muertos siguen hablando. Las ideas no se hunden. Flotan.

“Viva la República” es teatro vivo, poético y brutal.
Una obra que no cuenta el pasado… lo hace estallar en el presente.
“Las Copas De La Ira” – Ramon Griffero (1999.)

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Una voz atraviesa los siglos. No grita… advierte.

Desde los templos del antiguo Egipto hasta los cerros de Chile contemporáneo, Las Copas de la Ira despliega un viaje brutal por la historia humana, donde cada época revela la misma herida: la incapacidad de escuchar.

Un faraón que teme a su propio linaje.
Un niño que presencia mensajes divinos que anuncian el fin.
Un marginal que transforma la violencia en destino.
Un oficial que convierte el horror en rutina.

Y por sobre todos, un profeta que ha vivido mil vidas… y que sigue hablando, aunque nadie quiera oír.

Esta obra no ofrece consuelo. No promete redención fácil. Es un espejo oscuro donde la humanidad se reconoce —o decide no hacerlo.

Con una estructura fragmentada, poética y profundamente política, Ramón Griffero construye una pieza que no narra una historia lineal, sino una acumulación de advertencias. Cada escena es un golpe. Cada personaje, una señal.

Aquí no hay héroes.
Solo testigos del derrumbe.

Y tú, espectador…
¿Escucharás esta vez?
“Miradas Lastimeras No Quiero” – Flavia Radrigán (1999.)

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Una mujer avanza de rodillas, cargando velas, culpas y un amor que la desborda.

No reza.
Acusa.

En medio de una atmósfera cargada de símbolos religiosos y deseo reprimido, esta figura se desarma frente al espectador. Habla con un hombre que no está. Lo invoca, lo acusa, lo seduce. Es un sacerdote… o quizás una ilusión.

Su relato es un torbellino:
un matrimonio muerto en vida, un amor imposible, fantasías que reemplazan lo que nunca ocurrió.

Entre lo sagrado y lo carnal, la protagonista rompe todas las fronteras:
habla de sexo con crudeza, de fe con ironía, de amor con desesperación.

Pero algo no encaja.

Las historias se contradicen.
Los hombres cambian.
La verdad se desliza.

¿Quién fue realmente su marido?
¿Existió ese amor prohibido?
¿O todo es una construcción para no enfrentar el vacío?

Miradas lastimeras no quiero es un monólogo brutal, íntimo y profundamente humano.
Un viaje por la mente de una mujer que, ante la ausencia total de amor, decide inventarlo.

Porque cuando no queda nadie…
uno se convierte en su propio teatro.
“Nosotras Lo Hacemos Mejor” – Roberto Ramos Perea (2000.)

$5.490

Teresa Allyson Pérez, mujer de 50 años en su derroche de simpatía sin igual nos prueba, con su vida, el por qué las mujeres siempre serán mejor que los hombres. Ella nos hablará sobre su despertar sexual, de cómo llegó al matrimonio sin saber qué estaba haciendo, sobre el divorcio y los hombres infieles, de cómo las mujeres se vuelven verdaderamente feministas ante la vista de un culero cagado, de los seductores y el amor a los 50 y de todas esas cosas en que ellas, siempre lo hacen mejor.
Escucho Discos De Al Jolson, Mamá… – Luis Rivano (2001.)

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En una casa gastada por el tiempo, donde la luz apenas entra y la vida se sostiene con lo justo, un hombre decide desaparecer sin irse.

Hugo fue artista. Fue aplauso, maquillaje, escenario. Hoy es sombra. Vive encerrado, escuchando una y otra vez los viejos discos de Al Jolson, como si en esa voz quebrada aún latiera lo que fue… o lo que nunca terminó de ser.

Su madre, Mamy Chabela, no cree en fantasmas. Cree en la olla, en la feria, en sobrevivir. Lo empuja, lo sacude, lo enfrenta: hay trabajo esperando allá afuera. Un hombre insiste en la puerta. Pero Hugo no abre.

Porque abrir la puerta es volver.
Y volver significa recordar.

En ese espacio íntimo, áspero y profundamente humano, emerge una historia que no se cuenta: se desgarra.
La de Rossie.
Una niña de la calle convertida en bailarina, en compañía, en necesidad.
Un vínculo que no cabe en ninguna etiqueta, pero que dejó una marca imposible de borrar.

Entre recuerdos, reproches y momentos de humor brutalmente honesto, la obra revela un mundo olvidado: el teatro de revista, sus luces pobres, sus cuerpos expuestos, sus sueños baratos… y sus heridas reales.

Aquí no hay héroes.
Solo gente que hizo lo que pudo.

Y mientras la música sigue sonando en la penumbra, una pregunta queda suspendida:
¿Qué pasa cuando lo único que te sostiene… ya terminó?
“Tus Deseos En Fragmentos” – Ramon Griffero (2003.)

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Un cuerpo habla. Pero no es uno.
Son muchos. Son todos.

TUS DESEOS EN FRAGMENTOS no cuenta una historia: la desarma.

Un hombre —o lo que queda de él— recorre su mente como si fuera un museo en ruinas. Salas abiertas, recuerdos sin orden, amantes que se confunden, cuerpos que se buscan y se pierden antes de tocarse realmente.

Aquí el amor no es promesa: es intento.
El deseo no es plenitud: es urgencia.
La identidad no es fija: es un reflejo que cambia según quién mira.

Entre encuentros sexuales fugaces, fantasías no cumplidas, violencia íntima y memorias que sangran, emergen preguntas incómodas:
¿A quién amamos realmente?
¿A quién imaginamos?
¿Quiénes somos cuando nadie nos ve?

Las escenas se cruzan como sueños: un chat erótico, una despedida que nunca ocurre, un viaje que no fue, un cuerpo que cae, una historia que se repite. Todo sucede al mismo tiempo. Todo se rompe.

Y en el fondo… una certeza silenciosa:
la vida no se vive completa… se vive en fragmentos.

Una obra cruda, poética y brutalmente contemporánea que convierte el escenario en un espejo incómodo donde el espectador no observa… se reconoce.
“Fin De La Eclipse” – Ramon Griffero (2007.)

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Un cuerpo desnudo.
Un traje dibujado sobre la piel.
Una voz que ordena: “entra en escena y olvida que estás vivo.”

Fin del eclipse no es una historia… es un viaje al interior de todas las historias que nos han construido.

En un escenario que muta como un sueño febril, personajes atraviesan guerras, conquistas, amores imposibles, revoluciones y tragedias íntimas. Un hombre es muchos hombres: conquistador, amante, soldado, actor. Una mujer es todas las mujeres: musa, autora, verdugo, memoria.

Las escenas se rompen, se repiten, se contradicen.
Un actor ensaya mientras otro muere.
Un amante susurra mientras un imperio cae.
Un disparo en el cielo hiere a Dios… o quizás a la conciencia.

Aquí no hay tiempo lineal, ni verdad única.
Hay cuerpos que desean, que matan, que recuerdan.
Hay palabras que crean realidades… y las destruyen.

Entre el humor ácido, la crudeza política y la poesía descarnada, la obra desnuda una pregunta brutal:

👉 ¿Somos dueños de nuestra historia… o simples actores repitiendo un guion que no comprendemos?

“Fin del eclipse” es una experiencia escénica intensa, fragmentada y profundamente contemporánea, donde cada espectador deberá reconstruir su propio sentido… o aceptar perderse en la oscuridad.
“Chile Bi-200” – Ramon Griffero (2009.)

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La puesta en escena, que cuenta con el apoyo del Fondart Bicentenario, entrecruza canto y bailes, colores y texturas para representar distintos pasajes de nuestro patrimonio teatral, con diez actores en escena que dan vida a más de cuarenta personajes. “Camila, la patrióta de Sud-América”, de Camilo Henríquez (1810), “La Independencia de Chile”, de José Antonio Torres (1840), “La batalla de Tarapacá”, de Carlos Segundo Lathrop (1880), y “La República de Jauja”, de Juan Rafael Allende (1900) son las obras escogidas como punto de partida para este festivo montaje. Algunas de ellas fueron publicadas en una antología de dramaturgia que encargara el presidente Montt con motivo del centenario de la República, pero ninguna ha vuelto a presentarse después de su estreno en alguno de los teatros nacientes de nuestra ciudad.
“Pasion Por El Teatro” – Arlette Ibarra (2009.)

$6.990

Hay hombres que actúan.
Y hay otros que cambian el escenario completo.

Esta es la historia de uno de ellos.

En un Chile donde el teatro se desmoronaba entre crisis, olvido y espectáculo vacío, surge una figura obstinada, casi invisible al principio, pero imparable: un hombre que no buscaba aplausos… sino sentido.

Desde los campos del sur hasta los grandes centros culturales, su vida se convierte en una lucha constante por devolverle al teatro su dignidad. No como entretenimiento pasajero, sino como una herramienta capaz de transformar la conciencia de un país entero.

Entre actores improvisados, escenarios precarios y una sociedad en tensión, nace una revolución silenciosa: el teatro como disciplina, como pensamiento, como comunidad.

Pero toda revolución tiene un precio.

Conflictos políticos, incomprensión, exilio… y una pregunta que atraviesa cada página:
¿vale la pena entregar la vida a un arte que el mundo no siempre está dispuesto a sostener?

Este libro no es solo memoria.
Es un espejo incómodo.
Es una invitación.

Porque el teatro —como la vida— no se hereda: se construye.

Y alguien tiene que atreverse a comenzar.
“Bullying” – Julieta Flores (2009.)

$5.990

En un liceo chileno, siete jóvenes viven el día a día entre bromas, clases, romances y conflictos. Beatriz, una alumna brillante pero tímida y tartamuda, intenta sobrevivir en un entorno donde la diferencia es sinónimo de burla. Jonathan, un compañero de origen humilde, oscila entre la lealtad y el miedo al qué dirán, mientras Ratona, la líder del grupo, impone su poder a través del sarcasmo y la humillación. En este microcosmos adolescente, las risas esconden dolor y los silencios se vuelven cómplices. La obra desnuda el lado más cruel de la adolescencia y muestra cómo la indiferencia colectiva puede transformarse en tragedia. “Bullying” no solo refleja un conflicto escolar, sino una radiografía del Chile actual: desigual, intolerante y profundamente marcado por la falta de empatía. A través de un lenguaje cotidiano y escenas intensas, Julieta Flores invita al espectador a cuestionar su rol frente al acoso, recordando que cada palabra tiene el poder de salvar o destruir.
“Heme” – Piere Sauré Costa (2010.)

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En medio de la niebla, entre pastizales infinitos y una tierra cargada de secretos, un hombre regresa al lugar donde todo comenzó. No vuelve por nostalgia. No vuelve por amor. Vuelve porque hay heridas que no cicatrizan… y preguntas que exigen sangre para ser respondidas.

Marcado desde su nacimiento por una deformidad que lo convirtió en leyenda, abandonado por quienes debieron amarlo y condenado a crecer lejos de su origen, este hombre carga una vida entera de rabia, vergüenza y abandono. Durante años solo ha vivido con una certeza: algo le fue arrebatado. Su infancia, su identidad, su historia… su lugar en el mundo.

Ahora, tras décadas de ausencia, retorna al campo donde nació para enfrentar a aquellos que lo dejaron atrás. Pero en ese terreno húmedo, donde la memoria se mezcla con superstición y los muertos parecen negarse a descansar, el pasado no yace enterrado… respira bajo la tierra.

A través de un relato fragmentado, poético y ferozmente visceral, Heme construye una pesadilla teatral donde realidad, mito y locura se entrelazan. Lo que comienza como la historia de un hombre buscando respuestas pronto se transforma en una tragedia sobre el abandono, la herencia del dolor y la desesperada necesidad humana de saber quiénes somos y de dónde venimos.

Oscura, brutal y profundamente simbólica, Heme es una obra que explora cómo el sufrimiento puede deformar el alma hasta volver monstruo al hombre más herido. Una experiencia teatral intensa, incómoda y hermosa, donde cada escena parece surgir desde un sueño febril o un recuerdo enterrado demasiado tiempo.

Porque hay dolores que no desaparecen.
Solo esperan… hasta encontrar el momento de volver.
“El Descanso De Las Velas” – Flavia Radrigán (2011.)

$5.490

Cuatro cuerpos. Una casa. Y un pasado que no se apaga… solo arde más lento.

El descanso de las velas nos arrastra a un espacio donde la memoria no es recuerdo: es condena. Dos hermanas, dos hermanos, unidos por la sangre, el deseo y una red de secretos que nunca debieron sobrevivir.

Aquí nadie está sano. Nadie está libre.

Amelia enciende velas como quien invoca algo que ya no responde. Sofía vive encerrada, pero su verdadera prisión es el deseo que no logra saciar. Eduardo evita, esquiva, se deshace en excusas mientras el cuerpo lo traiciona. Roberto carga con la guerra, con la muerte, con una idea de amor que no alcanza.

Las relaciones se cruzan, se contaminan, se rompen: infidelidades, juegos de poder, provocaciones sexuales, dependencia emocional. Pero lo que realmente habita en esta casa no es el escándalo… es el vacío.

Un vacío que viene de lejos.

Infancias violentadas. Cuerpos usados. Lenguas obligadas a callar. Historias que nadie quiso escuchar y que ahora regresan deformadas, convertidas en ritual, en juego, en locura.

Cada escena es un fragmento de algo mayor: una verdad imposible de mirar de frente.

Y mientras preparan una cena familiar —como si la normalidad fuera posible— la tensión crece, el lenguaje se quiebra y los límites desaparecen.

Porque en esta casa no se conversa:
se sobrevive.
se repite.
se devora.

Una obra cruda, incómoda y profundamente humana que expone lo que ocurre cuando el dolor no encuentra salida.

Las velas no iluminan.
Las velas observan.
El Diseño Teatral – Iluminación, Vestuario y Escenografía (2013.)

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Ópera, teatro, danza, circo, música, performances, espectáculos en vivo… Las artes escénicas pueden adquirir diversas y muy variadas formas y detrás de cada una de ellas se encuentran los técnicos y diseñadores de las artes escénicas, un grupo humano clave en el desarrollo cultural del país y cuya experiencia, muchas veces aprendida en la práctica y a través de maestros, pasa desapercibida para el espectador. Diseñadores, iluminadores, escenógrafos, vestuaristas, tramoyas, sonidistas, artesanos y tantos otros dan vida a un espectáculo en que cada elemento que aparece en escena es producto de su experiencia, creatividad y saberes que, dentro de un proceso y un lenguaje común, permiten crear una experiencia única e irrepetible. Valorizar, ejemplificar y dar cuenta de su labor, es el principal objetivo de la colección Herramientas para los Técnicos en Artes Escénicas, realizada por el Consejo de la Cultura y las Artes de la Región Metropolitana en conjunto con la Agrupación de Diseñadores, Técnicos y Realizadores Escénicos (ADTRES). Así, para fortalecer las capacidades y competencias de los técnicos de las artes escénicas y establecer un lenguaje común que permita elevar los estándares de un sector altamente dinámico, se abordan como temas de esta colección: el diseño de las áreas creativas; las regulaciones vigentes para la protección social y seguridad de los trabajadores y la habilidades necesarias para despeñarse en este oficio.
“Dulces 16” – Enzo Ferrari (2013.)

$5.490

En la noche de su cumpleaños número dieciséis, Úrsula prepara una pequeña celebración en casa junto al hombre que la crió: Leopoldo Martínez, famoso locutor radial conocido en todo Chile como “La Voz de la Verdad”. Carismático, exitoso, admirado por miles, Leo parece el padre perfecto. Pero tras las sonrisas, los regalos y la torta de cumpleaños, algo oscuro se esconde entre ambos.

Lo que comienza como una velada íntima y aparentemente inocente pronto se transforma en un peligroso juego psicológico donde cada palabra pesa, cada mirada oculta una intención y cada copa acerca más a los personajes al abismo. Mientras el whisky corre y las máscaras comienzan a caer, viejas heridas resurgen, secretos enterrados emergen a la superficie y una verdad insoportable amenaza con destruirlo todo.

Úrsula ya no es una niña. Esta noche ha decidido enfrentar el pasado, arrancar las vendas de antiguas cicatrices y obligar a Leo a mirar de frente aquello de lo que ha escapado durante años. Pero cuando el amor, la culpa, la obsesión y la venganza chocan bajo un mismo techo, la celebración se convierte en una pesadilla de la que nadie saldrá ileso.

“Dulces 16” es un intenso thriller teatral cargado de tensión, manipulación emocional y giros devastadores, donde la línea entre víctima y victimario se vuelve difusa, y donde las verdades más dolorosas no siempre son las que se dicen… sino las que se callan.

Una obra oscura, provocadora y profundamente humana sobre la culpa, el trauma, la obsesión y los monstruos que nacen cuando el amor se mezcla con el dolor.

e mezcla con el dolor.
“El Almuerzo Infectado” – Enzo Ferrari (2013.)

$5.490

En un comedor donde nada parece salirse del guion, cinco personajes numerados viven la rutina de un almuerzo estructurado al extremo. Un libro —el "Manual de Comportamiento"— se convierte en la nueva biblia del grupo, dictando cada gesto, cada palabra, cada masticada. Pero ¿qué pasa cuando una simple pregunta sobre Dios rompe con el protocolo y desata el caos? ¿Qué ocurre cuando uno de los comensales decide salirse del molde, quitarse la ropa, pintarse de azul y bailar?

El Almuerzo Infectado es una comedia absurda cargada de sátira y metáfora, que desafía las normas establecidas con humor ácido y escenas delirantes. A través de personajes sin nombre, la obra retrata con crudeza lo que implica vivir bajo reglas impuestas, temer al castigo y ceder al adoctrinamiento disfrazado de cortesía.

Un manual, un plato de comida, una campanita, una servidumbre cuestionadora y el sótano: elementos que se mezclan para construir una obra incómoda, irreverente y lúcida. Perfecta para montajes provocadores, escuelas teatrales o espacios alternativos, esta obra invita a preguntarse: ¿es más peligroso cuestionar o obedecer?

Ideal para 5 intérpretes, esta pieza es un espejo absurdo del orden social y una fiesta para actores que buscan personajes cargados de contraste, subtexto y juego escénico.