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“El Incendio” – August Strindberg (1907.)

$3.490

La obra transcurre en un barrio pobre de Estocolmo, frente a una casa incendiada donde los restos de tapices y muebles quemados aún humean. El siniestro, ocurrido la noche anterior, sirve como catalizador de las tensiones sociales y morales que habitan entre los vecinos: el albañil, el jardinero, la vieja, la tabernera y un policía que investiga el origen del fuego. Las sospechas se entrecruzan con chismes y resentimientos antiguos.

Poco después aparece Rudolf Valström, tintorero y propietario de la casa, seguido de Arvid Valström, su hermano perdido durante treinta años. Entre ambos se desata un duelo verbal y filosófico sobre la familia, la culpa y el destino. El incendio funciona como espejo del pasado: las ruinas exponen secretos familiares, corrupción, infidelidades y una antigua red de contrabando que su familia escondía entre los muros de la tintorería.

La segunda parte transcurre entre los escombros. Arvid se enfrenta con otros personajes —el estudiante sospechoso, el picapedrero que busca venganza, el pintor resentido— y va descubriendo que el incendio no fue un accidente sino una purga simbólica: el fuego reveló la hipocresía, el pecado y la falsedad de toda una generación.
La obra cierra con la joven pareja Alfred y Mathilde, que observan las ruinas soñando con huir del barrio. Son la única promesa de renovación entre tanta decadencia. El fuego, destructor y purificador, deja abierta la pregunta: ¿puede una familia, una ciudad o un alma renacer de sus propias cenizas?
“El Gordo Y El Flaco” – Sergio Vodanovic (1992.)

$5.490

Un hombre regresa del exilio creyendo que vuelve a casa.
Pero la casa ya no existe.

En una buhardilla suspendida sobre una ciudad transformada por el progreso y el olvido, El Gordo y el Flaco enfrenta a dos amigos marcados por una juventud revolucionaria y un presente irreconciliable. Andrés vuelve cargando memoria, culpa y sueños intactos. Esteban se quedó, se adaptó, triunfó. Ambos creen tener razón. Ambos saben que algo se perdió para siempre.

La obra se despliega como un duelo verbal intenso, lúcido y profundamente humano. No hay héroes ni villanos: hay elecciones. El dinero, la familia, el miedo, la comodidad, la lealtad, el amor y la vergüenza circulan en cada escena como corrientes subterráneas.

La llegada de una mujer perseguida por razones políticas reactiva la urgencia del pasado y obliga a los personajes a definirse. ¿Hasta dónde llega la responsabilidad moral? ¿Qué precio tiene la coherencia? ¿Es posible seguir creyendo cuando todo alrededor invita a olvidar?

Sergio Vodanovic construye un drama íntimo y político, atravesado por humor amargo, recuerdos compartidos y canciones que funcionan como fantasmas del tiempo perdido. La buhardilla se transforma en un campo de batalla simbólico donde se enfrentan la memoria y la amnesia colectiva.

El Gordo y el Flaco no habla solo del pasado chileno: habla de todos aquellos que alguna vez soñaron con cambiar el mundo y despertaron en uno que ya no reconocen.
“El Ginecólogo De La Legua” – Ramon Griffero (1998.)

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"El Ginecólogo de la Legua" es una obra demoledora y visceral que nos sumerge en la mente de un personaje tan perturbador como inquietantemente reconocible. A través de una confesión aparentemente trivial, un profesional de la salud abre las puertas a su mundo interior, donde el lenguaje amable oculta un oscuro desprecio por sus pacientes más vulnerables.

Con una dramaturgia feroz y provocadora, Ramón Griffero nos enfrenta a un discurso cargado de hipocresía, clasismo y violencia encubierta bajo el manto de la ética médica. La obra desnuda, sin filtros, las contradicciones de un sistema que dice proteger mientras ejerce un control brutal sobre los cuerpos.

A través de este monólogo, el espectador se convierte en confidente involuntario de una práctica médica contaminada por prejuicios y resentimientos. La tensión crece palabra a palabra, hasta alcanzar un punto en que ya no hay vuelta atrás: el personaje se ha desnudado, y su verdad es tan perturbadora como imposible de ignorar.

"El Ginecólogo de la Legua" no busca complacer. Busca sacudir. Es un testimonio incómodo, pero necesario, que expone con crudeza la violencia estructural disfrazada de compasión. Una obra breve, pero que deja una huella imborrable.
“El General Daza” – Juan Rafael Allende (1879.)

$1.490

El General Daza es una farsa política chispeante escrita en pleno 1879 por Juan Rafael Allende, donde la sátira y la picardía se convierten en armas de denuncia y orgullo nacional. Ambientada en un teatro de La Paz durante una noche de máscaras, la obra desenmascara —literal y simbólicamente— la decadencia moral, el autoritarismo grotesco y la ineptitud de las élites militares bolivianas frente a la ocupación chilena de Antofagasta.

Con personajes caricaturescos, versos ágiles y situaciones absurdas, esta obra retrata cómo un grupo de ciudadanos chilenos, con ingenio y valentía, desafía el poder desde el corazón del absurdo. Entre ellos destaca una mujer audaz, Filomena, y un "roto chileno" que —con humor e irreverencia— se convierte en símbolo de dignidad, coraje y resistencia popular.

La pieza combina crítica política, humor mordaz y aguda observación social, reflejando el sentir popular del pueblo chileno en tiempos de tensión geopolítica. Es una joya de la dramaturgia patriótica satírica, perfecta para montajes contemporáneos que deseen rescatar memoria histórica desde la comedia.

Ideal para públicos que disfrutan del humor político, el teatro popular y la crítica social con tintes de carnaval y rebelión.
“El Ensayo de La Comedia” – Daniel Barros Grez (1889.)

$1.490

En el caos luminoso del teatro, donde la ficción y la realidad se entrelazan sin aviso, un ensayo se convierte en un espectáculo en sí mismo.

"El Ensayo de la Comedia" nos traslada al corazón palpitante de una compañía dramática que intenta preparar una obra a días de su estreno. Bajo la dirección del sufrido Ambrosio, actores extravagantes, egos teatrales y amores contrariados se entrecruzan entre bastidores, donde nada parece salir como estaba planeado.

La poderosa Rita, actriz veterana con aires de diva, impone sus caprichos, mientras su hija Serafina busca su libertad emocional en los brazos del apasionado Rafael. Entre celos, amenazas de abandono, improvisaciones absurdas, y discursos sobre el arte y las musas, la comedia se dispara hacia niveles insospechados. Las interrupciones del ensayo se vuelven el alma de la historia: amores frustrados, locuras simuladas y falsas apariciones que desafían cualquier lógica.

Con humor agudo, crítica social disfrazada de risa y una estructura que desarma la propia idea de “ensayo”, esta pieza es una joya del teatro chileno decimonónico. Una comedia sobre hacer comedia, donde todos actúan… incluso cuando creen no estar actuando.
“El Enfermo Imaginario” – Molière (1673.)

$1.490

El enfermo imaginario es una comedia ingeniosa y aguda de Molière que mezcla sátira, amor, engaños y muchas lavativas. La historia sigue a Argan, un hombre completamente convencido de estar gravemente enfermo, aunque su único síntoma real parece ser su dependencia de los médicos y medicamentos. Su mundo gira en torno a recetas, enemas y diagnósticos dudosos, mientras que su criada Antonia intenta, con sarcasmo y picardía, devolverle un poco de sentido común.

A este caos se suma Angélica, su hija, enamorada de un joven que su padre rechaza por no ser médico, y Belisa, la segunda esposa de Argan, que lo cuida con devoción… o al menos eso aparenta. El deseo de Argan de tener un yerno doctor da pie a un desfile de personajes ridículos, discursos científicos absurdos y una crítica feroz al sistema médico de la época.

Llena de escenas delirantes, música, bailes, y hasta intermedios cómicos, esta obra no solo ofrece risas, sino también una mirada inteligente sobre el poder, la hipocresía y la confianza ciega en la autoridad. Ideal para públicos que disfrutan del teatro clásico, la sátira social y las historias de amores contrariados con un fondo de crítica brillante.
“El Cuento del Tio” – Juan Rafael Allende (1904.)

$3.000

En el Chile del futuro imaginado por el siglo XIX —¡el año 2000!—, el ingenuo Inocencio Peñafiel llega al corazón del poder con una caja misteriosa bajo el brazo. Cree que contiene una fortuna, pero al entrar al Ministerio de Hacienda, se encontrará con algo más peligroso que la pobreza: la burocracia y la codicia.

Entre plumas, sellos y decretos interminables, tres funcionarios —el solemne Ministro, el servil Oficial de Pluma y el calculador Oficial de Partes— rodean al ingenuo visitante con una mezcla de curiosidad y avaricia. ¿Qué habrá en la caja? ¿O acaso lo que brilla es el reflejo del engaño?

Con humor punzante y una ironía brillante, Juan Rafael Allende convierte la oficina pública en un escenario de comedia política y farsa social, donde el poder, la corrupción y la inocencia se cruzan en un juego absurdo de apariencias.

Una obra tan hilarante como lúcida, que anticipa un futuro ridículamente parecido a nuestro presente.
💡 “El Cuento del Tío” es una radiografía de la eterna trampa entre el ingenuo que cree y el poderoso que se aprovecha.
“El Círculo De Tiza Caucasiano” – Bertolt Brecht (1948.)

$5.490

En un mundo donde el poder cambia de manos con la violencia de un relámpago, El círculo de tiza caucasiano plantea una pregunta simple y devastadora: ¿a quién pertenece realmente aquello que amamos?

Cuando un régimen cae y la sangre corre por las calles, una mujer humilde toma una decisión que lo cambia todo. Grusche, sirvienta sin linaje ni fortuna, recoge a un niño abandonado en medio del caos. No es suyo. No debería hacerlo. Y sin embargo, lo hace. A partir de ese instante, su vida se convierte en una larga huida: montañas, hambre, frío, traiciones, renuncias. Amar, aquí, es un acto peligroso.

Bertolt Brecht entrelaza esta historia íntima con una mirada ferozmente política. El amor maternal no se idealiza: se pone a prueba. La justicia no aparece como un templo sagrado, sino como un espacio frágil donde la inteligencia y la ironía pueden derrotar a la ley ciega. Azdak, juez imprevisible y burlón, desmonta el orden establecido con fallos que parecen absurdos, pero que revelan una lógica profundamente humana.

La obra no busca consuelo, sino lucidez. Con canciones, narración directa y distanciamiento épico, Brecht nos obliga a mirar de frente: lo justo no siempre coincide con lo legal, y la verdadera propiedad nace del cuidado, no del privilegio.

Una fábula política, poética y brutalmente vigente.
“El Casi Casamiento” – Daniel Barros Grez (1881.)

$3.490

Una viuda rica, un poeta sin rumbo, un oportunista arruinado y una joven disfrazada de anciana... ¿Qué puede salir mal?
En el Santiago de 1881, la vida social gira en torno al dinero, la apariencia y las apariencias aún más ridículas. En este contexto, Don Catalino Gacetilla, filósofo del bolsillo vacío, ve en Doña Columbina, una excéntrica viuda de "alma joven", la solución a todos sus males económicos. Lo que para él es una estrategia de supervivencia, para ella es un torbellino romántico digno de versos y promesas.

Mientras tanto, su amigo Tristán, joven romántico y derrotado por el desamor, piensa lanzarse al río por una decepción amorosa, pero termina cenando mosto y recitando poesía... también por una decepción amorosa. En un giro de comedia absurda, la sobrina de Columbina, Rosita, debe disfrazarse de vieja para no opacar la belleza "resplandeciente" de su tía ante Catalino.

Con diálogos chispeantes, crítica mordaz y personajes caricaturescos, "El casi casamiento" desenmascara los matrimonios por conveniencia, la vejez negada y el amor disfrazado de interés. Esta comedia costumbrista chilena, de humor corrosivo y ritmo ágil, pone en escena una sátira atemporal sobre las apariencias, el dinero y la risa como último refugio frente al ridículo humano.

Ideal para montajes escénicos dinámicos, lecturas dramatizadas o adaptaciones contemporáneas que deseen explorar el lado más cómico del patetismo burgués.
A lo largo de la obra, los personajes se ven atrapados en situaciones cómicas y emocionales, tejiendo una red de conflictos amorosos y financieros. Sin embargo, a medida que avanza la trama, se resuelven los enredos y se alcanza una conclusión satisfactoria para todos. Una obra llena de humor y romance, que captura la esencia de una época pasada y la complejidad de las relaciones humanas. Una historia que muestra que, a pesar de los obstáculos, el amor verdadero siempre encuentra su camino.
“Don Juan O El Festin De Piedra” – Molière (1665.)

$1.490

¿Qué pasaría si el mayor seductor del mundo no creyera en nada… ni siquiera en el infierno?

Don Juan, joven aristócrata, brillante, elegante e irresistible, ha hecho del amor un deporte y del engaño una forma de vida. No hay mujer que no pueda conquistar ni promesa que no rompa. Ya sea una dama de alta alcurnia, una campesina inocente o una novicia arrancada del convento, Don Juan no conoce límites. Lo acompaña siempre Sganarelle, su criado, tan cobarde como moralista, quien intenta inútilmente frenar la caída de su amo hacia el abismo.

A través de esta comedia profundamente crítica, Molière presenta a un personaje audaz, irreverente y moderno, que pone en jaque las instituciones del matrimonio, la religión y la moral de su época. Don Juan no solo es un seductor, sino también un iconoclasta: desprecia a Dios, ridiculiza a los médicos, se disfraza para escapar de sus enemigos y miente sin pestañear. Su retórica es tan poderosa que incluso hace dudar a quienes lo condenan.

Pero el mundo que Don Juan ha despreciado no se queda callado. Las mujeres traicionadas, los hombres humillados, los dioses burlados… todos piden justicia. En esta obra llena de ritmo, humor y tensiones filosóficas, lo cómico y lo trágico se entrelazan hasta alcanzar un desenlace memorable.

Ideal para compañías que deseen explorar la seducción del poder, la fragilidad de la verdad y la eterna lucha entre el placer y la conciencia.
“Diana Y Tuda” – Luigi Pirandello (1926.)

$3.490

En Diana y Tuda, Luigi Pirandello coloca al espectador frente a una tensión silenciosa y perturbadora: la lucha entre la vida que se mueve y la forma que quiere eternizarla. La obra se sitúa en el mundo del arte, pero no lo celebra; lo desnuda. Aquí, crear no es un acto inocente, sino una operación peligrosa, casi violenta.

Tuda es una joven modelo en plena vitalidad. Su cuerpo no es solo bello: está vivo, responde, se cansa, protesta. Frente a ella se alza Sirio Dossi, escultor obsesionado con alcanzar una obra definitiva, una forma absoluta que no envejezca ni tiemble. Para lograrlo, necesita algo más que talento: necesita apropiarse del cuerpo vivo de Tuda y someterlo a la inmovilidad de la estatua. No busca a la mujer; busca la forma que puede extraer de ella.

La referencia a Diana cazadora no es decorativa. Diana encarna la autonomía, la acción, la independencia del cuerpo femenino. Pero en la obra, esa postura heroica es impuesta, sostenida a la fuerza durante horas, hasta que el gesto deja de ser poder y se convierte en sacrificio. Tuda posa como una diosa, pero lo hace como humana: con dolor, cansancio y conciencia.

Pirandello introduce entonces una pregunta inquietante: ¿qué precio paga la vida cuando el arte exige perfección? ¿Qué ocurre cuando el cuerpo deja de pertenecerse y pasa a ser material? Tuda no es ingenua ni pasiva. Comprende lo que sucede, lo observa con ironía y lucidez, y aun así queda atrapada en una red donde el amor, la admiración artística y la ambición se confunden peligrosamente.

Diana y Tuda no es solo una obra sobre artistas y modelos. Es una reflexión profunda sobre el poder, la posesión y el conflicto entre lo efímero y lo eterno. Cada gesto detenido, cada silencio, cada postura sostenida revela una verdad incómoda: cuando la vida se convierte en forma, algo esencial comienza a perderse. Y esa pérdida, aunque aún no se nombre, se siente desde el primer instante.
“Deja Que Los Perros Ladren” – Sergio Vodanovic (1959.)

$5.490

En una casa modesta de Santiago, un hombre correcto se enfrenta al ruido ensordecedor del poder.

Esteban Uribe ha vivido creyendo que la ley basta. Que cumplirla es suficiente para caminar erguido, para dormir tranquilo, para mirar a su hijo a los ojos. Pero cuando el Estado le exige que utilice esa misma ley como arma de censura, su mundo comienza a resquebrajarse.

Un diario incómodo debe ser silenciado. No por delitos comprobados, sino por pensar distinto. La orden es clara, la presión implacable. Esteban se niega. Y entonces los perros comienzan a ladrar.

Llamadas anónimas, insultos públicos, sospechas, golpes que no siempre dejan marcas visibles. La violencia se filtra en la casa, en la mesa familiar, en la mirada del hijo que empieza a preguntarse si la honestidad no es, en el fondo, una forma elegante de derrota.

Entre un ministro cínico, un empresario sin escrúpulos y una sociedad que prefiere el silencio cómodo, Esteban resiste. No como héroe épico, sino como hombre común que se aferra a sus principios mientras todo alrededor le exige que los abandone.

Deja que los perros ladren es un drama político íntimo, ferozmente vigente, que desnuda el costo real de la integridad en un mundo donde la ley puede torcerse y la moral se negocia.
Una obra sobre el precio de decir no.
Y sobre lo solos que quedamos cuando lo decimos.
“De Rokha” – Cristian Figueroa Acevedo (2014.)

$5.490

En una noche suspendida entre la memoria, la furia y la muerte, un anciano Pablo de Rokha se enfrenta a los fantasmas de su propia existencia. Rodeado de papeles, vino, piedras y recuerdos, el legendario poeta chileno revive los episodios que marcaron su vida: el amor feroz por Winétt de Rokha, la tragedia de sus hijos perdidos, las luchas políticas que incendiaron su pensamiento, las disputas con la intelectualidad de su tiempo y la incansable batalla de un hombre que jamás supo doblarse ante nadie.

“De Rokha” no es una biografía convencional: es una inmersión visceral en la mente y el corazón de uno de los personajes más intensos, contradictorios y apasionados de la literatura chilena. A través de una puesta en escena profundamente poética, la obra transforma al célebre escritor en un mito viviente; un toro herido, un profeta maldito, un padre devastado, un amante feroz, un revolucionario que convirtió la palabra en arma y la poesía en piedra.

Entre recuerdos fragmentados, apariciones fantasmales y diálogos cargados de crudeza, humor y lirismo, el espectador presencia la construcción y destrucción de un hombre monumental que dedicó su vida a escribir con rabia, amar con violencia y vivir sin pedir permiso. Cada escena revela el precio de su genialidad, el peso de sus convicciones y la soledad inevitable de quien elige enfrentarse al mundo entero antes que traicionar su verdad.

Con una estética intensa y profundamente teatral, “De Rokha” es un homenaje feroz al artista indomable, al hombre político, al padre quebrado y al poeta inmortal. Una obra sobre la creación, el dolor, la memoria y la lucha de un hombre cuya voz fue demasiado grande para su tiempo… y demasiado salvaje para ser olvidada.
“De La Taberna Al Cadalso” – Juan Rafael Allende (1901.)

$1.490

En el Santiago de comienzos del siglo XX, Julián Requena, un carpintero honesto y trabajador, parece haber alcanzado el sueño de todo obrero: mantener a su familia y proyectar la compra de una casa propia. A su lado, Mercedes, su esposa, encarna la prudencia y la virtud, mientras su hija Virginia deslumbra por su inocencia, talento y ansias de un futuro digno.

Pero la estabilidad del hogar pronto se ve amenazada por fuerzas oscuras. El alcohol, en forma de la taberna, se convierte en el enemigo silencioso que devora ahorros, honra y voluntad. Cirilo Canales, un vecino vicioso y corrupto, arrastra a Julián a la bebida, desencadenando una cadena de conflictos familiares y sociales.

En contraste, la juventud aparece dividida: Manuel Contreras, un joven mecánico idealista, representa el amor sincero y el progreso, mientras que Alfredo Fuentes, hijo de un hacendado, simboliza la decadencia de la élite: jugador empedernido, libertino y borracho, que pretende seducir a Virginia a cualquier costo. La sombra del poder policial, encarnada en Querubín Botarro, acecha como un recordatorio de que la corrupción no está lejos del crimen.

De la Taberna al Cadalso es un drama social y moralizante que retrata con crudeza la fragilidad del hogar obrero frente a las tentaciones del vicio. Escrita en verso y con escenas que alternan ternura, tensión y denuncia, la obra interpela al espectador: ¿puede una familia resistir cuando el alcohol se convierte en su juez y verdugo?

Un clásico del teatro chileno de denuncia, vigente hasta hoy, que invita a reflexionar sobre los límites entre virtud y corrupción, amor y degradación.
“Cuando Venga El Amor” – Armando Moock (1920.)

$3.490

En una casa bañada por el sol y las convenciones, una joven debe casarse sin saber por qué. “Cuando venga el amor” es la historia de una inocencia que se despierta tarde, cuando el velo del deber se rompe y asoma la verdad.
Margot, educada para complacer, descubre en la víspera de su boda que su corazón está vacío. Rafael, su prometido, busca en ella un amor que no existe y, al hallarse ante la sinceridad de su renuncia, elige liberarla.
Entre conversaciones frívolas, risas y costumbres burguesas, el texto avanza hacia un duelo íntimo entre la razón y el sentimiento, donde la palabra se convierte en bisturí.
Moock, con lenguaje delicado y moderno, escribe un retrato de la mujer que empieza a pensarse a sí misma, capaz de decir “no” sin odio ni culpa. Una joya del teatro chileno del 1920 que sigue resonando con su pregunta esencial: ¿Qué haremos cuando por fin venga el amor?
“Como En Santiago” – Daniel Barros Grez (1875.)

$3.490

"Como en Santiago" es una comedia de costumbres tan vigente como mordaz. Ambientada en un tranquilo pueblo chileno del siglo XIX, nos adentra en el mundo de una familia que, empeñada en aparentar lo que no es, cae en los enredos del amor, el arribismo y la ignorancia ilustrada.

Doña Ruperta, matriarca voluntariosa, vive obsesionada con transformar su hogar en una imitación perfecta de la capital. Su hija Dorotea, criada en ese delirio de grandeza, sueña con galanes refinados, vestidos parisinos y matrimonios a la velocidad del vapor santiaguino. Todo parece ir sobre ruedas hasta que aparece Faustino Quintalegre, un diputado capitalino cuya labia encantadora desata el caos.

En una sola noche, Dorotea abandona a su prometido provincial, Silverio, y apuesta todo a Faustino, un hombre que la halaga pero oculta intenciones más convenientes que románticas. Entre tanto, Inés —la sobrina huérfana y olvidada— observa en silencio y desde la sombra, cargando con un amor que no puede confesar y una dignidad que eclipsa a todos los personajes.

Con diálogos filosos, personajes ridículos y situaciones hilarantes, esta obra retrata con agudeza la imitación absurda de los hábitos urbanos, el clasismo encubierto en la vida provinciana y el eterno conflicto entre apariencia y autenticidad. Una joya del teatro chileno decimonónico que todavía hace reír —y pensar— sobre quiénes somos y a quiénes queremos parecer.
“Como Antes, Mejor Que Antes” – Luigi Pirandello (1920.)

$3.490

Una mujer renace de entre los muertos en una villa del norte de Italia. Fulvia, marcada por el escándalo y la culpa, vuelve a cruzarse con su marido —el hombre que la salvó con bisturí— y con su amante —el que la arrastró al abismo.
Pirandello construye una tormenta de pasiones dentro de una vieja pensión donde la razón y el deseo se confunden.
Entre los murmullos de los criados y las sombras del lago de Como, tres almas se enfrentan al espejo del tiempo: ¿puede el amor sobrevivir después de la humillación?
Como antes, mejor que antes es una tragedia íntima donde cada personaje busca una segunda oportunidad en un mundo que ya no perdona.
“Chile Bi-200” – Ramon Griffero (2009.)

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La puesta en escena, que cuenta con el apoyo del Fondart Bicentenario, entrecruza canto y bailes, colores y texturas para representar distintos pasajes de nuestro patrimonio teatral, con diez actores en escena que dan vida a más de cuarenta personajes. “Camila, la patrióta de Sud-América”, de Camilo Henríquez (1810), “La Independencia de Chile”, de José Antonio Torres (1840), “La batalla de Tarapacá”, de Carlos Segundo Lathrop (1880), y “La República de Jauja”, de Juan Rafael Allende (1900) son las obras escogidas como punto de partida para este festivo montaje. Algunas de ellas fueron publicadas en una antología de dramaturgia que encargara el presidente Montt con motivo del centenario de la República, pero ninguna ha vuelto a presentarse después de su estreno en alguno de los teatros nacientes de nuestra ciudad.
“Casimiro Vico, Primer Actor” – Armando Moock (1937.)

$3.490

En un modesto taller de sastrería de Santiago, entre tijeras gastadas, telas descoloridas y sueños que no cotizan en el mercado, vive Casimiro Vico, un hombre bueno, excesivamente bueno. Sastre de oficio, artista de vocación, Casimiro cree —con fe casi infantil— que el teatro ennoblece, salva y redime.

Cuando una compañía teatral aparece prometiéndole gloria, aplausos y un nuevo destino, Casimiro acepta sin medir consecuencias. Junto a su esposa Carmen —práctica, sensible y dueña de una voz que sorprende a todos— abandona la seguridad del trabajo para lanzarse a una gira incierta. Él quiere ser actor. Ella, sin buscarlo, empieza a serlo de verdad.

Pero el teatro no es solo telón y ovaciones. Es ensayo interminable, egos heridos, contratos difusos, hambre, trenes que no esperan y estaciones donde nadie escucha. A medida que el viaje avanza, la ilusión se agrieta. Casimiro no es el gran actor que imaginó, pero sigue siendo el hombre generoso que sostiene a todos. Carmen, en cambio, crece, se afirma, y ve con claridad lo que su marido se niega a aceptar.

Casimiro Vico, Primer Actor es una obra profundamente humana, divertida y dolorosa, que retrata el mundo teatral desde adentro: sus miserias, su ternura y su brutal honestidad. Una tragicomedia donde el sueño artístico se enfrenta a la realidad social, y donde el verdadero heroísmo no está en el aplauso, sino en la dignidad de quien se atreve a creer.
“Casa De Muñecas” – Henrik Ibsen (1879.)

$3.490

En una elegante casa noruega, Nora Helmer parece tenerlo todo: una familia amorosa, una vida cómoda y la promesa de una nueva estabilidad económica. Sin embargo, bajo esa aparente perfección, se oculta un secreto que desafía las normas sociales, las leyes y los límites del amor conyugal.

Casa de muñecas, obra cumbre del realismo moderno, nos introduce en un mundo de apariencias, manipulaciones y sacrificios silenciosos. Nora, tierna y vivaz, ha cometido una falta en nombre del amor, pero ese acto de devoción amenaza con volverse en su contra cuando su pasado llama a la puerta en forma de chantaje. A medida que los días festivos se acercan y la felicidad conyugal se ve amenazada, las grietas en la estructura del matrimonio se hacen cada vez más visibles.

Henrik Ibsen nos entrega una historia intensa, donde las pequeñas acciones adquieren una magnitud devastadora, y donde la verdadera revolución ocurre en el alma de una mujer que se atreve a pensar por sí misma. Esta obra no solo retrata el rol de la mujer en la sociedad del siglo XIX, sino que lo cuestiona radicalmente, dejando en el espectador una inquietud que traspasa el tiempo.

Una joya del teatro universal que conmueve, incomoda y transforma.